Yet his production has never been better. For All Our Days… leans into American, Irish, English and even Spanish folk traditions without slavishly following any of them, and his light, confident touch gives due time and space to Buckley’s magical voice.

She can be puckish, yearning, impossibly weary, intimate – and that’s all on one track, 20 Years a Growing. The pair’s most engaging songs start spare, then meander with gathering intensity to an orchestral crescendo, as on first single The Eagle and the Dove, but they handle more uptempo material convincingly too, as on Babylon Days. What stays with you are moments like Buckley’s startling cackle at the close of kiss-off ballad Beautiful Regret – the sound of someone rightly relishing their good work, knowing how lucky they are.

(The Guardian)

This may, on the face of it, sound overbearing. And in a very few places, such as the track 20 Years A-Growing, it is. But it’s saved by two things: Butler’s lightness of touch and Buckley’s voice. Despite the intricate arrangements, Butler’s playing is understated and always sympathetic. Meanwhile, Buckley’s voice is nuanced one minute and soaring the next. There’s a sustained run of notes about four minutes into the title track that are breathtaking. Her voice contains elements of Joni Mitchell, Laura Marling and – on Footnotes on the Map – Chrissie Hynde. She’s having fun, too. Butler has said there is “such joy” in Buckley, and he’s right: you can hear it. Their pairing might well be bananas, but it works. Buckley is certainly no luvvie on leave. This is, at times, a dazzling album. 

(The Telegraph)

Oberflächlich wirken die meist auf dem Klavier geschriebenen Stücke wie sweete Kammerpop-Balladen oder US-Traditional-Pop-Stücke, aber die kleinen Geschichten, die Spektor in den Songs erzählt, sind solitär.

Das fängt einleitend damit an, dass Gott das lyrische Ich auf dem Heimweg auf ein Bier einlädt („Becoming All Alone“) und setzt sich fort bis zur abschließenden Ballade „Through A Door“, in der Herzen geschlossene Türen durchbrechen und durch leere Löcher wandern. Dass Regina Spektor am Broadway aufgetreten ist, passt ins Bild, kommen die Songs doch mit großer Geste daher – doch auch ihre Prägung in der New Yorker Anti-Folk-Szene hört man diesem Album an.

(musikexpress)

Behandeln wir "Rotting" also einfach wie eine Art imaginären Opener – zumal "Alive" mit muskulöser Basslinie und unterschwelliger Power circa an der gleichen Stelle weitermacht und in seinem unbändigen Überlebenswillen direkt an den Vorgänger anknüpft, als dessen zweiter Teil sich "Madness" verstanden wissen will. Die Rhythmen glitchen, Leaneaghs Stimme wandert ein ums andere Mal in den digitalen Häcksler, Future-R'n'B und Electronic Body Music zucken unter der gleichen schummrig beleuchteten Discokugel. Recht so, denn so relativ einfach machen es Poliça einem nicht noch einmal: "Violence" schwingt sich mehrmals folgenlos zu einem knochigen Breakbeat-Muster auf und wird abgewürgt, sobald der Song in so etwas wie einen Groove hineingefunden hat, das Titelstück verzichtet komplett auf Eingängigkeit, während Leaneagh ein körperloses "I came here to destroy" in den Raum wirft und ein erratisches Violinensolo die psychedelisch wabernden Soundscapes in Stücke schneidet. Mysteriös? Das soll so.

(Plattentests)

From the gentle swells at the beginning of ‘i hate sundays’, what follows is a track of beautifully intriguing vocals backed only by pulsating synth to set the mood. Previous single ‘break the ground’ comes next with its lush layers, delicate acoustic guitar and warming tones.

‘dad’ carries on this musical hot water bottle of flowing textures but a layer of distorted electric guitar ringing through the background elevates it while still maintaining that soothing feeling. ‘sugar’ starts with that sultry vocal and acoustic guitar combination but when the chorus hits, the chord progression seems to be a nod to late 90’s alt pop and it’s done beautifully.

‘chihiro’ and ‘ceiling’ continue the slow burn of acoustic folk by way of dream pop. It’s a sound that Rosie Carney excels in on ‘i wanna feel happy’ with each song combining Rosie’s beautiful voice with soothing acoustic guitar all wrapped up in layers of lush melodies, soundscapes and textures.

