"Life" lässt vieles nebeneinander zu. Wundersamer Weise ergibt sich dann am Ende ein sehr rundes Bild mit einem klar erkennbaren roten Faden. Die Musikbausteine prallen nicht willkürlich aufeinander, sondern der Stil pendelt immer dynamisch zwischen Rock/Pop und Soul/Reggae. Heutige und frühere Musikästhetik führt der Culture Club mit sicherem Gespür zu einem angenehmen Kompromiss zusammen - auch wenn nicht jeder Spagat ganz glückt. Gerade "God & Love", als Einstiegssong eigentlich die Visitenkarte des Albums, muss man wohl mehrmals hören, bis der Tune einen wirklich mitnimmt. (…)
Insgesamt rutscht diese CD trotz des sensiblen Gesangs nie in Kitsch ab. Bitterkeit und Biss übernehmen das Ruder, wo Süßlichkeit und Gesäusel drohen. Das gilt für die Texte ("now I'm in the wilderness, somewhere in the heart of Spain. I am fire, you are water.", "Oil and water, that's what we are."), und es gilt für die Musikgestaltung. Harte Rückkopplungen wie im sonst eher nach Robbie Williams klingenden "Oil & Water", scharfkantiger Acid-Jazz-Funk in "Resting Bitch Face", wo der Ton mal 'derogativ' wird - eine prima Bandbreite! (…)
Nein, Culture Club geben uns, was wir wirklich brauchen: mit Herzblut gemachte Musik, extra für diesen Moment geschriebene Songs, mit der warmen und doch rauen Stimme von Boy George eine sehr präsente Performance, Professionalität, Gefühle, starke Soundqualität. "Life" lohnt sich!
(laut)

Und dabei gibt sich Anohni-Idol Boy George redlich Mühe, erst sich und dann seine Band in der Gegenwart zu verorten, bekrächzt die Smartphonesucht, namecheckt Michelle Obama. Dabei passen sich die Arrangements dem fortgeschrittenen Alter der Clubmitglieder an, die Grooves sind geschmeidig, der Reggae gemütlich und wenn die Stimme vollends versagt, hilft der Chor aus.
Trotz ihres hohlen Titels ist das keine Platte, für die sich der Club schämen muss, die ihm aber auch keine einzige Rechnung für das renovierte Clubhaus bezahlen wird.
(musikexpress)

The title track, There’s Something Wrong with Everything provides an impressive gritty guitar. The song is loaded with drama and projected the idea that just because you’re paranoid it doesn’t mean they are not out to get you. The track is an earworm that will not let go and haunts you, demanding repeated listens. Eye in the Sky as you might imagine from the title continues the free-ranging paranoia that is rife throughout the release. The jaunty instrumentation loaded with a staccato guitar is perfectly juxtaposed against the sinister big brother feeling conveyed by the lyrics. The song echoes bands like TV on the Radio and Echo and the Bunnymen. The stunning Star of the Half Time Show is hypnotic and dreamy as it is filled with shimmering pianos, bleating synths and swirling guitars that twist and turn throughout the track. (…)
Birdpen with There’s Something Wrong with Everything definitely showcases their strengths. The songwriting is impeccable and the sonics surrounding their timely rebuke only enhance the impact of their message. The release is engaging and the quality is consistent.
(xs noize)

Set in the now/near future the songs deal with a disjointed society, rife with social media overload, people reliant on pills to get them by and corrupt world leaders. Yet despite such serious and lets face it, depressing themes, BirdPen have uplifting melodies such as on the single ‘Eyes In The Sky’. Then there is the 80′s indie disco feel to ‘Oh So Happy’, a floor filling anthem if ever there was one at said disco- helped also by Dave Pen’s melodic singing.
‘The End Is On TV’ sees a clever use of electronics and drum patterns. The sparseness of the arrangement recalling Left With Pictures and fellow Southampton based progressive band I.T.
‘This Is Your Life’ starts off with a Pink Floyd approved intro, building up with a percussive drumbeat and bass, before the guitar crashes in halfway through and fades again. Inventive, interesting and exciting to listen to all at the same time.
BirdPen have created an album full of complex music underpinned by strong melodies, that touches upon prog rock, electronica, alt rock and even a touch of indie pop. An album about the times, for the times, don’t let this one pass you by.
(get ready to rock)

