Archive for Dezember 2019

Und noch ein Nachtrag eines Gastjurors. Felix schickte mit seinen Bewertungen dankenswerterweise auch einige Texte und Noten zu Alben mit, die bisher keine Vorladung für Platten vor Gericht erhalten hatten. Gleich drei Alben erhielten seine Höchstwertung von 9 Punkten: „Father Of The Bride“ von Vampire Weekend (zumindest diese Platte wurde hier bisher vorgestellt), „Gece“ von Altun Gün und jene Platte, mit der wir zwar bemustert wurden, bei der ich aber im Oktober weder wusste, an wen ich die Vorladung schicken soll, noch welchen Künstler ich in meiner iTunes Bibliothek einpflegen soll. „Erobique & Palminger präsentieren“: YVON „Yvon im Kreis der Liebe“ schrieb die Plattenfirma zum gemeinsamen Projekt von Carsten 'Erobique' Meyer, Jacques Palminger und Yvon Jansen. Felix fand folgende lobende Worte für die 11 Songs zwischen Easy Listening, Retrofuturismus-Pop und Chanson:

Wahrlich etwas für Liebhaber…. Oder für Fans von Erobique, wozu ich mich zweifelsohne zähle, obwohl ich seine Score-Komponistenkarriere für „Der Tatortreiniger“ total verpennt habe. Das Duo Palminger und Erobique haben mich schon mit ihrem Projekt „Songs for Joy“ (Achtung Phrase) restlos begeistert. Hierbei stach besonders der Song „Wann strahlst du?“ heraus (neben „Kathrin und Lars“, „Finsterwalde“ „Mauerseglerlied“ und und und). Yvon von „Wann strahlst du?“ hat jetzt ein ganzes Album mit den Texten von Palminger eingesungen. Wer keine Lieder über Schokoladenbrunnentattoos oder die Entstehung des Atlantiks oder den Traum vom ersten Menschen auf der Sonne braucht, kann hier gerne weitergehen. Ich hingegen bleibe stehen, angewurzelt und frage mich, warum es nicht mehr schrullig phantasievolle Musik dieses Kalibers gibt. „ Ich habe einen Feind, der lebt in Berlin, er heißt Marco“… so schreibt man spannende Songtexte.

YVON IM KREIS DER LIEBE wird von der Stimme der Protagonistin geprägt, Jansen singt klar, intoniert perfekt – alles wirkt leicht, wenn sie singt. Und das muss es auch, denn die Songs von Texter Palminger und Musiker Erobique machen es sich in der Softpop-Lounge bequem. Die Drums sanft und nah am Ohr, die Gitarre zurückhaltend akzentuiert, die Orgel omnipräsent, der Bass melodieverliebt – dazu immer wieder Flöten, wie zum Beispiel auf dem eleganten Soul-Stück „Nikotina Turner“.
Großartig auch „Marco“, das im „Senor Rossi“-Sound an die alte Zeichentrickserie „Marco“ erinnert – auch wenn es sich bei diesem „Marco“ um einen Typen in Berlin handelt, in den sich die Sängerin auf unangenehm heftige Weise verknallt hat. Gegen Ende schleicht sich gepflegte Langeweile ein, doch das Finale ist grandios: „Der erste Mensch auf der Sonne“ lädt die Menschheit ein, den Traum von der Reise dorthin nicht aufzugeben. Air trifft die Lassie Singers – auf einem guten Album ragt dieses Stück heraus.
(musikexpress)

They Might Be Giants, Weezer, The Lemonheads, Iggy Pop, Bad Religion, Pixies, New Model Army, The Wonder Stuff, Nick Cave And The Bad Seeds, Morrissey, Edwyn Collins, Idlewild, The Cranberries, Sleeper, Salad, Ride, My Life Story und The Divine Comedy - was sich hier liest wie die Playliste eines Indie-Clubs aus den 90er Jahren ist eine Aufzählung „alter Helden“, die sich im Jahr 2019 noch (oder wieder) vor Gericht gezerrt wurden.

In dieser Aufzählung fehlen noch die Violent Femmes, an deren „Blister In The Sun“, „Add It Up“, „Gone Daddy Gone“ oder „Country Death Song“ keine Indie-Disco vorbei kam und die dieses Jahr ebenfalls eine neue Platte veröffentlicht haben: „Hotel Last Resort“ ist das zehnte Studioalbum der Band um Gordan Gano, die sich in diesem Jahrtausend etwas rar gemacht und erst drei Alben rausgebracht hat.

