Platten vor Gericht

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Klar, der Gitarrist und Sänger von Ride, Andy Bell, hat auch neben seiner Shoegaze-Band zahlreiche Platten als Mitglied von Hurricane #1, Oasis und Beady Eye sowie mehrere Soloalben veröffentlicht und auch der andere Ride-Gitarrist und Sänger, Mark Gardener, ist als Solokünstler und Produzent aktiv. Gemeinsam mit dem Ride-Schlagzeuger Loz Colbert, der auch schon für The Jesus & Mary Chain, Supergrass und Gaz Coombes trommelte, war er auch in der kurzlebigen band The Animalhouse. Aber was ist mit ihrem Bassisten Steve Queralt? Der hat als einziges Mitglied des Quartetts noch nicht einmal einen eigenen Wikipedia-Eintrag!

Dafür aber jetzt ein Soloalbum! Neun Songs, 46:41 Minuten, alle Instrumente selbst eingespielt auf aufgenommen von Queralt, als CD, Kassette und LP (yellow Vinyl) erhältlich, das sind die Daten rund um „Swallow“. Auf drei Songs bekommen wir Gesang zu hören, aber nicht den von Steve Queralt, der auch bei Konzerten von Ride kein Mikrofon hingestellt bekommt: Für „Messengers“ konnte er Verity Susman von Electrelane gewinnen, und gleich auf zwei Songs hören wir die Stimme von Emma Anderson. Dadurch klingen sowohl „Lonely Town“ als auch „Swiss Air“ deutlich nach Lush, sind aber eher auf der shoegazigen Seite des Lush-Spektrums zu verorten und würden vielleicht am besten zu deren „Split“ Album passen.

Ansonsten tobt sich Steve Queralt instrumental zwischen Drone, Electronica, Ambient, Shoegaze und Post-Rock aus und lässt dabei mehrmals, beispielsweise bei „High Teens“, an Mogwai denken. Auch hinsichtlich der Songtitel ist er ganz nah bei den schottischen Post-Rockern, wie „A Porsche Shaped Hole“ belegt, und auf „I Don't Know How To Sing“ gibt es kurz deren verzerrten Nicht-Gesang zu hören.

„Swallow“ sollte jetzt aber wirklich zu einem eigenen Wikipedia-Eintrag für Steve Queralt führen.

Bei Metacritic sind 82/100 Punkten für das Album registriert und auch Frau Dr. shg. drp. Kerstin Kratochwill findet lobende Worte:

Die Atmosphäre ist eine düstere, aber von irgendwo scheint dennoch immer ein Licht zu leuchten. Queralt ist mit "Swallow" eine Art "Bladerunner" des Shoegaze gelungen, noir und nachdenklich den Zustand unserer Welt musikalisch umschreibend. Zwischen diesem dicht gewebten instrumentalen Teppich erstrahlen dann immer wieder auch die bekannten Shoegaze-Stimmen der Gaststars, bewusst eingesetzt von Queralt, der einen Track auf dem Album "I Don't Know How To Sing" nennt.
Er weiß aber genau, wie man zeitlose starke Songs schreibt, und sein Solo-Erstling brauchte Zeit: "Swallow" wurde in den letzten fünf Jahren langsam aber beständig zwischen Ride-Alben und Tourneen zusammengebaut und entfaltet vielleicht auch deshalb ein derart intensives Gefühl beim Hören dieser dystopischen wie dichten Songs. Und wenn Emma Anderson in dem zittrigen wie zartbitteren Noise-Stück "Swiss Air" singt, wird sogar ein Shoegaze-Traum wahr, denn der Song klingt wie eine lang erhoffte Kollaboration von Lush und Ride.
(laut)

Das letzte „richtige“ Studioalbum von Sune Rose Wagner und Sharin Foo trägt den Titel „Pe’ahi“ und stammt aus dem Jahr 2014. Seitdem gab es ein Jahr mit einem Dutzend monatlich digital veröffentlichter Songs, die dann im von ihnen so genannten Anti-Album „2016 Atomized“ gebündelt wurden, eine mehrjährige Auszeit sowie die Rückkehr mit dem Coveralbum „The Raveonettes Sing…“ (2024). Also nichts, was in die Annalen des dänischen Duos eingegangen wäre.

Gut, dass sich dies nun ändert, denn The Raveonettes docken an dieses Album an, in dem sie es einerseits stilistisch und thematisch fortführen und andererseits den Albumtitel, das dazugehörige Cover sowie die überraschende Veröffentlichungstaktik adaptieren.

