The Spook School are that special type of band that not only write great records, but important ones too. Songs about gender identity, abusive relationships, body insecurity, sexuality, toxic masculinity, and mental health mix with a stubborn optimism, positivity and defiance that will and has provided hope, comfort and inspiration for many who might be going through similar things. Could It Be Different?, the Glasgow four-piece’s third record (and first not with the already much-missed Fortuna POP!), is a confident and acclaimed continuation in their knack for writing noisy, danceable and charming indie pop with meaning. Eleven tracks of fast-moving, relentlessly catchy, hairs-on-end hits with hugely quotable choruses that feel liberating and powerful to dance and shout along to. The Spook School will be long remembered.
(London in Stereo)

On ripping opener “Still Alive,” the band’s multiple vocalists join forces on the joyous refrain of “Fuck you, I am still alive!” and it sounds like it could be a unifying anthem for anyone who faces systemic oppression. On “Body,” which has an awesome call and response bridge that sounds like Whenever, If Ever-era TWIABP covering Bizarro-era Wedding Present, they take on self-love, self-confidence, and body dysmorphia. In comparison, the sugary but raucous “I Hope She Loves You” is a tender, personal song. Sometimes you get tired of angrily railing against the system and you just want to sing about love or lack thereof, and there’s power in that too. As they say, the personal is political. That’s even clearer on closer “High School,” an indiepop ballad with a “Be My Baby” beat where The Spook School question how different life may have turned out — from romantic relationships to coming out — “if I played sports in high school.” Chances are, anyone who’s read this far into a review about a Slumberland band can relate to that.
If The Spook School seem simple on the surface, it’s deceptive. A lot of modern indie/punk bands have driving guitars, singalong choruses, and powerful lyricism, but The Spook School have all three in a way that quickly stands out from their peers, and Could It Be Different? is quite possibly the best showcase of this yet.
(Brooklyn Vegan)

Überragend bleibt beim ganzen Verlauf des Album wohl der gelungene Spagat zwischen Radio tauglichen Songs wie „No More Love Songs“ und einem reinen Folker à la „Oh Joy“, der sogar mit Streichern, die an ein Dorffest erinnern, endet. Ganz zerbrechlich und emotional wird es in „The One With The Jackals“, wo nur mit Akustik-Gitarre und Pelleymounters Stimme gearbeitet wird – natürlich funktioniert auch das hervorragend und sorgt für den größten Gänsehautmoment des Albums. Das scheint dann auch schon wieder an Emotionalität zu reichen, denn gleich darauf folgt der Gitarren-Indie Hit „I Used To Work Here, Perhaps You Did Too?“ mit Ah-Ah-Chören inklusive!
Man könnte eigentlich auf alle zwölf Songs eingehen, denn wirklich jeder bietet ganz eigene Stärken, die man aber am besten selbst erkunden und genießen sollte. Definitiv haben To Kill A King mit diesem Album ordentlich vorgelegt und gehören definitiv zu den Bands, die man sich für dieses Jahr vormerken sollte! Die Lieder auf diesem Album machen jedenfalls Lust darauf, immer wieder reinzuhören!
(minutenmusik)

Denn so dunkel die Themen auch sein mögen, kann man immer noch einen flotten Indie-Song um sie stricken – egal, ob „The Unspeakable Crimes Of Peter Popoff“ (ein deutscher Televangelist) nun mittels einer zappeligen Modest-Mouse-Hommage erzählt werden oder „I Used To Work Here, Maybe You Did, Too?“ knapp zweieinhalb Minuten auf's Gaspedal drückt, während er mythischen Wesen Alkoholkrankheiten andichtet. Sogar Zeilen wie My God and your God, they don't get along werden feuerzeuggeeignet arrangiert – egal, dass sie dann doch nur als Metapher für zwei Liebende stehen, die nicht voneinander lassen können.
Andererseits träufeln To Kill A King auch gerne etwas Bitterstoff auf ansonsten allzu süße Songs: Liebeslieder tauchen nur auf, wenn sie wie in „Bar Fights“ an die Königin der Schlägerbräute gerichtet sind oder in der finalen Ballade stereotypische Happily-ever-after-Klischees belächeln – Hits wie „No More Lovesongs“ zeigen aber, dass sie es auch mit anderen Thematiken problemlos in die Radio-Playlists schaffen könnten. Die einzige eindeutig positive Aussage auf „The Spiritual Dark Age“ zum An-die-Wand-Hängen: Compassion is my weapon of choice – auch wenn nur der liebe Gott weiß, seit wann die Aussage des dazugehörigen Songtitels „Compassion Is A German Word“ stimmt. Zu blöd, dass der gerade für tot befunden wurde.
(éclat)