Erst die von Torsten per E-Mail eingereichte Liste mit seinen Urteilen/Bewertungen machte mich darauf aufmerksam, dass „Hotel Last Resort“ noch auf meiner, für die beiden restlichen Wochen viel zu langen Liste mit nicht vorgestellten Platten steht.

Den Refrain des Openers, „Please don’t sing another chorus“, wird Torsten sicherlich nicht auf die Violent Femmes beziehen, denn er schickt „Hotel Last Resort“ zwar verspätet aber immerhin mit 7,5 Punkten ins Rennen um das Album des Jahres 2019.

Was die Violent Femmes zu Beginn ihrer Karriere ausgezeichnet hat, gelingt ihnen auf ihrem zehnten Album tatsächlich wieder so gut wie früher: Die Melodien gehen sofort ins Ohr, sie integrieren gerne überraschende Stilelemente und die Texte strotzen nur so vor halsbrecherischen Wortspielen – wobei die Grenze zwischen lausbubenhaftem Überschwang und abgrundtiefer Melancholie oft fließend ist (…).
Auch sonst hält das Album diverse Überraschungen parat: Jazz- und Blues-Anklänge, eine ziemlich unpatriotische Interpretation von Irving Berlins "God Bless America" oder ein A-Capella-Stück mit einem Gordon Gano, der übers Schlafen bei Geschäftstreffen so schnell rappt, dass man ganz zappelig wird.
(BR)

HOTEL LAST RESORT klingt nun wieder nach Straßenecke, es kommen chaotische Bläser dazu, beim Titelstück spielt Tom Verlaine von Television eine abenteuerliche Gitarre mit Tönen, die sonst niemand erwischt. Teenage Angst kann Gano mit Mitte 50 nicht mehr rüberbringen, aber er kann als Pseudo-Rapper lahme Bands beschimpfen, die einen Refrain an den nächsten reihen.
Er kann auch weise Liebeslieder wie „Everlasting You“ singen. Meisterhaft ist der Titelsong geraten: Zu Verlaines göttlicher Gitarre gibt Gano einen Musiker auf der letzten Runde, dabei gelingt ihm ein sensationelles Selbstporträt mit universeller Gültigkeit: „I don’t change the chords anymore / The chords change by themselves.“
(musikexpress)

Neulich als ich fast einen kleinen irischen Plattenladen ruinierte

Was waren das für tolle Nachrichten, als ich zuerst laß, dass nach vier Jahren Stille ein neues Album von Hail The Ghost angekündigt wurde und anschließend auch noch feststellte, dass - anders als beim Debütalbum - auch eine Veröffentlichung auf Vinyl geplant war.

Als der Shop auf der Homepage der Band auch einen Tag vorm Erscheinen des Albums noch noch auf dem Stand von vor einigen Jahren war, nutzt ich einen Link für Vorbesteller, der zu einem kleinen irischen Plattenladen führte. Nachdem ich „Arrhythmia“ in den Warenkorb gelegt hatte, war ich entsetzt, dass zu den Kosten für die Schallplatte (25 €) noch stolze 18 € Versandgebühren hinzu kamen. Also schaute ich mich online noch ein wenig im Angebot des Plattenladens um, legte noch ein Album von James in den Warenkorb, da deren Platten in hiesigen Läden noch deutlich teuerer sind, und fand noch das ein oder andere Schnäppchen (u.a. Kaiser Chiefs, Richard Ashcroft, Snow Patrol), um die hohen, jedoch gleich bleibenden Versandkosten auf mehrere Alben verteilen zu können. Knapp 150 € ausgegeben, um das neue Album von Hail The Ghost zu erhalten und Versandkosten „zu sparen“!

Vier Tage später meldete sich ein Mitarbeiter (oder der Besitzer) des Plattenladens mit einer ungewöhnlichen Bitte: Offensichtlich hatten sie noch nie ein Plattenpaket nach Deutschland geschickt und so stellte sich auf der Post heraus, dass die tatsächlichen Versandgebühren für mein Paket 59 € betrugen. Also wurde ich per E-Mail gebeten, mich freiwillig noch an den deutlich höheren Versandkosten zu beteiligen, da man ansonsten Verlust mit meiner Bestellung machen würde.