Nicht ganz hingehauen hat der Anpassungsprozess hinsichtlich der Songanzahl (nur 8 statt deren 10 des ersten Teils ) sowie der physischen Veröffentlichung, denn aktuell ist „Pe’ahi II“ nur digital erhältlich.

Für die lobenden Worte ist selbstverständlich Frau Dr. shgz. drp. Kerstin Kratochwill zuständig:

Der Nachfolger klingt frisch und frei - der Raveonettes-Signature-Sound aus Sixties-Pop und Shoegaze reißt immer noch mit in seinem bitter-süßen Wechselspiel aus Noise und Melodie. Der Albumtitel spiegelt dies, denn er bezeichnet einen hawaiianischen Surf-Spot, an dem Wagner den plötzlichen Tod seines Vaters verarbeitete. Und auch die Fortsetzung befasst sich inhaltlich mit existenzialistischen Themen wie Leben und Tod, Schmerz und Sehnsüchten.
So wie Schicksalsschläge ein Leben verschieben können, setzen die Raveonettes musikalische Blitzeinschläge ein, um die Stimmung ihrer Songs zu verändern: Einfache Songstrukturen gibt es nicht, einfache Leben schließlich auch nicht. Und so finden sich in den treibenden Tracks immer mal wieder White-Noise-artige Einschübe, ambientlastige Instrumental-Teile oder auch Ausbrüche, die sich in Metal-Gewittern entladen und das Motto ihres eigenen Labelnamens atmen: The Beat Dies.
Und obwohl "Pe'ahi II" mit nur einer halben Stunde Spielzeit und acht Songs ein eher kurzes Album geworden ist, wirkt es wie eine eigene Welt, in der The Raveonettes die Widersprüchlickeit des Lebens packen und mit einer geradezu sprudelnden Genre-Vielfalt spicken: Surf-Sounds, Dream-Pop, Garage-Rock, Post-Punk oder Industrial-Disco, hier trifft Intensität auf Kreativität. In diesem Sinn: Rave on!
(laut)

Das Songwriting bei der Shoegaze/Britpop-Band Lush teilten sich, wie auch den Gesang und das Gitarrenspiel, nahezu gleichberechtigt Emma Anderson und Miki Eleonora Berenyi. Auf den drei Alben der Band - „Spooky“ (1992), „Split“ (1994) und „Lovelife“ (1996) - finden sich nur sehr wenige gemeinsame Kompositionen. Der Großteil der bekanntesten Lush-Songs stammt allerdings aus der Feder von Berenyi, wie zum Beispiel „For Love“, „Hypocrite“ oder „Ladykillers“.

Während Emma Anderson nach der Trennung von Lush zwei Alben als Sing-Sing und vor zwei Jahren ihr erstes Soloalbum „Pearlies“ veröffentlichte, verteilen sich die drei Post-Lush-Alben von Berenyi auf die Bands Piroshka („Brickbat“ (2019), „Love Drips And Gathers“ (2021)) sowie nun das Miki Berenyi Trio.

Das Trio besteht aus Miki Berenyi (Gesang, Gitarre), ihrem Partner und Piroshka-Mitglied Kevin ‚Moose’ McKillop (Gitarre) und Oliver Cherer (Bass). Der Drum Computer wird wohl nicht als vollwertiges Mitglied gezählt. Gegründet wurde das Trio, als die Hälfte von Piroshka anderweitig beschäftigt waren. Von der Nähe zu ihrer früheren Band zeugen erste Auftritte mit Neuinterpretationen von Lush Songs sowie eine „Covers“ EP mit vier Liedern von Lush, die alle von Berenyi stammten. Im Mai 2024 gab es mit „Vertigo“ eine erste Single des Miki Berenyi Trios (auch mb3 abgekürzt) zu hören, „8th Deadly Sin“ folgte Anfang des Jahres mit der Ankündigung des Albums „Tripla“.

„Tripla“ ist ungarisch, der Muttersprache von Mikis Vater, und bedeutet „dreifach“. Möglicherweise wurde er gewählt, weil jedes Bandmitglied drei Songs des Albums initiierte: „Gango“,„Kinch“ (ungarisch für „Schatz“) und „Hurricane“ (Miki), „8th Deadly Sin“, „A Different Girl“ und „Manu“ (Moose) sowie „Vertigo“, „Big I Am“ und „Ubique“ (Oliver). Das Album hat somit 9 Songs in 41 Minuten und bietet hauptsächlich vielschichtigen, elektronisch verzierten Dreampop („A Different Girl“, „Vertigo“) und nur sporadisch schnelleren Shoegaze („8th Deadly Sin“). Über Bella Union ist das Album als CD und LP (yellow Vinyl, Coke Bottle green Vinyl, neon yellow and green Splatter Vinyl) erhältlich.

