Die partiell um Electronica-Tupfer erweiterten Arrangements gestalten sich angenehm unaufdringlich, während Sänger Morten Harket stimmlich und emotional fast alle, wenngleich auch nicht mehr die allerhöchsten, Register zu ziehen vermag. Nebenbei grüßt er Epigonen wie Coldplay („I’m In“), vor allem aber beweisen a-ha mit allerhand schönen Stücken wie dem Titelsong, „As If“ oder „Summer Rain“, dass ihnen wohlkomponierte Songs immer noch mühelos von der Hand gehen.

Mag das verhuscht Skizzenhafte des „Take On Me“-Jahrhundertvideos mittlerweile (Pop-)Geschichte sein, fast vier Jahrzehnte später zeigt sich das norwegische Trio im Rahmen dieses distinguierten Alterswerks bestens aufgehoben.

(musikexpress)

Das Auftaktstück "I'm in" breitet sich in echter Schönheit vor der Zuhörerschaft aus und lässt die Erwartungen an das Folgende direkt anwachsen. Der Song darf sich souverän in die Reihe der großen Kompositionen der Skandinavier einreihen. Leider geht es so nicht weiter. "Hunter in the hills" beispielsweise schleppt sich mühsam dahin und wird zum irritierenden Qualitätsabsturz.

A-Ha bleiben auch im weiteren Verlauf zunächst die harmlos-nette Band von nebenan, bevor das Titelstück erfreulicherweise wieder aufhorchen lässt. Hier zeigt das Trio, das seit der Gründung 1982 und trotz der zwischenzeitlichen Trennung die unverrückbare Formation bildet, seine eigentliche Klasse noch einmal. Stimmig ist hier zudem die Einbindung des Orchester-Instrumentariums, das auf dem Album und im Film eine wichtige Rolle einnimmt. Danach allerdings flacht rasch alles wieder ab. 

(Plattentests)

Warum soll man sich auf eine Musikrichtung festlegen, wenn man doch so viele Genres zur Auswahl hat? Das müssen sich auch Alma Westerlund und ihre Jungs von dem schwedischen Quartett Beverly Kills gedacht haben, als sie sich daran machten, ihr Debüt-Album „Kaleido“ in Angriff zu nehmen. Denn immerhin bedienen sich Beverly Kills aus den Departements Shoegaze/Dreampop, Postpunk, Psychedelia, Krautrock, New Wave- und Indie-Pop. Und das konsequent und mit erstaunlich konkret strukturierten Songs. Wer mit einem der o.a. Sparten etwas anfangen kann, der ist bei Beverly Kills an der richtigen Stelle – zumal das Ganze auf der Bühne dann auch noch in eine tanzbare Club-Richtung tendiert.

(Westzeit)

Her singing in particular feels like an integral instrument here, with its beautiful fluttering calling to mind Liz Fraser on the likes of In The Business Of Dreams. The chilly, expansive dream pop of the record reaches its pinnacle on Sleepless In South London, where Wersing reminds us of just what a master she is at creating an atmosphere. A welcome return for an artist who’s been away too long.

(NARC)

‘Minimum Descent Altitude’ provides a swaggering, lurking and dark instrumental break; a snippet of something which I would have loved to have been longer in duration. ‘Pink Elephants’  and ‘Look At Everything, Understand Nothing’ bring similar vibes, buzzsaw beginnings similar to Crocodiles, Trailer Trash Tracys and Dum Dum Girls giving way to haunting vocals.

Inspired by ‘Mulholland Drive’, and by association ‘Sunset Boulevard’, third single, ‘In The Business Of Dreams’ swirls into life, bright eyed and upbeat, trying to help us untangle a dream from a nightmare; sometimes an impossibility in the music and film industry. 

With Colapso Calypso, Chorusgirl pose many questions. It is a reflective, lushly layered nostalgic joy of an album.

