Zumindest Grapevine bietet eine Plattenkritik an:

The music of ‘Eliminate…’ shows an increased confidence in the production and structure of Benedikt’s compositions. Many of Benedikt’s previous albums, if we’re honest, didn’t sound that good. It felt like they were recorded in a village hall with a poorly house-trained school band that would completely overpower the proceedings. There was lots of energy, but it would fly out in every direction, leaving an empty centre. With ‘Eliminate…’ though, the music is enclosed, with everything close mic’d and hemmed in cheek by jowl. It seals in the energy of the music, allowing the natural acoustics of the instruments and vocals to provide the power. When the percussion and brass enter the fray on songs such as “I Am Free,” and “Rise, Rise, Rise,” there’s a definite rumbling undercurrent to the melody that wasn’t there before. “Siam” has him taking his minimalistic style to a new level, chanting the song’s mantric title, with his guitar giving off sitar-like harmonics.

The production of ‘Eliminate…” allows the intimacy invoked on ‘Retaliate’ to be fully realised on several songs. Benedikt’s voice is a soft, lilting thing, but even he will admit that it is not the strongest vocal out there. But there are moments on ‘Eliminate…’ where everything is stripped back to its core and you can hear the quivering in his melodies. A song such as “Lucano & Ramona,” for example just ACHES in its tenderness. Tremolo heavy guitar notes hang thick in the air while Benedikt’s fragile vocals tell a tale of love and death on an apartment roof.

This leads to the lyrical themes of ‘Eliminate…’ that are different to his previous albums. Benedikt’s pervious music would contain lyrics that could be cynical, but ultimately they were silly, knockabout fluff. The themes of ‘Eliminate…’ however are much darker, occasionally venturing into the territory of ‘I See A Darkness’ era Will Oldham. Benedikt seems much more willing to just let the black night of woe and hurt take him over.  Songs such as “Beat Me Until You Are Tired,” are utterly deadpan and succinct in its depiction of New Year’s violence, while “Rise, Rise, Rise” and “Darkness” seem to revel in this abyss. But it never truly succumbs to the nihilistic self-destruction as the final track “Eliminate Evil, Revive Good Times,” finally manages to come up for air to breath in the light. 

Wem die Editors inzwischen zu poppig, ILIKETRAINS zu träge, Pink Floyd zu altbacken klingen – hier ist euer Album für den nächsten verregneten Heimweg oder die nächste Diskussion über künstlerisch anspruchsvolle, gehaltvolle Platten, die von der Öffentlichkeit zu unrecht verkannt wurden.

Hier kann man sich "Dizzy Heights" anhören:

The string arrangements in particular thrill and surprise, opening track Impressions recalling Isaac Hayes. While he echoes Lennon (the slapback vocal of Better than TV) and McCartney (the title track's bubbly synths recall Wonderful Christmas Time), his influences are worn lightly. Dizzy Heights is an apt title for an album airborne with vertiginous harmonies and references to astronauts and flight. Finn's airy falsetto against the grinding engines and sirens of Divebomber create a queasy weightlessness. "How I wish that I could come back again," sings Finn on In My Blood, co-written with fellow New Zealander Connan Mockasin. He has. Dizzy Heights stands alongside Finn's many career highlights, including his beloved Split Enz and Crowded House hits.
(Guardian)

Keine Frage: Neil Finn ist ein unterschätzter Künstler, der selten etwas tut, was aus dem Rahmen fällt.

Aus diesem Grund kann man die neueste Produktion von ihm leicht verpassen. Das wäre in diesem Fall ein schwerer Fehler. Es gibt Songs zu hören, die man auf keinem anderen Finn-Album findet. „White Lies And Alibis“ darf man getrost mit der Vokabel experimentell belegen. Ein Jazz-Dub-Groove steht so schon auf wackeligen Beinen und wird dann noch von einer schrägen Gitarre gestört. Bei „Divebomber“ muss man an die sphärischen Trips in der jüngsten Werkphase von The Flaming Lips denken. Selbst die melodisch klareren Kompositionen laufen nicht bloß glatt und diszipliniert durch.