Touching on climate change, 8th Deadly Sin establishes the trio’s mindset beautifully. Opening like Underworld covering Slave To The Rhythm, its slashing guitars and fluttery electronics propel the kind of infectious chorus that Lush made sound effortless at their best. Kinch takes a more inward-looking and melancholy slant, layering delicate electronics to frame reflections on death and jabbing grief that invoke the losses of Berenyi’s father and Lush’s Chris Acland. “I grew older and I grew away,” Berenyi sings in that unmistakable voice, but the suggestion that past haunts linger registers clearly and affectingly.  

As the album proceeds, confessionals and outward-looking plaints unfurl with fluent, expressive dexterity. Sometimes Tripla recalls the small-hours midlife anxieties of a record like Suede’s Night Thoughts, as when Vertigo touches on depression over soothing exhalations of electronica. Sometimes it skews younger and lighter, as on A Different Girl’s warm hymn of hope for Moose and Berenyi’s daughter. Meanwhile, the biting thrust of Lush’s Ladykillers is revitalised in a choppy new-wave funk framework for Big I Am, a sharply observed takedown of Andrew Tate-era toxic masculinity. 

Throughout, the three-person set-up provides room for manoeuvre and surprise. The agitated sound clash and throbbing bass of Gango, the Ladytron-ish Hurricane and the dubby sci-fi lollop of the lyrically light-footed Manu all showcase pleasingly lateral ways of thinking, freed from any need to worry about writing hits or observing the parameters of established scenes – be they Britpop or shoegaze. Ubique brings the record to a swooning close with a strings-enhanced (courtesy of Bella Union regular Fiona Brice) reflection on internet-era solipsism, but the MB3’s spirit of mutual discovery suggests a more open-minded outlook, one that’s neatly summed up in a wryly optimistic lyric from Vertigo. “Want to learn from past mistakes,” sings Berenyi, “but still believes there’s more to make.” On the strength of this fine merger of minds that come together on Tripla, more would be most welcome.
(Record Collector)

Dieses Jahr kann es zu Verwechslungen im Plattenladen kommen, denn innerhalb von rund zwei Monaten erscheinen mit „Pinball Wanderer“ und „Ten Crowns“ gleich zwei Platten von Andy Bell. Jedoch ist das zuerst genannte Album das vom 54-jährigen Waliser, der bei Ride, Hurricane #1, Oasis und Beady Eye spielte, und das zuletzt genannte stammt vom 60-jährigen Engländer, der bei Erasure singt.

Für beide Andy Bells ist das diesjährige Werk ihr drittes Soloalbum. „Pinball Wanderer“ gingen „The View From Halfway Down“ (2020) und „Flicker“ (2022) voraus. Wenn man dann noch berücksichtigt, dass in den letzten 5 Jahren auch noch zwei Alben von Ride („This Is Not A Safe Place“ (2019) und „Interplay“ (2024) erschienen sind, Bell zusammen mit dem Duo Masal einen Ausflug in Richtung Ambient und Astral Jazz unternommen hatte („Tidal Love Numbers“ (2023)) und die „Supergroup“ Mantra Of The Cosmos (bei der man jedoch nicht weiß, ob ein Album herausspringen wird) zusammen mit Shaun Ryder, Zak Starkey und Bez gründete, dann sieht man wie kreativ und experimentierfreudig er momentan ist.

„Pinball Wanderer“ bietet 8 Songs in 37 Minuten, die zusammen mit seinem ehemaligen Oasis-Kollegen Gem Archer (zusätzliche Produktion) entstanden, und ist als CD sowie - passend zum Plattencover - auf yellow, magenta oder cyan Vinyl als LP erschienen.

Der Opener „Panic Attack“ ist vermutlich der Song, den man sich noch am ehesten auf einem Album von Ride vorstellen könnte. „I’m In Love…“ müsste eigentlich „I'm In Love With A German Film Star“ heißen, denn es handelt sich um die Coverversion des Songs von The Passions aus dem Jahr 1981. Hierfür konnte Andy Bell Dot Allison als Sängerin und den 75-jährigen Michael Rother (Neu!) als Gitarristen gewinnen. „Apple Green Ufo“ schleppt sich über achteinhalb Minuten wie ein vergessener Stone Roses-Song dahin, den die Band aufgrund seiner jazzigen Momente aussortiert hat. Die zweite Plattenseite unterscheidet sich stilistisch von der ersten und klingt nach repetitiver Electronica im Geiste von Kraftwerk und Primal Scream.

