Platten vor Gericht

Neue Platten bewerten

Platten vor Gericht

dient uns als Plattform, um uns über neue Alben auszutauschen, sie vorzustellen und teilweise heftig zu diskutieren. Seit 2002 bewerten wir alle Alben, die uns zu Ohren kommen, mit Noten von 1 bis 10, so dass am Ende eines Jahres das "Album des Jahres" gekürt werden kann. Auch Gäste unseres Blogs sind herzlich dazu eingeladen, ihre Meinung zu äußern und Bewertungen abzugeben.

  • 1. Vorstellen
  • Nahezu täglich öffnen sich die Pforten des Gerichts, um die Fakten eines neuen Falles darzulegen.

  • 2. Diskutieren
  • Gibt es mildernde Umstände zu beachten? Welche Platten gehören noch vor Gericht gestellt?

  • 3. Bewerten
  • Nicht immer kommen die Richter zum gleichen Urteil und benötigen daher den Beistand der Gastrichter.

  • 4. Auswerten
  • Ein faires Urteil wird mit Hilfe der Durchschnittsnote gefunden und am Jahresende verkündet.

Me

Fachgebiete

Dies sind unsere bevorzugten Betätigungsfelder:

Britpop 80%
Dreampop 50%
Folk 70%
Indiepop 75%
Indierock 90%
Pop 85%
Post-Rock 40%
Shoegaze 60%
Singer/Songwriter 80%

Mixtape

Monatlich stellt Oliver ein Mixtape zum Nachhören der Plattenvorstellungen zusammen.

Revision

Zu besonderen Anlässen werfen wir auch einen Blick auf das Gesamtwerk eines geschätzten Künstlers.

Listening Sessions

Gelegentlich treffen wir uns auf Volkers Sofa zu gemeinsamen Listening Sessions.

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  • Martin Rossiter - The Defenestration of St Martin

    Martin Rossiter - The Defenestration of St Martin
























    Wenn mich jemand nach der besten Gruppe aller Zeiten auf der ganzen Welt fragen würde, wäre meine Antwort vermutlich „Was? Nur eine?“. Der Fragesteller würde sein Auskunftsersuchen daraufhin eventuell auf die fünf besten Gruppen aller Zeiten erweitern, worauf ich erwidern könnte: „Gene gehören auf jeden Fall dazu!“

    Gene. Aufgrund der sehr Morrissey-esquen Stimme ihres Sängers Martin Rossiter gerne in die Smiths-Schublade gesteckt, im Herzen aber große Fans von The Jam, was sich vor allem bei den Konzerten zeigte, bei denen ihre Songs teilweise so energiegeladen auf die Zuhörerschaft losgelassen wurden, dass man schon allein vom Zuschauen ins Schwitzen kam.

    Einer meiner Lieblingssongs von Gene ist allerdings das ruhige „Drawn To The Deep End“. Eine Ballade, in der Martins fantastische Stimme begleitet von dezentem Piano und unaufdringlichen Streichern besonders zur Geltung kommt. Das großartige Songwriting tut sein Übriges. Wer sich, wie ich, schon immer ein komplettes Album mit solchen Songs gewünscht hat, der darf sich freuen, denn mit „The Defenestration of St Martin“ wird dieser Wunsch jetzt mehr als erfüllt.



    “There are no pearls,” sings Martin Rossiter at the start of his solo debut, his first record since breaking up alt rockers Gene. He’s lying: The Defenestration of St. Martin - poncy title aside - is so pearly you could make traditional cockney costume out of it. (drownedinsound.com)

    An album which should win prizes (but won’t), and hearts (and will). (independent.co.uk)



  • The Lighthouse And The Whaler - This Is An Adventure

    The Lighthouse And The Whaler - This Is An Adventure


























    Die erste Vorladung (X)

    Personalien:
    The Lighthouse And The Whaler sind ein Quartett aus Cleveland, Ohio, das sich aus den LoPresti- Brüdern Michael und Matthew, sowie Mark Porostosky und Steve Diaz zusammensetzt.

    Tathergang:
    Michael LoPresti und Aaron Smith und gründeten zusammen die Band, die ihren Namen "Moby Dick" entlieh, 2008 ihre erste EP veröffentlichte und im folgenden Jahr ihren ersten selbst produzierten und vertriebenen Longplayer folgen ließ. Nach der "Pioneers" EP, die im März 2012 erschien, folgt nun mit "This Is An Adventure" das zweite Album. Die 10 Titel wurden innerhalb eines halben jahres geschrieben und in den Bear Creek Studios in Seattle zusammen mit Ryan Hadlock (Ra Ra Riot) aufgenommen. 

    Plädoyer:
    Glockenspiel! Streicher! Charmanter, melodischer Indiepop! "This Is An Adventure" ist kein Abenteuer sondern eine absolute Empfehlung für Freunde von Fanfarlo, Sufjan Stevens, Shout Out Louds oder Noah And The Whale. Genau so enthusiastisch wie die Jungs auf dem Cover um das Feuer tanzen, werdet ihr um euren Plattenspieler/CD-Player/Computer tanzen. Versprochen.

    Nur bei der "Plattenspieler/CD-Player/Computer"-Aussage muss ich Abstriche machen, denn das Album gibt es bisher nur in digitaler Form. 

    Zeugen:
    ‘Pioneers’ sets this playful tone from the first ping, following up with light-fingered keyboard flourishes and springy guitar riffs that skip and hop like you’re navigating stones across a trickling stream. After three years away from the studio, The Lighthouse And The Whaler are back, still keeping themselves from planting their feet in the ground. The brothers Michael and Matthew LoPresti, Mark ‘Poro’ Porostosky and Steve Diaz are the bare-chested band on the cover, faces painted like Red Injuns, circling the fire like it’s a Saturday afternoon Rain Dance. Just so you know what to expect.
    It’s been a long old time since we heard from this band, but they still have all the energy of little boys zooming through open fields with their arms spread pretending to be aeroplanes. It’s no mystery that they called their new record ‘This Is An Adventure’; every song here has that inimitable spirit of youthful optimism.
    You can practically hear the wind in the sails as we ease into ‘The Adriatic’, the calm of the cool water emulated in simple, longing strains on the violin as cymbals brush and shimmer like waves against the shore. Title track ‘This Is An Adventure’ springs into action soon after, the band clearly having the time of their lives: “I feel the grass beneath our feet and open skies”.
    ‘Little Vessels’ is the first to feel dark and momentous, teasing you with a cold opening before the delicate instrumental interplay strikes you, and you realise the lengths this band have gone to in making this record something truly special. ‘Iron Doors’ goes one further, capturing bravery in quiet moments. Those frightening and thrilling few seconds of a couple’s first kiss are articulated, given form and melody.
    ‘Venice’ is probably the purest expression of their new sound; full of the unforgettable innocence and honesty of first love. “Death is cold/Death is sure/Why don’t we all fall in love?” pleads the chorus. It calls up John Lennon’s iconic ‘Imagine’ in asking us to throw away useless dogma and pretense. We’re being asked to live for love, and it sounds like music to these ears.
    Maybe every other band has a track called ‘Untitled’, but TLATW make up for their unimaginative lack of title by closing this record with passion and pathos, bristling with arching keys and fleet-fingered guitar licks. It’s one last hurrah; it’s shouting yourself hoarse for the encore and not giving a good goddamn because it’s the last night of the tour.
    (Live 4 Ever)

    Indizien und Beweismittel:





    Urteile:
    Nun sind die werten Richter gefragt...

  • Tamara Schlesinger - The Procession

    Tamara Schlesinger - The Procession



























    Die erste Vorladung (IX)

    Personalien:
    Tamara Schlesinger ist eine aus Schottland stammende Singer/Songwriterin, die seit 2006 in der Folkpop-Band 6 Day Riot singt.

    Tathergang:
    Nach 6 Jahren, 2 EPs und 3 Alben mit 6 Day Riot wurde es für Tamara Schlesinger Zeit für musikalische Experimente  und ein Soloalbum.
    Dieses trägt den Titel "The Procession", beinhaltet 11 Titel in 36 Minuten, wurde mit Hilfe von Creative Scotland finanziert, in Glagow aufgenommen und über ihr eigenes Label (Tantrum Records) veröffentlicht. Für knapp 14 € inklusive Versand kann die CD über die Bandcamp-Seite der Künstlerin erworben werden.