(Loud Women)

Quiet the Room is magnificent. A spectral aurora of song, a pre-dawn dream captured in voice, piano, and guitar that’s simultaneously sunbeam light and midnight dark, elegant musings on the nature of memory that actually sound like memories. They’re fractured narratives from the raw footage of an alternately misty and illuminated past. On “Whatever Fits Together,” struck by a solitary bass drum, sprinkled with softly rising banjo and lifted by outstretched wings of swooning vocal, Ballentine asks, “Do you ever look back?/Does it fit together?” before mournfully wondering, “What do I want?/Do I want anything?” (…)

Ballentine has shed the veil of her peers’ convention here entirely, creating something quietly uncompromising, unflinchingly strange, and otherworldly. It’s beautiful, moving, and utterly beguiling.

(Under The Radar)

In spite of the album’s beautifully washed out, abstract aesthetics, there are plenty of explicitly memorable moments to be found here. Several songs embrace repetition as a means of disintegrating semblances of structure, and the gorgeous and surprisingly expansive instrumentation throughout crafts a soundscape that is persistently engulfing. While Quiet the Room requires multiple listens to truly unfold itself, it overcomes this slight hurdle by being perfect for almost every situation: it’s hazy enough to complement quiet and focused moments, yet carries the depth required for more dedicated listens. Skullcrusher’s first album may not present a doormat saying ‘welcome’ in bold letters, but it presents one of the most rewarding sonic experiences of the year for those willing to open its undefined doors.

(Sputnik Music)

Denn längst gibt es Musik – und es gibt Simple-Minds-Musik. Also Alarmgitarren, Keyboardschlieren, Bummpaff-Schlagzeug in mittlerem Tempo und leicht sozialkritische Texte, die gesungen werden in möglichst naheliegenden Melodien. Dass dabei seit „Don’t You (Forget About Me)“ keine echten Hits mehr, sondern nur noch knapp gescheiterte Hymnen rauskommen, das haben Jim Kerr und seine Jugendkumpels schon fast zur Kunstform erhoben. In diesem Kosmos ist DIRECTION OF THE HEART ein exzellentes Album. In der restlichen Welt? Eher egal.

(musikexpress)

Und es ist tatsächlich ein Album im altmodischen Sinn. Der Zauber erschließt sich beim Durchhören.

Was nicht heißt, dass es keine Höhepunkte gibt. „Maroon“ etwa, das von der Nacht erzählt, in der Swift ihren Partner Joe Alwyn traf, ist hochromantisch, aber zugleich hat man das beklemmende Gefühl, das im Hintergrund „In The Air Tonight“ läuft. „Snow On The Beach“, das sie mit Lana Del Rey und Antonoff schrieb (letztgenannter ja auch Del Reys bevorzugter Co-Songwriter/Produzent), vereint Del Reys dunklen California-Romantizismus mit Swifts Pop-Sensibilität. In „Vigilate Shit“ gibt Swift den „Reputation“-Racheengel in Billie Eilishs Schlafzimmer, im komplexen „Labyrinth“ hört man Dubstep-Bass und Trap-Beats, und Swifts bearbeitete Stimme schwankt zwischen Engelshöhen und genderbendenden Tiefen.

„Karma“, der große, eingängige Popsong des Albums, wirkt im letzten Drittel fast ein bisschen versteckt, danach folgt mit der reduzierten Ballade „Sweet Nothing“, die Swift mit Alwyn schrieb, tatsächlich sowas wie ein „Court And Spark“-Joni-Mitchell Moment und man ist diesem Album endgültig verfallen. And now you’re mine”, singt Swift im letzten song. „It was all my design/ ‚Cause I’m a mastermind.“ Daran haben wir nie gezweifelt. 

(Rolling Stone)

Musikalisches Markenzeichen: Die an prominenten Stellen platzierten, wütend-melancholischen Gitarren- Riffs, die Betterovs facettenreiche, raue und gelegentlich angenehm brüchige Stimme zu größter emotionaler Intensität verhelfen. Par excellence gelingt das auf dem zunächst gemächlich beginnenden Trennungssong „Urlaub am Abgrund“, der sich aber über fünf Minuten beständig steigert, bis sich das Ich in höchster Ekstase von seiner gescheiterten Liebesbeziehung freimacht.

