Arcade Fire - The Suburbs

And The Suburbs is their most thrillingly engrossing chapter yet; a complex, captivating work that, several cycles down the line, retains the magic and mystery of that first tentative encounter. You could call it their OK Computer. But it’s arguably better than that.
(BBC)

THE SUBURBS ist ein mutiges Album geworden. Es zeigt die Risse im einstigen Arcade-Fire-Konzept, welches die ewige Weisheit der Jugend beschwor, und setzt dem ein Wir-wissen-nicht-wohin-Ausrufezeichen entgegen. Es ist auch musikalisch ein mutiges Album geworden. Stärker als die beiden Vorgängerwerke setzt THE SUBURBS auf Geschlossenheit. Einen sehr dichten Rocksound, in dem die instrumentelle Vielzahl des bis zu zehnköpfigen Ensembles nicht übermäßig vorgeführt wird, was früher gelegentlich zum Selbstzweck geriet. Kirchenorgeln wie einst bei „Intervention“, um einen Todesfall in der Familie zu illustrieren? Hatten wir verstanden. Ein Banjo als Instrument des wandernden Hobos bei „Keep The Car Running“? Hatten wir auch verstanden. Auf THE SUBURBS regiert nun etwas Anderes, etwas Unterbewusstes. Ein tiefer Ton, der jeden Song grundiert, ein beständiges Rauschen, eine Windmaschine vielleicht, die die Blätter auf den Straßen der Suburbs verteilt. Ein unterdrückter Konflikt. Der Klang eines Sturms im Wasserglas. Das gemütliche Schunkeln von „The Suburbs“ erweist sich in der Reprise des letzten und 16. Songs demnach als Falle. Ein Neuarrangement macht aus der Folknummer ein verstörendes Jazzpop-Stück, das auch Angelo Badalamentis „Twin Peaks“-Score gut gestanden hätte – der ebenso die dunkle Magie des Kleinstadtlebens preist.
(Musikexpress)

Yoav – A Foolproof Escpape Plan

Yoav hat schon eine kleine Odyssee hinter sich. Geboren in Israel, wuchs er in Südafrika auf, um danach einige Zeit in London zu verbringen. Musikalische Erleuchtung fand er New York City, indem er seine Gitarren- und Singer-/Songwriterkunst um moderne Rhythmen bereicherte. Dafür griff er nicht wie Chris Cornell zum erstbesten Produzenten sondern er nutzte seine Hände und Füße und etwas “Werkzeug”. Das brachte ihm einen Plattenvertrag ein, der ihn wieder nach London verschlug. Montreal gibt Yoav übrigens ebenfalls als Wohnort an. Daher ist dieser Beitrag als kleiner Nachschlag zu Dirks “Kanada ist nicht nur für peinliche Musik verantwortlich”-Reihe zu verstehen.

Auf Yoavs Myspace-Seite gibt er Auskunft über seine Einflüsse:

For the beats:Zakir Hussein,Timbaland,the Neptunes,Kruder and Dorfmeister,drum 'n bass,dance music.
For the singing:Nusrat,Jeff Buckley,Screaming Jay Hawkins...
For the words:Bob Dylan,EE Cummings,Rumi,Jim Morrison,DonnieDarko,TheSandman,Eminem.
For everything else:Bjork,Radiohead,Outkast,The Cure,The Arcade Fire,Ravel,Tori Amos,The BeastieBoys,Portishead,Regina Spektor,Debussy,Aphex Twin,Peter Gabriel,Missy Elliot,Depeche Mode

Ich höre in ihm einen Singer/Songwriter (S/SW), der mit den Beats zwar keine echten Kanten aber zumindest einige Noppen in seine Musik einbaut. Dadurch werden keine neuen Welten erschlossen, aber die mich häufig im Laufe einer S/SW-Platte ereilende Langweile bleibt aus und vor allem die flotteren Song machen richtig Spaß.

“A foolproof escape plan” ist das zweite Album des Künstlers. Auf seinem Debüt “Charmed & strange” aus dem Jahr 2008 konnte er mit “Club thing” bereits einen kleinen Hit landen. Seine musikalischen Erfolge sind ähnlich international wie der Künstler selbst: Neben Kanada muss man Dänemark, die Schweiz und Russland zu seinen Kernmärkten zählen. In Tori Amos’ Vorprogramm zu ihrer 2007er Tour verschaffte er sich auch in den USA Fans.

