Das mit neun Songs und gerade mal gut 30 Minuten Spielzeit sehr kompakte „Cool it down“ rückt die Klimakrise ins Zentrum: Für ihren Sohn vermisst Karen O unsere dem Untergang geweihte Welt, und es ist das radikale Aufbegehren der Jugend, das zwischen all der Hilflosigkeit und dem Zorn auch Raum für Hoffnung schafft. Tanzbare Songs wie „Wolf“ und besonders „Burning“ gehen locker auf Augenhöhe mit dem Yeah-Yeah-Yeahs-Klassiker „Heads will roll“, doch es sind vor allem Stücke wie „Lovebomb“ und „Fleez“, bei denen sie im Spoken-Word-Gesang einen eindringlichen Ausdruck für ihre persönlichen Texte findet.

(Kulturnews)

Doch "Cool it down" kann's nicht nur gesellschaftskritisch: "That's where we dance to ESG", erklärt das ausgelassene "Fleez", das sich als durch die Kunsthalle groovender Funk-Post-Punk-Hybrid auch akustisch vor den Legenden aus der South Bronx verneigt. Warum es solche Auflockerungen nicht noch häufiger gibt, ist der einzige Vorwurf, den sich das Album auf hohem Niveau gefallen lassen muss. Man kauft Yeah Yeah Yeahs noch immer alles ab: Sie bilden weiterhin das Totem einer gleichzeitigen Unnahbarkeit und Aufrichtigkeit, wirken wie freundliche Aliens, die sich kaum in Schubladen stecken lassen, bei denen man aber auch nie Angst haben muss, in fiese, ironische Stolperfallen gelockt zu werden. Die Albernheit war den dreien schon immer ernst, weswegen es trotz aller musikalischen Hochklasse etwas irritiert, wenn diesem frostig-humorlosen Art-Pop eine solche fehlt. Doch wenn im finalen "Mars" das Eis taut und Orzolek ein Gedicht für ihren kleinen Sohn vorträgt, wissen wir: Yeah Yeah Yeahs sind auch deshalb noch eine der relevantesten Bands ihrer Indie-Generation, weil sie sich nicht gegen das Erwachsenwerden wehren.

(Plattentests)

With Fingers Crossed, Artsick provide us with a record that is a tight and sharp expression of anxiety that carries with it an infectious energy that will have you bouncing alongside without hesitation. The infectiousness of the band is hard to not marvel at as they are able to combine uncomfortable feelings with a bright yet spiky and spunky attitude that blends flawlessly. Riley has managed to create an album that blows off a lot of steam, one with so many moments of wild melodies that will be hard to shake from your head for hours after listening. This record has a charm that is hard to fully elucidate without experiencing all of its jittery pop magic for yourself, which honestly should be mandatory for everyone.

(Post-Trash)

Wer die Band kennt, der weiß, dass gute Laune und der Weg dahin immer gern gesehen Gäste auf ihren Reisen durch die Rock- und Pop-Welten sind. Im Herbst 2022 steht diesbezüglich ein Song wie “Hand In Hand” ganz oben auf der Liste. Ein cooler groove und satte Gitarren im Refrain machen jetzt schon Lust auf sommerliche Festival-Ekstasen.

Auch die ausgetüftelte Parkbank-Schnitzereien huldigende Punkrock-Nummer “Du Bist Eine Bank” geht gut ins Ohr, ebenso der vielleicht lustigste Anti-Angst-Song ever namens “Ibrahimovic”. Man schmunzelt einfach gerne beim Kopfnicken.

Am Ende bleibt irgendwie alles beim Alten, was im Fall von “Jeder Nur Ein X” als Kompliment zu verstehen ist. Die Sportfreunde Stiller bleiben die Sportfreunde Stiller: unterhaltsam, am Puls der Zeit und immer für einen tieferen Gedankengang gut. Also wegen mir können die drei Südlichter in Zukunft gerne wieder im Zwei-Jahres-Rhythmus ins Studio spazieren.