The electro-pastoral title track is an immersive instrumental which feels instantaneous, while the bubbling ‘The Notes You Never Hear’ is succinct but fresh at just under two minutes. Elsewhere, ‘Madder Lake Deep’ both floats above the clouds and swims in shoegazey serenity, with Bell successfully relaying its dream-inspired essence.
Yet for all the ideas, it’s a patient album: the deft funk of ‘Music Concrete’ takes its time, with a muttered repeated title, while ‘Space Station Mantra’ pulses and fizzes skywards, bringing things full circle with more motorik murmuring.
As a musician, Andy Bell has always channelled other-worldly atmospherics, but on ‘Pinball Wanderer’ he’s operating in a separate, groovy, dimension.
(Clash Music)

Wer veröffentlicht denn am 1. Weihnachtsfeiertag ein neues Album? Nicht nur, dass die Menschen eher „Last Christmas“, „Happy Xmas (War Is Over)“ oder „Fairytale Of New York“ als lärmenden Shoegaze für Freunde von My Bloody Valentine hören möchten, auch die Plattengeschäfte haben geschlossen!

Naja, in die hätte die aus Modesto in Kalifornien stammende Band auch noch nichts schicken können, denn CD, Kassette und LP (black Vinyl) werden wohl erst im April fertig gestellt werden. Aber über The Funeral Party kann „Raw Blue“ bereits vorbestellt werden und 300 Bestellungen erhalten ein zufällig ausgewähltes Polaroid-Foto von den Probe- und Aufnahmesessions.

Letztere fanden zwischen dem 2. und 22. November 2024 im Earth Analog Recording Studio mit dem Produzenten Zac Montez statt, der diesen Job auch beim Vorgängeralbum „Feels Like You“ erledigte. Dies war das dritte Album von Whirr, das 2019 veröffentlicht wurde. An „Raw Blue“ ist - neben dem seltsamen Veröffentlichungsdatum - etwas ungewöhnlich, dass die leisen Stellen wirklich sehr leise und die lauten Momente wirklich sehr laut abgemischt wurden (im Internet wird sich auch über fehlende Bässe aufgeregt). Das ist beim Hören schon etwas verwirrend, aber offensichtlich von Whirr gewollt. Schließlich war dies beim „Leiern“ von „Loveless“ auch so und an Kevin Shields & Co. orientieren sich Whirr offensichtlich.

It’s a dark, dense affair and dynamic to what may comprise a fault - the quiet parts are very quiet and the loud parts very loud. However, it’s clear that the record has a vision that translates into some wonderfully soothing sounds. When the pulsating “Collect Sadness" repeatedly explodes into a warm wall of sounds, it’s hard to resist its heaviness. When “Crush Tones” dwindles into circular dissonance, it’s nearly impossible not to be drawn in by its dissociation. When “Enjoy Everything” climaxes into a fucking trumpet solo, it’s impossible not to wonder how they pulled it off. In essence, Raw Blue takes everything Whirr has learned alongside the nugaze who’s who of the record’s liner notes and sees what can be added or subtracted without compromising the contemplative beauty they have all mastered.
(Sputnik Music)

Jetzt habe ich vier Wochen gehadert, ob ich das neue Album von 93 Million Miles From The Sun (oder auch 93MillionMilesFromTheSun oder auch 93MMFTS) vorstellen soll oder nicht.

Nicht die Qualität von „Let Go“ sorgte für dieses Zögern, sondern die offenen und ehrlichen Worte von Nick Noble (Gesang, Gitarre, Keyboards, Noise), der über einen langen und zähen Entstehungsprozess, der bereits kurz nach der Veröffentlichung des Vorgängers „Why Do We Fall Apart“ (2021) begann, berichtet. Im Laufe der Zeit seien ihm und den übrigen Mitstreitern - Richard Myers (Bass, Synthesizer), Jase Burns (Programming, Drums), John Welby (Gitarre, Synthesizer) und Roy Clark (Gitarre) - diverse Dinge passiert, die zur Trennung und Neugründung der Band geführt haben, ein geplanter physischer Release auf CD und LP sei verworfen worden und auch die generelle Veröffentlichung von „Let Go“ sieht er aktuell selbst eher skeptisch:

„It very nearly never came out and if I'm honest, I'm not sure I still do want it to come out but here it is anyway. (…) Maybe people will actually like it but on a personal level I struggle very much now with it as a piece of work.“

Diese Worte überraschten mich etwas, denn der erste Vorbote aus dem Album, „Sleep“, ließ genau den melodiösen Shoegaze erklingen, den man sich von 93 Million Miles From The Sun erhoffen durfte.