Die Veröffentlichungspolitik des Labels ist interessant bis zweifelhaft: Offiziell ist “A foolproof escape plan” in Kanada und Dänemark auf Tonträger und zusätzlich in den USA digital verfügbar. Findige Musikfans sollte diese Tatsache jedoch nicht abschrecken sondern anspornen. Spätestens zum nächsten Grillabend sollte man das Album in der Hinterhand haben.

Viele brauchbare hat das Web nicht zu bieten, aber zumindest “Bleeding ears” sollte zu Wort kommen:

This is where Tel Avivan (Viva Gaza?) Yoav comes under the radar, with his back-of-the-throat choral melodies and his shameless pride in highlighting influences on this, his sophomore album. Striking a balance between high noon and an orientalist’s vision of sleepy, midday Tel Aviv, this record keeps on coming back to suspended moments of time and tension. There are moments when a wail almost makes its way out of his throat just to be restrained by a sawing guitar or a far off call to prayer.

Hier das Video zu “Yellowbrite smile”:

Auf Tour

25 Sep 2010 D! Club, Lausanne
26 Sep 2010 The Abart, Zürich
29 Sep 2010 Backstage Club, München
30 Sep 2010 Postbahnhof, Berlin
01 Okt 2010 Prinzenbar, Hamburg
04 Okt 2010 Werkstatt, Köln

The Bluetones - A New Athens

There's no doubt that A New Athens includes examples of some brilliant songwriting. The lyrics are sharp and insightful and it's clear that the Bluetones still know how to put together a great pop song after all these years.

However, if you were a fan of the band back in their heyday and are yearning for more of the same, you'll be disappointed. A New Athens is very much a grown-up affair - although there are still hints of the Bluetones' faster, rockier side in a couple of songs, most notably Carry Me Home, the tempo is more laidback than in Return To The Last Chance Saloon and Luxembourg.

That's not to say that the album shouldn't be considered by returning fans. A New Athens is certainly a grower and you'll find yourself humming bits of songs like Into The Red - which contains a few not-so-veiled references to the recent economic collapse - and Culling Song long after the record has stopped.

The addition of layers of Hammond organ lends a rather melodramatic atmosphere to some of the songs, but the instrument does suit the overall mood of the album - slightly more sober than might be expected, but with flashes of that familiar Bluetones brilliance we know and love.
(inthenews.co.uk)

Peter Katz - First Of The Last To Know

Canadian folk-pop troubadour Katz is a hardworking cat, averaging over 150 dates a year throughout North America and Europe. His warm voice and open emotions bring David Gray to mind, and it'd be no surprise if some of these songs notched airplay on soft rock stations. The presence of the Swell Season's Glen Hansard on the title track will help, while other guests include the Good Lovelies and Melissa McClelland. His lyrics and delivery occasionally threaten to become a little sugary and sentimental, but never quite slip into that trap. The choice of singer-songwriter peer Rob Szabo was a smart one, and the sonic quality is high. So is the calibre of the instrumentalists, including Joe Phillips, Adam Warner, Mike Olsen and Bryden Baird. And horns, cello and female harmony vocals add depth. "Oliver's Tune" is inspired by the late, great Oliver Schroer, while "The Fence" is a moving portrait of murdered gay student Matthew Shepard. Katz has operated somewhat under the commercial radar, but that deserves to change with this impressive effort.
(exclaim.ca)

Stars - The Five Ghosts

Vieles wirkt wie schnell dahin geworfene Skizzen und man muss sich fragen, ob die Kanadier tatsächlich ihr Songwriterpulver verschossen haben. Jetzt lieber wieder Favoriten wie “Sleep Tonight”, “Your Ex-Lover Is Dead”, “The Night Starts Here”, “Take Me To the Riot”, “Midnight Coward”, “Barricade” und wie sie alle heißen, die Songorchideen der Stars: wunderschön und scheinbar sogar doch seltener als man dachte. Es bleibt zu hoffen, dass sich The Five Ghosts mit der Zeit doch noch seine verborgene Schönheit unter der simpel-eingängigen Oberfläche offenbart und schlussendlich zu dem großartigen Album entwickelt, das viele Kollegen der schreibenden Zunft in ihm gesehen haben wollen.
(alles-ist-pop.de)