    Plädoyer:
    Die spärliche, Kammerpop-artige Instrumentierung fällt hier wenig ins Gewicht, da zahlreiche Gesangsspuren a capella geloopt und übereinander geschichtet wurden. Freunden von Dear Reader, Laura Marling, Cocteau Twins oder (wenn man etwas gemein sein möchte) Enya zu empfehlen.

    Zeugen:
    In songs such as opening track,' I Go', vocal and instrumental layering showcase Schlesinger's talent, while creating a sense of the spiritual. Using this focus on the layering of vocals, Schlesinger skilfully produces a choir like sound in which it's as if every snippet of her voice represents a varying emotion, or slice of personality. Each song, from simple opening track 'Yai Yai' to the darker 'No Coming Back', adds to the developing sense of this debut effectively being Schlesinger's thoughts and reflections on her own music and its progression, in melodic form. Unlike many albums, the debut of this former lead singer builds to no medial or terminal climax which each song is centred around, but remains inflexible in its calm and pensive beauty, and seems to suggest a developed sense of self-acceptance on Schlesinger's part.
    The twee stylings of Schlesinger, displayed so quirkily on this album, would follow A Creature I Don't Know and Made of Bricks quite perfectly for some relaxed summer listening, and would most certainly end it on a chilled and contented note. However, this is not an album for every occasion, and it is at times repetitive in its lyricism. Just like we can only stand to hear Kate Nash singing "you said I must eat so many lemons...," in that faux cockney accent so many times, so too is there a limit to the amount of times one can stand to hear "Yai Yai Yai Yai Yai" repeated. Mean anything to anyone else? No, didn't think so.
    (The 405)

    It's an album that really showcases Tamara's voice, both as instrument and conveyor of message. The songs are built in an almost orchestral way, adding layer onto layer to form a wall of sound around which the vocal weaves and spirals to add the textures.
    "The Procession" feels very much like a song cycle, with each one, taking an element of its self into the next number, to be adapted an moulded into a new piece, giving the whole a sense of being, whilst giving the individual parts their own identity and pace.
    There is also a very spiritual feel to the album. Whilst there is no direct comparison there were times when the album felt like it was tinged with a gospel spirit, well maybe more of an African praise singing touch. It's not just the choir like elements, it's the way Schlesinger gives them spirit.
    This is an album that it's difficult to pick out the stand out songs, though "My Home" does set its self aside as the exception to the rule. Not that that casts "The Procession" as a one trick pony, far from it, it's a highly dynamic album that revisits the likes of This Mortal Coil and Dead Can Dance and gives it a slightly folkier, more spiritual sound.
    Tamara Schlesinger has delivered an album that she can be really proud off. In the right mood this is one of those albums that will take very few substitutions, but it's not an album for all occasions and that's not a bad thing, so much better to be a master, or mistress, of one. Thoughtful, reflective, chilling, enlightening, that's more than enough for me.
    (Fatea Records)

    Indizien und Beweismittel:





    Urteile:
    Nun sind die werten Richter gefragt...

  • The Helio Sequence - Negotiations

    The Helio Sequence - Negotiations


























    Die erste Vorladung (VIII)

    Personalien:
    Das Duo The Helio Sequence aus Beaverton, Oregon, besteht aus Brandon Summers (Gesang, Gitarre) und Benjamin Weikel (Schlagzeug, Keyboards).

    Tathergang:
    The Helio Sequence musizieren gemeinsam seit 1996 und nach einer selbst veröffentlichten EP ("Accelerated Slow Motion Cinema") folgten zwei Alben für das in Portland beheimatete Label Cavity Search ("Com Plex",2000, "Young Effectuals", 2001). Danach wurde das Sub Pop Label auf das Duo aufmerksam und brachte die Nachfolger "Love And Distance" (2004) und "Keep Your Eyes Ahead" (2008) heraus.  
    Für "Negotiations" mussten The Helio Sequence in neue Räumlichkeiten umziehen, nachdem ihr Proberaum und Studio nach einem Unwetter überschwemmt war. Eine gemeinsame Tournee mit Keane und die Möglichkeit ihr fünftes Album in neuen Wänden allein produzieren zu können führte auch zu einem veränderten Klangbild.

    Plädoyer:
    Von verträumtem, schwermütigem Synthie-Pop bis hin zu wehmütigem Gitarrenpop reichen die Pole auf "Negotiations", die man auch mit Keane bzw. Death Cab For Cutie oder The Shins betiteln könnte. Doch das eigentliche Plädoyer spricht noplace, da er The Helio Sequence unbedingt vor Gericht gestellt sehen wollte: amerikanisches Duo, das sehr ambitionierten Pop betreibt, tolle Produktion, toller Klang, mit gezupften Gitarrenspiel und Drums erzeugen sie einen Sound, der Coldplay und U2 in nichts nachsteht

    Zeugen:
    With “One More Time”, Summers’ jangling guitar and soaring vocals surround the listener like snow and jacket simultaneously, holding you close as he sings, “Rest yourself easy, baby.” The notes seem to roll forever outward from Summers’ and Weikel’s musical heat, the reverb deflecting the cold. The minimal “Harvester of Souls”, on the other hand, is as stark as the album gets—it’s as if Summers is sitting in an empty aircraft hangar of chilling tape reverb, pouring himself out and beckoning you forth into the darkness. Weikel’s sparse percussion and synths creak and clink like ice in the trees. It’s chilling and beautiful.
    These two songs represent the opposite sides of this album—one comforting you on a dark night and the other pushing you out with no flashlight—and in between are songs like “Downward Spiral”, where Weikel’s synth and drum work shines the most. His programmed descending arpeggio owes credit to Radiohead’s “National Anthem”, but his drums give the track an intoxicating dance feel.
    Summers and Weikel work incredibly well together on Negotiations. Summers’ haunting voice and shimmering guitars roll and intertwine with Weikel’s drum and synth work effortlessly. It’s an album that may take an extended listen, but once you key in, you won’t shake it off.
    (Consequence Of Sound)

    „Hey now, draw yourself more near me/ rest your weary mind“, lautet etwa der Einstieg in den Opener „One More Time“, dessen zurückhaltendes Holpern von Gitarrenhall und Summers’ gefühligen Silbendehnungen circa in der Mitte des Songs eingefangen wird, so dass er über sich hinaus wachsen kann. An genau dieser Stelle liegt auch der Höhepunkt im Dream-Rock von „Hall Of Mirrors“, Hall der Repetition, Repetition des Halls und ein Hauch von Feedback. A propos: Die „Ohohoh“s gehen Summers leicht über die Lippen, in den treibenden „October“ und „The Measure“ zum Beispiel, die den langen Atem haben, ihre Klimax gen Ende zu finden. Es gibt auch versponnene Balladen, zugekleistert mit träumerischem Hall wie „December“, hymnisch aufgebrezelt wie der namensgebende Track (am Ende eines Album darf man sich das auch mal erlauben, oder?), oder auch auf der Seilbahn zur Stille tief durchatmend wie „Harvester Of Souls“. In anderen Momenten paaren sich melancholische Pianomotive und verzweifeltes Schreien („Downward Spiral“) und der Synthie-Pop agiert schlurfig und reduziert, aber auch ausgedehnt und großflächig („Open Letter“).
    Sofern überhaupt Aktion mit der Musik assoziiert wird. Viel passender ist da eine introspektive Wehmut, die glänzend durch Stimme wie Sound hindurch schimmert, von Summers’ Sehnen bis zu Weikels superb akzentuiertem Schlagzeugspiel. Schlurfig nannten wir das, Dream-Pop könnte es sein und durch die Glätte des Klangs wird nur mit angezogener Handbremse gefahren. Wo „Keep Your Eyes Ahead“ noch die bodenlose Tiefe der langsamen, die meditative Ekstase der gemäßigten („Lately“) und die pointierte Wucht der flotteren Stücke („Keep Your Eyes Ahead“, „Captive Mind“) hatte, hält sich „Negotiations“ zurück, mit fein poliertem Sound zwar, aber mit weniger Hingabe und Leidenschaft. Ist die Band etwa erwachsen geworden? Haben Keane ihren schlechten Einfluss auf Attitüde und Emphase gehabt? Trauen sich The Helio Sequence einfach zu wenig?
    Nicht ganz schlau werden wir aus „Negotiations“. Ich möchte es immerzu lauter drehen, um die Songs länger im Gedächtnis zu behalten, aber das gelingt nur zu Teilen.
    (Auf Touren)

    Indizien und Beweismittel:




    Urteile:
    Nun sind die werten Richter gefragt...