Selbstverständlich kam ich dieser Bitte nach - erst Recht, weil mir der kleine Plattenladen mit „Arrhythmia“ eines der besten Alben des Jahres zukommen ließ!

Würde „Arrhythmia“ von The National und nicht von Hail The Ghost stammen, dann würde die Platte in zahlreichen Medien besprochen und anschließend in vielen Jahresbestenlisten auftauchen, zudem würde das Album dafür sorgen, dass der kleine irische Plattenladen die Versandgebühren in viele Länder kennen würde und hoffentlich bis dahin den Bestellvorgang auf ihrer Homepage optimiert hätte. So muss ich aber nun das Loblied auf „Arrhythmia“ singen und möchte dies mit dem Verweis auf meine beiden Lieblingslieder tun: Zu Beginn des Albums erklingt „Swarms“, eine Ballade, für die Matt Berninger & Co. töten würden. Der Song kommt ohne großen Refrain aus, spitzt sich aber hinsichtlich einer abschließenden Coda zu, dazu erklingt die ganze Zeit über ein ungewöhnliches Sirren, werden dezente Piano- und Bläsertupfer gesetzt und zeigen sich Schlagzeug und Gitarre äußerst kreativ und variable. Für das abschließende „Home“ haben sich die Iren die Dynamik der Isländer von Sigur Rós abgeschaut und deren „Popplagið“-Krach-Inferno auf knapp 5 Minuten eingedampft.

Mit ihrem Debüt „Forsaken“ kamen Kieran O’Reilly (Gesang, Schlagzeug, Gitarre), Eamonn Young (Gitarre) und Ian Corr (Piano, Keyboards) vor vier Jahren auf Platz 2 bei Platten vor Gericht. Für „Arrhythmia“ wünsche ich mir ein ähnlich tolles Abschneiden, damit sich der Bekanntheitsgrad von Hail The Ghost endlich etwas steigert, denn das Trio hat erst rund 900 Likes bei Facebook und das Video zur ersten Single „Sweet Samurai“ wurde auch nur bescheidene 1.450 Mal bei YouTube aufgerufen:

“Music can affect and music can absolutely dictate how you’re going to feel in the morning, in a day, or in a moment,” intones a voice in the opening track, Prologue, introducing a smart collection of intelligent and sensitive rock for their second album and follow up to Forsaken in 2015.
The highly accomplished trio’s musicianship is topped off with fine vocals from Kieran O’Reilly, who is best known for his role as a Garda detective in Love/Hate and History Channel series Vikings. Ian Corr features on piano and keys and Eamon Young completes a highly effective line-up on guitar, who are well able to tackle a range of moods, sounds and textures.
Sweet Samurai is a finely crafted slow-burning pop rock song that The National would be proud to call their own, while Home displays a keen grasp on song dynamics to create a sense of drama and excitement.
(The Irish Times)

Wie die Laubblätter vom Baum, fallen zunehmend Rhythmen, Elektronik und Melodien aus den Songs von Fin Greenall. Und so ist „Bloom Innocent“, das siebte Album von Fink, ein Herbstalbum geworden, bei dem man im Idealfall entspannt im Warmen sitzt, den Regen gegen die Fensterscheiben prasseln sieht und den elegischen Songs fernab eingängiger Popsongs-Strukturen und jenseits der 5-Minuten-Marke lauscht. Man versinkt in den acht atmosphärischen Songs, die ohne Hast vorgetragen werden und denen Zeit und Raum gegeben wird, um sich zu entfalten und Trip Hop, Jazz, Blues oder Soul auf eine Stippvisite einzuladen.

Fink und sein Produzent Flood (Depeche Mode, Nick Cave And The Bad Seeds, U2) setzen, neben dem wohligen Klang von Greenalls Stimme und seiner akustischen Gitarre, auf Piano, Streicher, Schlagzeug und traditionelle Lauten, um den Hörer fast schon meditativ zu umgarnen und einzuwickeln. Das Spätwerk von Talk Talk oder Radiohead ohne Elektronik könnten Fink und Flood bei der Produktion von „Bloom Innocent“ auf Augen oder in den Ohren gehabt haben.