Dabei ist auf den ersten Höreindruck alles beim Alten: Mit etwas mehr Augenmerk auf Elektronik und 80s-Synthies als sonst sprudeln typische glitzernde Stars-Melodien aus den Songs – pompöser Power-Pop mit der Lizenz zum melancholisch sein. Doch schon bald stellt sich eine seltsame Schläfrigkeit und Monotonie ein. Nicht dass die Songs alle gleich klingen würden, doch sie geben nur selten eine glaubhafte, packende Gefühlsregung von sich. Gleichen Stars-Alben in der Regel einem bunten Strauß Indie-Pop, der gekonnt die Emotionsklaviatur auf und ab spielt, hüllt sich „The Five Ghosts“ in ein tristes, lebloses Grau in Grau. Zum ersten Mal in ihrer Karriere klingen die Kanadier billig, plump und müde.
(...)

Man kann die Songs für ihre melodische Anmut schätzen, mitsummen und sie bedenkenlos im Hintergrund laufen lassen, doch vom Herzen brechen und wieder zusammen flicken wie es „Set Yourself on Fire“ getan hat, sind sie weit entfernt.
(auftouren.de)

Rah Rah - Breaking Hearts

On Breaking Hearts, you will find the same romantic and intellectual lyrics we've come to expect from Marshall and the group. And yes, there is still some silliness and there are plenty of high energy, fun melodies. Tunes like "Arrows", "Beaches" and the title track will move into your sub-conscience and take up residence. As usual, the gang swap around instruments and vocals routinely. On this second full-length record of theirs, I've noticed more female lead vocals and more violin, both welcome adjustments. Fans will be thrilled with more of what they love, and the new material will grab even more fans at their shows.
(stickymagazine.com)

Lead vocalist Marshall Burns and Erin Passmore’s complimentary harmonies are consistent throughout the record, as is the band’s general youthful aesthetic. From the album’s first track, “Arrows”, Rah Rah introduces clean, hooking guitar riffs that emerge from an articulated downbeat, supplemented by the sing-along choral declare of “We ain’t got no money, We ain’t got no care.” The following track, “Ghosts”, reinstates the use of charming vocal lines and picturesque riffs, leaving oneself with the feeling of the nostalgia of summertime.

Breaking Hearts takes some pleasingly unexpected turns with tracks like “Communist Man” – a story about falling in love with a Commie set to tropical instrumentation that could have been featured on Little Joy’s record a couple years back.

A chunk of the middle of the record, however, becomes somewhat chaotic with the over-layering of riffs and harmonies. At times, the complexity of the instrumentation awkwardly juxtaposes the general simplicity of the songs’ lyrics and takes away from the sweetness of the vocalists’ voices.

Nonetheless, the album revives itself with the title-track – a powerhouse of creaky electric guitars and unexpected muffled screams, leaving listeners one more quirky (and perhaps geographically incorrect) proclamation, “It’s so unsettling, And still it’s so fun, Living in New York City, Saskatchewan.” Go figure.
(www.singinglamb.ca)

Tokyo Police Club - Champ

Champ begins with “Favourite Food” and “Favourite Colour,” a pair of tracks that crackle with the sweetness of summer rain. The off-kilter “tune up” of “Favourite Food” lies perfectly with the band’s hesitancy to pull the song out to its natural pace and the beauty of the marvellous hooks of “Favourite Colour” is sometimes hard to bear. The choruses are addictive.

“Hands Reversed” is probably my favourite track on the album. Monks sings “Because the breakfast of champions is a hedonistic hell” with deadpan accuracy, unloading one of the album’s great lyrics like a weight on his shoulders. At the same time, the band keeps it light and poppy with gently swaying guitar and keys.