(Clunk Magazine)

Der Opener „Highgate“ scheppert zwischendurch recht ordentlich. Bei „Xenarthran“ dürfen Streicher die Spots setzen. „Empty Orchestra“ ist zielloser und kantiger als der Rest. Und das fast siebenminütige „Milkweed“ bringt erst plätscherndes Wasser und endet dann in einem aus Instrumenten geformten Schrei – was für ein Moment.

Und so gibt es eine knappe Stunde lang allerhand zu entdecken und zu fühlen auf „The Great Awakening“. Auf Hits ist dieses Album ganz sicher nicht aus. Aber Jonathan Meiburg kreiert seine ganz eigenen, zum Teil magischen Stimmungen, die diesen Longplayer eindeutig besonders machen. Zu sperrig für die ganz große Bühne? Vielleicht. Sehr spannend, wenn man sich drauf einlässt? Auf jeden Fall.

(Bleistiftrocker)

„Just A Room“ oszilliert zwischen Orgeltoccata und Spieluhrmelodie, „Herem“ ist eine verwunschene Gottesanbetung, ein Raum, in dem die Zeit auf magische Weise stillsteht.

Im „Scherzo“ zieht Hadreas alle expressionistischen Register. Sein Genie besteht darin, dass seine künstlerischen Ambitionen zu unterhaltsam sind, um als Toninstallationen in Museen zu verkümmern. Der Titelsong klingt, als hätten Prince und Leonard Cohen ein Dancehall- Stück von Shabba Ranks aufgenommen. Das hypnotische „Eye In The Wall“, das von einem Dampfpressen-Beat gestützte „Photograph“ und das infernalische „Hellbent“ bilden die Höhepunkte des grandios sperrigen Reigens.

(Rolling Stone)

„Eye In The Wall“ steigt durchs pulsierende Electro-Gloryhole. Das mysteriöse, blechbläsersatte „Photograph“ wäre der perfekte Bond Song, wenn es denn mal einen queeren Bond gäbe. Noch nie war Perfume Genius auf einem Album seiner Klavierballaden Komfortzone weiter entstiegen als nun auf UGLY SEASON. Es ist das Gegenteil von ugly. Und hoffentlich auch nicht bloß eine Season.

(musikexpress)

Es verwundert nicht, wenn man liest, dass „11 5 18 2 5 18“ aus einem Experiment heraus entstanden ist. Seine überschüssige Vorbereitungszeit auf ein Live-Set nutzte Yann Tiersen, um auf der Grundlage verschiedener Samples neue Stücke zu programmieren und komponieren, die mit ihrem Ausgangsmaterial nicht mehr viel gemein haben.

Statt einzelne Songs hervorzuheben, wirkt „11 5 18 2 5 18“ vielmehr wie eine ausufernde Klangreise, bei der man hier und da anhält, um die sich stetig verändernden Landschaften zu bewundern.

„3 8 1 16 20 5 18. 14 9 14 5 20 5 5 14“ zum Beispiel katapultiert einen mit seinem mystischen Intro, dessen hängende Schallplatte nach und nach um düsteren Sprechgesang und wummernde Beats, die zwischendurch die Hauptrolle spielen, ergänzt wird, vielleicht in eine staubige Vulkanlandschaft. Der Abgrund lädt zum Tanzen ein.

(musikblog)

Der Track „Racist, Sexist Boy“, dessen Titel recht genau den Inhalt umschreibt, machte im Mai 2021 von sich reden: Er basiert auf einer rassistischen Erfahrung der Drummerin Mila de la Garza, damals zehn, in ihrer Schule, und wie bitter und zugleich toll es ist, dass dieses Gefühl sich mittlerweile nicht nur in Soziologie-Kursen benennen lässt, und dass es nicht Scham auslöst, sondern Wut.

Und dass diese Wut nun auch ein Debütalbum befeuert, das nicht klingt wie sensationalistisch ausgestellte All-female-Teenager-Musik, sondern einfach wie ein vor Energie und Melodie platzendes Album in langer Garage-Punk-Tradition, angefangen bei Bikini Kill bis zu den melodischeren Ausläufern à la Best Coast.