Lead single and album opener ‘Above Us’ could well take over as their new calling card, throbbing along some autobahn, evoking ‘Isi’ by Neu!. It perfectly suited their abstract road movie visuals at Nouvelle Vague, like David Lynch’s Lost Highway through a post-punk brutalist prism. The title track is another gleaming widescreen motorik passage, with its analogue swirls and a twinkling guitar motif you’re already humming after two bars. ‘On My Skin’ is their sweetest song to date, with Woods’ gentle vocal melodies evoking the polite restraint of Kraftwerk’s Ralf Hutter or classic aloof synthpop singers like Neil Tennant, with a Brotherhood-era New Order guitar sheen.
Fans won’t be ditching their black clothes yet, though — this isn’t exactly the KVB’s ‘pop’ album.
(Drowned in Sound)

• 23.11. Hamburg
• 24.11. Berlin
• 28.11. München
• 29.11. Heidelberg
• 30.11. Köln

Their long-awaited fourth record, succinctly entitled One, is regarded as their finest album to date, and it has been produced by Youth.  The first hint of what to expect from Dubstar these days is teaser track Waltz No.9, a Byrds-inspired, psychedelic folk song which is reminiscent of their 90s hit Just a Girl She Said with its sweeping introduction and gentle tones of La Blackwood coupled with seemingly soothing lyrics delivered with a sucker-punch message. (…)
One was released on Friday 12 October and other gems from its eminently lovable confines include Love Comes Late where our protagonist finds herself in the midst of a mid-life crisis, having found love when almost too old to appreciate it.  That old Dubstar vibe is just as prevalent as it ever was with a crooning chorus that will haunt you forevermore. (…)
The second single off the album is You Were Never In Love which again deals with the theme of the true meaning of love, and questions previous relationships in all its guises, over the one currently being enjoyed.
(We Are Cult)

The lovestruck troubadour of ‘Urban Hymns’ is back centre-stage, a little more country, no more rock’n’roll. When Richard croons “all my dreams are wrapped up in you” on the Tom Petty-ish ‘All My Dreams’; indulges classic rock’n’roll on the wistful ‘Birds Fly’; or comes on like a ‘50s teen idol on the string-slathered ‘That’s How Strong’, he’s treading very familiar territory. He’s so comfortable in his well-worn big ballad rut that he almost sounds like a pastiche of himself.
There are moments of ‘70s symphonic rock classicism here that sound like Richard dropping a CV off with The Travelling Wilburys (‘A Man In Motion’, ‘Streets Of Amsterdam’), while ‘Born To Be Strangers’ is the sort of vaguely motoric blues you might have found on an ‘80s Clapton record. But ‘Natural Rebel’ is best when it doesn’t rely on hackneyed formulas – when Ashcroft mingles ELO strings with Jam Northern soul on the life-loving ‘Surprised By The Joy’, for instance, or when ‘That’s When I Feel It’ rattles by on an effervescent hookline and somehow rhymes “it’s like a gift for me” with “it’s like the garden of Gethsemane”.
(NME)

Dieser musikalische Zauber ist längst verflogen, Ashcroft hat es sich in einem latent eingeschmalzten Sicherheitssound bequem gemacht, in dem durchschnittlicher Rock mit sülzigen Streichern, ein paar Beats und etwas Northern-Soul-Manierismen angereichert wird. Das Grundproblem offenbart sich auf dieser Platte indes mehr denn je: Die langweilige Musik wird von Texten flankiert,  in denen sich „know“ auf „show“ und „fine“ auf „mind“ reimt,  „Power“ zunächst auf „Shower“ und dann auf „Tower“ und „Rock“ auf „shock“.
(musikexpress)

Pedestrian musical arrangements linger throughout, while Ashcroft's vocal, which once soared and demanded your attention, sounds languid and forced to the point where one is left wondering if he can muster up any will power himself to sing what are by and large, trite soundbites that could have been written on any number of post-it notes. (…)
Sadly, Natural Rebel oozes magnolia from every pore, and in the current climate that simply won't do.
(Drowned In Sound)

At four in the morning it’s not just the thought of the email you should have sent, but the things you dread most. Opening track ‘Coming Up For Air’ is the complete opposite of Black Box Recorder’s ‘Child Psychology’ – the track that got them banned on BBC radio and MTV with its line “Life is unfair / kill yourself / or get over it”. Here a mother sings to a suicidal daughter, summoning up images of drowned Ophelia while imploring “You could reach for my hand / the water is not deep”. The sweet echo of Nixey’s voice, combined with a sweeping Associates-style chorus, conveys that fierce, protective parental love, almost deranged in its intensity. (…)
A darkly beautiful pop album that must have laid those demons to rest.
(The Quietus)