Like Elephant Shell, Champ is an album of memories. Not all of them are grand and some of them are confusing, like the time that small girl you used to like when you used to be a small boy almost kissed your small nose but turned away at the last damned second, but the luxury isn’t often in the good or bad of the remembrance – it’s in the remembering itself.
(blogcritics.org)

Born Ruffians - Say It

Wem die Vielzahl der höchstens mittelmäßigen Indierock-Bands der letzten Jahre also zu sehr auf den Magen geschlagen ist, dem sei Folgendes gesagt: 'Say It' ist bisher DIE eine Platte des Genres, die man 2010 haben muss. Ein tolles, durchdachtes Album, das mit beiden Beinen im Hier und Jetzt steht und sich seiner Wurzeln dennoch eindeutig bewusst ist.
(whiskey-soda.de)

anstatt sich bekannter muster zu bedienen und den eigenen melodischen charakter lausbübisch aus der reserve zu locken, erinnern so manche momente auf dem album an bereits leider viel zu oft gedudelte strukturen. zwar haftet der musik meist immer noch der holprige und verzwickte charm jugendlicher frische an, doch erreichen die melodien nicht das nötige level, das ihnen einen wiedererkennungswert verleihen würde. dadurch wird auch das gesangliche vermögen in mitleidenschaft gezogen und wandelt sich mitunter vom ansteckend, munteren singen zur zähen, schmalzigen und sogar nörgelnden darbietung. wenn die größte auffälligkeit darin besteht, dass born ruffians mehr reproduziert als selbst produziert haben und letzterer anteil auch nicht völlig überzeugt, dann bleibt zu hoffen, dass die nächste platte ihr spektrum um einiges erweitern wird.
(roteraupe.de)

The Wilderness Of Manitoba - When You Left The Fire

In between accessible, melodic opener "Orono Park" and the closing 13 minutes of pure, crackling atmosphere fall an assortment of evocative indie folk ramblings. Although the band's reverb-y, choral-style vocals are reminiscent of Fleet Foxes, there's too much distinctive musical chemistry on When You Left The Fire to permit the comparison to stick for long. The churchy vibe created by the choir of singers and the cathedral-ceiling resonance are peeled back, at times, to make way for a simple, plucked acoustic sound, creating a nice balance that keeps the album fresh. The tremendous blooming of "Summer Fires" into a hair-raising, harmony-heavy slice of symphonic glory, the blissed-out jam that ends "Native Tongue" and the poignant banjo line of "In The Family" all stand out on this unique, challenging, diverse recording.
(exclaim.ca)

Their debut full-length, When You Left the Fire, expands upon their Hymns of Love and Spirits EP with its peaceful ambience, dreamy four-part harmonies and laid-back folk melodies. It’s immediately evident that aspects of nature have heavily influenced everything from lyrics to the general mood of the record. Lone female vocalist Melissa Dalton shines, complementing the layers of male vocals (provided by Will Whitwham, Scott Bouwmeester and Stefan Banjevic) on songs such as “Orono Park.” And though the album’s mostly ambient, songs like “Summer Flies” and “Hardship Acres” provide a stronger folk twang and swinging rhythms. It may not be fall now, but When You Left the Fire is a phenomenal collection of songs perfect for a relaxing afternoon all year round.
(eyeweekly.com)

Wintersleep - New Inheritors

Kanadische Musiker beeinflussten die westliche Musik, wie etwa Rock- und Popmusik in erheblichem Ausmaß, wofür Namen wie Bryan Adams, Paul Anka, Michael Bublé, Leonard Cohen, Céline Dion, Nelly Furtado, Avril Lavigne, Alanis Morissette, Daniel Powter oder Shania Twain stehen.

Bekannte Vertreter der Rockmusik sind Rush, Alannah Myles, Billy Talent, die Crash Test Dummies, Nickelback, Saga, Steppenwolf und Neil Young.

Geblieben ist bei Wintersleep der Hang zum schwungvollen Popsong, der jedoch auf „New Inheritors“ vielschichtiger und inspirierter daherkommt. Sofort springen die Streicher- und Bläserarrangements ins Auge – pardon: Ohr. Sie sind Bestandteil der Songs und nicht um der Kunst willen eingespielt worden. Bereits beim ersten Albumtitel „Experience The Jewel“ bestimmen Streicher das Klangbild mit. Wie ein schwarzer Vorhang sind die ersten Takte orchestriert, daraus erhebt sich ein dynamischer Popsong, der mal mehr mal weniger an The Waterboys erinnert. Der schwarze Streichervorhang hängt am Himmel, durchbrochen vom sinfonischen Sturm und Drang der Band.

