Ansonsten hilft Musik auch weiter. Das neue Kevin Morby Album (‘Sundowner’) sei hier besonders erwähnt.

Entgegen des niemals ruhenden Charakters strahlen Morbys Lo-Fi- Stücke die Entspanntheit eines Liegestuhls im Halbschatten aus – oder eben im Sonnenuntergang, den er so gerne betrachtet und besingt. Überhaupt findet er für das Geschehen um ihn herum die Worte, die unvergleichliche, melancholische Bilder hervorrufen. Ganz so, als hätte er Bill Callahan studiert, lädt der „Velvet Highway“ genauso zum Perspektivwechsel des Heimkehrenden ein, wie „there’s a campfire inside her soul“ (aus „Campfire“).

Alle zehn Tracks kommen in typisch verschluffter Indie-Manier vom Ex-Woods-Bassisten und ehemaligen The-Babies-Sänger daher. Lassen Morby gleichzeitig aber erwachsener erscheinen. Die sechste Platte präsentiert mehr Ausreizen des Stimmvolumens, mehr visuelles Panorama, mehr Chill zum global Krassen – nur eben im Kontext.

(musikexpress)

The sunlit synths are stark and haunting. It takes me back to those days as a teenager and taking fall drives up Observatory Road, cruising through the lush forestry that surrounds the twisted back country. Back then it was The Smiths’ The Queen Is Dead in the cassette player. If it was now, it would be this.

“Glow” extends the sentiment with beautiful electrified dream pop expressions that fall into the shadows. And even though “Indigo Kids” sounds like a preset demo song to a Casio keyboard from 1985, the sluggish time signature is meditative. With Peter Pantina’s hollowed-out bass riffs, I’m not sure if I am going to hear Robert Smith step up to the mic or Bunch. But damn when Bunch sings, a world of memories and feelings come rushing in like a warm blanket on a cold, snowy day. What could make this song better? Add in a sax that stands out only to complement what everyone else is doing. It’s sheer brilliance caught unexpectedly.

(Selective Memory)

Each Suburban Living song can be viewed as a deep pool with a surface of glassy synthesizer and often undistorted guitar, under which bass and drums rumble and hum. Bunch’s vocals, which bring to mind a more nasal Robert Smith, serve as the bridge between the chugging lower layer and shimmering water level. This dynamic is clearest on “Dirt,” where the bass carries the melody and Bunch describes the liberation of no longer caring that someone treated you like shit in the past. The most thrilling moments on the record are when the layers crash together, like they do in the outro of “Video Love.”

(Look At My Records!)

Punk, das ist Protest, das sind fliegende Bierbecher in Kombination mit Mittelfingern Richtung Rassismus, Staatsoberhäupter und Kapitalismus. Bei Songtiteln wie „Alte weiße Männer“ muss man also kaum zweimal überlegen, was hier Gegenstand des Textes ist.

Dazu gibt es ein eingängiges Bass-Riff, dreckige Gitarren-Chords und Gesang, der mehr Gegröhle als irgendwas anderes ist. Dazu eine Bridge aus Oh-oh-oh-Chören, die einem diesen besonderen Geruch aus Bier und Schweiß anderer Menschen in die Nase treiben, während man mit 16 zu „Bro Hymn“ im Mosh-Pit des lokalen Jugendzentrums eskalierte.

Wer hätte gedacht, dass man sich jemals nach dem Schweiß anderer Menschen in den eigenen Haaren sehnt? 

(musikblog)

Die musikalische Umsetzung ist für Punk-Verhältnisse schon fast komplex und trägt trotz des Ausflugs ins ungewohnte Genre einen unverkennbaren Madsen-Stempel. Die Texte gehen zwar leicht ins Ohr und lassen sich wunderbar mitgröhlen, sind aber trotzdem klug und gewitzt genug, um nicht plump zu wirken. Jeder Song hat seine ganz eigene Daseins-Berechtigung, Lückenfüller sucht man auf dieser Platte vergeblich. Am ehesten fällt da noch „Wir nennen dich Mücke“ aus der Reihe, aber die Liebeserklärung an den Madsen-Tour-Gitarristen ist einfach zu liebenswert, als dass man den Song als überflüssig bezeichnen könnte.