Nicht so recht verfangen will dagegen das OLYMPIA-Motiv des Albums, das von einem Eröffnungsfeier-Intro und einem Siegerehrungs-Outro aufgegriffen wird, aber auf den meisten Songs keine Rolle spielt. Nichtsdestotrotz bleibt es eine große, emotional aufwühlende Freude, Betterovs Weltschmerz zu lauschen.

(musikexpress)

Für die Feinheiten zeichnete sich Rieger verantwortlich, der Laut auf Leise, Rock auf Kraut auf Postpunk auf Streicher, süße Melodie auf Lärmattacke knallen lässt. Angst vor der großen Geste hat die Band nicht, im Gegenteil: Sie baut ihre Musik offener denn je auf, gibt den Gitarren zwar immer noch die Brutalität mit, die man von den alten Platten kennt (…), verleiht ihnen aber immer eine Gravitas, die auch jenseits scheinbarer Indie-Zielgruppen funktionieren kann. (…)

Die Songs auf DIE NERVEN sind kurz, kein einziges Mal wird die Fünfminutengrenze überschritten, das ist immer zu begrüßen, weil es Redundanzen im Keim erstickt. Es ist auch deswegen schwierig, aus diesem Album Höhepunkte zu isolieren oder gar Hörempfehlungen. Die Nerven 2022 verströmen eine Dringlichkeit, die man in der deutschsprachigen Rockmusik selten hört. Sie sind da; so wie das im deutschen Sprachraum vielleicht zuletzt Surrogat vor auch schon wieder 22 Jahren auf ROCK waren. Eine kleine, große Welt der Musik.

(musikexpress)

Die Nicht-Düsseldorfer vollziehen nicht-nur-düstere Kabinettstückchen, die Folk, Psychedelic sogar Bossa Nova umarmen. Hier geht es um Introspektionen, um Entschleunigung, um ein Rauschen, das nicht aus Lärm, sondern vom Schönklang geboren wurde.

(musikexpress)

Aber wenn einem der Hippness-Faktor eher egal ist, dann sind Von Wegen Lisbeth und ihr drittes Album EZ Aquarii eigentlich eine ziemlich gute Wahl. Matthias Rhode kann mindestens so nasal singen wie Francesco Wilking, textet in „Meerschwein“ dann zwar verdächtig wie Sven Regener und verläuft sich auch schon mal in Lichterfelde-Ost, ist aber meist auf der Höhe der Absurdität, fühlt sich ein in die Seele eines Internet-Bots und erforscht im Falsettgesang eine Leben ohne Handyempfang. Auch um Selbstoptimierung und Podcasts geht es, Hauptthema der Berliner Band aber bleibt natürlich die Liebe, die treibt auch den modernen Großstadtbewohner um. Weil aber aus diesem Forschungsgebiet keine neuen Erkenntnisse zu erwarten sind, ist gerade die musikalische, gemütlich tuckernde, hochmusikalische, aber geradezu lakonische Umsetzung zwischen Softrock und Diskurs-Pop so passend, weil herrlich unaufgeregt.

(musikexpress)

‘The Car’ is almost overwhelming in terms of its ambition and scope, but provides ample motive to revisit this record over and over again. Whether it’ll be enough to reach across the divide and convince the naysayers is yet to be seen, but given they’ll be playing in stadiums up and down the UK and beyond next year seems to suggest a rapprochement is in motion. For now, though, Arctic Monkeys stand alone like the abandoned saloon on the rooftop: the last – and greatest – band of their generation still operating at their highest level.

(NME)

If Tranquillity Base Hotel & Casino arrived as an outlier, The Car suggests that their actually existing rock music period is firmly in the Cadillac’s rear view mirror. Turner has spoken in interviews about wanting “to turn the rock band on and off” across this record. When guitars do appear, it’s strictly in quotation marks. What is that sound you hear? It’s the sound of “that rock’n’roll” now failing to smash through Turner’s apocryphal glass ceiling (“looking better than ever.”)