(musikexpress)

Es sind die simplen, aber verflucht ohrwurmigen Brecher wie "Oh!" und insbesondere der Titeltrack, die von wirklich großem Talent zeugen, das mit den Jahren sicherlich noch weiter erblühen wird, wenn die vier Freundinnen am Ball bleiben. Klar sind The Linda Lindas – beziehungsweise die Aufmerksamkeit, die sie so schnell generieren konnten – ein Produkt ihrer Zeit. In einer Welt nach MeToo und sensibilisiert durch zahlreiche schreckliche, rassistisch motiviere Hassverbrechen, die in einem ähnlichen Zeitraum zum Beispiel auch die Black-Lives-Matter-Bewegung wieder in Gang setzten und zu großem Zulauf brachten, stößt ein Statement wie "Racist, sexist boy" auf Zuspruch, und das natürlich vollkommen zurecht. Dass die Elternhäuser der vier Lindas aus renommierten und freigeistigen Künstler*innen, Produzent*innen und sonstigen Berühmtheiten der L.-A.-Society bestehen, steht dem Durchbruch der Band bestimmt auch nicht im Weg. Mit ihrer ersten richtigen Songsammlung belebt diese zwar nun das dahinsiechende Genre nicht sofort neu, gibt aber bereits ein erstes, beachtliches Lebenszeichen ab. 

(Plattentests)

Even in 1996 when K was the fastest-selling British debut album ever, Kula Shaker were already harking back to a mythical 1960s of pot, patchouli and letting it all hang out. In their world, time was something that happens only to other people. 

And so here we are, more than a quarter of a century down the line, and the retro-heads are still stuck in an endless loop of the past where only the cost of powering a lava lamp might well jolt them into the present.

A double album held together by a series of spoken-word pieces set in a leaking church, it largely falls flat in a way that The Coral’s Coral Island doesn’t. 

I’m Against It and 108 Ways To Leave Your Narcissist show that their touchstones remain an unholy amalgam of early Deep Purple and Small Faces, which is as surprising as Wednesday following Tuesday.

(Louder Sound)

Seit k.d. lang oder – in letzter Zeit – Weyes Blood hat man solche opulent arrangierten, intim schimmernden Songs nicht gehört. Streicher, Orgel, Pedal-Steel-Gitarre und der Hall auf Angel Olsens Gesang evozieren die Atmosphäre einer Platte von Tammy Wynette oder Dusty Springfield. (…)

Manchmal schwingen sich die Songs in sonische Höhen auf, in denen so etwas wie synthetische Bläser eine Dramatik erzeugen, die Olsens intimer Gesang viel besser herstellen kann. Den Bombast kennt man von Jonathan Wilsons eigenen eklektischen Platten. Olsen hatte – zuletzt auf einer EP – mit elektronischem Instrumentarium gearbeitet. Aber ehrlich, das bringt nichts. Ihre Stimme kommt in klassisch arrangierten Songs besser zur Geltung: „This Is How It Works“, „Through The Fires“ mit (künstlichen) Van-Dyke-Parks-Geigen und die berückend-entrückte Klavierballade „Chasing The Sun“.

(Rolling Stone)

An den opulenten Orchesterpomp von ALL MIRRORS (2019) reicht das nicht heran, aber kleine Rock-Ausraster („Go Home“) gibt es durchaus und im Finale auch eine streicher-cinematische Klavierballade („Chasing The Sun“), in der Angel Olsens Sehnsuchtsengelsstimme ganz enorm nuancenreich brilliert. Insgesamt eine schöne Sache, dass Angel Olsen (wie gerade ja auch Orville Peck wieder) an der Verqueerung des insgesamt immer noch sehr konservativen Country-Genres werkelt.

(musikexpress)

Schwerer Stoff, von Bird musikalisch einmal mehr kongenial umgesetzt. Es ist alles wieder da: die Pizzicato-Geige, das Pfeifen, das Lässige, das Schräge, das Artifizielle, das Jazzige, das Sehnsüchtige, der große Songwriter-Pop. Im grandiosen wie wehmütigen Siebenminüter „Eight“ präsentiert uns Bird alles zusammen. Weitere Anspieltipps sind das soundtrackhafte, perkussive, von uns als Song des Tages vorgestellte „Automized“, das spooky mäandernde „Lone Didion“, das Lou-Reed-Velvet-Underground-hafte „The Night Before Your Birthday“ sowie der schwelgerische Closer „Never Fall Apart“. Und weil
alle anderen Songs keinen Deut schlechter sind, sollte man sich das Album sowieso in seiner Ganzheit anhören. Eindeutig ein Kandidat für die Endjahresliste.