Madsen haben mit „Na gut dann nicht“ nicht einfach nur eine Corona-Schnapsidee in die Tat umgesetzt, sondern ein ebenso unterhaltsames wie wichtiges und gutes Album abgeliefert. Oder um es mit den Worten von Benjamin von Stuckrad-Barre zu sagen, der den Abspann zur Platte sprechen darf: „Boah, ist das geil.“

(minutenmusik)

Der Ausdruck "Kompromat" entstammt dem Sprachgebrauch des KGB und bezeichnet kompromittierendes Material. Dieses kann dazu dienen, Personen des öffentlichen Lebens "gefügig" zu machen. "Kompromat" heißt auch das das aktuelle Album der Band I Like Trains aus Leeds. Lässt man deren Soundtrack "A divorce before marriage" aus dem Jahr 2016 außen vor, handelt sich um den Nachfolger des bereits vor zwölf Jahren veröffentlichten "The shallows".

Der grundsätzlich düsteren Ausrichtung ihrere Musik ist die Band seit dem Debüt "Elegies to lessons learnt" treu geblieben. Damit hatte I Like Trains schon immer einen Stein bei mir im Brett, aber selten passte die Musik für mich so gut zur aktuellen Stimmung wie aktuell. Im direkten Vergleich zu "The shallows" klingt Martins Stimme auch merklich bedrückender. In seinen Ausbrüchen erinnert er mich an der einen oder anderen Stelle an Black Francis / Frank Black.

Es fällt mir schwer einzelne Songs dieses durchweg tollen Albums hervorzuheben. Aber das Trio "Dig in", "Prism" und "Patience is a virtue" stellt schon einen starken Lauf dar und "The truth" ist ein später Höhepunkt dieser Platte, die aus meiner Sicht auch eine längere Laufzeit vertragen hätte.

Artnoir.ch meint:

So entstanden neun Songs, welche die Welt in einem ernüchternden und pessimistischen Licht malen. Martins sardonisch vernichtenden und in monotonem Bariton vorgetragenen Texte, die simpel treibende Rhythmussektion und die sphärisch detaillierten Synthies und Gitarren ergeben ein Gesamtbild, welches in 2020 genauso zu Hause ist, wie es das auf einem Stranger-Things-Soundtrack oder in einem JohnCarpenter-Film sein könnte. „Kompromat“ wirkt bekannt und familiär, nichts, was man noch nie gehört hätte, aber gleichwohl frisch und interessant. Man kann sich in den verspielten, melancholischen Melodien und Songstrukturen genauso verlieren, wie in den äussert harten und pessimistischen Worten. Romantische Nostalgie vermischt sich mit Wut und Hilflosigkeit, etwas, was nicht vielen Bands so schön gelingt, wie I Like Trains.

Das Video zu "Dig in":

"The truth":

Vielleicht ist manchmal die Summe der einzelnen Teile doch mehr als das Ganze? Als Band hat sich The National bereits in den Herzen von Fans und Kritikern verewigt. Durch Solo-Aktivitäten kristallisieren sich nun nach und nach die Facetten der Band klarer heraus. Aaron Dessner ist nebenbei mit Justin Vernon in Big Red Machine aktiv und er ist ein gefragter Produzent, der Taylor Swift bei ihrem in jeder Hinsicht überraschenden aktuellen Album zur Seite stand. Darüber hinaus arbeitete er u. a. mit Sharon Van Etten, Frightened Rabbit und Lisa Hannigan zusammen. Mit seinem Zwillingsbruder Bryce produzierte er die Charity Compilations "Dark was the night" und "Day of the dead". Bryce steht ebenfalls als Vollblutmusiker für einige Soundtracks und seine gefragten Orchesterarrangements. Die solide Arbeit an Bass und Drums fällt bei The National Scott und Bryan Devendorf zu.

Ohne diese Band im Rücken probierte sich Matt Berninger vor fünf Jahren schon mal mit Brent Knopf bei EL VY in Form des Albums "Return to the moon" aus. Nun geht er den nächsten Schritt und veröffentlicht mit "Serpentine prison" seine erste Solo-Platte. Allein durch seine Stimme ist die Nähe zu The National unverkennbar. Auch einige Arrangements und Melodien von "Serpentine prison" hätten in dieser oder sehr ähnlicher Form auf Alben der Hauptband landen können. Ohne die Dessners entfällt aber offensichtlich der Druck (oder die Möglichkeit), den Hörern das eine oder andere musikalische Experimente nahe zu bringen. "Serpentine prison" klingt relaxter, ausgeglichener und gesetzter als die letzten The National-Alben. Außerdem rücken Folk- und Americana-Elemente ein Stück weit in den Fokus. Reduziert aber nie minimalistisch und ein wenig wie The National unter dem Mikroskop in Zeitlupe ist "Serpentine prison" ein passendes Album für einen gedämpften Herbst und Winter.

Songs von The National könnte Berninger problemlos mit seinen eigenen Titeln im Rahmen von Konzerten kombinierten. Ach ja, Konzerte...

Der Titelsong ist für mich der Hit des Albums. Stark sind außerdem "Distant axis", "Loved so little" und "All for nothing". 

Popmatters:

In the end, Serpentine Prison gives us a vision of Berninger quite like the painting, which adorns its cover. We see only a part of him, just as this record presents only a first flash of what he has to offer as a solo artist. He can play the traditional singer-songwriter or the jazz crooner – perhaps he still has yet to find other hats he can wear. Serpentine Prison may not be perfect, but it allows us a new look at a very familiar voice, and for Berninger to achieve that two decades into his career is no small feat.

Das Video zu "One more second":

"Distant axis":

"Serpentine prison":

Die Musik entspricht dem Großleinwandgefühl: Die Streicher klingen wie meterdicke Teppiche, die Beats haben unglaublich viel Volumen, dazu singt Woodkid mal wie Anohni, hätte sie es darauf abgesehen, häufiger mal in der Elbphilharmonie zu

astieren, mal wie ein Neo-R’n’B-Typ, der tatsächlich schon mal traurig war. Am Ende ist das Musik, zu der die High Society kuschelt.

(musikexpress)

In vielerlei Hinsicht führen Kai und Thorsten Wingenfelder als Wingenfelder Fury In The Slaughterhouse-Traditionen fort. Fury-Stimme und -Gitarre sind auch auf diesem fünften Album des Wingenfelder-Doppels prägend. Inzwischen habe ich mich auch schon fast an den Gesang in der Muttersprache gewöhnt. Irgendwie passt es zu dem "altern in Würde"-Prozess der beiden Herren. Bereits unter dem Fury-Label wurde der Bereich zwischen Indie, Pop, Rock und ein paar modernen Ideen weitgehend ausgelotet. Daher bringt "Sendeschlusstestbild" kaum einen Song, der in englischer Sprache nicht auch vor dem vorläufigen Fury-Abschied im Jahr 2008 hätte erscheinen können.

Eine weitere Tradition ist das Wechselbad der Gefühle, denen mich Fury und nun seit zehn Jahren Wingenfelder aussetzten. Da gab es immer wieder starke Songs und auch viele Enttäuschungen. Auf dem "A summer's tale"-Festival im Jahr 2019 sammelten die Wingenfelders vor allem wegen des starken Songs "Bis nach Berlin" vom vierten Album "Sieben Himmel hoch" mächtig Punkte bei mir. Für mindestens einen wirklich guten Titel sind die beiden immer gut.

Auf "Sendeschlusstestbild" fällt diese Ehre dem Titelsong zu. Mit politischer Aussage und musikalisch ansprechend bietet das Album damit einen tollen Auftakt. Nicht überraschend aber leider wird dieses Niveau nicht gehalten. Einige gefällige aber auch beiläufige Titel sorgen für ein insgesamt mittelprächtiges Bild. "Rette mich wer kann" und "Ein kurzes Hallo" laufen in meiner Gunst auf der Haben-Seite. Für Titel wie "Bis mein Bauch glüht" kann ich mich allerdings nicht erwärmen. Nach zehn Jahren ist "Sendeschlusstestbild" somit ein der Karriere der Band entsprechender Meilenstein... leider etwas durchwachsen.

Im Rückblick auf die zehn Jahre wurde dem Album noch eine CD mit Live-Aufnahmen von Songs der früheren Alben spendiert.

Das Video zu "Starwars":

Und das zum Titelsong:

Der Vinylist meint:

So entstanden sehr abwechslungsreiche, ruhigere und laute Stücke, gelassenes Singersongwriting und Stadion Rock-angehauchte Midtempo-Nummern, berührende Momente, treibende 80ies-Gitarren, hervorragende mitsing- und tanzbare Melodien. Allen gemein sind das feinfühlige Arrangement sowie die große Lust auf Details und aufs Leben.

Mit Róisín Murphy verband ich bisher den Moloko-Hit "The time is now", ein Konzert mit Gus Gus im Jahr 2003 (ja, ich war wegen der isländischen Vorgruppe da) und vor allem den tollen Song "Don't you agree?" aus David Byrnes "Here lies love"-Album. Moloko ist seit dem Jahr 2004 Geschichte, Murphys erstes Solo-Album erschien 2005. "Róisín machine" ist bereits die fünfte unter ihrem Namen veröffentlichte Platte. Mit dem Produzenten Richard Barratt (könnte man als Teil von All Seeing I kennen) arbeitete die Irin bereits seit ca. zehn Jahren immer mal wieder zusammen.

Der erste ("Simulation") und letzte Track ("Jealousy") des aktuellen Albums entstammen aus dieser Zusammenarbeit und sie wurden bereits vor einigen Jahren veröffentlicht. Nun dürfen sie die weiteren Titel umschließen, die den Weg auf "Róisín machine" gefunden haben. Ihrer "Electropop meets Disco and Dance"-Linie bleibt Murphy auch mit diesem Werk treu. Die zehn Titel kommen insgesamt auf eine Spielzeit von knapp 55 Minuten. Fast alle Songs wirken wie auf 12 inch-Format ausgewalzte Singles. Titel wie "Kingdom of ends", "We got together" und "Narcissus" verfügen über die dafür ausreichende Substanz und wissen zu überzeugen. Andere Songs (z. B. "Something more") driften hingegen in Langweile ab. Zweifellos dürfte kaum ein Hörer beim Genuss des Albums die Füße stillhalten können. "Róisín machine" ist der Soundtrack für Tanz-Abende unter Corona-Bedingungen zu Hause.

Das Video zu "Narcissus":

How much of this is folk, pop or chamber-rock is really rather irrelevant. Above and beyond the comparisons with other groups (as with my examples earlier) it’s only an attempt to put up a signpost that points in their direction. Because Darlingside are unique. They’re a gestalt of four voices and instruments that blend so perfectly it’s impossible (unnecessary) to single out individual contributions. Who is singing when and where is sacrificed for the superiority of the song at that moment. It’s democratic but also selfless.

And the album is a rallying cry to be the same. To dwell, to exist and revel in the moment. But not in a hedonistic way, in an acceptance that your being is a part of something superior. And something worth fighting for. It’s hard to describe the effect of the album. Returning to the earlier analogy, a witness can only hint at the vastness and power of the ocean. To feel it, you’ve got to dive in.