Burning Bridges is full-on electro and the sound of dancefloors a few decades ago. I could hear Marc Almond carrying this song of dissipation and destruction. It’s a classic sound, though rooted somewhere in the eighties, fusing very accessible pop sensibilities, dancefloor electronics and a glamorous sense of the glossy pop video. Songs like This Is England are beautifully bittersweet pictures of a black and white world of blowing scarves, scattered leaves and women with high cheekbones and long coats. Gorgeous ballads like Neon Moon are highlighted by sharply honed electro-creations like Journey.
This is only her third solo album and a fully-realised package of eidetic music and imagery. It is helped by a decision not to restrict her palette and to use both orchestral sounds and electronics, employing whatever served the song best. Ultimately, it is the voice that stays in the memory; a whispering, soaring, confiding voice after dark. One to listen to at almost any time of day but ideally where neon lights cast shimmering shadows.
(Vanguard-Online)

• 19.02. Köln
• 20.02. Berlin

Auf der Piano Version von "Mass Education" nähert sich die selbstbewusste Stil-Ikone des modernen Pop dem gewissermaßen "klassischen" Songschreiber-Genre. Dass diese Aufnahmen nicht bloß aus einer Laune heraus entstanden sind, sondern dass es sich hier um vollgültige Statements handelt, hat auch mit dem Spiel des Pianisten Thomas Bartlett zu tun. Er ergeht sich in der Rolle des Begleiters nicht nur in romantischem Tastenzauber.
Bartlett, der mit den Wainwright-Geschwistern Rufus und Martha gearbeitet hat, mit Norah Jones und The National, dämpft die Saiten des Flügels mit dem Arm, verwendet Mehrspurverfahren und sorgt für eine überraschend zeitgenössische, kammermusikalische Inszenierung der Musik. Hinzu kommt der makellose Gesang von St. Vincent. Nein, dies ist kein billiges Second-Hand-Produkt, sondern eine überaus verblüffende Interpretation der Songs von St. Vincent. Bestens geeignet, um sich mit dem Werk dieser Pop-Künstlerin vertraut zu machen …
(BR)

Zumindest die Neu-Interpretationen der etwas ruhigeren Songs überzeugen. "Slow Disco" und "Smoking Section" klingen aufgrund der unverfälschten und brüchigen Stimme um Einiges emotionaler als das Ausgangsmaterial. "New York" und "Happy Birthday, Johnny" lebten ohnehin schon im Original von dominanten Klavier-Tönen, berühren aber dennoch aufgrund ihres intimen und sensiblen Charakters. Sonst bietet diese Veröffentlichung kaum Mehrwert.
Das liegt überwiegend daran, dass Bartlett die Akkordfolgen der einzelnem Nummern nahezu lustlos abspult. Wenn er, wie am Ende von "Savior", doch ein wenig Variationsreichtum an seinem Instrument offenbart und dadurch der Nummer eine völlig andere Richtung gibt, gleicht das auf dem Werk beinahe einem Weltwunder. Improvisationsfreude zählt anscheinend nicht zu seinen Stärken. (…)
Schlussendlich stellt sich nach mehreren Durchläufen der Platte ein Übersättigungs-Effekt ein, zumal die Vorlagen unter der sperrigen Oberfläche melodisch überaus einfach gestrickt sind. Immerhin präsentiert sich Annie Clark auf dem Werk so nahbar wie noch nie. Als Hörer zieht man trotzdem immer wieder das ursprüngliche Album aus dem Regal, da es den Neueinspielungen zum größten Teil an Einfallsreichtum und an Fantasie mangelt.
(laut)

We found out about The Motels about seven years ago, when we were on tour with an amazing band called Total Control in Australia. We thought it was the greatest band name ever and later found out through googling that it was based off a song that came out in 1979 and was a big hit here and down under. After listening to it dozens and dozens of times we starting covering it to help lengthen our set (we had only one 33 minute album at the time!) and to pay homage to what we felt was a kindred spirit.
When we started talking to Turntable Kitchen through some friends, the idea of covering a whole album sounded like a blast. Luckily, we didn’t have to pour through our vinyl collection or have long debates about what to choose. It was gonna be ‘The Motels.’ It was one of the easiest decisions we’ve ever made as a band.
Anyway, we hope y’all enjoy our take on it. We knew we could never match the punch and raw emotionality of the original recording, so we tried to get a little weird with it. We stretched some parts out, shrunk others and took some liberties here and there. We hope y’all find it trippy and fun to listen to. We certainly had fun making it. If all this this yammering comes down to one final point it would be this.
LISTEN TO THE MOTELS. THEY ARE A GREAT BAND.