  • Deftones - Koi No Yokan

    Deftones - Koi No Yokan

    cover

    Nächstes Jahr werden die Deftones ihr 25 jähriges Bestehen feiern können. Erste Berühmtheit wurde im Rahmen des “Nu Metal”-Hypes zum Ende des letzten Jahrtausends erlangt. Das Debüt erschien 1995. Einen Einschnitt markierte die Veröffentlichung des dritten Albums “White Pony” im Jahr 2000. Damit bewies die Band Eigenständigkeit und erweiterte ihren musikalischen Horizont merklich. Neben wohlwollende Kritiken brachte das Werk der Band den bislang größten Erfolg. Bereits mit “Diamond eyes” knüpften die Deftones vor zwei Jahren musikalisch an “White Pony” an. Dieser Weg wird nun mit “Koi No Yokan” fortgesetzt.

    “Koi No Yokan” ist intensiv. Dieses siebte Album der Band aus Sacramento enthält nichts, was die Band nicht schon bewiesen hat. Doch besonders in den harten Momenten klingt das einfach authentisch und mitreißend und stellenweise wird gar annähernd Tool-Niveau erreicht. Erneut produzierte Nick Raskulinecz, der auch schon für  die Foo Fighters (“One by one”) und Alice In Chains (“Black gives way to blue”) tätig war.

    Es fällt mir schwer die besonders starken Titel auf diesem starken Gesamtwerk zu identifizieren. Aber “Poltergeist”, “Tempest”, “Swerve city” und “Rosemary” lege ich der erweiterten Zielgruppe wärmstens ans Herz. Besonders auffällig ist, dass trotz relativer Härte keiner der Songs jemals schmerzt.

    Nach “White Pony” ist “Koi No Yokan” bislang in meiner Wertung das beste Deftones-Album. Außerdem ist es die filigranste Hard Rock-Platte des Jahres.

    Metal.de kam auf PvG bislang selten zu Wort:

    "Koi No Yokan" ist eine wunderbar facettenreiche und ausdrucksstarke Platte, die mancher der Band in dieser Form wohl nicht zugetraut hat. Unabhängig von allen "White Pony vs. Saturday Night Wrist"-Diskussionen muss man festhalten: Das hier ist einfach leidenschaftliche, herausragend in Szene gesetzte Musik.

    Das Video zu “Tempest”:

  • Civilian - Should This Noose Unloosen

    Civilian - Should This Noose Unloosen



























    Die erste Vorladung (VII)

    Personalien:
    Die Ursprünge von Civilian sind im Jahre 2006 in Fort Lauderdale, Florida, zu lokalisieren, als sich zum Singer/Songwriter Ryan Alexander noch Alex Bennett, Nash Nardone und Nick Nardone gesellten, damals noch unter dem Bandnamen Alexander. 

    Tathergang:
    Als jedoch Alex Ebert von Edward Sharpe And The Magnetic Zeros ein Soloprojekt unter dem Bandnamen Alexander startete, beschloss das Quartett diesen Namen abzulegen und fortan unter Civilian zu firmieren. 
    "Should This Noose Unloosen" ist deren Debütalbum, das von Dan Hannon (Manchester Orchestra, A Rocket To The Moon) produziert und von T.W. Walsh (Sufjan Stevens, Pedro The Lion, Cold War Kids) gemastert und in ihrer amerikanischen Heimat bereits im Mai veröffentlicht wurde. Die finanziellen Mittel dazu generierten Civilian über Kickstarter.

    Plädoyer:
    Civilian liefern energetischen, von Gitarren dominierten US-Indierock, der nicht immer den geraden oder vorhersehbaren Weg geht und Freunden von Dashboard Confessional, Cold War Kids, Further Seems Forever oder Death Cab For Cutie gefallen könnte. Sie beschreiben ihre Musik als "dark songs masked in happy rock n' roll" und legen dabei besonderen Wert auf die Aussagekraft ihrer Texte (die dann auch mal geschrieen werden dürfen):
    “We’re not writing songs to write songs. We’re writing songs to change people.” (Nash Nardone) 

    Zeugen:
    On "Everybody's Hungry," the slow starting but deliberate album opener, we're introduced to Alexander's unassuming candor as he expertly describes what society describes as the perfect woman-"God blessed with large breasts, straight teeth and light skin / Every demographic wants what you have." Carrying these generalizations is a trade-off between both guitars that establishes a driving groove while the song teeters on the precipice of a mid-tempo breakdown.
    "Bottom Dollar" and "Don't Lose Heart" follow with a one-two salvo of similar timbre, this time showcasing a tight rhythm section, extremely precise in delivery, yet uniquely styled and bombastic in a way that does not sound hyper produced or pitched. And if the explosive nature of these two songs leave no question that Should This Noose Unloosen is an indie rock record through and through, then "James Kent" features a side of Civilian that emphasizes ruminative storytelling over pure vigor. The track graphically describes a crushing narrative involving a homeless man of the song's namesake and his death as he lays his head on the local train tracks. The subsequent funeral and a scathing critique of those who never took the time to help follows: "I find it odd that in death / They circle you with flowers and they tuck you in bed / Where they tell you that they loved you / But for 25 years you slept under a bridge / Where you were dying of AIDS and smoking a crack pipe."
    Over the course of 12 songs and a 54-minute duration, Should This Noose Unloosen proves that Civilian can hold their own with the heavyweights of indie rock. With such a grandiose and earnest collection of songs combining prose well beyond their years, one can only imagine what this band will achieve on future releases. 
    (Punknews)

    Indizien und Beweismittel:




    Urteile:
    Nun sind die werten Richter gefragt...

  • This Many Boyfriends - This Many Boyfriends

    This Many Boyfriends - This Many Boyfriends























    Leute, die Platte ist doch nicht euer Ernst, oder? Warum will man ne Band gründen die sich so exakt nach Smiths anhört, dass man denkt die haben alte vergessene Smiths B-Seiten einfach mal neu aufgenommen? (Marcel über The Holiday Crowd)

    Ich will diese vergessenen Smiths B-Seiten. Sofort! (Dirks Antwort auf Marcels Kommentar)

    Bitte schön, Dirk:





    This Many Boyfriends klingen wie The Smiths. Meistens. Manchmal klingen sie auch wie The Libertines. Aber öfter wie The Smiths. Das ist erstmal keine sonderlich schmeichelhafte Zuordnung einer jungen englischen Indiepop-Band aus dem schmuddelig schönen Leeds. Gerade von jungen englischen Indiepop-Bands erwartet man ja meist nicht weniger als die Quadratur des Musikkreises, das nächste ganz große Inselding, die neuen Oasisblurpulp. Mindestens, nur eben total anders. Dass This Many Boyfriends so sehr nach The Smiths klingen und manchmal nach den Libertines, könnte also ein Ausdruck mangelnder Kreativität sein, von fehlender Persönlichkeit oder niedrigen Ansprüchen. Um das herauszufinden, müsste man sie mal richtig kennenlernen, von Angesicht zu Angesicht. Im Grunde ist es aber völlig egal. Denn anstatt die übliche Feuilletondebatte um Authentizität, Herkunft, Genese und Stil über diese Newcomer zu stülpen, kann man einfach fröhlich ausrufen: Wurde auch Zeit! Denn mal ehrlich – The Smiths haben sich 1987 aufgelöst. 1987! (Zeit Online)



    Und weil’s so gut ist, hier das ganze Album:



  • Ochre Room - Evening Coming In

    Ochre Room - Evening Coming In



























    Die erste Vorladung (VI)

    Personalien:
    Ochre Room ist ein finnisches Sextett, das aus Lauri Myllymäki, Tomi Moisio, Antti Leikkanen, Ari Savolainen, Tanja Peltonummi und Minttu Tervaharju besteht.