‘The Light’ is not necessarily the kind of record you’d play every day, and really not one you’d pick if you want something uplifting, but it’s great. For fans of various twee pop acts, as well as light indie dreampop along the lines of The Sundays and Drugstore. Tango With Lions should bring more than a glimmer of shimmery enjoyment. For those looking for folk roots within less traditional settings, ‘The Light’ will certainly intrigue, if not thrill in its self-made cocoon of understatement. For their fans, it surely marks a welcome return, while for others – mostly those listeners outside Greece – it is a superb introduction to a band who deserve more of a global ear. Grab this record at the earliest opportunity.
(real gone)

Earlier this month, the group put out an evocative new single entitled “Proof of Desire,” a song from their forthcoming third studio album The Light. Instrumentally spare and an achingly vulnerable, the track speaks of the difficulties of trying to connect with an emotionally remote and possibly duplicitous lover. Fans of Metric frontwoman Emily Haines solo work will likely find a lot to love with this new track.
(axs)

Hodgsons Platte ist hoffnungsvoll nostalgisch, frönt dem Britpop und das so hemmungslos, dass es zumindest anrührt. »Suitable« ist die Hymne, die problemlos im Radio laufen kann und trotzdem großartig ist. Ein paar mehr Stücke dieses Kalibers hätte es dann allerdings doch gebraucht, wenn man denn schon mit einer angezählten Musikrichtung hausieren geht. Dennoch ist hier jemand bei sich, zelebriert die Musik, mit der er sich am wohlsten fühlt. Und das ist für den Moment aller Ehren wert, denn so hat er immerhin dem künstlerischen Identitätsschaden durch zu viel abseitiges Klimbim vorgebeugt.
(intro)

Gemeinsam mit Kaiser Chiefs-Gitarrist Whitey, Anna C Hodgson an der Violine und Back-Vocalist Rob Harvey spannt Nick einen melodischen Brit-Pop-Faden zwischen alt und neu. Angetrieben von facettenreichem Indie-Pop, erinnern immer wieder gekonnt eingestreute Ohrwurm-Harmonien an Glanztaten aus den Federn von Ikonen wie Paul McCartney, Brian Wilson und Ray Davies („Honest Face“, „Tomorrow I Love You“, „My Own American Dream“).
Mit der schunkelnden Retro-Hymne „Feel Better“ und dem Singalong-Juwel „Suitable“ schickt Nick sogar zwei richtige Hits ins Rennen, die sich schon jetzt mit Nachdruck für die Aufnahme in die Songs-des-Jahres-Hall-of-Fame bewerben.
„Tell Your Friends“? Auf jeden Fall. Weitersagen ist hier Pflicht! Viel besser könnte das Jahr für Freunde vintagelastiger Brit-Pop-Klänge gar nicht losgehen.
(musikblog)

 

Ich könnte noch bis in “Die Unendlichkeit“ weiter schreiben über dieses Werk. Es gibt so viele Textstellen, die erwähnenswert sind. Ich finde mich in jedem einzelnen der zwölf Stücke wieder. Ich habe ganz viel über diese Band erfahren und nehme das Album als Anreiz über das Leben nachzudenken und lächelnd und weinend der Vergangenheit zu begegnen. Für TOCOTRONIC und seine Fans eine neue Erfahrung mit der Musik. Und es geht so tief, dass man es einfach nur fühlen kann.

Die Single-Form stand den Songs vermutlich besser zu Gesicht, zu sehr sind die Stimmungen und Stile heterogen, andererseits: Darin liegt auch ihre Stärke.
Die stimmliche Präsenz von Sóley, die diesen Part hier hauptsächlich übernimmt, ist mal in futuristische R’n’B-Produktionen gehüllt, mal in klassische Island-Folktronica vom Lagerfeuer, mal auch, wie beim Schlusstrack »Dream Team Party Kids«, in exakt den Dream-Pop, den Beach House einst perfektionierten. Nicht alles geht hier wirklich auf, das dürfte dem Konzept geschuldet sein, das der Tagesform viel abverlangte. Aber über allem liegt doch die Freude, mit der hier immer wieder aufs Neue versucht wird, eine Sprache zu finden, die drei befreundete, aber doch sehr unterschiedliche Musiker als ihre von Session zu Session eigene annehmen konnten.
(intro)

Sóley, Sin Fang und Örvar Smárason haben auf „Team Dreams“ ein unglaublich breites Sammelsurium unterschiedlicher Stile und Sound-Spielereien versammelt und zeigen ihre Qualitäten in Sachen Songwriting.
Das verwundert nicht, wenn drei gute KünstlerInnen über ein Jahr verteilt immer mal wieder zusammen sitzen und ihrer Kreativität freien Lauf lassen. Ebenso wenig verwunderlich, dass angesichts des strikten Rahmens, den sich die drei gesetzt haben, die ein oder andere Nummer auf „Team Dreams“ nicht ganz zu überzeugen weiß. Gerade gegen Ende des Albums, wo die drei den Pop fest in den Fokus nehmen, scheint sich eine gewisse Beliebigkeit breit zu machen, die im atmosphärisch wesentlich dichteren ersten Teil des Albums nahezu ausbleibt. Zum Glück runden die drei IsländerInnen mit „Dream Team Party Kids“, der letzten Single, die im Dezember erschien, das Album dann doch noch wunderbar ab. Ein Song, der durchaus als Hommage an die US-Band Beach House verstanden werden kann, deren Album „Teen Dream“ augenscheinlich als Namenspate herangezogen wurde und das in diesem letzten Song auch klanglich Einzug auf „Team Dreams“ hält.
(Byte.fm)

Überhaupt ist es oft jene besondere Ambivalenz, die das Album über weite Strecken so interessant macht. "Now the water" trägt hautenge Lederhose zu luftigem Paillettenhemd, sehnt sich einerseits nach Zuneigung und strebt doch auch nach so viel Freiheit wie möglich. "Ono" will den großen, pompösen Auftritt und macht sich doch auch auf die Suche nach einem Fluchtweg. "Anymore" gibt sich mitsamt Dschungelrhythmen zwar weltmännisch, positioniert sich aber im gleichen Atemzug als mysteriöser Außenseiter. Über allem steht Maines glückliches Händchen für unverschämt charmante Melodien: Wundert man sich als Hörer gerade noch, ob ein Stück wie das das fast schon sterile "Wobble" nicht eher zum Heulen einlädt, nickt man auch schon zustimmend mit dem Kopf, sachte abgestimmt auf den eigentlich gar nicht wirklich vorhandenen Beat.
Was man "The house" auf hohem Niveau jammernd zum Vorwurf machen könnte: Die 14 Songs sind fast durch die Bank weg zu kurz. Nur sechs überschreiten die Drei-Minuten-Marke, die meisten kratzen nicht mal daran, selbst wenn man es sich sehnlichst wünschen würde: Kaum hat die fantastische Dark-Disco-Nummer "Goodbye" so richtig losgelegt, ist sie auch schon wieder vorbei, ebenso das spannende "Understanding", das mit gerade mal einer Minute strenggenommen eigentlich nur als Interlude durchgeht.
(Plattentests)

Dieses Album ist reduzierter als beide Vorgänger, mit mehr Fokus auf Rohheit: Maine war es wichtiger, den Geist von Demo-Aufnahmen zu wahren, als die Produktion glatt zu ziehen. Auch in den Texten spiegelt sich dieses Innehalten wider. Neben verlockenden Songs wie »By My Side« kann Maine auch ausgesprochen hoffnungslos, isoliert und ängstlich klingen. »Goodbye« vereint Melancholie und mitreißenden Tanzdrang. Obwohl Maine das meiste selbst macht, gab es hier namhafte Unterstützung, beispielsweise von Devonté Hynes (Blood Orange). Man kann »The House« als prätentiösen Selbstfindungstrip abtun. Oder man kann einfach loslassen und sich selbst gleich mitfinden.
(intro)

„Why do I keep dreaming of you? Is it all because of my rebel heart?“, heißt es im ungewohnt rebellisch klingenden Eröffnungssong.
Die restlichen neun Lieder präsentieren sich traditionell melodiös-anschmiegsam. Und der Harmoniegesang ist auch dieses Mal wieder – um im Ruinenjargon zu bleiben – kolossal.
(Rolling Stone)

"Ruins", in den Texten von Klaras Klage über eine frisch gescheiterte Beziehung durchzogen (u.a. "It's a Shame"), pflegt eher wieder die Traditionen von "Lion's Roar" (2012), aber die Bandbreite hat sich hörbar erweitert - sie reicht von Fifties-Tweepop ("Fireworks") über Old-School-Country ("Postcard") bis zu den gewohnten Referenzen an Vorbildern wie Emmylou Harris ("To Live a Life“).
(Spiegel)

Soweit hält "Ruins" also jede Menge jener poppigen Elemente bereit, die First Aid Kit über Genregrenzen hinaus den Status Jedermanns Liebling verlieh.
Im weiteren Lauf wird aber deutlicher noch als auf den Vorgängeralben klar, dass Johanna und Klara ihre Wurzeln eigentlich im Country haben. "Postcard" kommt im Cowboy-Outfit gemütlich dahergestiefelt, und das Motto wird konsequent durchgezogen; die Steel Guitar spendiert ein paar Seufzer für die Pausen, der Kontrabass trabt gemütlich weiter, nur dem Klavier ist ein wenig Improvisation erlaubt. In der zweiten Hälfte des Albums wird der musikalische Einfallsreichtum insgesamt etwas zurückgedreht und ganz auf akustische Gitarre, eingängige Melodien und den zugleich glasklaren und glasharten Gesang der Schwestern fokussiert.
(Plattentests)

Man nehme allein »Wreckless Heart«, einen leisen, gemeinen Jahrhundertsong, der sich nie mehr aus Hirn und Seele entfernen lässt. Die sachte gezupfte Gitarre, die dämmerigen Kammerbläser und das mit dem Besen gerade einmal am Rande seiner Aura berührte Schlagzeug treiben Hansard behutsam in einen Refrain, dessen sehnsuchtsvolles Leid die meisten Gefühlsdarsteller populärer Musik nicht einmal ausdrücken könnten, würden sie eine Schreitherapie machen. Das genial gesetzte wenige, das für derlei Musik an den Drums nötig ist, besorgt mit Brian Blade ein Jazz-Genie, das auch Wayne Shorter, Courtney Pine oder Chick Corea bedient. Wer das hier an die offenen Ohren lieber Menschen verschenkt, die keine Zeit haben, Musikmagazine zu lesen, wird fortan als ihr akustischer Erlöser von der Belanglosigkeit gelten.
(intro)

So überrascht keineswegs, dass „Roll On Slow“ keine Lichtjahre von den Kings Of Leon entfernt ist. Trotz seiner Vorliebe für Bob Dylan wird auf „Between Two -Shores“ vor allem der Einfluss von Van Morrison deutlich. Besonders bei „Why Woman“ sieht man den nordirischen Grantler vor sich. Das an David Gray erinnernde „Setting Forth“ und „Your Heart’s Not In It“ mit dem Pathos einer Joe-Cocker-Ballade, aber einem einschmeichelnden Falsett markieren weitere Höhepunkte. Alles -herrlich altmodisch – in einer bleep-freien Zone.
(Rolling Stone)

„Wir wollen, dass die Leute die Platte hören und denken, dass alles möglich ist. Wir versuchten das Ende von (dem 1985er John Hughes Film) The Breakfast Club einzufangen. Es geht um das Gefühl, draußen sein zu wollen und das Leben zu erleben. Bleib nicht zu Hause und schau dir das Mädchen auf Facebook an, geh raus und hol Dir das Mädchen!“

Die ungestüme Rauheit ihrer ersten Alben ist der großen Geste gewichen. Ausladende Piano-Parts, der plötzliche Schmelz in Murray MacLeods Stimme, die neue Liebe zum Heartland Rock der 1980er – wer die Band vorher kannte, muss sich erst mal ein wenig schütteln ob so viel Romantik, die an die Stelle der bislang so leidenschaftlich zelebrierten Teenage Angst rückt. Nein, wir dürfen uns nicht wundern, wenn die einstigen Underdogs im Sommer bei den großen Festivals mitmischen. Aber! Ähnlich wie ihren Landsleuten Twin Atlantic gelingt es auch The Xcerts, ihre Transformation zum (klanglichen) Big Player mit guten Songs und nur einem Mü zu viel Pathos zu vollziehen. Das muss man nicht mehr unbedingt abfeiern, anerkennen darf man es aber.
(intro)

Album opener The Dark kicks off the record with a heart-wrenching piano and lyrical combination. “Tell me when the worst is over,” Macleod repeatedly sings with passion. Macleod’s tone gives you a quality glimpse into the mental state he was in after the traumatic experiences of losing loved ones. After you hear the following track, Daydream, you begin to pick up that the message of the album is in fact, its title: Hold On To Your Heart. You can determine this just through the lush sounds that jump out at you. Murray Macleod sings us through some self re-discovery after going through those dark times.
Simply put, this album is made for hopeless romantics, brought to us by a band of hopeless romantics. First Kiss is a perfect example. Macleod sings about his longing for a new love, as well as his struggle to end an old one. “I keep searching for that first kiss feeling,” he declares. Album closer Cry carries a slow and melancholic guitar tone, and Macleod takes the forefront with a very apologetic and somber tone, being accompanied by the saxophone in the process.
The XCERTS’ growth as a band took a big leap forward with Hold On To Your Heart, and they’re quickly climbing the ladder in a crowded UK rock scene, establishing themselves as a band with classic influences who put a modern twist into their craft. It’s safe to say that the three year wait for this album was well worth it.
(All Things Loud)

The single defines mysterious sensuality. Komstedt’s hushed vocals are alluring, steadily drawing you in with each word she sings. But this isn’t a romantic number, but rather one that addresses the loneliness many people experience each day. Angergård’s fantastic production work accentuates the drama, as he delicately introduces different elements and layers Komstedt’s voice to make the it seem that the background vocals belong to a ghost. And supernatural would be one way to describe Club 8’s abilities and history, as the duo mysteriously remain anonymous with overseas audiences.
(The Revue)

Breathe weaves a beautiful delicate web of sounds, so whilst the style is still quite minimalist electro, they're able to create a reflective atmosphere, where each sound seems to have a meaning and a sense of purpose. Performed on such unusual instruments it does really feel as if the listener has been transported far away from the bustle and complications of modern life. The vocals just drift over the top, and are particularly enchanting. I've also discovered the overall track is particularly effective if you turn up the volume in all speakers in the house, so that it takes over every corner of every room.
(Nordic Music)

The album shifts with the ups and downs of Smart and Barker’s relationship, and even in the most upbeat moments, there’s a foreboding chill, an austerity that comes with gentle reverence for the doomed torment of Smart’s words. “I’ve grown from one shape into another,” they sing on the sprawling and cathartic “O Waste of Moon.”
“The pain was unbearable, but I did not want it to end. It had operatic grandeur,” Smart herself says, reading an excerpt from her book in a 1982 archival recording from CBC’s Morningside which Heavy Bell lays over a piano-driven arrangement.
The most out-there tracks on the record come near the end, such as “I Am Going to Have a Child.” Propulsive, insistent, and theatrical, it’s a radical shift from the album’s heretofore relatively gentle, sing-song-y treatments, and it, along with the soaring final track, “All the Paraphernalia,” seem poised to showcase how By Grand Central Station might translate onto the stage eventually.
In an album full of thoughtful, evocative arrangements, the stand-out has to be “Certainly,” a song that starts out like a Philip Glass track, pivots into a brief splash of indie rock, and then spins into a dizzying round, Peters’ and Keenan’s voices lapping over one another. It’s brilliant, intoxicating and unsettling — a perfect tribute to Smart’s beautifully complicated By Grand Central Station I Sat Down and Wept.
(CBC Music)

Wenn aber nun mit WRONG CREATURES das achte Studioalbum des Trios aus San Francisco erscheint, glaubt man ihn zu hören, den Schaden im System. Klingt der Psychedelic-Twist, etwa im gefährlich schlingernden „King Of Bones“, nicht diesmal wie ein böser Trip?
Mit der dreckigen Single „Little Thing Gone Wild“, getrieben von einem mächtigen Bass, liefern BRMC zwar den obligatorischen Hit, sonst aber gleicht WRONG CREATURES einem dunklen Sumpf.
Nach Introspektion hört sich das an, manchmal nach im Lederjacken-Modus gespieltem Shoegaze. Ungewöhnlich vielleicht für eine Band, die nie viel mehr zu wollen schien, als Rock’n’Roll perfekt abzuliefern. Aber auch: irgendwie menschlich.
(musikexpress)

Es hat sich gelohnt. BRMC erklingt verjüngt und erstarkt. „Wrong Creatures“ enthält die zwar schon längst gewohnte Quintessenz der Rockelemente des BRMC – tiefer Blues-Rock, schwere, verlangsamte Psychedelia, hymnenhafter Einsamkeits-Folk und Ausbrüche in wütendem Noise und Punk – aber dabei ist das kalifornische Trio das Gegenteil von langatmig.
Laut, leise, langsam, schnell: In allen Facetten und Farben brilliert der BRMC mit seinem grundehrlichen schweren Blues-Rock. Die einmalige Live-Energie, welche das Trio mühelos über lange Zeiträume hinweg entstehen lässt, ist diesmal noch besser eingefangen als auf dem manchmal ermüdenden Vorgänger „Specter At The Feast“.
Auch wenn der Balladen-Anteil in zunehmenden Alter der Band zuzunehmen scheint, bleiben die Songs auf „Wrong Creatures“ spannungsreich, leidenschaftlich und beseelt.
(musikblog)

On I Like Fun, the focus is more on fuzz, with the elegiac melodies of standout track I Left My Body wrapping John Linnell’s rasping wryness around co-conspirator John Flansburgh’s chugging guitar. An Insult to the Fact Checkers is the kind of sugary blast of power pop that fellow anoraks Fountains of Wayne used to rustle up, while the scattered snares of When the Lights Come On and the scuzzy ruminations of Last Wave show renewed vigour and bite.
There’s more to I Like Fun than rocking out, however, and piano-led ditties Let’s Get This Over With and Mrs Bluebird have the baroque energy and dry demure of The Divine Comedy. The duo also enjoy some trademark musical detours, with the title track a surprisingly sombre jaunt of menacing woodwind. Equally, Push Back the Hands and Lake Monsters are propelled by chopped up beats, strident synths and surprisingly sleek pop sensibilities.
They Might Be Giants have continued to dip in and out of commercial appeal, but their own unique special brew of bizarre alt rock, melodic introspection and dextrous instrumentation mean they’ll always be looking up rather than down.
(Louder Than War)