Das emotionale Zentrum des Albums ist „The Silence That Remains“. Eine beklemmende Reflexion über das Warten auf schlechte Nachrichten, über Verlust und Isolation. Badwans palästinensische Wurzeln schwingen unüberhörbar mit, und es fällt schwer, diesen Song nicht als Reaktion auf den Nahostkonflikt zu verstehen. Doch statt politischer Parolen setzt die Band auf Atmosphäre, auf das Gefühl der Ohnmacht und des Verstummens in einer lauten Welt.

„Night Life“ ist ein melancholisches, aber nicht hoffnungsloses Album und steht damit in engerer Verwandtschaft zum letzten Album von The Cure „Songs Of A Lost World“. Ein Werk, das nicht nur zurückblickt, sondern weiterführt, was sie vor 20 Jahren begonnen haben: Musik zu schaffen, die mehr ist als Genre und Attitüde – ein Soundtrack für die Nacht.

(Tonspion)

Wäre dieses Werk mitten in der Dark-Synthpop-Hochphase in den 80ern erschienen, würden wir heute The Horrors als Legenden feiern. So bleiben sie irgendwo in der zweiten oder dritten Reihe haften: eine Band von unschätzbarem Wert, die einmal mehr bewiesen hat, wie unberechenbar sie nach wie vor ist und wie gut sie ihren Kernsound trotzdem beherrscht.

(Plattentests)

Trotzdem bleibt „Night Life“ in seiner Gesamtheit faszinierend. Gerade der mutige Spagat zwischen Endzeit-Synths, Shoegaze-Opulenz und harschem Industrial-Rock macht das Album zu einer der spannendsten Veröffentlichungen der Band.

Mit „Night Life“ beweisen The Horrors einmal mehr ihre Wandlungsfähigkeit und ihren Drang, musikalisches Neuland zu betreten. Ein Soundtrack für die Nacht – irgendwo zwischen Euphorie und Untergang, zwischen hypnotischem Sog und bedrohlicher Dunkelheit.

(MusikBlog)

Zumal die zehn Songs die Reduktion des Vorgängers keineswegs fortführen, sondern sich dicht mit einer Vielzahl von Produktions- und Arrangementdetails behängen. Wenn "Everything turns blue" seinen von Gitarrenschleiern und kaputten Strobolichtern begleiteten Höhenflug plötzlich abdreht, klingt das, als würde jeder Ton von der Erde verschwinden. Es ist nicht der einzige Track mit einer erschütternden Laut-Leise-Dynamik: Der derangierte TripHop von "Tunnel lights" bricht zu Piano-Stottern zusammen, nur um den Puls mit erhöhter Magnitude wieder aufzunehmen, ehe das um die eingängigste Hook des Albums gebaute "The liminal" am Ende die Feedback-Maschine anschmeißt. Im Kontrast dazu bezieht "Eyes like nightshade" seine Genialität aus einem von Anfang an komplett lichtundurchlässigen Percussion-Dschungel. Zerhackte Beats, Schellenkränze und Blasinstrumente verschlingen sich gegenseitig, als hätte Wolfe Björks Pilznetzwerk gehackt. (…)

"Place in the sun" täuscht eine Pianoballade an, bevor Synth-Streicher und Hyperpop-Glitches an den Rändern zerren und eine geometrisch nicht messbare Wohlklangsskulptur daraus formen. Das abschließende "Dusk" drückt mit zunehmender Laufzeit immer tiefer ins Fleisch, um im transzendentalen Finale nicht nur den Griff zu lockern, sondern gleich alle Körpergrenzen aufzulösen. Dass Musik so eigenständig, so bewusstseinserweiternd, so auf jeder Ebene phänomenal sein kann, ist genau wie Chelsea Wolfe selbst: mehr als nur ein Mythos.

(Plattentests)

Der psychedelische Anteil kommt stark zum Vorschein, es wirkt alles verschwommen und wird von quengelnden Noise-Kulissen zerfräst. Natürlich geht es in „We’ve Come So Far“ oder „I’m So Clean“ auch einpeitschender und ekstatischer zu und schrecken diese Männer dann auch nicht vor den Höhen der Dezibelskala zurück. Trotzdem bleiben die verträumte Fins ternis von The Jesus & Mary Chain und die losgelöste Art von Spacemen 3 ein Thema. Ackermann suchte immer wieder nach der Feinabstimmung zwischen den Tracks. Am Ende hat er sie gefunden.