    Tathergang:
    2010 gründeten Tomi Moisio (Bass) und Lauri Myllymäki (Gesang, Gitarre, Mandoline, Mundharmonika) in Tampere die Band Ochre Room, zu der sich bald Antti Leikkanen (Schlagzeug) und Ari Savolainen (Gitarre) gesellen sollen. Nach einer ersten EP ("Blue Ribbon") stießen mit Tanja Peltonummi (Trompete, Glockenspiel, Gesang) und  Minttu Tervaharju (Gesang, Orgel) zwei junge Damen zu den vier Jungs dazu und reicherten das Klangspektrum der Band entscheidend an. 
    Nach zahlreichen Tourneen in Finnland wurde im Januar 2012 beim Label Lumpeela Julkaisut der erste Plattenvertrag unterschrieben, so dass im März im Headline Studio in Tampere unter Mithilfe des Produzenten Juha Mäki-Patola die Aufnahmen für das Debütalbum "Evening Coming In" beginnen konnten. Für das Cover zeichnet (oder eher "aquarellt") sich Liina Mäki-Patola, vermutlich die Ehefrau des Produzenten, verantwortlich.

    Plädoyer:
    Ihre Begeisterung für Singer/Songwriter der 70er Jahre (Neil Young, Bob Dylan, The Band, Kris Kristofferson), Americana und Folkrock neueren Datums (Ryan Adams, Jayhawks, Band Of Horses) führte die sechs Musiker zusammen - und das ist dem melancholisch gefärbten "Evening Coming In" auch deutlich anzuhören. Cello, Trompete, Glockenspiel und stimmungsvoller Boy/Girl-Gesang, wie etwas in der sehr schönen Single "My Summer", oder die Nähe zu The Miserable Rich ("Radiance", "Same Posture") retten oftmals, wenn sich zu viel amerikanischer Einschlag, Pedal Steel Gitarre und Mundharmonika breit machen ("Blue Ribbon", "A Little Cloud").

    Zeugen:
    Die souverän-zarte Trompete von Tanja Peltunummi fügt einen Tupfer Texicana-Atmosphäre hinzu. Ums Geschichtenerzählen im Singer-Songwriter-Modus geht es den Musikern vorrangig. Voller feiner Zwischentöne. Sorgsam bemüht, bloß nirgendwo zu dick aufzutragen oder durchschimmern zu lassen, dass die Instrumente mit Meisterschaft bedient werden. Aber mit betulicher Naivität hat das alles nichts zu tun. Im heimlichen Höhepunkt »Shooting Ghosts« nehmen die Provinzmusiker gehörig Fahrt auf und bewegen sich zwischenzeitlich durchaus auf Augenhöhe mit den isländischen Folkpop-Durchstartern Of Monsters And Men. Auf den Tanzboden, Cowboys und Cowgirls! 
    Die nuancierte Stimme von Sänger Lauri Myllämäki mag uns vordergründig in Schönklang einlullen, aber halt! Nichts liegt den Nordlichtern ferner, als die Mär von einer heilen Welt zu erzählen. Im Song »A Little Cloud« etwa geht es um Mord aus Leidenschaft. Eine zurückgenommene Slide-Gitarre begleitet die Schauermär, die auf Samtpfoten daherkommt. Der zweistimmige Harmoniegesang mit Sängerin Minttu Tervaharju gleitet über Untiefen. Die Finnen bedienen sich in meist getragenem Tempo der Genrestandards des US-Folkpops, zugegeben. Aber sie schaffen es durch angenehme Bescheidenheit und selbstbewusste Verlangsamung, ihren Claim in einem Präriewinkel abzustecken, der so ganz ihr eigener ist. Lassen wir uns, sanft auf dem treuen Gaul in den Sonnenuntergang reitend, von diesen sanften Tönen tragen bis zum Horizont. Und weiter!
    (Nordische Musik)

    Mit „My Summer“ startet dieses melancholie-seelige Album. Zarte gezupfte, elegische Gitarre und trauriger männlicher Gesang lässt uns sofort in diesen Klängen schwelgen. Ein Cello erhebt sich, dazu eine Trompete und eine weibliche Stimme füllen plötzlich den Raum. Doch nicht nur das – auch der Text verblüfft. Hier geht’s nicht etwa um die Schönheiten des Sommers, sondern darum, dass diese Jahreszeit überbewertet wird, denn „Death is all around“. Der wirkliche „Sommer der Seele“ entfaltet sich in diesem Song als Bekenntnis zum Herbst, der seine wundervollen Bilder in der Natur malt und uns nun erst zeigt „Life is all around“! Ein vermeintlicher Sommer-Hit der zur warmherzigen Herbst-Ode wird! Und Musik, die dazu Bilder malt! Wunderschön – wozu OCHRE ROOM hier fähig sind!?!?
    Doch auf „Evening Coming In“ ist „My Summer“ keine Ausnahme – sondern der Prolog für all die weiteren schönen Melodien, die begleitet von Celli, Trompeten, Harmonika, Hammond-Orgeln, Pedal Steel, Glockenspielen, lyrischer Poesie und und und ihre ganze „Abenddämmerung“-Schönheit entfalten.
    Aber es gibt auch musikalische Ausbrüche, wie „Shooting Ghosts“, wenn die Musik lauter, die Texte radikaler werden. Es geht um Ängste, die man bekämpft und die überall lauern: „And as I walk out of the door / Can I believe my eyes / Some zombi-nazi's pissing / On my home door.“ Wer kennt das Gefühl nicht, wenn jämmerliche, kleingeistige Dumpfbacken einem den Glauben ans Gute nehmen und „watering my hatreds in fears“! Bei OCHRE ROOM wird man nicht nur unterhalten, es erklingen auch Botschaften, die nachdenklich machen sollen. Die dir zeigen, dass der Schönheit unserer Natur leider viel zu oft die Kaltblütigkeit des Menschen entgegensteht.
    „Shooting Ghosts“ bleibt in dieser Beziehung nicht die Ausnahme. Hinter dem wundervollen Titel „Little Cloud“ versteckt sich eine traurige Geschichte, die zugleich wütend macht. Ein toter Vogel liegt früh im Schlamm – erschossen von einem Jungen, der stolz mit seiner Waffe aus makaberer Lust die singenden Vögel vom Himmel holt. So erwächst der Wunsch, diesem bewaffneten Jüngling dem gleichen Schicksal wie den gefiederten Freunden auszusetzen. Dazu Musik, die einen zu Tränen rührt. Genauso sieht sie aus – die finnische Melancholie mit einem Schuss Indi-Folk und Americana, die wie's scheint wirklich in Finnland ihre Wiege hat!
    (Musikreviews)

    Indizien und Beweismittel:







    Urteile:
    Nun sind die werten Richter gefragt...

  • The Heartbreaks - Funtimes

    The Heartbreaks - Funtimes


























    Die erste Vorladung (V)

    Personalien:
    Matthew Whitehouse (Gesang, Gitarre), Joseph Kondras (Schlagzeug), Ryan Wallace (Gitarre, Gesang) and Chris 'Deaks' Deakin (Bass, Gesang) gründeten 2009 in Morecambe, Lancashire, die Band The Heartbreaks.

    Tathergang:
    Obwohl "Funtimes" das Debütalbum der Band darstellt, wurden sie von Morrissey und Hurts eingeladen sie auf Tournee zu begleiten, spielten sie zudem bereits im Vorprogramm von The Pains Of Being Pure At Heart, The Killers, The Courteeners, Jack Penate, The View oder Carl Barat und konnten Edwyn Collins und Tristan Ivemy (Babyshambles) als Produzenten gewinnen. Mit "Liar, My Dear", "I Didn’t Think It Would Hurt To Think Of You", "Jealous, Don't You Know", "Delay, Delay", "Polly" und "Hand On Heart" wurden bereits 6 der 10 Songs als Singles ausgekoppelt.

    Plädoyer:
    Freunde von Aztec Camera, The Smiths, Elvis Costello und Pulp werden keine Anlaufschwierigkeiten mit der Musik von The Heartbreaks bekommen. Das Plädoyer spricht noplace, da er The Heartbreaks unbedingt vor Gericht gestellt sehen wollte: Britpop as its best, krachend-energisch, sehr nah bei Pulp.