Bei „Recluse“ denkt man wegen der Falsettstimmen zuerst an die Bee Gees. Nach hinten hin wandelt Finn dieses raffinierte Ding mehrfach ab und nimmt sich Zeit für eine Warnung vor zunehmender Vereinzelung im Internet-Zeitalter. Auf ausgelassenere Momente muss man bei DIZZY HEIGHTS deshalb nicht verzichten, ganz besonders nicht in den souligen Tracks zu Beginn des Albums, von denen einer nicht umsonst „Impressions“ heißt. Er ist schwer okay, dieser Reigen.
(Musikexpress)

Neil Finn in Deutschland:

07.05.14 Köln, Gloria
08.05.14 Berlin, Postbahnhof

In keeping with the style of its two lead singles, the 10-track effort bounds between Voxtrot-inspired pop and more lush, instrumentally-focused tracks. “1111″ balances the dissonance of blistering guitars with anthemic, life-affirming harmonies. Though comprised of little more than reverb-heavy piano, “Requiem” feels larger-than-life thanks to the allure of Srivastava’s hushed croon. And “Lux” manages to bend and distort itself from fragile ballad to a mortar shot of post-rock feedback in truly intriguing and startling ways. Fans of Voxtrot will find both familiarity and the captivating prospect of unexplored soundscapes.
(Consequence of Sound)

Ein offener Brief, den man nicht unbedingt lesen muss, da Ramesh alle Themen und Geschichten in seinen Songs deutlich formuliert und mit klarer Stimme ausdrückt. So geht es um sein Leben in New York und wie sich die Stadt im Zuge der Weltwirtschaftskrise und der Occupy-Bewegung verändert hat, um seinen Aufenthalt in Berlin, um seine texanische Heimat und natürlich um die Liebe. Der Titeltrack “The King” ist gleich zu Beginn eine dieser kleinen Hymnen, in denen ein Künstler seine Hassliebe zu New York erklärt. Instrumentiert vom typischen Voxtrot Indiepop, der vor allem im Refrain richtig stark durchkommt und immer noch ein wenig Wehmut ob der Trennung der Band hervorruft. Der Ansatz auf dem ganzen Album ist insgesamt etwas poppiger und Pianolastiger, als bei den alten Voxtrot Stücken. Berauschende Gitarren, wie bei “1111″ sind eher selten. So entfaltet “The King” seine Wirkung eher in den ruhigen Passagen und schöpft seine Kraft aus dem Gefühl, dass Ramesh in die luftigen Stücke legt. So ist das Album auch mehr, als nur das Soloalbum des ehemaligen Frontmanns einer Indie-Pop-Formation der Nuller Jahre. Vielmehr zeigt es eine Künstlers, der es geschafft hat seine musikalische Weiterentwicklung, den Einfluss des bisherigen Schaffens und die eigenen Stärken in einem über weite Strecken unterhaltsamen Album zu bündeln.
(White Tapes)

Louder Than War ist begeistert und vergibt 8,5/10 Punkten:

The title track was written for a short-lived project called The Swedish Twins in unison with Matt Berry, although this is its first appearance in recorded form. It’s a sweeping, soaring thing with a tinge of flamenco threaded through the intricate arrangement. The lyrics are in reference to, as Morris puts it, “that moment when you’ve just turned out the light and everything remains semi-lit for a split second. It’s a revelation of a bad thing rather than a good thing.” There’s little that’s downbeat or oppressive about it; it’s a life-affirming handshake of intent that sets the tone for the rest of the album.

Space Cadet continues the highs; it has a woozy, past-midnight feel to it and Morriss lends a darker feel to his singing than his earlier material.

The lead single from the album is This Is the Lie. It’s a quieter, more reflective song than the rest of the set with acoustic guitar and wood-block flourishes framing a song about self-delusion. In isolation, it’s a cracker of a tune, but I’m not sure if it reflects the sheer joy of the rest of A Flash Of Darkness and may be off-putting to casual fans.

Consuela, on the other hand, is vintage Morriss. Heart-lifting melody, sweeping instrumentation that quickly takes flight and a lyric that references TV’s Jim Bergerac, it’s a thing of great beauty. You would have to be a hard-hearted cynic to dislike something this gorgeous. Personally, that would have been my lead single, but what do I know… 

Mark Morriss in Deutschland:

26.03.14 Hamburg, Haus 73
27.03.14 Berlin, Privatclub
28.03.14 Düsseldorf, Pitcher
30.03.14 Frankfurt, Brotfabrik

July is infectious. It translates well to many ears - no matter what your aural-poison is, chances are you'll find solace in Nadler's musings.