Ackermann, der nebenbei einzigartige Custom Pedals für musikalische Seelenverwandte wie My Bloody Valentine oder Nine Inch Nails – allesamt Musiker, die die Schönheit des Lärms Schicht für Schicht in ihren Songs herausarbeiten – baut, hat eh sein ganzes Leben der Erweckung eines Höllenlärms gewidmet. Auf »Transfixiation« geht dieses handwerkliche Herausmeißeln von Klängen simpel und hart vonstatten. Vor allem auf der Bühne wird dieser Industrial-Shoegaze dann körperlich spürbar: Die skelettierten Melodien kriechen in die Eingeweide der Hörer, wo sie sich festkrallen und entweder eine kalte Angst oder ein wohliges Wummern verbreiten. 

Der Albumtitel ist damit wegweisend, denn ein derart durchdringender und -bohrender Sound wie hier ist den Brooklynern bisher noch nicht gelungen. Vor allem auf »What We Don’t See« wird das deutlich: Der Song wabert und sägt so schön lärmend vor sich hin, wie das einst nur Medicine mit ihren irritierenden Lärmschichten konnten. A Place To Bury Strangers geben den Noise-Süchtigen damit eine neue und wirksame Medizin.

Ein Bekannter verehrt die frühen Alben der Nine Inch Nails. Nach “The downward spiral” ging es aus seiner Sicht mit der Qualität der neueren Musik steil bergab. Sobald ich ihm von einer neuen NIN-Veröffentlichung berichtete kam von ihm nur die Frage “gibt es darauf wieder ’uff – tzz, uff – tzz’?”. Meist lautete meine Antwort: “Nicht so viel wie auf den ersten Alben.” Damit stand sein abwertendes Urteil fest. Ich vermute “Hesitation marks” wird ihm gefallen. Und das nicht nur, weil mit Russell Mills der gleiche Künstler das Cover wie für “The downward spiral” entwarf sondern weil sich Reznor ohne nostalgisch zu erscheinen auf einige alte Stärken besonnen hat.

Trent Reznor geht nun schon auf die 50 zu. In 25 Jahren mit den Nine Inch Nails brachte er es auf acht Studioalben. Seit “The slip” sind fünf Jahre vergangen. In der Zwischenzeit beschäftigte er sich mit seiner Familie, Soundtracks die ihm Oscar-Ehren einbrachten und seiner Band How To Destroy Angels. Während die letzten Nine Inch Nails-Alben durchaus an der Fortführung des Projektes zweifeln ließen, gewann Reznor durch seine Nebentätigkeiten (zuletzt “Welcome oblivion”) den notwendigen Abstand, um sich wieder auf seine NIN-Stärken zu konzentrieren. “Hesitation marks” ist das beste NIN-Werk seit “The downward spiral”, die Rückkehr zu einem Major Label und eine Reminiszenz an seine poppige Version von Industrial-Beklommenheit: Die Rhythmen wirken nach heutigen Maßstäben merklich entspannter als sie vor 20 Jahren geklungen hätten, Reznor tritt gezähmt auf und offensichtlich ist er souverän genug den ein oder anderen Song mit eindeutigem Augenzwinkern darzubringen. 

“Pretty much amazing” über “Hesitation marks”:

Hesitation Marks is Nine Inch Nails’ eighth and unquestionably finest release since The Downward Spiral, an album that comes tantalizingly close to the band’s peak without having to be graded on a curve. Trent Reznor, always a deceptively tuneful songwriter at heart, used to subvert the power of his melodies with ear-ripping abrasion or the breathtaking pain of his lyrics. He eschews obfuscation on Hesitation Marks and fashions his new songs from the melody up: a handful are superb, the rest just good. Even at its weakest, which means at times tedious and, like every Nine Inch Nails album before it, too long, Hesitation Marks finds Reznor bracingly reinvigorated.

Natürlich gibt es “Hesitation marks” in diversen LP- und CD Ausgaben. Zusätzlich stellt Reznor auch ein alternatives Mastering zur Verfügung, welches den Bedürfnissen seiner audiophilen Fans gerecht werden soll.

“Copy of A”, “Came back haunted”, “Everything”, “Satellite”, “Various methods of escape” und “In two” sind die stärksten Tracks auf “Hesitation marks”.

Das Video zu “Came back haunted”: