For their fourth album, Local Natives have tapped back into the rich veins of sound from their first and second albums, taken the best elements of each – the spark of Gorilla Manor, the moodiness of Hummingbird – and used them as the foundation to build Violet Street. It’s a dramatic stretch on life’s road map, on which Local Natives have captured their true spirit once again.
(The Line Of Best Fit)

"Shy" is the gem off the record, though its sound is anything but what its title may suggest. It starts off with intensely fast drumming and Kelcey Ayer's soaring vocals. Fierce and loud brass takes over, building up to a triumphant finish, similar to Foals, who are known for thundering build-ups in their music. "Sky" and other tracks such as "Gulf Shores" have an Afro-pop-inspired style and it's all over Violet Street, making the experience feel dreamy and endless.

Mellow but still high energy, "Café Amarillo" is a foot-tapping showpiece with awe-inspiring crafted bass and again, lively drumming. In contrast, the record ends with the slower paced "Tap Dancer." It's a memorable and emotional tune, sombre in essence, but still has the spirit Local Natives project from the opening track.
(exclaim)

With a notable energy that recalls their debut, the ‘all in one room’ technique of the album’s recording pays off in spades. ’Shy’ is anything but with it’s pacing, industrial percussion, while ‘Tap Dance’ makes for a lovely closer, sweet, slow harmonies and nostalgic lyrics that build ladders towards the great stadium in the sky, guitars threatening to hurtle right into the ground but pulling up right at the last minute. For those who tend to see the glass half empty, it can be difficult to enjoy even the purest of happiness, but with ‘Violet Street’, Local Natives deliver a tale of affection deeply rooted in the realism of love, not just in romance but in life.
(DIY)

The two sides of Arrivals & Departures are defined as a double album by the band, and could quite easily have been put out as two seperate releases. This isn’t a bloated session with a knife arbitrarily splitting it apart. The clear thematic and aesthetic differences make for two isolated wholes which work even better when sat next to one another. It is for this reason that Arrivals & Departures (which could have alternatively been titled Loss & Anger) is the most ambitious Leisure Society record to date – and the most accomplished.
(The Line Of Best Fit)

Listening to Arrivals & Departures, the fifth and a double album from The Leisure Society, the first one-word description that comes to mind is ‘pastoral’. That is if you only pay attention to the music. So it is no wonder that one point in the band’s career they were approached by a certain Ray Davies to collaborate on music together, and that another certain, Brian Eno has a hand in this album. (…)
What we get is a lush, melodic album with some dark overtones that blend easily with the music. So maybe that one-word description could be turned into a two-word one: ‘dark pastoral”. (…)
Based on the evidence of Arrivals & Departures, The Leisure Society deserve both - the critical praise and public acceptance. I hope they get it.
(Soundblab)

Die Songs sind getragen von der samtenen Stimme Marinas, pluckernden sowie federnden Electropop-Klängen und einem nachdenklichen Storytelling über die Komplexität von Beziehungen und Humanität, wie der Opener "Handmade Heaven" – Ein zarter Pianopop-Song, der Marinas persönliche Entwicklung in ihrer vierjährigen Musikpause reflektiert.
Im "Fear"-Part erkundet Marina die Unsicherheiten im Leben und stellt die komplexe Sinnsuch-Frage, widmet sich aber auch aktuellen gesellschaftlichen Problemen wie der Geschlechterungleichheit sowie Machtmissbrauch. Stellvertretend dafür konnte man vorab schon den Track "Handmade Heaven" hören: Ein zarter Pianopop-Song, der ihre Entwicklung ihrer vierjährigen Musikpause reflektiert.
In diesem Teil finden sich auch die interessanteren Songstrukturen, zu denen man von den leichtfüßigen "Liebessongs" sanft hingeführt wird. Hier haben die Songs eine dunklere elektronische Färbung, die ein wenig an FKA Twigs, Lykke Li oder Grime erinnert. Absolutes Highlight im zweiten Teil ist der Song "Emotional Machine", der eine Gefühlsachterbahn mit musikalischen Mitteln perfekt umschreibt. Auch der Gesang Marina variiert hier wunderbar und schraubt sich immer wieder in charmante Höhen.
(Tonspion)

„Evangeline“ ist, zumindest für mich persönlich, die größte Überraschung des Albums. Über 4 1/2 Minuten Länge, umgeben von musikalischen Dominanzwechseln und unvorhersehbaren Bestandteilen. Was mit einem angetäuschten Beatgefrikel beginnt, geht mit der Zeit über in ein souveränes Bläserkonstrukt, das man in dieser Art eher bei Beirut als auf einer Bear’s Den-Platte vermuten würde.
Melodisch vertrauter ist da „Crow„, der allerdings mit seinen nackten Gefühlen überrumpelt, ja vielleicht den ein oder anderen auch von den Füßen holt.  Es ist der Song auf „So That You Might Hear Me„, der mir bei jedem Hören Tränen in die Augen treibt. Weil er trifft. Mittenrein.
Bear’s Den bleiben sich treu, ohne auf der Stelle stehen zu bleiben. Gehen neue Wege, ohne von ihrem Ziel abzukommen. sind mutig, ohne übermütig zu sein. Zeigen, wie Kreativität und Intimität zusammen etwas Großartiges schaffen können.
(The Mellow Music)

Da nützen auch die melancholischen Trompeten in "Evangeline", die vom Aufbruch innerhalb der Vergebung künden, nichts. Ebenso wenig das warmherzige Piano und der ausgreifende Gesang Andrew Davies in "Fossils" mit seiner Trennungserzählung. Auch die Single "Fuel on the fire" handelt vom Auseinandergehen, ihr elektropoppiger Unterbau ist allenfalls nett.
Apropos Singles: Neben erwähnter wurden auch noch die relativ klassische Piano-Gitarren-Ballade "Blankets of sorrow" und die synthieunterfütterte Einsamkeits-Hymne "Laurel wreath" vorveröffentlicht. Letztere liefert mit "December in my eyes" immerhin ein schönes Bild, aber dennoch – keine Hits auf "So that you might hear me". Höchstens das als Alkoholismusgeständnis aufzufassende "Hiding bottles" mit seiner herzschlagenden Percussion und reißerischen Gitarre passt in diese Kategorie.
(Plattentests)

“There were bits that she had done but hadn’t sent to me so you’d have a verse and chorus but then no second verse and you’d think ‘it’s such a pity. But then Dolores’ partner came over with a hard drive and he had all these other bits she hadn’t had a chance to send, so we ended up with full songs.”

Gespenstisch: So wird oft Musik bezeichnet, die nach dem Tod eines Künstlers veröffentlicht wird, denn man neigt dazu, überall Prophetisches in den Lyrics zu finden und bei "In The End" wird man reichlich fündig.
Der Opener "All Over Now" erzählt von einem Hotelzimmer in London und Dolores O’Riordan starb in einem solchen im Alter von nur 46 Jahren. Doch die Sängerin mit dem unverwechselbaren Gesang, der von keltischer Musik beeinflusst ist, hatte stets mit Depressionen und Dämonen zu kämpfen und so waren die Lyrics der Cranberries schon immer durchzogen von düsteren Themen.
Und so mag man angesichts Titel wie "Lost" oder "In The End" zwar erschauern, aber die tröstende Wucht der Melodien sind nicht getragen von Trauer, sondern von Energie: In Songs wie "Wake Me When It’s Over" zeigt sich die Kraft der Band große Popsongs zu schreiben, die von cool zu pathetisch innerhalb weniger Sekunden wechseln können.
Dies ist natürlich vor allem der markanten Stimme O’Riordans geschuldet, die der "Melody Maker" einst treffend "die Stimme einer Heiligen, gefangen in einer Glasharfe" nannte.
(Tonspion)

New record, Montage Images of Lust and Fear, is filled with stirring, emotive, bleak soundscapes which could deftly accompany any current horror film. With indisputable influence from Nick Cave/The Birthday Party, frontman Craig Dyer gravely croons on solemn opener Sins:  “I joined a well-known cult and I was crucified”. It could almost be a passage lifted directly from Cave’s autobiography.
The pseudo-schizophrenic, off-kilter guitars which feature on Last Exit To Nowhere and Blind II inflame the record like woven twigs beneath a Wickerman, while bass and guitar dance round the burning effigy like witches during intense sections of Blind.
This is not just a montage to fear though. In haunting ballads “where candlelight dances”, The Death of the Author rumbles like Jim Morrison’s lyricism in The End. Only this scuffles to reach the poetic heights of The Doors frontman. Perhaps the murderous dogma isn’t quite as polished as the macabre intent, with the lustful-nee-romantic ballad Too Innocent To Be True far more effective with the use of Kristof Hahn (Swans) lap steel guitar. This is also true on I Can’t Resist, with Dyer’s wife Olya slamming drums to powerful effect as he howls like an animal in heat, distorted by the raw, sex appeal of its target.
Torch song This Anaesthetised signals the record’s cessation with a heartfelt narration of a world losing consciousness before fading to static, as if a remote control can be used to swap between emotions. While lyrically sparse, this is an effective choice for album closer.
(Louder Than War)

„In Your Head“ verbindet Synthie-Rock mit Indie-Euphorie, „Baby Blu“ zieht es elektronisch in eine ganz andere Richtung. „Melt“ schunkelt frühsommerlich zu Bläsern.
Sowieso ist der laute Indie-Rock in der zweiten Hälfte des Albums nicht mehr zu hören, „Safety Net“ besitzt die Eleganz einer 80er-Hochglanzproduktion, wegen solcher Stücke fällt der Referenzname Sade häufiger.
(musikexpress)

Nilüfer Yanyas Debüt schlägt, immer hart am Pop-Appeal orientiert, einen weiten Bogen von Indie-Rock-Gitarren zu Beatbox-R&B, verwirrt mit billigen Synthesizer-Sounds und - in "Indiemusic" jahrelang völlig verpönt - smoothen Saxofon-Phrasen.
Melodien, die teils merkwürdig schräg, teils zuckersüß interpretiert werden, mithin einer möglicherweise naiven Unausgewogenheit, die alles zulässt: einen Verriss als unausgereiftes Sammelsurium loser musikalischer Ideen - oder Anerkennung für eine Künstlerin, die unbeirrt ihrer musikalischen Vision folgt, die sich nicht aus dem gerade hippen Coolness-Diktat einer musikalischen Szene speist, sondern ihrer subjektiven Definition des notwendigen musikalischen Ausdrucks ihrer selbst.
(NDR)

‘Badbea’ is a key part in Edwyn Collins’ remarkable solo career, one that has defied critics and doctors to wilfully do its own thing. A rich, vastly creative experience, it’s a further sign that Edwyn’s work remains something to treasure.
(Clash Music)

Badbea isn’t the kind of album that’s going to change or set the world on fire, but if our favorite singer-songwriters must age, here’s to them sounding as vital and rewarding as Edwyn Collins does here.
(Soundblab)

The songs are on the short side, stripped of padding but packed with riffs and lyrical insights aplenty. A sense of enjoyment is ever present, many of the lines delivered with a knowing glint in the eye.
Badbea, then, is a spirited and triumphant addition to the discography. It puts a smile on the listener’s face, will make their feet twitch and will on occasion bring an affectionate tear to the eye. Form may be temporary and class may be permanent, but right now Edwyn Collins has both.
(musicOMH)

• 21.05. Köln
• 24.05. Berlin 

All this unfolds in sober meditations and electrified anthems where synths fuse with glistening electric guitar and ringing cymbals. Showalter’s preference for blending the celestial touchstones of British post-punk with the sinewy qualities of his American heroes has never been better executed than it is here: “Final Fires” melds the synth and guitar tones of the Cure with the upcountry jangle of Tom Petty, while the title track swirls in a haze of My Bloody Valentine’s crescendos and Joy Division's negative space.

Das irgendwo zwischen Sechzigerjahre-Folk und Achtzigerjahre-Computerspiel-Soundtrack wandelnde "Song for John Lennon" loopt und halluziniert sich geschickt ins Ohr, "Bullet from a gun" schmust auf der Engtanz-Party charmant sowohl mit Elliott Smith als auch mit The Jesus And Mary Chain und "Can't even choose your name" lässt gleich jede Ansammlung vieler Menschen hinter beziehungsweise unter sich und fliegt auf einem dichtgewebten Klandteppich glatt hinweg über die Großstadt, das Land, den Ozean, die Welt.
Zwar liefert "6 Lenins" keine Parade an Aha-Momenten, die Stimmung des Albums fängt den Hörer jedoch von der ersten Sekunde an ein und lässt ihn so schnell nicht los. Wenn das verträumte "Old Street station" die Zielgerade einleitet, ist das, als würde man selbst müde blinzelnd morgens um halb sieben an dem besagten Londoner Bahnhof aufwachen, nach einer wilden, durchzechten Nacht mit genau jenen Freunden, die vor 15 Jahren schon mit dabei waren und auch in jeder zukünftigen Erinnerung eine Rolle spielen werden. In einer solchen noch gar nicht erlebten Erinnerung endet auch "In the garden": mit Twang und Anwandlungen von Slowcore, viel Herz und noch mehr Lebenslust, umgeben von denen, die auch in den schwersten Zeiten da sind. Es war vielleicht nicht immer alles gut – aber jetzt es ist alles so, wie es sein soll.
(Plattentests)

Mine schichtet bedacht Gedankenskizzen auf ein facettenreiches Instrumentarium von Autoharp bis Omnichord, angefunkte Gitarren wechseln sich mit dramatischen Streichern ab, poppige Synthies mit treibenden Percussions – schwierig, einen Song auszumachen, der repräsentativ für das Gesamtwerk stehen könnte.
Den Wow-Moment verpasst Mine trotz all den Soundexperimenten dann zwar doch, denn allzu oft verliert sich die Sängerin in etwas zu lang geratenen, lethargischen Gesangspassagen. Ein Beweis dafür, dass Deutschpop nicht nur Kalenderspruchmusik auf Elektrobeats sein muss, ist das Album aber allemal.
(musikexpress)

Mit Ausnahme dieses sehr persönlichen Titels ("Vater"), so muss man das leider attestieren, bewegt sich "Klebstoff" lyrisch allerdings weitestgehend im Tal der gemeinen Belanglosigkeiten. Oder besser, wie schon gesagt: ProSieben-Vorabendserien-Style. Ist halt einfach die tausendste Wiederholung. Aber trotzdem wird's ja irgendwie nicht langweilig, deswegen soll dieser Kritikpunkt jetzt gar nicht weiter aufgeblasen werden. "Klebstoff" profiliert sich auf ganz andere Weise als mit hochphilosophischer Finesse. Es ist durch und durch ein Pop-Album, weil es gefällig ist bis zum Anschlag. Dabei merkt man dennoch jedem einzelnen Song an, was für eine großartige Produzentin Mine ist, weil der Sound trotz des poppigen Trägermediums fast nie in Billigkeiten verfällt.
(Plattentests)

It’s these more melodic moments – no less potent for their lack of wide-eyed shouting – that really mark ‘Dogrel’ out as something special. Attention-grabbing though the likes of ‘Too Real’ and ‘Hurricane Laughter’ may be, their all-consuming noise marking Fontaines’ arrival in blindsiding style, they are but punctuation in a bigger narrative. It’s in the ‘grass is greener’ escapist sentiment of ‘Boys In The Better Land’, or the closing Irish drinking tune of ‘Dublin City Sky’, that these five Dublin lads prove their talent for painting in far more colours than just blacks and greys, and Fontaines D.C. have proved their worth as one of guitar music’s most essential new voices.
(NME)

For listeners not versed in the Irish punk scene, his extremely characterful voice is as bracing as Alex Turner’s was when Arctic Monkeys broke out, and he uses it to voice a boisterous cast of personae: bullish yuppie on opener Big; ranting preacher on Chequeless Reckless; fond documentarian on Liberty Belle: “You know I love that violence that you get around here / That kind of ready-steady violence.” That song and others here are fantastic ramalama surf-punk hits, but the five-piece have real range on this perfect debut.
(The Guardian)

Dublin in the rain belongs to Fontaines D.C., and rather than being too real this album is just right, it is a ragged delivery. The trick lies in the seemingly un-filtered rawness combined with its stark poetic reality. The three components help secure this album’s position as an example of authenticity; authenticity in its most concentrated and truest form and expression.
(Clash Music)

Retro und ironisch ist diese Platte, Tom Rowlands und Ed Simons verzichteten auf eine lange Gästeliste, das war auf dem Vorgänger BORN IN THE ECHOES noch anders, da hatten die Featurings von Beck über St. Vincent bis Q-Tip ordentlich Wirbel erzeugt. Dieses Mal waren dem Duo die Samples wichtiger, auf einigen Stellen erinnert NO GEOGRAPHY an die frühen Schnipsel-Orgien von Pionieren wie M.A.R.S.S., The Art Of Noise oder Paul Hardcastle. Der Ansatz ist nicht übel, sorgt aber auch dafür, dass die Chemical Brothers nun endgültig ein Vintage-Act sind.
(musikexpress)

Bold, immersive, and not easy to pin down, ‘Interview Music’ affords Idlewild the space to find renewal in new ideas, a record driven by conviction, collaboration and the urge towards communication.
(Clash Music)

Free from commercial constraints, Idlewild are reinvigorated. ‘Interview Music’ is their best work in 17 years. They seem driven by the joy of making music great again. It won’t change the world, but record is a wonderful world all of their own.
(NME)

With Interview Music, Idlewild have made another beautifully crafted, memorable rock record while at the same time giving their sound space to evolve. If Everything Ever Written signaled the beginning of Idlewild MK II, then Interview Music finds them discovering just what the new Idlewild is capable of.
(PopMatters)