“You can listen to it all day and never get sick of it,” Senior Boy said, and as I incorporated Nadler into the soundtrack of my own life in the months and years to come, I found that to be true. While this might seem like a backhanded way to praise an artist, there’s something to be said for the power of a musician who can consistently draw you in, to make you feel as though you’ve never quite uncovered all the layers. July does this, and more. It will take a very, very long time to get sick of.

Close To The Glass klingt wie kein The-Notwist-Album zuvor, und es klingt wie ein Album, das so nur von The Notwist eingespielt werden konnte. Close To The Glass ist »trippiger«, elektronischer, krautiger (ja, sie haben Echos von Neu!, Cluster und Tangerine Dream eingefangen) als frühere Arbeiten, die Stücke sind eher »Tracks« als »Songs«. Es ist nicht mehr zu unterscheiden: Was ist Jam (tatsächlich gibt es einen langen: »Lineri«), was reine Studiokonstruktion?
Close To The Glass bietet ebenso: klassische Indie-Ästhetik, also abgeschliffene Beatles-Harmonien, dezente Anklänge an Psychedelic-Rock (die frühen Pink Floyd), dynamische Rocknummern, die ihre Dynamik aus einem subtilen Schlagzeug-Drive ziehen, den so schön vertrauten Gesang Markus Achers, Melancholie ohne Larmoyanz. The Notwist! Natürlich, so hören die sich an, mögen die Abstände zwischen ihren Albumveröffentlichungen immer größer werden – sie bleiben The Notwist. Keine Identitätskrise, kein Innovationszwang. Trotzdem, Close To The Glass klingt auf geradezu selbstvergessene Weise eigenständig. Lässig, cool, souverän? Das trifft es nicht wirklich. Über allem liegt eine große Ruhe, als würden in der Band noch die größten Kontroversen sachlich konzentriert diskutiert, aber knapp, ohne Schleifen. Wie angenehm entspannt das alles daherkommt!
(spex)

Der helle Rock ist aber nur die eine Seite, und eine wunderbar leicht verdauliche. Der anderen Teil der klassischen Notwist-Formel, die Suche nach Schönheit mittels Blubber und Beat, fühlt sich diesmal an wie trockener Humor, etwa in "Signals". Manche der Loops und Samples klingen, als würde die Band sich selbst zitieren, andere Effekte auf der Platte bröseln so sympathisch nebensächlich vor sich hin wie ein guter Keks. Martin Gretschmann, die digitale Muse der Band, hat seine wunderwirkende Hände diesmal scheinbar mehr darauf verwendet, einen Liveband-Charakter zu unterstützen oder zu simulieren. Man muss das also unbedingt sehr laut hören, genau so laut wie Produzent Olaf Opal die Songs im Trifthof abzuhören pflegt. Erst dann geht der ganze Blumenstrauß so richtig auf und gerade auch ein bitterfeines Instrumental wie "Lineri" liebkost dann jeden einzelnen Zellzwischenraum.

Ach, was für ein Album! So vielseitig, ohne jemals seinen tief schlagenden Ruhepuls aufzugeben, so zärtlich und nah, ohne dabei eine internationale Ästhetik einzubüßen.
(Süddeutsche Zeitung)

24.02.2014   Wiesbaden - Schlachthof        
25.02.2014   Bielefeld - Forum        
26.02.2014   Berlin - Heimathafen        
10.03.2014   Stuttgart - Wagenhallen                    
20.03.2014   Köln - E-Werk      
12.04.2014   Linz - Posthof        
13.04.2014   München - Circus Krone
25.04.2014   Berlin - C-Club      
26.04.2014   Berlin - C-Club      
27.05.2014   Hamburg - Laeiszhalle  

So eine Art Video zu “Carry me” gibt es dort.

Plattentests.de findet Gründe für eine "Bewertungs 7":

Der Bombay Bicycle Club war gerade in Deutschland auf Tour und wird heute noch in Zürich spielen.

Alle Welt ist voll des Lobes für "Where The Wild Oceans End" - und das zu Recht:

Eine Sammlung betörender Songs zwischen fragilem Folk, somnambulem Rock und zeitlupenhaftem Blues, die in melancho- lischer Grandezza daherwehen und in Ermangelung eines besseren Begriffes hier Dream Pop genannt seien. Wer Vergleiche braucht, der denke an Nico und Nick Cave, Ian Curtis und Juliette Gréco. (Musikexpress)

Man kann sich der von den zehn Songs ausgehenden Faszination nicht entziehen. Dieses Album ist Hingebung der anderen Art. Andrea Schroeder braucht keine Vergleiche. Sie und der Gitarrist Jesper Lehmkuhl schreiben düstere Lieder, die von Chris Eckman perfekt inszeniert wurden.
Verträumt anmutende Gitarrenklänge werden durch die rauchig-tiefe Stimme der Künstlerin konterkariert. Tasteninstrumente starten den Versuch, die Gitarre in ihrem Streben nach Harmonie zu unterstützen. Schließlich wird die Musik eins mit der emotionalen Welt der Berlinerin. Das Streichinstrument entwickelt sich zum melancholischen Zentrum inmitten aufwühlender Atmosphäre. (...)
Bei "Blackbird" war Andrea Schroeder die Prinzessin der Dunkelheit. Nach "Where The Wild Oceans End" ist sie die Königin der Nacht, denn diese Tageszeit hat mehr als nur die Farbe Schwarz. (rocktimes)

Andrea Schroeder unterwegs:

12.03.2014   Chemnitz, Weltecho
13.03.2014   Göttingen, Heimathafen
14.03.2014   Bad Homburg, Kulturbahnhof
15.03.2014   Salzwede, Hanseat
18.03.2014   Hamburg, KNUST
02.04.2014   München, Milla
03.04.2014   Cottbus, Bebel
09.04.2014   Münster, Gleis 22
10.04.2014   Wuppertal, Live Club Barmen
11.04.2014   Bielefeld, Forum
12.04.2014   Magdeburg, Kulturzentrum Moritzhof
13.04.2014   Köln, Studio 672
15.04.2014   Reutlingen, Franz.K
20.04.2014   Leipzig, Moritzbastei
23.04.2014   Offenbach/Main, Hafen 2
25.04.2014   Berlin, Lido

Bei den drei jungen Iren, die mittlerweile in Brighton leben und am Institute of Modern Music studieren, ist das zum Glück nicht so. “Never” ist zwar schon einer der stärkeren Songs des Debütalbums, sticht aber nicht unbedingt großartig heraus, sondern steht vielmehr gleichberechtigt neben einer ganzer Reihe ähnlich gut gelungener Lieder. “Haven” und das wehmütige “Away” zum Beispiel schlagen einen ähnlichen Pfad ein wie der recht minimalistische Song aus der Werbung, werden aber von sehr schönen Streichern ergänzt. “Conquer”, einer der Höhepunkte der Platte, macht mit Zeilen wie “all you have to do in life is die / everything else is a choice” Mut und glänzt mit hervorragenden Bläsersätzen, während sich “Your Fires” fast zum Mitsingen am Lagerfeuer anbietet. Die in wuchtigen Schlusssequenzen endenden “Flight, in the Oaks” und “Settle” dagegen sind kleine Hymnen, die wohl live erst ihre ganze Kraft entfalten dürften – nicht zu Unrecht sind All the Luck in the World unter den ersten Bestätigungen des diesjährigen Haldern Pop.

Neil Foot, Ben Connolly und Kelvin Barr mögen hier das Rad nicht neu erfunden haben, aber ihr Debüt ist ein durchweg gelungenes, viel Freude bereitendes Werk irgendwo zwischen den Kooks, Frightened Rabbit und Get Cape. Wear Cape. Fly. Mehr braucht es ja manchmal gar nicht zum Glück…
(you sound great)

All The Luck In The World in Deutschland:

12.03.14 Köln, Blue Shell
13.03.14 Düsseldorf, Zakk
14.03.14 Hamburg, Prinzenbar
16.03.14 Münster, Fachwerk
17.03.14 Frankfurt, Brotfabrik
18.03.14 München, Ampere
19.03.14 Berlin, Comet Club
20.03.14 Dresden, Beatpol