    Zeugen:
    In an album that rattles by, 10 songs in a compact 34 minutes, there's barely a suggestion of slack as each track comes bounding out, hook intact, delivery committed. Singer Matthew Whitehouse is a particular revelation, a slip of a lad who sounds like Elvis Costello with an extra pair of lungs, or Roddy Frame at Somewhere in My Heart full-throttle.
    The Scots postcard indie of Aztec Camera and their old labelmates is a fair reference. On Remorseful, for one, Edwyn Collins and Orange Juice loom large in the keening vocals and scratchy white-boy funk. And then you find out Collins is on additional production duties. He's even there when he's not there, first in the flying licks and dry wit of Liar, My Dear and later on the fantastic, skyscraping Polly, where Collins jangle meets Coxon spark.
    But the guitarist here is Ryan Wallace. Remember the name – he slides effortlessly from Johnny Marr crystalline jangle on Delay, Delay to John Squire riffage on Jealous, Don't You Know, covering all points in between in a sustained performance that never lets the album drag. All forces joined, The Heartbreaks are a formidable proposition.
    (BBC)

    Themes of misery and ache do run heavy throughout ‘Funtimes’ but they’re polished with a glam varnish. The 60s girl group sweetness of closing track ‘I Didn’t Think It Would Hurt To Think Of You’ deals with the pain of infatuation whilst the Suede-ish shimmer of ‘Polly’ contemplates escaping troubled relationships: vocalist Matthew Kondras’ cry is similar to Brett Anderson’s. Elsewhere, producers Tristan Ivemy (Babyshambles) and Edwyn Collins’ thumbprints are clearly visible. ‘Remorseful,’ for example, combines hints of Babyshambles’ crunch with the swing of ‘Rip It Up’ era Orange Juice.
    Their most obvious influence, unsurprisingly, is the Smiths. Kondras even manages to sneak a cheeky reference to the band through the ‘Hand In Glove’ ring of ‘Save Our Souls’ (“We can walk in the setting of our favourite Smiths song”). One of their oldest tracks remains the most refreshing though. The Orange Juice meets Marr-esque jangle of ‘Liar, My Dear’ (about rainfall ruining these lads’ day) reads like a seaside tour hosted by Mozza himself: think a Smiths’ track that the Eighties legends have never written and you’ve hit the bulls eye. There’s a poetic beauty about it all where the band manages to avoid coming off as pretentious or show off-ish. It’s because of these moments that - despite ‘Winter Gardens,’ ‘Jealous, Don’t You Know’ and ‘Gorgeous’ being the album’s duller tracks - many a fun time can certainly be had.
    (thisisfakediy)

    Indizien und Beweismittel:








    Urteile:
    Nun sind die werten Richter gefragt...

  • Melody's Echo Chamber - Melody's Echo Chamber

    Melody's Echo Chamber - Melody's Echo Chamber


























    Die erste Vorladung (IV)

    Personalien:
    Hinter dem vermeidlichen Bandnamen Melody's Echo Chamber steckt die 25-jährige Französin Melody Prochet, die, aufgewachsen in der Prevence, mittlerweile in Paris lebt.

    Tathergang:
    Bei einem Konzert von Tame Impala war Melody Prochet vom Sound der Band so beeindruckt, dass sie deren Mastermind Kevin Parker danach ansprach und ihm  eigene Demos zusteckte. Das eine führte zum anderen und Frau Prochet fand sich mit ihrer Band My Bee's Garden plötzlich im Vorprogramm von Herrn Parker wieder.
    Gemeinsamen nahmen sie auch das erste Soloalbum der Französin in Perth, Australien, und Südfrankreich auf, wobei Kevin Parker bei den 11 Titeln nicht nur die Produktion, sondern auch Schlagzeug und Bass übernahm.   

    Plädoyer:
    "Melody's Echo Chamber" ist ein 45-minütiger, hallender, nur schwer zu fassender und mit verhuschtem Gesang versehener Trip durch Traumlandschaften, der irgendwo zwischen Shoegaze, Ambient, Dreampop und psychedelichem Sixties-Pop entlang geistert. Reinhören sollten hier Menschen, die gerne  Broadcast, Stereolab oder auch Spiritualized mögen oder für ein Mixtape noch ein passendes Album für die zweite Seite zu Tame Impalas "Lonerism" suchen.  

    Zeugen:
    Die hübschen Melodien, stark vom britischen und französischen Sixties-Pop beeinflusst, sind alle noch da, tatsächlich aber so nachhaltig durch den analogen und digitalen Effektewolf gedreht, dass ein hinreichend bewusstseinserweiterndes Ambiente entstanden ist. Dazu Prochets aus weiter Ferne gehauchter Gesang - nahezu perfekt. Neben eher konventionellen Pop-Songs wie "Cristallized" und "Sometime Alone, Alone" finden sich auf dem Album auch vertrackte Dinge wie "Bisou Magique", durch das eine hypnotische Gitarre geistert, oder das verstörenderweise wie rückwärts abgespielt wirkende "IsThatWhatYouSaid". "Snowcapped Andes Crash" bricht im Mittelteil gar zu einem veritablen Trip durch experimentellen Noise auf - anscheinend waren die Aufnahmesessions ein großer Spaß. Prochet berichtet davon, wie Parker der klassische ausgebildeten Musikerin all sein verwirrendes Equipment ins Studio stellte und zu ihr sagte: Probier' mal was. Der Fuchs. Manches, darunter "You Won't Be Missing That Part Of Me", trägt wabernd, mäandernd, einen allzu deutlichen Tame-Impala-Stempel, letztlich klingen Prochets Experimente in der Echo-Kammer aber um einiges interessanter als der verträumte Neu-Shoegaze von My Bee's Garden. Ein fürwahr magisches Küsschen.
    (Spiegel)

    Die Französin Melody Prochet (ehemals als My Bee's Garden unterwegs), schöpft bisweilen, da klassisch ausgebildet, aus dem Melodienschatz der Kammermusik, und greift auch gerne mal zum Hall. Und zu vielen anderen Dingen, die ihr vor die Nase gelangen. Ihr gleichnamiges Album könnte somit das letzte bemerkenswerte Lebenszeichen des sogenannten Dream Pops sein. Entstanden ist es zu einem Großteil im nach MacGyver-Manier zusammengebauten Homestudio von Tame Impalas Kevin Parker in Perth. Der ließ sie sich dort überwiegend allein und autodidaktisch ausprobieren, der Schliff, oder hier besser: die Süßung, Abrundung und Wattierung folgte später. So entstand ein Pop-Entwurf mit unterschwelligem psychedelischen Anklang, englisch-französischen Texten und elektronischen Versatzstücken (...)
    (Spex)

    The combination of fuzzed-out guitars and breathy, girlish vocals is by now an almost devalued musical currency, but this debut, a collaboration from Parisian singer Melody Prochet's and Tame Impala's Kevin Parker, is a dream-pop album with some heft. Crystallised, in particular, kicks into a deeply satisfying psych-rock crunch halfway through - a reverb-heavy, robust foil for Prochet's feathery voice. But for much of the unfocused second half of the album, their sounds stray into Stereolab-lite, especially with the wafty to the point of enervated stylings of Bisou Magique.
    (The Guardian)

    Indizien und Beweismittel:







    Urteile:
    Nun sind die werten Richter gefragt...

  • King Charles - LoveBlood

    King Charles - LoveBlood


























    Die erste Vorladung (III)

    Personalien:
    Der selbsternannte König heißt mit bürgerlichem Namen Charles Costa, ist 27 Jahre alt und stammt aus London. 

    Tathergang:
    Costa spielt Gitarre, Piano und Cello, sang im Chor seiner Schule und schmiss sein Soziologie-Studium nach zwei Semestern, um sich der Musik zu widmen. Seine erste Band (abgesehen von einer maskierten Kiss-Coverband) Adventure Playground gründete er 2007 und schloss dieses Kapitel bereits wieder 2008. Er tourte mit Laura Marling, Noah And The Whale und Mumford & Sons und gewann 2010 als erster Brite gleich mehrere Preise bei der International Songwriting Competition in Nashville, was zu einem Vertrag bei Universal/Island führte. 