Dieses neue Album ist musikalisch noch abwechslungsreicher als seine Vorgänger, ob Zwölf-Achtel- oder Neun-Achtel-Takt, ob Polka, Blues, Wüstenrock, Northern Soul oder Mariachi, zwischen Weltuntergang und Gummibären, die Platte beginnt und endet in Berlin und landet zwischendrin immer mal wieder dort, zum Beispiel am Schlesischen Tor (…). Zwölf neue Lieder, kein Ausfall dabei, mal ist es rumpliger mal herrlich leise. Die Liebe steht immer noch im Mittelpunkt, egal ob nun alt oder neu. Auf die Bläser wurde noch mehr Wert gelegt als früher (…). Sven Regener malt ein paar Bilder, die man so noch nicht gehört hat – manchmal denkt man an Kästner, Tucholsky oder auch Trakl. Dazu gibt es Streicher und ein wunderbares Akkordeon. Das Album ist pure Poesie  - vielleicht die schönste, die man so findet derzeit.
(mdr)

Seit 33 Jahren rotiert der Planet EOC in seinem eigenen Orbit, im Bummeltakt der ewig gleichen, ewig schönen Kneipen- und Alltagschansons. Kaum eine Band kann und mag sich ein so hohes Maß an Selbstreferenzialität leisten: Gleich zum Auftakt, „Am ersten Sonntag nach dem Weltuntergang“, taucht wieder der grausame Haifisch aus dem Müggelsee auf, während Sven Regeners Trompete in gewohnter Elegie der lahmenden Rhythmusgruppe hinterhertrötet. Ein Wiedersehen gibt es auch mit „Karin“, die wir seit IMMER DA WO DU BIST BIN ICH NIE kennen, und mit ikonischen Berliner Orten wie dem Schlesischen Tor, an dem sich schon Herr Lehmann herumtrieb.
(musikexpress)

Immer noch schunkelt man sich mit behutsam orchestrierten Soul-, Chanson-, Blues- und Rock-Anleihen durch die Unbarmherzigkeit der Gegenwart. Das ist lakonisch, aber manchmal eben auch notwendig.
Musikalisch waren EoC noch nie Grenzgänger, ihre Arrangements balancierten immer in klassischen Songstrukturen um die Texte von Sänger Sven Regener. Mehr Improtheater als Oper, mehr Vanitas als Happening, mehr Kleinkunst als O2-Arena.
(Mittelbayerische)

Die Lieder dieser Wandersfrau könnte man sich auch am Lagerfeuer zum Trost vorspielen, sie haben, auch ohne viel Produktionsaufwand, Sound-Spielereien oder aufdringliche Refrains, die suggestive, magische Kraft. Jeder dieser subtil zupackenden, an Blues und Appalachen-Folk geschulten Songs könnte zum Abspann der dramatischsten Episode einer Lieblingsserie auf Netflix oder HBO laufen - wenn man, noch ganz bewegt, dem Geschehen nachsinnst. Es sind disparate Songs, die man zumeist von Männern kennt, Bill Callahan, Nick Cave, Will Oldham fallen einem ein, aber weil Chan Marshall eine Frau ist, fehlt ihnen das Pathos. Sie kommen gut ohne aus.
(Spiegel)

Nach sechs Jahren Wartezeit schreibt „Wanderer“, eine impressionistische Folk-Blues-Platte, diese Entwicklung nun fort. Das Album erzählt von einer Reise, oder besser es erzählt von der Erinnerung an eine Flucht. Zu dritt: Mann und Frau und Jesus. Romantisch und amerikanisch wie bei ­Bruce Springsteen steht irgendwann am Straßenrand die Tragödie und hält den Daumen raus. Die Lieder erzählen von Täuschungen und Trennungen, von Wehmut und Weltschmerz, von Herkunft und der Weite des Horizonts. Die Erzählung, der Drift, der Hauch der Stimme treiben sie voran, die Instrumente illustrieren/orches­trieren sachte und minimalistisch, tupfen, stricheln, rauen auf.
(Rolling Stone)