And to celebrate, here is the folky singer-songwriter in totally new guise: Suzanne Vega, Rock Chick. Well, not quite, but in a career more noted for hushed moments it’s still a surprise to hear electric guitars played in anger. And it’s a good look. Vega dips into the Tarot for songs about spiritual growth, death, the afterlife and Vaclav Havel, while an array of session superheroes – among them Larry Campbell and Gail Ann Dorsey – fill the album with crackling electricity that even gets a little menacing on live showstopper I Never Wear White. It’s hardly Dylan goes electric, but the intent is much the same.
(Mojo)   

Track eight of her first album since 2007’s sly and graceful Beauty and Crime is in the same vein as Luka. Song of the Stoic tells of a man who faced up to his father in the hallway then knuckled down to a life of back-knotting toil. It’s a beautifully weary yearning for release.

There’s a clatter of industrial percussion, a skipping banjo and a strange, soaring chorus of choir-backed “Oooo”s in Vega’s breathy alto, which still has the casual cool of a New York hipster exhaling just enough to part her own fringe. Elsewhere there’s a jagged guitar riff on I Never Wear White and a supple sample from 50 Cent’s Candy Shop on the upbeat Don’t Uncork What You Can’t Contain.

Vega’s enduringly classy knack for quirky rhythm, sleek ideas and direct-but-detached delivery shines through much of this album, though it does suffer at times from the leaden, ye olde phrasing hinted at in the title.
(Telegraph)

Musically minimal and delicate, juxtaposed with dense lyrics, William Fitzsimmons manages to create an album that is both contemplative and intense without being dull or impenetrable. It is clean without being overproduced, emotional without being cliché and is personal while still being relatable. The remarkable thing about this album is that it unintentionally transcends auditory boundaries by presenting itself as an entire sensory experience, not specific to just listening. With tracks like “Brandon” (which reflects on a bullied youth), “Took” and “Hold On,” Fitzsimmons uses soft instrumentation and vocals to balance the darker thematic elements present. This makes a perfectly blended album that is decisively the most human thing I’ve listened to in a long time.
(SLUG Magazine)

William Fitzsimmons in Deutschland:

14.02.2014   Zoom, Frankfurt  
15.02.2014   Zakk, Düsseldorf
16.02.2014   Kampnagel, Hamburg
18.02.2014   E-Werk, Erlangen
19.02.2014   Jazzhaus, Freiburg  
20.02.2014   Gloria, Köln
21.02.2014   Forum, Bielefeld
23.02.2014   Colos Saal, Aschaffenburg
24.02.2014   Postbahnhof, Berlin
25.02.2014   Beatpol, Dresden
26.02.2014   Feierwerk, München
27.02.2014   KJH Hallschlag, Stuttgart
01.03.2014   Faust, Hannover  
03.03.2014   Pumpe, Kiel
10.03.2014   Skaters Palace, Münster

Jens Friebe hat auch eine Meinung zu "Paula":

Pumpende Bässe, stahlende Synthies, sommerwindige Melodien, und doch lauern in der süßen Strömung treibender Beats immer auch schleimige Schlingen und Babyhaie. So eröffnet schon der Titel des Liedes „Ins Wasser gehen“ das ganze Affektspektrum zwischen Freizeit- und Freitod, Fern- und Kopfweh. Im Spannungsfeld der Pole schweben Paula und lösen alles im Wohlgefallenen perfekter Popsongs auf.

All die Acts, die bisschen mehr Würde und Glamour in ihrem Entwurf hegen, finden sich heute vor allem noch in den non-housigen, semicoolen Gay-Disco-Schuppen gefeiert.
Dorthin sind die letzten Platten von 2raumwohnung, Mia. und Konsorten nämlich verschwunden. Ob auch Paula dieses Exil erreichen können, bleibt fraglich, ist ihnen aber zu wünschen. Denn für die Charts ist das alles viel zu liebevoll, zu subtil. Das Eröffnungsstück »Was für ein Ende« oder »1987« lassen nichts von der einstigen Faszination Paula vermissen, und Zeilen wie »Die Liebe war so tief wie das Meer unter der 747« wirken sperrig und schmiegig zugleich. Also, Post-Hipster dieses Landes, schaut auf diese Band. Hübscher, erwachsener Herbst-Pop fürs Übergangsritual aus der Szene und rein in die Bürgerlichkeit.
(intro)