(Folk Radio)

While it’s reductive – and untrue – to claim that Bell’s debut is all about that bass, the decade or so he spent in that position for Oasis has certainly left its mark. Often, it’s the lower frequencies that dictate the tone, from the McCartney-influenced runs in “Skywalker”, to “Indica”, with its Gil Scott-Heron imprint, and “Cherry Cola”, which weighs in with a Gainsbourg groove and Pierre Henry heft. Even at its poppiest, the irresistible, hook-filled opener “Love Comes in Waves”, it’s the linear, motorik drive that grabs hardest and carries us along.

Bell is a gifted songwriter, but that’s hardly news to anyone who’s been listening in the last three decades. Here, however, we also get to see his producer’s intellect at work. The dynamic shifts and sonic swerves display impressive range and scope married to a singular vision. It’s this use of colour – tone, texture and ombre that makes “The View From Halfway Down” look very appealing indeed.

(the arts desk)

Opening in the hazy rush of ‘Loves Come In Waves’, it’s psych-pop inflections lead into the more expansive climes of ‘Indica’ with its hypnotic electronic leanings. Album highlight ‘Cherry Cola’ is a sweet summer hymn, a neat Beta Band style jammer, while ‘Skywalker’ utilises that familiar Neu! rhythm in a startlingly direct guitar pop format.

At a mere eight tracks ‘The View From Halfway Down’ is a succinct solo statement, but there’s lots to explore, from the simplicity of 120 second miniature ‘Indica’ through to languid finale ‘Heat Haze On Weyland Road’.

(The Clash)

Es ist ein schönes Gefühl, dass diese Band, die einen seit mehr als zwei Jahrzehnten begleitet, sich ihre eigene, ganz besondere Dynamik bewahrt hat, und es schafft, diese noch immer auf Platte zu bannen. Man muss aber kein Travis-Fan sein und die Bandgeschichte studiert haben, um "10 songs" zu mögen. Es könnte genauso gut ein Debüt sein und wäre immer noch eine tolle Platte. Welche Gruppe kann das schon von ihrem neunten Studioalbum behaupten?

(Plattentests)

Pecknold dirigiert einen Kinderchor und singt Duette mit seiner eigenen Stimme. In einem Stück namens Featherweight erprobt er einen überraschend nudeligen Klavierstil, an vielen anderen Stellen verzieren zweite und dritte Gitarren das Zusammenspiel seiner größtenteils imaginierten Band. Arrangements des Bläserquartetts The Westerlies prägen sieben der 15 Stücke, darunter auch das überragende Cradling Mother, Cradling Woman. An vorletzter Stelle des Albums beginnt der Song mit einem Sample, das den lichtscheuen Beach Boy Brian Wilson bei der Arbeit einfängt. Dann aber kreiseln Trompete, Posaune und Piano auf immer engeren Bahnen umeinander: Das Lied wird zum Tribut an den orchestralen Folkpop, mit dem Sufjan Stevens einst die vergessenen Ecken der USA besang.

Solch spezifische Referenzen sind typisch für Shore, auch wenn sie meist weiter als 15 Jahre in die Vergangenheit zurückgreifen. Gleich das erste Stück, das Pecknold selbst singt, listet 16 verstorbene Musiker und eine verstorbene Musikerin auf, denen das Album gewidmet ist. 

(Zeit)

Shore is a glorious, life-affirming collection of songs, a move to the centreground that shows his absorbing of musical influences is paying rich dividends. It has ‘future classic’ written all over it. (musicOMH)

Shore sees Fleet Foxes reborn and entering a new season themselves; a stunning evolution to behold. Fleet Foxes’ fourth album glistens with warmth, energy, and melody. Whereas Fleet Foxes, Helplessness Blues, and Crack-Up were earthbound, Shore sees Fleet Foxes entirely liberated and taking flight – a fresh incarnation of their former selves. (Sputnikmusic)

It’s maturer in sound and ideas, but retains all the hallmarks of what made Fleet Foxes so great in the first place: rich and studied folk compositions, unrivalled harmonies, stories that strike to the core of nature and human existence, and a dedication to art that emotionally lifts you off this planet. (NME)