„Let Go“ steht also nur digital zur Verfügung und bietet 11 Songs in 69 Minuten (inklusive einem Hidden Track nach fünfminütiger Stille). „Let You Go“ soll stellvertretend für die ruhigeren, an Slowdive erinnernden Songs des Albums genannt werden. Das andere Extrem bildet sich im anschließenden „Morning Glow“ mit seinen breiten, lärmenden Gitarrenwänden ab. „Only Living Now“ ist purer Noise, was auch Oliver Ackermann von A Place To Bury Strangers neidvoll anerkennen müsste.

Ich hätte gegen eine nachträgliche physische Veröffentlichung von „Let Go“ nichts einzuwenden und würde die LP gern in meinen Plattenschrank stellen können.

„Rien ne va plus, nichts geht mehr“, sagt der Croupier im Casino Garden und für uns heißt dies, dass „Transition“ die letzte Plattenvorstellung im Jahr 2024 sein wird. Es bleiben noch ein paar Tage, in denen sich die Roulettekugel im Kessel dreht, um Platten zu hören und Urteile zu fällen, bis die finalen Entscheidung gefallen sind und am 31. Dezember verkündet werden.

Die Band aus Wuppertal hatte sich mit begründeter Hoffnung auf wohlwollende Urteile - denn „Get Your Shit Together“ erreichte 2019 bei Platten vor Gericht Platz 50 (7,333 Punkte) und „Oliver Oliver“ konnte zwei Jahre später sogar unsere Top 20 erreichen (Platz 13 mit 7,875 Punkten) - erneut selbst vorgeladen. Doch leider blieb die Akte „Transition“ mit dem Eingangsdatum „8. November 2024“ lange Zeit unbemerkt von mir in einem riesigen Stapel liegen. Vielleicht hätten Casino Garden zur Sicherheit eine LP mitschicken sollen, denn mit dem vierten Album erfolgte erstmals eine Veröffentlichung auf Vinyl (blue Vinyl). Aber es gibt noch weitere Veränderungen: So besteht das Lineup nun aus Matthias Ballke (Gesang, Gitarre), Helene Ballke (Keyboards), Oliver Kroker (Bass) und den beiden Neuzugängen David Burdina (Gitarre) und Jonas Schoelen (Schlagzeug) und wurde zu „Pretend“ erstmals ein professionelles Musikvideo gedreht:

Musikalisch hat sich wenig verändert, denn „Transition“ bietet das Beste aus gleich mehreren Welten: noisiger Shoegaze, grungiger Alternative Rock und wuchtiger Postrock. Wenn bei den Plattenrichtern bereits die Begeisterung für „Aghori Mhori Mei“ und eine formstarke Rückkehr der Smashing Pumpkins groß ist (aktuell: 7,700 Punkte), dann solte hier punktemäßig noch etwas mehr möglich sein…

Diese bereits erwähnten Gitarren-Wände ziehen sich wie in roter Faden durch das Album. Dabei wird eine breite Skala an unterschiedlichen Klängen angelegt. Ja, mit zwei Gitarristen lässt sich was bewirken. Die Sechsaiter stehen im Vordergrund, wenn es im melodisch-melancholischen "Pretend" zu einem weiteren Highlight kommt. Der Matthias Ballke-Gesang verstärkt die Atmosphäre dieses Hinhörers und das Sechssaiter-Solo am Ende des Tracks wird mit einem ordentlichen Fuzz dargeboten.
Die musikalisch-positiven Strömungen des Albums werden durch ziemlich nachdenkliche Phasen konterkariert. Allerdings sind es immer wieder die E-Gitarren, die die teilweise furiose Stimmung bestimmen. Da kommt Helene Ballke mit ihren Keyboards leider nicht so oft zur Geltung, wie in "Open Gate". Zum Abschluss zieht das Quintett als Trumpf noch eine Power-Ballade namens "Somewhere" aus dem Ärmel. Deren Anfang und Ende besonders unter die Haut gehen.
"Transition" von Casino Garden ist wie eine Entdeckungsreise mit so einigen Überraschungen.
(Rock Times)