Paula unterwegs:

10.04.14 Berlin, Privatclub
21.04.14 Köln, Studio 672
23.04.14 Frankfurt, Sankt Peter Cafe
24.04.14 Dresden, Scheune Kulturzentrum
25.04.14 Münster, Gleis 22
26.04.14 Hamburg, Indra

Musikalisch sind die elf Songs dabei perfekt ausarrangiert, verlieren sich nie in Spielereien und sind fast mehr anspruchsvoller Pop als Folk. Die elektronischen Elemente verschmelzen immer organisch mit den Gitarren, mal klingt das melancholisch, dann wieder wie eine Hymne, oft in ein und demselben Song. Etwas mehr Interesse am Abseitigen, am Experiment oder generell an ästhetischen Brüchen hätte dem Album dabei vielleicht gut getan, aber man kann sich sicher sein, dass die Musiker auf dem Rocket Spaceship Thing alles genau so haben wollten, wie es nun ist.
(rfv.ch)

Erstaunlicherweise präsentiert sich die Scheibe selbst dann aber wenig visionär. Das soll jetzt nicht heißen, dass sie schlecht wäre – Der hymnische Opener „Mount Blanc“ ist ein Indie-Pop-Hit, „Zeppelins“ mit seinem träumerischen Refrain weiß ebenso zu gefallen wie das ruhige „Dance on Water“ mit seiner tröstlichen Weakerthans-Stimmung. Dennoch klingt alles mehr oder weniger nach bereits etablierten Indiebands wie den Editors oder Foals, bloß wesentlich poppiger. Ganz bitter wird es in dem kurzen Moment, in dem „Polar Bears“  nach Sunrise Avenue klingt, der ist aber gottseidank schnell vorbei. Alles in allem ist „Rocket Spaceship Thing“ ein hübsches Album, widerspricht aber musikalisch völlig dem im Vorfeld postulierten Streben nach neuen Wegen, was inkonsequent erscheint. Indiepop-Liebhaber werden aber sicher trotzdem ihre Freude daran haben.
(crazewire)

We Invented Paris in Deutschland:

17.02. München, Strom
18.02. Stuttgart, 1210
19.02. Mannheim, Alte Feuerwache
21.02. Köln, Luxor
22.02. Hannover, Pavillion
24.02. Berlin, Bi Nuu
27.02. Leipzig, Werk 2
28.02. Jena, Cafe Wagner
01.03. Ulm, Roxy
27.03. Würzburg, Cafe Cairo
28.03. Bremen, Pier 2
13.04. Lindau, Club Vaudeville
15.04. Münster, Gleis 22
16.04. Düsseldorf, FFT Kammerspiele
17.04. Göttingen, Junges Theater
18.04. Hamburg, Prinzenbar
19.04. Husum, Speicher Husum
22.04. Erfurt, Museumskeller Erfurt
23.04. Dresden, Beatpol
24.04. Wiesbaden, Schlachthof
25.04. Erlangen, E-Werk - Clubbühne
26.04. Freiburg, Jazzhaus

Solander ist eine gute Band. Oder besser: ein gutes Projekt, denn eigentlich macht Fredrik Karlsson hier alles selber. Solander ist besser, als all diese gehypten Hippies aus den USA. (De:Bug)

Wen das De:Bug-Magazin hier in ihrer Rezension zu Solanders Debut-Album 'Since We Are Pigeons' aus dem Jahr 2009 mit den gehypten Hippies meinte, sei mal dahingestellt. Aber in einer gerechten Welt würden Solander mehr Platten verkaufen, als, sagen wir mal, die Fleet Foxes.

2011 schaffte die gute Band aus Malmö bei uns mit ihrem zweiten Album 'Passing Mt. Satu' einen mehr als verdienten 17. Platz und auch für das neue, im Januar erschienene dritte Werk 'Monochromatic Memories' stehen die Chancen für eine Top-Platzierung nicht schlecht:

Solander haben hier gleich mal eine Schaufel drauf gepackt. Oder die Latte hoch gelegt.
Oder ganz einfach ein richtig tolles Album gemacht. Die schönste Platte seit Monaten. Musik, die es schafft, sofort mit dem was Du gerade getan hast aufzuhören. Und zuzuhören, einen Moment lang die Luft anhalten und dann vergessen, weiter zu atmen. (guteshoerenistwichtig)

Solander - The Woods Are Gone from A Tenderversion Recording on Vimeo.