Auch auf die Produktion der CD (presented in a fully art-worked bookpack case and protected by recyclable bio-based shrinkwrap) bzw. LP (half-speed mastered 140-gram white vinyl housed in a printed inner sleeve and a bespoke uncoated five-panel fold-out duplexed sleeve. Includes plantable wildflower seeded download card. Comes protected by recyclable bio-based shrinkwrap.) wurde viel Wert gelegt.

„Bloom Innocent“ ist ein ruhiges, nahezu sphärisches Album geworden, das sich viel Zeit lässt und in dem Fink sich weiter von gängigen Songstrukturen entfernt. Während der mehr als 8-minütige Opener auf „Resurgam“ noch die Ausnahme war, dauern auf „Bloom Innocent“ alle Songs im Schnitt 6 Minuten, eher mehr. Bereits der zweite Song „We Watch The Stars“ macht deutlich, dass das hier vorherrschende Stilmittel die langsame Entwicklung ist. Die ersten fünf Minuten steht fast ausschließlich Finks Stimme im Vordergrund.
In seiner Fusion aus Langsamkeit und Intensität hat „Bloom Innocent“ etwas meditatives, nahezu spirituelles. Dass Fink eine Faszination für Spirituals hat wurde vor allem natürlich auf „Fink’s Sunday Night Blues Club, Vol.1“ deutlich, die Inspiration hieraus scheint sich aber auch auf „Bloom Innocent“ weiter durchzuziehen. Das heißt aber nicht, dass alle Songs rein sphärischer Natur sind oder einem gleichförmigen Tempo unterliegen, wie zum Beispiel das rhythmische „Out Loud“ zeigt. Auch ist „Bloom Innocent“ kein komplett düsteres Album geworden, vor allem im Vergleich zu „Resurgam“. Es wirkt eher wie eine zärtliche Meditation, sinnierend und irgendwie versöhnlich, manchmal einlullend wie ein „Rocking Chair“ (…).
(Fast Forward Magazine)

Der Mann, der vermutlich schon vor dem Frühstück zwei Songs komponiert und alle zwanghaft veröffentlichen muss, hat neben den Smashing Pumpkins noch Zeit, Soloalben zu veröffentlichen.

Nachdem er sich auf „Ogilala“ (2017) als Singer/Songwriter präsentierte und uns 11 Songs in knapp 39 Minuten präsentierte, legt William Patrick Corgan für „Cotillions“ noch eine Schippe drauf: Die 17 Lieder laufen 62 Minuten und gehen mit ihren recht schlichten Arrangements (akustische Gitarre und Piano sowie gelegentlich weibliche Backing Vocals, Steel Guitar, Fidel und Streicher, jedoch kein Schlagzeug) noch den ein oder anderen Schritt Richtung Folk, Country und Americana.

Bei einer solchen Vielzahl an Songs ist es fast unausweichlich, dass man einerseits düstere Balladen bestaunen („Cotillions“) und Highlights („Colosseum“) bejubeln darf und sich andererseits unfreiwillig in einen Irish Pub („Dancehall“) oder einen Saloon („Buffalo Boys“) versetzt sieht.

Neben der CD-Veröffentlichung wird „Cotillions“ auch als Doppel-LP (marmoriert) erhältlich sein, jedoch müssen sich die Schallplatten-Freunde noch bis Ende Januar 2020 gedulden.

Album opener ‘To Scatter One’s Own’ marks an impressive intro before launching into ‘Hard Times’, a Country-inspired song that tackles different types of fear while a track such as Jubilee’ changes the pace entirely with its vibrant rhythms and dancing violin sounds. The intimate ‘Fragile, The Spark’ signifies a stand-alone moment where Corgan seems to, at least, vocally honour his day job. It’s the most Smashing Pumpkins-like moment on the project, and it’s more than possible to imagine it appearing on one of the band’s albums.
Elsewhere, chirpy Americana bubbles up on tracks such as ‘Faithless Darlin’ - it’s a bright and vibrant moment, and then a track like ‘Colosseum’ occurs. Creating an enormous contrast, the song is heavily led by introspection and reflection. There is a lot of instrumental versatility on this record, and the Country audibles of ‘Buffalo Boys’ with its steel guitars, it really celebrates, and brings that idea home. ‘Like Lambs’ is a mesmeric piano-driven moment where subtle guitar playing supports melancholy atmospherics. Ticking all the folk-rock boxes ‘Apologia’ resembles Jeff Buckley’s album ‘Grace’ album in spirit, sound and dimension.
(Clash Music)

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