    Im Mai erschien sein Debütalbum "LoveBlood", das in England auf Platz 36 der Charts kam und aus dem bisher 5 Singles veröffentlicht wurden ("Bam Bam", "Love Lust", "Ivory Road", "Mississippi Isabel" und "The Brightest Light").

    Plädoyer:
    Für diese kunterbunt schillernde Mixtur aus 70er Glitter-Art-Pop (Sparks), 80er Glam-Pop (Adam Ant), Folkrock (Mumford & Sons) sowie Afro- und Tropicana-Elementen (Paul Simon, Vampire Weekend) spricht noplace das Plädoyer, da er King Charles unbedingt vor Gericht gestellt sehen wollte: das bunteste, was das Jahr zu bieten hat, PopPopPopMelodien, ein unglaublicher Spaß.

    Zeugen:
    LoveBlood slots neatly into the gaps between Noah and the Whale, Mumford & Sons, Jamie T, Lily Allen and Jack Peñate, via a layby stop-off with Mika and Olly Murs. The only thing separating the man born plain old Charles Costa, a former Durham University sociology student, from this crowd is a colossal amount of chutzpah and a rock-solid business backing. After time with forgotten Laura Marling support band Adventure Playground his breakthrough came through winning Nashville’s 2010 International Songwriting Competition. The big time called and he was LA-bound to complete LoveBlood.
    Apart from the sore-thumb FM guitar rock of “Coco Chitty”, LoveBlood canters through 10 straightforward and repetitive fancies that take in Afro-rhythms, skanky beats, smidgens of Balkan-lite and Costa’s lispy, glottal-stop ridden voice. The lyrics are trite. "You’re the trigger on my gun, the sandbank in my ocean,” he declares on “Ivory Road”, while "Wilde Love" offers “all men kill the thing they love". But if the pop is good enough, does any of this matter? Probably not. His tunes are sunny and pep-filled, and he has sway-along, singalong choruses in extremis. LoveBlood is modern bubblegum. No more, no less. France’s now-forgotten, similarly marketed Slimmy tried this trick a few years ago and was soon back where he came from. That’s the case study Costa should be looking at for the pitfalls to avoid if he wants to ensure longevity.
    (The Arts Desk)

    Indizien und Beweismittel:







    Urteile:
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  • Tender Trap - Ten Songs About Girls

    Tender Trap - Ten Songs About Girls



























    Die erste Vorladung (II)

    Personalien:
    Das in London residierende Quintett Tender Trap besteht aus Amelia Fletcher, Katrina Dixon, Rob Pursey, Emily Bennett und John Stanley. Kurzzeitig war auch Elizabeth Morris mit an Bord, die aber 2010 entschied, sich voll und ganz auf ihre andere Band, Allo Darlin', zu konzentrieren.

    Tathergang:
    Amelia Fletcher, Rob Pursey und John Downfall spielten bereits Ende der 90er zusammen in der Band Marine Research. Fletcher war zuvor bereits in den Twee-Pop-Kapellen Heavenly und Talulah Gosh unterwegs oder sang für The Wedding Present, Hefner und The 6ths.

    Tender Trap wurden 2001 gegründet und blicken mittlerweile auf 4 Alben zurück: "Film Molecules" (2002), "6 Billion People" (2006), "Dansette Dansette" (2010) und die aktuelle Platte "Ten Songs About Girls", die wie gewohnt über Fortuna Pop! -  die Heimat von Allo Darlin', The Pains Of Being Pure At Heart, The Wave Pictures oder The Lucksmiths - veröffentlicht wird. 

    "Ten Songs About Girls" wurde zusammen mit Brian O'Shaughnessy (Primal Scream, My Bloody Valentine, Saint Etienne) in Bark Studios aufgenommen,  beinhaltet (man wäre wohl nicht von selbst darauf gekommen) 10 Titel, dauert knapp 33 Minuten und erscheint auch auf Vinyl.

    Plädoyer:
    Bei der musikalischen Vorgeschichte wird schnell klar, dass sich hier Twee-, Indie- und Noise-Pop treffen. Doch das prägnanteste Stilmittel ist der an Girl Groups der 60er Jahre (Shirelles, Shangri-Las) erinnernde mehrstimmige Gesang von Amelia Fletcher, Katrina Dixon und Emily Bennett. 
    Die Platte bietet feine Unterhaltung für Nostalgiker, die immer noch Platten von The Primitives oder Sarah Records auflegen, die aktuellen Longplayer von Allo Darlin' und The School besitzen und dem neuen, angeblich noch dieses Jahr erscheinenden Album von My Bloody Valentine entgegen fiebern.

    Zeugen:
    Broken Doll is a perfect example: it fizzes with an amped up rock and roll vibe, and positively drips with a glorious sunny tone. That it's written about the death of a pop star is surprising given the cheery nature of the music and perfectly judged backing vocals. It could easily pass for one of Shonen Knife's more upbeat tunes. Could It Be The Last Time pulls a similar trick in offsetting melancholia by dealing with the possibility of an imminent break-up and marrying it to some ridiculously infectious backing vocals. Recent single Step One is an angular call and response rock tune that lays out just how to make it as an all-girl band in the music industry. In the verses it's basic and punchy and when the chorus hits it is monumentally catchy. It's rough enough around the edges not to be regarded as a lightweight throw away pop tune (not that there's anything wrong with such things) and with its slightly cynical edge recalls Le Tigre or Kenickie's finer moments. 
    
Opening track King's Cross Station possesses a wonderfully full and chaotic guitar thrum and driving bass that make for a forceful opening. However it is the backing vocals that really elevates the song (and indeed most of the songs on the album) and makes it something truly special. Fletcher is frequently cited as being a feminist icon and with this particular album she's gone back and looked at the dynamics of all girl groups like The Shangri Las as inspiration. MBV is like an über-indie take on Leader Of The Pack with its The finely executed backing vocals and references to My Bloody Valentine (interestingly it's MBV producer Brian O'Shaughnessy at the helm on this album) and Edwyn Collins' fringe. 
    (music OMH)

    Indizien und Beweismittel:



    Urteile:
    Nun sind die werten Richter gefragt...

  • TOY - Toy

    TOY - Toy


























    Die erste Vorladung (I)

    Personalien:
    Das in London residierende Quintett TOY besteht aus Tom Dougall (Gesang, Gitarre), Dominic O'Dair (Gitarre), Maxim "Panda" Barron (Bass), Charlie Salvidge (Schlagzeug) und der Spanierin Alejandra Diez (Keyboards).

    Tathergang:
    Dougall, Barron und O'Dair spielten bereits von 2007 bis 2009 in der Band Joe Lean & The Jing Jang Jong, die in England viele gute Kritiken, Vorschusslorbeeren (Rang 7 in der "Sound Of 2008" Liste der BBC) und Vergleiche zu Razorlight erhielt, aber ihr Debütalbum, obwohl es tatsächlich schon an die Presse verschickt wurde und vom NME 8/10 Punkten erhielt, nie veröffentlicht hat.

    Für TOY erfolgte 2010 sowohl eine personelle Umbesetzung als auch eine musikalische Neuausrichtung und nach 4 Singles, von denen es jedoch die ersten beiden nicht aufs Album schafften, erschien im September das Debütalbum. "Toy" wurde von Dan Carey (Bat For Lashes, Chairlift, Mystery Jets) produziert und in dessen Studio im Süden Londons aufgenommen. Für das Cover des Albums und der Singles sorgte der australische Künstler Leif Podhajsky, der auch schon die Plattenhüllen für Tame Impala, Foals, Gypsy & The Cat oder The Horrors designte, und den Vertrieb übernahm Heavenly Records, das uns dieses Jahr bereits Saint Etienne und James Levy And The Blood Red Rose bescherte.

    Plädoyer:
    Sie tragen die Haare lang und unfrisiert, dazu Hemden im Paisley-Muster oder Rollkragenpullover. Genau so stellt man sich vermutlich Bands aus den 70ern (Neu!, Pink Floyd) vor, die Psychedelic Rock mit Krautrock verbanden, und genau so klingen TOY auch. Hinzu kommen noch einige "jüngere" Einflüsse, nämlich Shoegaze und Dreampop, wie ihn Spiritualized/My Bloody Valentine auch schon seit/vor Jahren spielen/spielten oder zuletzt The Horrors oder Black Rebel Motorcycle Club darboten. 
         