Es gestattet sich bei diesem Album nicht, bestimmte Songs hervor zu heben […], da hier besonders die Homogenität besticht und es mir Tränen in die Augen treibt, dass heute immer weniger Alben, sondern einzelne Songs gehört werden, aber ich kann die technischen Gegebenheiten und Mediennutzungen wohl nicht wirklich aufhalten. Vielleicht können das aber Solander, denn dieses Werk versetzt euch mit seiner wunderschönen Melancholie in eine andere Welt, eine Welt des Schwelgens, aber auch des Nachdenkens in wohliger Wärme. (about songs)

Tourdaten (ohne Gewähr)
12.02.2014 Berlin Privatclub
13.02.2014 Würzburg Café Cairo
14.02.2014 Erfurt Franz Mehlhose
15.02.2014 München Milla
18.02.2014 Wien Rhiz
19.02.2014 Nürnberg Muz Club
21.02.2014 Winterthur Kraftfeld
23.02.2014 Münster Pension Schmidt

“Alle Lieder, die wir geschrieben hatten, schienen sich entweder direkt oder zumindest im entfernten Sinne mit Dingen zu beschäftigen, mit der sich die Evolutionstheorie auch beschäftigt. Wo zur Hölle sind wir und wo gehen wir als nachstes hin? Also haben wir beschlossen, uns mit diesem Thema auseinanderzusetzen. Mit all der gedankenlosen Verspieltheit und jugendlichen Ernsthaftigkeit, die es verdient.” (Simon Balthazar, Fanfarlo)

"Let's go extinct" ist das große Popalbum, das Fanfarlo bereits mit "Reservoir" und "Rooms filled with light" zu schaffen versucht haben. Kleinere Hürden brachten sie dabei zwar nicht zum Fallen, aber auf lange Sicht minimal ins Straucheln. Hier passiert das nicht: Der Opener "Life in the sky" alleine ist eine ausgewachsene Pop-Oper, "Grey and gold" pure Melancholie mit leichten 80er-New-Wave-Anleihen und "A distance" ein von Streichern getragener Wanderzirkus, bei dem alle irgendwann komplett aus der Reihe tanzen. Das Experimentieren mit diversen Intrumenten und Sounds gereicht dabei von Vorteil für Fanfarlo, deren Spielfreude in einem Song wie dem verträumt startenden und sich im Verlauf immer größer aufbauenden "Cell song" deutlich spürbar ist.

"Painting with life" startet kühl und düster, nur mit Balthazars Stimme, die klingt, als setze sie inmitten einer Geschichte an: "This is where it happened / We used to go here all the time / Now there's empty buildings / Decomposing in the evening sun", singt er, und vor dem inneren Auge baut sich sofort eine Landschaft auf, die alsbald jäh eingerissen wird von der Zeile "I see my own reflection / In the things that fall apart". Dass auch in der Zukunft nicht alles in Butter sein wird, ist wohl eine unausweichliche Tatsache. Mit dem vollkommen aus der Zeit geratenen "The beginning and the end" lässt sich aber auch die Ungewissheit bestens ertragen, bis "Let's go extinct" mit seinem Titeltrack genauso groß endet, wie es eine Dreiviertelstunde zuvor begonnen hat. Wer weiß schon, was die Zukunft für uns alle bereithält - wenn sie dabei aber so klingt, wie Fanfarlo es sich hier vorstellen, kann sie so schlimm gar nicht sein.
(Plattentests)

The album opens with a “Life in the Sky”, a track that blends the quiet  intrigue of hushed boy/girl vocals on the verse with horn augmented instrumental breaks and what seems to be a sound desk of electronic, space-inspired effects. A nice scene-setter, it introduces the album’s exploration of evolution, and what else might be out there. The space-age, electronic sounds that pepper many of the tracks on Let’s Go Extinct do a nice job of complementing what’s going on lyrically.  Whilst thankfully we don’t get too deep in Darwin-ism, the whimsical musings of the lyrics, and the musical suggestions work throughout to deliver a satisfyingly themed and thought-out album, akin to enjoying a few beers in the park, looking up at the sky, and trying to figure it all out.