(Sounds & Books)

The opening track, 23, kicks the album off like a murder mystery novel set at an eccentric aristocrat’s countrypile: warm and reassuring at first, before descending into madness, the path mirrored by singer Katie Ball’s dreamily atmospheric vocals that are paired with clanging instruments. Blue Chalk and Mirrors continue that messy ethereality, while Seed takes things up a notch with techno synths and a wailing bridge that were made for the live stage. I Am You is an angsty feminine anthem focused on fruitless efforts ("Change my hair / Change my dress / Change my head") to fit in. 

The difficult landscape for young artists dreaming of ‘making it’ – studio time is getting increasingly expensive, Brexit has tied international shows in red tape and labels prioritise going viral on TikTok over originality – renders it unsurprising that, in rock at least, it’s easier to create digestible Noughties-style indie than guitar music that is purposefully uncommercial. But Just Mustard don’t care, and choose the more difficult option anyway.

(The Telegraph)

Swampy and tumultuous like a month’s worth of rain, the Dundalk five-piece have spared no expense in creating immersive, cavernous spaces of shoegazing, post-punk splendour. ‘I Am You’’s nightmarish beauty, the near perfect stillness of ‘Blue Chalk’, or the crash-bang gushes of ‘In Shade’ stand out as among the album’s finest examples of Just Mustard’s mastery of tension and time. Haunted throughout by screeching guitars - sounding as much like screaming underground trains as guitars - sinewy basslines and stony drum textures, cutting divinely though it all are Katie Ball’s intimate vocal displays. Her sky-searing voice, matched with a seductively elliptic lyrical bite, offers a blinking light of human purity within such guttural and grimacing industrial soundscapes. Honing the epic of ‘Disintegration’-era Cure, during the Bloodiest of Valentines ‘Heart Under’ snugs right into that stream of dissonant rock currently emerging from the Emerald Isle - Gilla Band and tour buddies Fontaines DC among them. And isn’t the world a better place for it?

(DIY)

Musikalisch ließ sie dabei ihren Vorlieben für 90's Grunge-Rock, Psychedelia, New Wave Sounds und Dreampop in einem poppigen Umfeld freien Lauf. 

Eine Prise Glamour, die sich nicht nur auf die optische Inszenierung bezieht, sondern auch musikalisch mit gewissen Glamrock-Anleihen bemerkbar macht und ein sicheres Gespür für gelungene klangliche Experimente, die der ganzen Produktion ein erdiges Flair verleiht (und in Songs wie „Labyrinth“ geradezu despektierliche Ausma0e annimmt), runden das Ganze ab. Sie möge es nicht, wenn etwas zu glatt klinge, meint ANNIE HAMILTON dazu. Und das ist „The Future Is Here But It Feels Kinda Like The Past“ denn auch deutlich anzuhören.

(Musikreviews)

Wenn etwa ein spannend zerfaserter Chor-Reigen das Finale von “Pieces Of You” einleitet, die vielen Sound-Schichten von “Bad Trip” plötzlich ganz mitreißend ineinander fließen oder die Stimmen in “Night Off” melancholisch gedoppelt werden, springt das Herz direkt etwas höher.

Auch im Referenz-Zirkus vollführt Hamilton eine echte Glanzleistung. Denn unter dem Deckmantel einer gewissen Schwermut lassen sich ganz unterschiedliche Stile ausmachen:

Im Opener “Providence Portal” bricht Hamiltons Stimme noch wie Adrianne Lenker, während die Stimmfarbe eher an Julien Baker erinnert. “Exist” klingt dann mit Streichern und elektrischem Drive nach einer Tegan-And-Sara-Reinkarnation. Und für “Labyrinth” scheint eine lässige Björk Patin zu sein.

Am Ende ist “the future is here but it feels kinda like the past” ein geschmackvolles Kleinod, das sicherlich keine großen Runden drehen wird, aber dafür umso mehr mitreißen kann.

(Musikblog)