(MusikBlog)

Nun sind „die Sportis“, wie sie ja irgendwie immer noch heißen, längst sehr doll erwachsen, können sich aber auch auf ihrem achten Album nicht entscheiden, ob sie als staatstragende Stadionrockgruppe oder Quatschband alt werden wollen. Also probieren sie sich einmal mehr durch Großraumhallenpunk, hüftsteifen Elektrorock und Off-Beat-Songs, die grooven wie ein Männertag am Baggersee, während der Peter mal grönemeyernd was vom Menschsein und -bleiben erzählt, mal die Welt leutselig auffordert: „Seht her, seht her, seht her, das ist spektakulär“.

Ja, das ist schon alles albern. 

In "Drama mit dem Karma" versucht sich Sänger Peter Brugger zu allem Überfluss auch noch an Rap-Einlagen – für das Fernsehgarten-Publikum oder als Special Guest bei der Helene-Fischer-Show vermutlich heißer, innovativer Scheiß, für den Rest einfach nur stümperhafter Unfug.

Am beeindruckendsten ist "Jeder nur ein X" in der absoluten Konsequenz, mit der Sportfreunde Stiller gute Ansätze zu malträtieren wissen. "Ich scheiss' auf schlechte Zeiten" gönnt sich ein paar fiepsige Synths, solides Songwriting und verweigert sich zunächst der Hymnenhaftigkeit – bis dann zum Grande Finale plötzlich ein Kinderchor einsetzt und in der Nachspielzeit doch noch das Eigentor gekonnt verwandelt. Ähnliches passiert auch auf "Juunge": eigentlich ein flotter Sommersong. Aber Pustekuchen, Pfeifchöre en masse rausgeholt, und ab dafür. Und wenn "Candlelight & Hardcore" dann über das "Raubtier vom Dancefloor" sinniert, mag man auch einfach nicht mehr. "Jeder nur ein X" wirkt wie ein Fließbandprodukt der allerschlimmsten Sorte. Einfach mal alles zusammengeschmissen, was irgendwie da war – die Menge wird's schon fressen. Kein Herz, kein Charme, nur Plattitüden und Oberflächlichkeiten.

Die Instrumente klingen klar und schön, die Arrangements sind opulent, aber nie geschäftig. Mering hat erneut mit Jonathan Rado von der Band Foxygen als Produzent gearbeitet, einem Fachmann für analog glänzende Sounds. Über Piano, Gitarre, Orgel und Harfe thront Merings Stimme, die wirklich zu den großen unserer Zeit gehört. So viel Tiefe und Trost in dieser Stimme. Musik als Trost, als verbindende Kraft, ist ein zentraler Gedanke bei Mering, ein Ausdruck ihrer Spiritualität. „I can’t tell where you end/ Oh, and where I begin“ ist vielleicht der Schlüsselsatz des Albums.

(Rolling Stone)

Sinnlich, schummrig und schimmernd: Schon der erste Track "Nightwalking" des New Yorker Duos Tempers, auf deren viertem Album "New Meaning" zieht einen schlafwandlerisch sicher in ihre schillernde Nachtmusik. (…)

Dabei klingen die beiden manchmal wie eine verlangsamte Version von Boy Harsher, eine klirrendere Variante von Chromatics oder wie ein verschollener Hit von Siouxsie And The Banshees aus den Eigthties wie im unglaublich einnehmenden Ohrwurm "Unfamiliar". In dem Song geht es um die Idee des Fortschritts und Fremdartigkeiten, die man annehmen sollte, um eine Toleranz gegenüber dem Ungewohnten aufzubauen. Ihre selbstbenannte "Nocturnal Music" ist jedenfalls ein guter Soundtrack dafür, denn sie ist zugleich introspektiv und intensiv. (…)

Die Songs sind gemacht für Menschen, die nachts aufleben, die im zitternden Strobo und irrealen Nebel Halt in Klängen suchen, den Alltag ausblenden und das Innere ausleuchten.