    Zeugen:
    Auch musikalisch drängen sich Metaphern aus dem Apothekenschränkchen auf, denn die Band kreist so lange meditativ um ein Gitarren-Riff, bis dem Hörer schwindelig wird. Das Schlagzeug ist monoton, der Bass einschläfernd, aber Verstärker, Verzerrer und Echobox dafür bis zum Anschlag aufgedreht, ganz nach dem Motto: Lautstärke statt Abwechslung.
    Auf der Bühne, so wird berichtet, ist die Band im Trockeneisnebel oft kaum noch zu erkennen. Dazu lässt Frau Diez, die aus Spanien stammt, die analogen Synthesizer wabern, als wäre sie die uneheliche Tochter aus einer Affäre zwischen Eberhard Schoener und Edgar Froese. Und jedem, der immer noch nicht verstanden hat, worum es geht, singt Dougall ins Poesiealbum: “So breathe in deep and unlock yourself from your very mind“.
    Früher nannte man dieses Verfahren Bewusstseinserweiterung”. Von einer reinen Retro-Band unterscheidet Toy allerdings, dass sie geschickt den Bogen von den psychedelischen Sechziger Jahren über den Krautrock der frühen Siebziger und das Shoegazing der Achtziger und Neunziger bis in die vom ätherischen Dream Pop geprägte Jetztzeit schlagen. Wenn man so will, errechnen Toy den kleinsten gemeinsamen Nenner zwischen Neu!, My Bloody Valentine und ein bisschen The xx.
    Weil der eine oder andere Song, vor allem My Heart Skips A Beat, auch noch eine hittaugliche Melodie aufzuweisen hat, fällt der Psychedelic Rock von Toy heute allerdings nicht mehr unter das Betäubungsmittelgesetz, sondern ist sogar fit fürs Radio. Aus einem Sound, der einst vor allem entstand, um bleierne Zeiten in Klang zu gießen, ist nun also endgültig Popmusik geworden. Toy spielen den Soundtrack zu einer Krise, die längst zum Dauerzustand geworden ist: Es klingt noch ein wenig bedrohlich, aber fühlt sich nicht mehr wirklich gefährlich an.
    (Zeit online)

    Der NME vergibt wie bei der Vorgänger-Band 8/10 Punkten und merkt an: It’s music for people with beards. And Germans, of course. 
    Mal abwarten, wie die deutschen Richter hier mit TOY verfahren, auch wenn sie keine Bärte tragen... 

    Indizien und Beweismittel:









    Ortstermine:
    20.11.12 Köln, Blue Shell
    21.11.12 Hamburg, Molotow
    27.11.12 Berlin, Magnet Club
    28.11.12 München, Atomic Café

    Urteile:
    Nun sind die werten Richter gefragt...

  • Gypsy & The Cat - The Late Blue

    Gypsy & The Cat - The Late Blue

























    Das australische Duo Gypsy & The Cat veröffentlichte Ende 2010 sein Debütalbum "Gilgamesh", das es mit einiger Verzögerung (im Herbst 2011) auch bis in die deutschen Charts schaffte. Dazu trugen die Songs "Jona Vark", der häufig in den Trailern des "Musik"senders VIVA eingesetzt wurde, und "Time To Wander", welcher sich in einem Werbespot für Vodafone wiederfand, ihren Teil bei.   

    Nachdem Xavier Bacash und Lionel Towers in Australien Kylie Minogue auf ihrer Stadiontournee begleiten durften, begannen sie mit den Arbeiten an ihrem zweiten Album. "The Late Blue" kann entweder jetzt als CD hier bestellt oder über iTunes bezogen werden - eine Veröffentlichung (auch auf Vinyl) ist in Europa fürs Frühjahr 2013 geplant.

    Das Album wurde auf einer Farm aufgenommen, von Dave Fridman (MGMT, The Flaming Lips) gemixt und dabei gerieten die Einflüsse und Referenzen genau so kunterbunt wie das Plattencover: Der Opener "Only In December" zitiert den 80er-Synthie-Pop und lässt dabei an ihre Landsleute von Empire Of The Sun denken. Das folgende "Bloom" ist ein fröhlicher Gitarrenpop-Song, wie ihn The Cure seit 20 Jahren nicht mehr veröffentlicht haben, und das anschließende "Broken Kites" könnte man zunächst auch gut für eine neue Singles der Gorillaz halten. "The Late Blue" könnte man MGMT oder auch The Beach Boys zuschreiben, während Air deutlich für das instrumentale "Valleys Of Kashmir" Pate standen und es Gypsy & The Cat auch psychedelisch funkeln lassen ("Soul Kiss"). 
    Aus dieser letzten Schublade hätte es gern etwas mehr sein dürfen, ein paar Ecken und Kanten hätten auch nicht geschadet, aber zwischen Empire Of The Sund und MGMT haben sicherlich noch einige Platz in ihrem CD-Regal.   



    Xavier Bacash and Lionel Towers of Gypsy & The Cat have changed direction slightly with their second release, The Late Blue. Self-described by Towers as ‘summery’; The Late Blue is a sure crowd pleaser.
    Bloom has a catchy as hell bass line and a riff that lends itself to Pictures of You by The Cure. The repeated gasp and the duo’s easy-listening lyrics definitely highlights the 80s but there is enough of Gypsy & The Cat’s signature vocals in there to keep the song sounding like their own.
    Broken Kites is what you would expect if James Mercer (The Shins) and Gorillaz ever collaborated.  You’re not sure if you should sway or mosh to this hit track. It’s a third guitar, synths and dreamscape ballads, which Gypsy & The Cat is known for.
    Yes, synths and dreamy bass lines are what the duo does effortlessly well and it’s evident in It’s A Fine Line. The reverb of both the vocals and the guitar makes it spooky and psychedelic and we’re lapping it up.
    High pitch vocals, busy percussion and parlour keys make their released single Sorry a song destined for festivals and airwaves. It has pop hit written all over it.
    There are the gentler moments on the album, such as Soul and When Micky Came In that are mostly slow tempo vocals and keys. You can easily see these tracks fitting into any American bar in the 70s, cue the bartender with a fro and flare jeans.  It’s Disco but taken down a few notches.
    The voices of Bacash and Towers can ascend and bellow depending on what each song needs. There is enough dance tracks on The Late Blue to get you through Spring, Summer and the horrible comedown we all experience once the confetti has well and truly fallen.
    (AAABackstage)




  • The Irrepressibles - Nude

    The Irrepressibles - Nude


























    Vielleicht ist dem Einen oder der Anderen auf meiner letzten Jahres-CD der Song "In This Shirt" im Röyksopp Remix positiv aufgefallen und vielleicht hat er oder sie auch bemerkt, dass im Jahr zuvor bereits die normale Version dieses Liedes auf der 2010er Ausgabe meines musikalischen Jahresrückblicks zu finden war. Richtig, "In This Shirt" war ursprünglich auf dem Debütalbum "Mirror, Mirror", das bei Platten vor Gericht 2010 auf den 31. Rang kam, zu finden und wurde 2011 als Remix EP (inklusive Hercules & Love Affair, Zero 7 und eben jener über 10minütigen Neubearbeitung von Röyksopp) mit bis dato untypischen elektronischen Elementen neu veröffentlicht.

    The Irrepressibles haben mit ihrem zweiten Album ein wenig auf sich warten lassen, denn einige Titel aus "Nude" ("Pale Sweet Healing", "New World", "Arrow" und auch "Ship") präsentierten sie uns bereits im Sommer 2011 auf ihrem Konzert in Amsterdam. Und wie das so ist, muss sich Deutschland auch noch ein wenig länger gedulden, denn die Veröffentlichung der Platte ist bei uns erst für den 25. Januar 2013 geplant. Aber hier kann man die Special Edition der CD bereits jetzt für rund 17,- € inklusive Versand bestellen.  