Fanfarlo’s calling card, previously and in Let’s Go Extinct, is their inventive and rich use of a whole host of instruments. The stuttering horns on “Cell Song”, the tremolo synths on “We’re the Future”, and the whole damn orchestra on “Painting With Life”. “Myth of Myself” has a Bright Eyes-esque crescendo, and sees lead singer Simon Balthazar give a  display of emotion and passion that lacking somewhat from the rest of the album. His voice when leaping from note to note is listenable enough, but the forced-sounding dynamics feel like they’re not doing justice to everything else that’s going on, particularly when there are the rich, warm undertones of Cathy Lucas’s voice being disappointingly back-seated.

“Landlocked” kicks in sounding like an eighties film soundtrack, which seems appropriate given the pseudo-serious nature of the examination of the self wouldn’t go amiss in a John Hughes film (‘So we listen to the echoes/And you think it brings us closer’). The final and title track wraps up the album in a neat little bow, a conclusive end to a record that ponders and pontificates to a backdrop of disco-inspired 80s sounds and infectious choruses. Fanfarlo may not be breaking new ground with this, but they’re building on their previous foundations nicely.
(the line of best fit)

Fanfarlo in Deutschland:

27.02. Berlin, Bi Nuu
28.02. München, Ampere
07.03. Frankfurt, Das Bett

Ob nun der freche Tanz-Takt des treffend betitelten "Time to dance" zu überzeugen weiß, oder der hymnische Refrain von "Look of love" mit seinem pointiert-nachgestelltem Gitarrenriff mehr fesselt, liegt höchstens im Gehörgang des Rezipienten. Viel falsch machen kann man hier sowieso nicht. Machen auch The Jezabels nicht. Und weil Erwartungen auch nicht relevant sind, kokettieren die vier Perfektionisten im ungewöhnlichen, aber großartigen "Beat to beat" konsequent mit der großen, weiten Girlpop-Welt – und schielen dabei mit einem Auge in Richtung R'n'B-Club. Heute schon einen Ohrwurm gehabt?

Und auch wenn "The brink" sämtliche Arme gen Pop-Olymp reckt, bleiben The Jezabels sensibel für den Moment, wann sie vollends zutage treten dürfen: die Melancholie und Sehnsucht, die in fast jedem Song stecken – wenn auch meistens verschleiert. "Angels of fire" ist da ein Paradebeispiel. Zunächst nur getragen von Vokalistin Hayley Marys zartem Organ, schleicht der Song sich behutsam ins Ohr – um dann getragen von präzise polternden Drums und einem Keyboard- und Gitarrenteppich auszumäandern. (...)

Klar, man muss Haley Marys Stimme, die sich immer irgendwo zwischen subtiler Filigranität und kitschigem Wahnsinn bewegt, wirklich mögen, um "The brink" ins Herz zu schließen. Man muss ebenso offen dafür sein, dass The Jezabels sowohl musikalisch und auch in den Geschichten vieler Songs so nahe am Rand des Pop-Gipfels balancieren, sodass ein Absturz in die Tiefen der übertriebenen Theatralik manchmal nur einen Fußbreit entfernt ist. Dennoch – oder vielleicht gerade deswegen – hat dieses "The brink" das Potenzial, länger zu strahlen, als vieles, was da noch auf uns zukommt.
(Plattentests)

14.03.14 Hamburg, Übel & Gefährlich
15.03.14 Berlin, Astra
16.03.14 Frankfurt, Sankt Peter
18.03.14 München, Freiheiz
20.03.14 Köln, Gebäude 9

Corners is thus the best solo effort under the name Jacob Faurholt so far. He claims bands like Lemonheads and Guided By Voices as his influences, and while I personally think the former have been overrated for too long, the latter definitely make sense, although I rather feel a kinship to a better produced Daniel Johnston. Especially the more rocking tunes remind me of the collaborations between Daniel Johnston and Jad Fair. I know that Jacob Faurholt can hardly be labelled an outsider artist, but his emotions feel true enough to make him one of those rare artists who channel their vulnerability through very intimate indie rock music that will leave an impression long after the artist has recorded the music.