In a back catalogue with no bona fide duds, critical consensus on the creative – rather than commercial – peaks of Arctic Monkeys’ back catalogue can be tricky. A case can be made for the transitional albums, like 2011’s at ease with itself Suck It And See. The Car, however – in which a songwriter matures and finds an unexpected emotional range – is sure ultimately to be ranked in the band’s very top tier.

(The Quietus)

Nun präsentiert die in Berlin lebende Brasilianerin ein konkreteres, Groove-basiertes Album. „6abotage“ entstand mit Produzent Alexis Troy, der Dillons intuitive Gesangslinien mit aufgebrochenen HipHop-Beats konturiert.

Ein großer Teil des Repertoires steht auf lyrisch-sanften Beats, etwa „Soften The Blow“. Die Verbindung aus Dillons ungewöhnlicher künstlerischer Perspektive und Troys HipHop-Haltung ist reizvoll. Sie holt die Sängerin und Pianistin aus der Abstraktion und öffnet neue Wege.

(Rolling Stone)

Auch die brüchige Mädchenstimme der Wahlberlinerin strahlt mehr Attitüde aus, wenn sie zwischen hypnotischem Frost- Pop, Electro-R’n’B und TripHop changiert, zu Troys Beats sogar in somnambules Trap-Terrain vordringt. Dessen Produktion ist raumgreifend, aber nicht erdrückend, mit hübschen kleinen Einsprengseln wie dem Spieluhr-ähnlichen Interludium oder einem orientalischen Streichersound, zu hören im rebellischen „Separate Us“. Dillon erzählt auf 6ABOTAGE von Trauma, Flucht und destruktiver Liebe. Aber ein bisschen Booty Shake darf auch sein.

(musikexpress)

Nun ist der Wunsch, die Band und ihr Songwriter Matt Healy mögen sich doch bitte fokussieren, wahr geworden. Für BEING FUNNY IN A FOREIGN LANGUAGE haben The 1975 jeden Song ausformuliert, „Part Of The Band“ erinnert an Ben Folds in Bestform, „Oh Caroline“ ist ohrenschmeichelnder Pop, „Winterring“ wehmütiger Indie- Pop. Ganz am Ende spielt die Band noch die Neo-R’n’B Ballade „Human Too“ sowie den nostalgischen Americana-Abschluss „When We Are Together“ mit Fiedel und Träne im Knopfloch – interessanterweise beides Lieder, die an Bon Iver erinnern. Es ist also wieder gut was los bei The 1975. Mit dem Unterschied, dass dieses Mal nichts weg kann.

(musikexpress)

Die Devise für Provinz: Viel hilft viel. Die Band macht einfach weiter wie gehabt und gibt an jeder Ecke eben noch ein bisschen mehr als vorher. Darunter fällt etwa die Tatsache, dass der Sound noch ein Stück poppiger und stadion-gerechter wurde. Noch zugänglicher wollen die Songs sein, die Hooks sind widerwärtig eingängig und möchten bitte mit voller Inbrunst bei Konzerten mitgeschrien werden. (…)

Provinz wollen jung und wild sein oder sich eben in diese jungen und wilden Zeiten zurückversetzen. Egal, ob es “Sara” oder “Aylin” ist – Hauptsache es geht um “Zwei Menschen”, die “17 für immer” oder “Weit weg” sein wollen. Das Phrasenschwein steht kurz vor der Überfüllung.

Provinz aktivieren große, einfache Emotionen mit großer, einfacher Musik. Es ist offensichtlich, dass die Band genau weiß, was sie sagen und wen sie damit ansprechen möchte – das funktioniert und erhebt die Schwaben zu einem noch heller leuchtenden Stern am deutschsprachigen Pop-Himmel.

(musikblog)