    Jamie McDermott und seine derzeit sieben Mitstreiter präsentieren erneut theatralischen, opulent orchestrierten Kammerpop ("Pale Sweet Healing", "Two Men In Love"), der düsterer ausgefallen ist als auf ihrem Debüt ("To Be") und auch die Ambient-artigen Neuerungen der Remix EP einfängt ("Arrow", "Tears", "The Ship"). Zwar ist McDermott gesanglich immer noch kein Hegarty und ich muss einen Mann, der sich oftmals als Harlekin verkleidet, nicht unbedingt "My face has the tears of a clown, Tears of a, of a .. clown" singen hören, aber dennoch ist "Nude" noch besser als "Mirror, Mirror" geraten.



    The follow-up full length Nude may put this right. Whilst still flaunting Jamie's peacock falsetto and full of pizzicato-driven panache that may put off the casual listener, Nude is much more immediately accessible and enjoyable, particularly on 'Tears', where synths and a programmed kickdrum give way to violin plucks and military percussion that masks the retreating fragility at the song's heart. A half nod to Smoky Robinson & The Miracles' 'Tears Of A Clown', it has the self-doubt and slow morph between verse and chorus of first-wave C86 bands such as The Field Mice and the glacial fragility of Talk Talk at their midpoint. It isn't the most obvious hit, but its translation to both dancefloors and discos is perhaps one that was lacking on Mirror Mirror.
    However, its precedent, 'Tears Prelude', shows that an obscuration of their opulent serenity has been spared. It is a stunning work of introspective ambience as touching as any conjured by Stars Of The Lid, Eluvium and the like, with Jamie's vocals slowed almost to a stop, married to crystallised strings cradled deep in reverb, offering the cinematic epicness that M83 might have done on Before The Dawn Heals Us if they possessed the confidence and vision of their current incarnation.
    Around this, Nude offers a closer sound to Mirror Mirror on 'Arrow' and the sublime 'Two Men In Love', calling to mind the unavoidable comparison to Antony & The Johnsons on their first release, yet even on here, like Antony Hegarty himself between his landmark I'm A Bird Now and most recent full length Swanlights, there is a definite sign of progress in the depth and width of the band's sound.
    The problem, along with the awkward structuring of the album ('Arrow' is a perfect opener, 'Two Men In Love' a perfect closer but both find themselves in the middle third of the album) is that there is too little quantity to match the quality of Nude's highlights; with ten tracks of which two are interludes and one by name a prelude. Outside of these, 'To Be' floats by unnoticed, leaving around half an hour of music that truly captures the interest, something which could be forgiven on a début but leaves you feeling a little short changed on a sophomore effort. A shame, as at its peak, Nude is one of the year's strongest offerings but, particularly for an act with such obvious ambition, it is hindered by its brevity.
    (contactmusic)


    Most probably in the space of four minutes in fact. "When you were the age 15 I shot the arrow at you" opines McDermott on 'Arrow', Nude's priceless opening gambit. "Then you put that arrow in and became an angel too" he sighs wistfully, its delicate orchestral finale reminiscent of Wild Beasts at their most intricate. From that moment onwards Nude's is nothing less than addictive. While the haunting piano led 'New World' draws comparisons with Antony & The Johnsons, largely due to the way McDermott emphasises the most trivial of emotions to such devastating effect, the acoustic strains of 'To Be' and hi-energy precision dominating lead single 'Tears' exemplify Nude's diversity.
    Unpredictable in a sense, yet heartfelt down to each and every last syllable, it's a multi-dimensional collection that reaches an unassailable climax in the final third courtesy of the grandiose three-songs-in-one 'Our World It Fell So Quietly' and lovelorn ballad 'Two Men In Love'. Welded together by the three-minutes long instrumental interlude 'Time Passing', those two compositions are well worth the entrance fee alone. "If I ask you will you be prince?" enquires McDermott on the latter, all softly spoken and gently played out then finally declaring "I'm in love!" at the song's (and Nude's) outset.
    Significantly improving on its predecessor, Nude marks The Irrepressibles' arrival as serious contenders in a similar way to Patrick Wolf with The Magic Position or the aforementioned Wild Beasts and Two Dancers. Where they go next is anyone's guess, but it will surely be a bewitching, fulfilling experience finding out.
    (Drowned In Sound)




  • Letting Up Despite Great Faults - Untogether

    Letting Up Despite Great Faults - Untogether



























    Vielleicht ist dem Einen oder der Anderen auf meiner letzten Jahres-CD der Song "Teenage Tide" (aus der "Paper Crush" EP) positiv aufgefallen. Leider hatte ich das selbstbetitelte Debütalbum (2009) der Band Band Letting Up Despite Great Faults verpasst und das Quartett erst im letzten Jahr entdeckt. Mittlerweile ist ihr zweiter Longplayer von Mike Lee (Gesang, Gitarre), Kent Zambrana (Bass, Keyboards), Annah Fisette (Keyboards, Gesang) und Daniel Schmidt (Schlagzeug) erschienen, der erneut elektronisch angehauchten Indiepop und verträumten Shoegaze miteinander verbindet und den ich Freunden von New Order, The Postal Service, M83, The Field Mice,  und The Pains Of Being Pure At Heart empfehlen möchte. 

    "Untogether" gibt es über die Bandpage-Seite der Band (neben der CD oder dem Download) auch auf rotem Vinyl (inkl. MP3 für ca. 18,- € inkl. Versand) zu erwerben. Als Hörprobe noch einmal das Video zu besagtem "Teenage Tide" und weiter unten einige Titel aus dem Album, sowie vermutlich Ende des Jahres ein Song auf der Zusammenstellung meiner persönlichen Lieblingsalben und -singles.    



    Already known for its heady cocktail of thumpity-thumps with strong melodies, Letting Up Despite Great Faults takes several leaps into the stratosphere with its new release, Untogether. Led by Mike Lee, the four-piece, which currently calls Austin, TX and Los Angeles home, has perfected its take on synth-based sounds born in the ‘80s. The album sandwiches moodier, slightly more contemplative fodder between gotta-dance tracks. “On Your Mark,” for instance, is just unabashedly romantic loveliness. The songs I like best combine both approaches, giving a girl an excuse to whirl ‘n’ twirl to delectable melodies, as with “”Breaking,” Scratch,” and “Take My Jacket, Pauline.”
    LUDGF calls its sonic output “danceable dreampop,” which sounds to me like something on a stick, that gets licked. Okay, this is getting kinda naughty…
    (My Old Kentucky Blog)


    The album's composition is both organic and unnatural, eliciting feelings of a summer ending with earthy synths, urging you to push your fingers into the moist soil after a hard rain. Most of Untogether, in particular lead single "Visions," is bathed in murky whispers; but in this case it's not clear if it's an effect to enhance the darker harmonies or to simply conceal somewhat juvenile lyrics. While developing beautiful visuals of swamped roads reflecting streetlights, Untogether doesn't have the intensity of genuine feeling to push past an initial impression. This could be intentional, a good portion of Letting Up Despite Great Fault's material focuses on emotional response without second thought, but the effect comes off more like teenage abandon, action without repercussion.
    While still mellow, the songs of Untogether are a lot more upbeat and rich than the band's breakout hit "Disasters are Okay." In fact, Untogether more closely resembles a continuation of 2011's"Teenage Tide", a direction that was not altogether a popular endeavor. And while Letting Up Despite Great Faults has certainly grown since 2011's Paper Crush they're not going to be stealing any fans away from bands who have spent longer careers honing this particular sound. While Untogether is an earnest effort with truly majestic moments sprinkled intermittently, it's clear that Letting Up Despite Great Faults still has room to grow. Although a decent album of its own standing, Untogether will have trouble making itself known amongst others.
    (In Your Speakers)

  • Die 10 besten Alben von Nick Cave And The Bad Seeds

    10. Murder Ballads (1996)
    9. Let Love In (1994)
    8. The Boatman's Call (1997)
    7. Skeleton Tree (2016)
    6. Henry's Dream (1992)
    5. Tender Prey (1988)
    4. Push The Sky Away (2013)
    3. Abattoir Blues / The Lyre Of Orpheus (2004)
    2. No More Shall We Part (2001)
    1. The Good Son (1992)

    (ausgewählt von Dirk)