Immer wieder sind Fragmente britischer New Wave auszumachen, das Psychedelische und melodisch Verschachtelte von XTC, das dunkel gefärbte Rhythmusgerüst von Joy Division bis zu Interpol und den Editors. Die lieblich leichten, dennoch eindringlich wie ausdrucksstarken Gesangsharmonien des Brit- und Westcoastpop sowie die Jazz, Pop und Soul vereinenden Bläserarrangements. Und immer wieder Keyboards in wunderbar gesetzten Popfarben, die geschickt alles Schrille umschiffen. Aus Vergangenem wird so gegenwärtiger Zukunftspop, der mit intelligenten Melodien nicht geizt. Als Beispiele seien hier der Titelsong und „Black Camera“ genannt.

Vorzüglich, wie Wintersleep Rhythmus und Melodie ineinander verflechten und damit den Begriff Power Pop beinahe neu definieren, in dem sie das beste aus zwei Welten (UK- und US-Pop) in ihr Konzept überführen. Thematisch kommen zwar immer wieder Entfremdung und Niedergeschlagenheit zum Vorschein, doch die distanzierte Erzählhaltung und das musikalische Geflecht aus Licht und Schatten sorgen für ein spannend fackelndes Klangbild. Wer eine echte Alternative zum Chartspop sucht, der ist mit „New Inheritors“ bestens bedient.
(moderne-popmusik.suite101.de)

Feeder – Renegades

1997 stieß ich auf das Debütalbum „Polythene“ der Band Feeder aus Wales, da diese in einem Artikel als „Grunge-Version“ des Britpop gehandelt wurde. Die Aktivierung dieser beiden Schlüsselreize verführte mich umgehend zur Anschaffung. Und in der Tat war das Album für britische Verhältnisse dieser Zeit ausgesprochen „hart“. „Kerrang!“ und „Metal Hammer“ waren u. a. Magazine, welche das Album gerne erwähnten. Im Verlauf der weiteren Alben der Band wich die Härte überwiegend leiseren und melodischeren Tönen. Der Tod des Drummers Jon Lee während der Aufnahmen zum Album „Comfort in sound“ markierte den Aufbruch in melancholischere Gefilde. Mark Richardson nahm zu diesem Zeitpunkt die Drumsticks in die Hand. Dieser kam von Skunk Anansie und kehrte 2009 zu seiner alten Band zurück.

Auch dieser Drummerverlust führte wieder zu merklichen Änderungen: Das Feeder-Stammpersonal war eine Weile als „Renegades“ unterwegs. Liveshows unter diesem Namen sollten vom Erwartungsdruck bezüglich des Feeder-Backkatalogs befreien. Bislang unterteilte ich diesen in die kräftigeren Werke vor der Einführung des Euro im Jahr 2002 und die getrageneren Alben nach dieser Zeit. Bereits 2008 deutete sich auf “Silent cry” eine erneute Orientierung in Richtung “Rock” an.

Und schon sind wir beim siebten Studioalbum der Band angekommen. „Renegades“ wurde es getauft und es klingt wie die spätgeborene jüngere Schwester von „Polythene“. Harte Gitarren lassen alte Smashing Pumpkings-Vergleiche wieder aufleben. Die Beliebigkeit der letzten beiden Alben wich kompromissarmen knackigen Songs. Lediglich „Down to the river“ dürfte die Fans der späteren Phase der Band versöhnlich stimmen. Und die Tatsache, dass noch für dieses Jahr ein weiteren Album mit bedächtigeren Songs angekündigt ist. Da man es selten allen Hörern recht machen kann, versucht es die Band eben mit zwei Alben. Die Fans der “prä-€-Ära” dürften mit “Renegades” schon mal milde gestimmt werden und die weitere Entwicklung der Band mit Spannung erwarten.

MusicOMH freut sich über “Renegades”:

Renegades is a concise and consistent rock record that rarely fails to thrill. From the opening salvo of White Lines right through to the thundering climax of The End, with a mid-tempo lighters-in-the-air anthem in-between courtesy of Down To The River, it'll no doubt make old-school fans jump in the air with joy. Songs like Home find the band at their most frantic-paced in years and songs like Sentimental deliver deliciously heavy drop-D chords and a pounding bassline to boot.

(Service für Oliver Peel: Solides Album. Sollte den alten Fans sehr gefallen.)