(laut)

Die Spontaneität ist greifbar: „The Only One“ mit himmlischer Regentropfen- Percussion dürfte ihr größter Zuckerwattemoment seit Langem sein, „After Midnight“ wird zu einer ähnlich eleganten Treibjagd wie „Too Young“, „All Eyes On Me“ enthält Spuren von EBM. Derweil versüßt Ezra Koenig (Vampire Weekend) als erster Gastsänger „Tonight“. Alles wie im Rausch und – auf der Höhe der Zeit!

(Rolling Stone)

Schwermütige Melodien und Gedanken sind seit jeher Teil der Phoenix-DNA, sie stehen dabei in der Tradition des French Pop, bei dem Lebensfreude und große Traurigkeit miteinander kommunizierende Stimmungen sind. Auf ALPHA ZULU klingt die Melancholie zum Beispiel bei „The Only One“ an, das an die blubbernden Hits der Pet Shop Boys erinnert.

Das finale Stück „Identical“ galoppiert zwar, bietet aber eine traurige Melodie, zuvor ist „Winter Solstice“ der Höhepunkt der Phoenix’schen Schwermut, ein Hilfeschrei nach mehr Licht und Geschichten mit gutem Ende. Schnelle, clevere Pop-Momente zwischen Moderne und Eighties gibt es zwar auch.

(musikexpress)

Tegan and Sara believe they never make the same record twice. While Crybaby is its own project and holds its own ground in their discography, remnants of previous eras of the duo are heard throughout, contributing to its nostalgic quality for longtime listeners. The lead single “Fucking Up What Matters” sounds like it could have been, in another life, included on 2004’s So Jealous, just with less mainstream hooks. Likewise, “Yellow” could’ve been part of Heartthrob, and any number of other tracks like “I Can’t Grow Up”, “Smoking Weed Alone”, “This Ain’t Going Well”, or “Sometimes I See Stars”, could have been from the resurrected high school era of Hey, I’m Just Like You. But they’re not: they exist as their own separate body of work on Crybaby and remind listeners of how far they’ve come as a group, as it’s the album’s biggest strength.

(PopMatters)

PALOMINO besticht dennoch durch seine Vielseitigkeit und Einflüsse: der monumentale Gesang wird in „Fallen Snow“ leicht bröcklig und weckt Feist-Assoziationen, „A Feeling That Never Came“ erinnert mit seinen scheppernden Hi- Hats an die 80er und prominente Basslines wie in „Turning Onto You“ an Fleetwood Mac. Dass die Nostalgie hier und da in Disney-Romantik kippt, stört überhaupt nicht, und genau das macht die elf Songs zu gutem Pop.

(musikexpress)

Weshalb der echte Reiz von „Palomino“ eher in den Songs liegt, die das nicht so unbedingt wollen und es gerade deshalb tun. Andererseits, wer ließe sich nicht doch gern von diesen Sister-Harmonies überwältigen, auch in der jubilierenden Fluchtparole „Ready To Run“? Hinter der Ekstase warten Stücke wie „Turning Onto You“, das uns samt George-Harrison-Gedächtnisgitarre in die weich gebettete Uh‑huh-Wunderwelt des Frühsiebzigerradios entführt.

Wie „Fallen Snow“, das einen irischen Folk-Vibe mit Stehaufmännchen-Pop verwebt und wie nebenbei mit dem Wissen aufwartet, dass Liebe nur aus Erkenntnis hinter der Projektion wächst: „When you think I’m not watching, I can see the bleakness in your smile.“ Daran anknüpfend das melodramatisch wogende „Nobody Knows Me“ oder die trotzige Liebeshoffnung „The Last One“ im Cinemascope-Format. Streicher willkommen! Bläser ebenso. Dosierung und Dramaturgie stimmen meist.

(Rolling Stone)

Songs wie "Ready to run", "The last one" und auch die Vorab-Single "A feeling that never came" spulen die bekannten Trademarks des Duos auf Autopilot ab und versprühen dabei weder sonderlich viel Inspiration, noch raffinierte Spielfreude – es wirkt beinahe so, als wolle man nach der vierjährigen Bandpause erstmal möglichst bedacht und abgesichert agieren. Zudem schleichen sich im Albumverlauf gar einige recht ärgerliche Gurken ein. "Nobody knows" kleistert sämtliche Klangwände mit kitschigen Streichern zu, versucht sich an der ganz großen emotionalen Geste, verliert sich dabei aber im Nirgendwo. In eine ähnliche Kerbe schlägt "The last one", das ebenfalls am übertriebenen Kitsch scheitert und dabei auch noch einen schönen Gesangspart von Johanna Söderberg mehr oder weniger verschenkt.

Dankenswerterweise zeigen die beiden Schwedinnen aber an ebenso vielen Stellen, dass sie nach wie vor tolle Songs schreiben können. 

(Plattentests)

Melodies abound, orchestral elements trade off with electronics, and Clementine’s still-startling voice, an elastic tenor capable of shock and awe as well as succour, is front and centre.

That doesn’t mean this record goes down smooth, though. So much of Clementine’s graceful music comes from a place of pain. Tracks like the Parisian-leaning waltz Genesis, or the stark opener Residue, tackle Clementine’s complex heritage. But everyday Sisyphean universals are well represented on piano ballads such as Copening or the string-laden Delighted. Difference, meanwhile, is a meditation about making a difference in the world, a song that’s as rueful as it is catchy.

(The Guardian)

And I Have Been, though more digestible than his previous works, fully enlivens the mundane aspects of life. Matters unexplored on other projects are excavated humbly here, and he speaks about them with sheer earnestness and honesty, a signature quality that has granted him numerous accolades. When he wishes us a good time in “Weakend,” a combination of weekend and weakened, it touches our hearts on a different level; at the scariest times, how can weekends, which should relate to relaxation, bliss, and peace, seem so ominous and turbulent that they weaken our spirits? Clementine inspects the world with a different lens that we normally use; he is a compass of diverse perspectives. And I Have Been might not arrive at his top shelf, but it is an integral art that sheds light on his once darkened and uncharted territories.

(The Line Of Best Fit)

Sämtliche Songs dieses Albums suggerieren tatsächlich das Gefühl eines guten Freundes, der nicht zwingend anwesend sein muss, um eine emotionale Stütze in schwierigen Zeiten zu sein. 

Dass Songs wie „In Your Corner (for Scott Hutchinson)“ dann vor allem dank ihres intimen, minimalistischen Ansatzes direkt ans Herz gehen, zeugt von der stets präsenten Ehrlichkeit, welche DAN MANGAN in jeden Ton seiner Musik legt.

(Musikreviews)

„Being Somewhere“ packt unterschiedlichste existenzielle Gedanken beim Schopfe und webt sie in eklektische Folk-Melodien ein. Der Kanadier präsentiert sein bisher bewegendstes und irgendwie auch fragilstes Album. Als Hörer*in wird man förmlich dazu gezwungen, innezuhalten, dem sanften Klang der Platte zu lauschen und sich damit auseinanderzusetzen, welchen Wert man den Dingen um einen herum zumisst. Tracks wie „Just Know It“, „All Roads“ oder „Fire Escape“ schaffen den oft schwierigen Balanceakt zwischen Zugänglichkeit und Bedeutsamkeit mit Bravour. Sie wirken zu keiner Zeit aufgesetzt, sondern schaffen es, durch viele verspielte Elemente – seien es Loop-Harmonien, Gesangsechos oder programmierte Effekte – die Neugier zu wecken und eine Spannung aufzubauen, die bis zum letzten Takt der LP anzudauern vermag.

(einen hab ich noch)

Invisible is an album that flows and draws you in, one in which the many emotions of the songs wash over you as they take you on a journey. It is similar in some ways to the work of fellow Scot, Edinburgh born songwriter Ross Wilson, better known as Blue Rose Code.

The penultimate Transatlantic Canvas is about drummer Ron Yeadon meeting his Californian-born wife, Michelle and falling in love. At its core is a story of a teenager departing her family home for pastures new. The album closes with The Girl Who Stole The Boy From Scotland, an acoustic folky piece sung beautifully by bassist Chloe Peacock. It’s a high point of an already fantastic album, and something I’d liked to have heard more of.

It’s another breathtaking album from a band who deserve to be more than a best-kept secret.

(Louder Than War)

„Never Grow Up“ beschäftigt sich – wie der Titel schon vermuten lässt – in verträumter Leichtigkeit mit dem Wunsch, niemals erwachsen zu werden und „Run Run Baby“ nimmt einen in Form von pulsierendem Beat und treibenden Sound mit zum Tanzen in den Club.

Somit ist „Shot Shot Cherry“ buchstäblich eine Achterbahn der Emotionen und schafft es nach traurigen, wehmütigen Balladen mit lebensbejahenden Up-Tempo-Nummern, die Wolken aus den Köpfen der Hörer*innen wieder zu verjagen.

Lola Marsh zeigen also nicht nur auf Soundebene, sondern auch in Sachen Atmosphären und Gefühlstiefe enorme Weiterentwicklung und erweitern die bandeigene DNA auf dem neuen Album um weitere Facetten – und zwar vollkommen organisch und ohne sich dabei zu verlieren.

(MusikBlog)

Das Terrain, welches LOLA MARSH auf dem neuen Album „Shot Shot Cherry“ beackern, sind im Wesentlichen Variationen klassischer Boy-Meets-Girl-Geschichten und deren Gegenpart, der Break-Up-Song. Allerdings entwickeln YAEL SHOSHONA und GAEL gegen Ende der Scheibe eine gewisse sozialkritische Dynamik, die man fast schon nicht mehr erwartet hätte. Ist der vorletzte Song „This Is Not The End“ noch einer der erwähnten Trennungssongs, so geht es im letzten Track „End Of The World“ tatsächlich um die Klimakrise und deren Folgen. Obwohl SHOSHONAs Stimme sich nicht unbedingt für den klassischen Protestsong anbietet, wäre diese Zielrichtung doch ein interessanter Weg in die Zukunft, der die Musik von LOLA MARSH über den bloßen Unterhaltungsfaktor hinaus interessant machen könnte.

(Musikreviews)

Ásgeir hat schon immer mit elektronischen Elementen geflirtet und sich als Großmeister darin etabliert, eine wunderschöne Melange aus Akustik und Elektronik zu erschaffen, bei denen man die Weiten Islands förmlich vor seinem inneren Auge vorbeiziehen sieht.

Darin ist auch „Time On My Hands“ keine Ausnahme. Vielmehr räumt Ásgeir den elektronischen Elementen auf seinem vierten Album noch größeren Raum ein, wie Songs wie „Borderlines“ oder „Snowblind“ beweisen, die sich mit einem poppigen Refrain im Gehörgang festsetzen und einen sogar kurz nach den Tanzschuhen greifen lassen.„Giantness“ weckt gar Radiohead-Assoziationen.

Diese leichte Verlagerung könnte auch daran liegen, dass Ásgeir zum ersten Mal in der Karriere seinem Produzenten freiere Hand gelassen hat, sich so mehr auf das Songwriting konzentrieren konnte und laut eigener Aussage damit seine Komfortzone verlassen hat. Der Mut hat sich gelohnt.

(MusikBlog)