Viel stärker ist Marshall ohne Schützenhilfe aus der Superstarliga, zum Beispiel in minimalistisch-bluesigen Cat-Power-Standards wie „You Get“, „Me Voy“ und „Black“, das so nahe am rohen Schlafzimmersound der frühen Marshall ist wie lange nichts. Im kargen Pianostück „In Your Face“ tap-tappen die Percussions, als renne jemand über blankes Parkett: ein intimes Setting für einen schwer verdaulichen Song.
Vom letzten Album SUN, Marshalls Versuch, ihren Songwritersound mit Synthesizern zu transzendieren, ist wenig geblieben, nur am „Horizon“ flirrt es noch elektronisch. Wie man liest, ist Marshalls Leben noch immer Licht und Schatten: Während WANDERER entstand, brachte sie ein Kind zur Welt und eine Freundin unter die Erde. Und so wird auch der beinahe hoffnungsfrohe „Wanderer“ am Schluss in einer Moll-Reprise zurückkehren, seines Zieles ungewisser als am Anfang: „Same as wanderer, I’ll be wondering.“
(musikexpress)

Während die deutschsprachige Hälfte also die Gratwanderung zwischen Hitpotenzial und lyrischem Totalausfall zu meistern weiß, gibt sich Heppner auf Englisch gewohnt unverfänglich. "Nothing Ends" und "Chance" sind souveräne Disco-Tracks, die ebenso gut auf dem parallel zu "Confessions & Doubts" erscheinenden Dance-Album "TanzZwang" hätten stehen können. Was-wäre-wenn-Balladen wie "Viele schöne Stunden" und "Good Things Break" runden das Album mit gewohntem New-Romantic-Touch ab, einzig die kantenlosen Reggae-Vibes in "Gib mir doch 'nen Grund" verpuffen irgendwo zwischen nicht Fisch und nicht Fleisch.
Umso überraschender, wie deutlich sich Heppner zum Ende seines dritten Studiowerks aus seiner lyrisch meist allgemeingültigen bis unkonkreten Komfortzone herausbewegt. Insbesondere die Teile der deutschen Presselandschaft, die Heppner (wie auch Witt) in der Vergangenheit eine vermeintliche lyrische Nähe zu nationalistischen Themen andichten wollten, sollten bei "Theresienstadt: Hinter Der Mauer" einmal ganz genau hinhören.
(laut)

More than ever, she leans into the texture of her voice, using it as deftly as a distortion pedal to match the racket she kicks up with her guitar. She revels in her rasp when she sings about how she "can't wait" on "LAX," and when she snarls about being "cursed with clear sight" on "Halfway Home," it's classic Hersh. For these ten songs, she took inspiration from the concept of "dark sunshine," and there's an ominous brightness that saturates the sweltering "Fox Point," "Lethe"'s tale of beachy oblivion, and "No Shade in Shadow," a psych-rocker that builds from a shimmer to a glare. A formidable momentum carries the album to its fierce, hallucinatory finale, "Lady Godiva," where Hersh adds acoustic guitars that chop and glisten as they did on Hips and Makers. A stunning display of the grit and poetry that have been hallmarks of her music for decades, Possible Dust Clouds makes a convincing case that Hersh is becoming a more powerful, more creative rocker as the years pass.
(All Music)

Lead single ‘No Shade in the Shadow’ was an early primer for the psychedelic textures of the record. Beginning with a genuinely fresh, and wily, guitar riff the track swells with processed backing vocals and muted beats. Equally, the squalling guitars and cycling rhythms of ‘Loud Mouth’ make for a giddy experience. Time and time again she undermines straight lines in favour of skewed perspectives.
The sandy grit of the production is a joy and often lends the songs an enigmatic air. ‘Fox Point’ features drums that sound like they’re being played beneath a duvet, and the guitars have a gravelly character making it somehow both direct and elusive. The whole record rests on a knife edge of illusory, slippery musical motifs and melodic vivacity. Possible Dust Clouds is Hersh at her most effervescent. ‘LAX’ rests on a burly bass line and bubbles with energy, ‘Breathe in’ feels musically alive and spontaneous, and ‘Lethe’ is amass with tumbling rhythms, urgency, and perpetual motion. (…)
Possible Dust Clouds finds Kristin Hersh as artistically curious and inventive as ever. Committed to avoiding easy choices musically and lyrically, she remains intent on exploring the murky complexities of the mind and continuing to make the best work of her career. She is an artist that’s always evolving, and yet again the results are often dazzling and always fantastically bewildering.
(Drowned In Sound)