Contactmusic sieht das etwas nüchterner:

The return to a primal style may theoretically alienate more recent fans, but Grant Nicholas still proves his knack for writing a catchy tune. The lack of variation may drag slightly toward the finale of the record, but at just over 30 minutes the length of the LP is perfect to avoid this becoming detrimental.

(Service für Oliver Peel: Die Fans der jüngeren Vergangenheit könnten sich vor den Kopf gestoßen fühlen. Aber Grant Nicholas punktet auch in dieser Form mit seinen Melodien. Das Album ist nicht sehr abwechslungsreich, aber für die Spieldauer reichen die Ideen allemal.)

Ich entdeckte bislang weder Höhe- noch Tiefpunkte auf “Renegades”, welches pro Durchlauf 40 Minuten kurzweilig unterhält.

Das Video zum Song “Call out”:

Ausführlichere Kostproben bietet der Albumplayer auf der reduzierten Website der Band.

Kele - The Boxer

Wo das letzte Album von Bloc Party lediglich elektronisch angehaucht war, so präsentiert sich The Boxer als vollwertiges Electro-Pop-Album zwischen übersteuerten Rave-Sounds und Anleihen bei alten Helden wie Depeche Mode oder Gary Numan. Das Euphorie-Level ist fast durchwegs hoch. „Walk Tall“ beginnt mit Call & Response-Gesängen wie aus Militärfilmen und ist von übersteuerten Synthesizer-Klängen gekennzeichnet. „On The Lam“ wagt sich weit ins Territorium von englischen Dance-Neuheiten wie Two Step und UK Dancehall vor. Speziell dieses Stück ist so weit weg von Keles Stammformation, dass man ihn ohne Begleitblatt nie als Sänger von Bloc Party identifizieren würde. Ruhiger und experimenteller wird es in „The Other Side“, das stimmungsmäßig an Bowies Berlin-Phase gemahnt, wiewohl in ein digitales Zeitalter transformiert. Nicht alles ist topp, manchmal klingt The Boxer zerfahren. Letztlich kein großer Schritt für die Menschheit, aber vielleicht einer für Kele Okereke.
(now-on.at)

Das Drill-Sergeant-Wiederhole im ersten Stück ist noch nicht mal so unerwartet. Kele liebt doch dieses Call and Response-Gedresche. Und Überraschung! Die Achtziger sind sein Steckenpferd. Nein, das wissen wir doch. Steht ihm ja auch gut. Seine Nähe zu Größen wie Robert Smith oder Adam Ant war auch immer schon vorhanden. Also was wollt ihr alle?

Hits sind auch drauf. 2Step und Dubstep müssen keine Fremdwörter mehr sein. Der Indierock öffnet sich und Kele benutzt sämtliche Stilmittel, die in Londons Discotheken durch die Nacht flattern. Afrikanische Einschübe sind auch schon längst im Rock verwurzelt und diese knackigen Beats mit kurzen Hi-Hats sind doch schick. Alles schön in den Nachthimmel produziert von XXXchange von Spank Rock. Die Musik ist von der Aufteilung her wie bei Bloc Party. Nur sie geht durch den Dark Room und kommt mit glitschigen Oberarmen wieder raus. Schweiß macht geil.

(...) Also Kids, Mund wieder zumachen und einfach mal treiben lassen! Tanzmusik für Partyhengste, denen ein neuer Anstrich nicht sofort das Weite suchen lässt. Ein Schritt ins Erwachsenwerden für Kele. Mutig!
(jahrgangsgeraeusche.de)

The Futureheads - The Chaos

The Chaos is a return to the blistering form of their self-titled debut. The lyrics aren’t always great. For example, “Made more phone calls than a wealthy guy” from ‘I Can Do That’ catches my ear with a clunk, but their irresistible melodies and harmonies redeem them. They have always had an unabashed sensibility for writing three-minute pop songs and this record is stuffed full of them. The Futureheads have made exhilarating order out of The Chaos.

Blood Red Shoes - Fire Like This

Noch immer besteht eine starke Ähnlichkeit zu den Subways, noch immer ist der Sound ausgesucht rotzig, und noch immer löst der erste Hördurchgang tief empfundene Begeisterung aus. Der zweite auch. Und der dritte. Langeweile kommt da garantiert nicht auf, und getreu dem Motto "Nur wer brennt, kann andere entzünden" startet der Opener "Don't ask" mit einem Feuerwerk, das nur der Vorbote eines Großbrandes ist. "Light it up" ist dabei mehr als nur eine Aufforderung, sondern ein Befehl, dem die Instrumentierung aus pumpenden Drums und elektrisierender Gitarre unbedingten Nachdruck verleiht.

"Count me out" könnte sich zum Mitgröl-Klassiker auf Sommerfestivals entwickeln, während "One more empty chair" sich und den Hörern eine Achterbahnfahrt gönnt. Teilweise schwermütig, dann wieder wild zuckend, und im Refrain alles andere als introvertiert - das hätte einen gelungenen Abschluss für dieses Album abgegeben. Stattdessen schiebt das Duo noch "Colours fade" nach - den längsten Song von "Fire like this" und den einzigen, der auch wegen der Überlänge von sieben Minuten das Niveau nicht ganz halten kann. Mit hämmerndem Schlagzeug wird zwar eine gedrückte Atmosphäre aufgebaut, die aber auch nach mehreren Durchgängen nicht so recht überzeugen kann. Der Rest des Albums aber schafft genau dies spielend und lässt damit die ewigen Vergleiche mit den Subways endgültig vergessen. Denn im Gegensatz zu den werten Kollegen ist Blood Red Shoes der zweite Streich bestens gelungen.
(plattentests.de)

Wild Nothing - Gemini

With Wild Nothing, Tatum works in a luminous pastel palette, dreamily recollecting Ariel Pink in his disembodied falsetto, Pains of Being Pure at Heart and Real Estate in his laid-back C86 jangle. There’s a certain amount of frictive guitar strumming, of new wave drum machine beats and percolating bass underpinnings, yet the overall feel is glossily free of urgency. You might hear little hints of the Cure in the synths and bass of “Summer Holiday,” but it’s a “Friday I’m In Love” version of the Cure, with all the brooding dissatisfaction and angst drained off. (Dusted Magazine)

Cymbals Eat Guitars - Why There Are Mountains

Wenn irgendetwas diesem erhabenen Debüt der Cymbals Eat Guitars aus New York etwas anhaben könnte, dann nur der Zeitgeist. Dieses elende und launische Ding. Man kann ihn schon jetzt lamentieren hören, dass "Why There Are Mountains" so Neunziger sei, so sehr Modest Mouse und Built To Spill oder so Pavement und The Wrens. Ja, und? Und auch: nein. Klar stimmt es: Das hier ist eine Alternative-Rock-Platte, aber ihre göttlichen Riffs und furiosen Dynamikkanten sind so wundervoll verwoben, dass sie für Krittelei viel zu schade zu sein scheinen. Sie ist so liebe- und seelenvoll gespielt, ohne Kalkül oder trendy Ambitionen, dass sie dem blöden Zeitgeist ganz spielerisch den Wind aus den Segeln nimmt.

Das ist Rock von seiner freigeistigen Seite, hoffnungslos mit Soundideen überladen und doch oder gerade deswegen so brillant und über jede Kritik erhaben. Joseph D'Agostino singt mit seiner hellen, an Isaac Brock gemahnenden Stimme, er strahlt und juchzt abwesend, brüllt und schreit dann wieder ganz gegenwärtig, und zwischendurch kommt dann eine seiner herrlichen Melodien. Das ist Enthusiasmus, das ist kein Masterplan und auch kein Konzept von Performanz. Das ist so wahrhaftig, wie Rocker in den Neunzigern auf Platten und Bühnen noch zu sein glaubten. Fälschlicherweise oder nicht, führt den Diskurs erneut oder lasst es. Und genießt. Ich wüsste keine Rockplatte, die dieses Jahr entscheidend besser gewesen wäre. Auch nicht die des tollen Manchester Orchestra.
(intro.de)

Serena Maneesh - No 2: Abyss In B Minor

Es wummert und rattert und klingelt und klopft, dass einem zumindest das Hören vergeht. Die Belohnung könnte mit der cleveren, an Sonic Youth erinnernden, Single "I Just Want To See Your Face" nicht größer sein. Doch kaum hat Lina Holmstrøm das Wort "Sugar" in den Mund genommen, kehrt der Krach im dritten Song "Reprobate!" erbarmungslos zurück.

Es geht also um die absolute Frage: Musik oder Nicht-Musik. Im rohen Mix von Nick Terry (Klaxons) und René Tinner (Can) lotet man das Shoegazing-Genre aus, das von Bands wie My Bloody Valentine aufgebaut wurde. Serena Maneesh inszenieren einen Kampf von Lärm und Melodie, den Leadsänger Emil Nikolaisen auf das Bild eines Schleiers bezieht, der allmählich gelüftet wird und der Band ihren Namen gab. Klingt nach einem guten Konzept. Doch Konzepte klingen selten wirklich gut.

Die meiste Zeit ist das Spannungsfeld von Serena Maneesh eher anstrengend als aufschlussreich. Die Dramaturgie, die Kontraste und vor allem die Melodien sind nicht originell genug, um den großen Plan über weite Strecken zu tragen und dem Genre etwas Neues beizugeben. Nur selten führt der Lärm zu einer Wiederentdeckung der Melodie. Meist lenkt er von unausgereiften Fragmenten ab.

Am Ende ist es weniger der lange Weg des Albums, der das Hörvergnügen bringt. Es ist dieser letzte Moment, in dem die Klanghöhle in sich einbricht und der Popsong mit der 60s-Halluzination "Magdalena" das Licht der Welt erblickt. Vielleicht wäre so ein Schluss der bessere Anfang gewesen.
(laut.de)

The Magic Numbers - The Runaway

The Magic Numbers have always been edging into classical territory, and this album does that still more, with plenty of sweeping, elegant undertones throughout. Lyrically, though, repetition is rife, and there’s little here that will seem in anyway unique or inspiring. If we had to pick a niche for the album, TV soundtrack or hotel lobby backing music is along the right lines. The above two – ‘Why Did You Call?’ and ‘Only Seventeen’ are the only tracks, frankly, that stand out above chill-out b-sides. For the rest of the album we find ourselves plodding along, searching for anything particularly interesting, and while the odd quirky lyric pops along in ‘Restless River’, ‘The Runaway is a bit of a chore to listen to in full. ‘Why Did You Call?’ and the slight eighties vibe surrounding ‘A Start With No Ending’ add the merest splattering of the magic of ‘Forever Lost’, but all in The Runaway is bordering on sleep-inducing. On this evidence, the glory days are long, long gone.
(state.ie)

Hey Marseilles - To Travels & Trunks

Hey Marseilles takes some of the most unorthodox instrumentations in popular music (accordion, viola, cello, and trumpet, to name a few) and transforms them into poignant and arresting chamber pop tunes. You’d think anything with accordion in it would be downright kitschy in this context, but the sincerity with which they apply it results in the same sort of emotional resonance that you’d find with The Decemberists of Arcade Fire. Listen to something like the elegiac title track, and you’ll quickly get the idea. (...)
If there was one song that stood tall above the rest, it might be “Calabasas,” a seven-minute epic that follows a lovely arc from a soulful croon to a blissed out jam led by the band’s string section. It’s decidedly a show closer type of number, but I’m willing to bet the audience would be throwing up actually Bics instead of iPhone lighter apps. These guys need to be heard – Trunks & Travels is one of the most transcendent albums of the year.
(adequacy.net)

The arrangements on the album are amazing, navigating the space between simple folk rhythms and sophisticated orchestral flourishes. Constant, steady guitar riffs press steadily onward as various strings and horns flit in and out of their path. As a violin fades, a trumpet takes its place in a series of crescendos filled out by booming percussion. It's an album of grand constructions that nevertheless gets all the little things right.
(stereophonemusic)

The Ark - In Full Regalia

Kent - En Plats I Solen

Kylie Minogue - Aphrodite

Aphrodite is literally the essence of Kylie in audio form. The sparkling instrumentals, the euphoric, angelic coos–everything in this album is an authentic, unapologetic encapsulation the stuff of Kylie Minogue.

This isn’t just an incredible album, or even an album of the year (although it most certainly qualifies to win the title for both). As with Madonna’s Confessions or her own sister’s defining triumph, Neon Nights, Aphrodite is a complete and utter musical moment–a release for the ages, and ultimately, a classic in the making that will go on to become a glittering milestone in Kylie Minogue’s already illustrious career.

Aphrodite is pure Kylie magic. Everything that made you fall in love with her all over again before is present and correct here. Not liking this would be like not being keen on breathing.
(bbc.co.uk)