Inspiriert von einer Kurzgeschichte des Science-Fiction-Autors J.G. Ballard verweben Newmen auf ihrem neuen Album „Terminal Beach“ Vergangenheit und Zukunft zu einem musikalischen Möbiusband: Ein Loop, der unaufhörlich um Themen wie Dystopie und Utopie kreist und diese musikalisch passend mit Early Electronics, Synth-Pop und Neo-Kraut zu einer stilsicheren Schleife bindet. Das pulsierende Herzstück des Albums „The Loop“ beginnt wie ein verschollenes Kraftwerk-Stück mit schwebender Synthesizer-Melodie und vibrierenden Vocoder-Vocals, die von Algorithmen und Albtraum-Echokammern künden und geht über in ein melancholisches zeitkritisches Mensch-Maschine-Mantra – „on (technical) repeat“ quasi wie es in einer Textzeile lautet. (...)

Instrumentalstücke wie das krautig blubbernde „Legato Linear“ spielen geschickt mit „Hallogallo“ von NEU! und beamt es mit seinen Beats in die Disco. Stereolabs Psychedelic-Pop steht Pate bei „Echo System“, einem schlauen wie schönen Song, dessen Perspektiven im Laufe von I zu You wechseln und sich auch widersprechen. Diesen Widerspruch finden wir in Allem und im Alltag, wir sind „new radicals. in- between: the void“ wie es in „Soft & Somber Pt.2“ heißt. Und auch musikalisch scheinbar Widersprüchliches versöhnen Newmen, wenn in dem trügerisch beruhigenden Track „Comfort Inn“ Fleetwood Mac mäandernd auf Can treffen, so dass der Projektname des Songs „Fleetwood Can“ lautete. In den Retro-Futurismus schleicht sich somit auch leiser Humor, ein unterschätzter Zeitgenosse, den wir auch im finalen groovig-beatlastigen Track „Concrete Beach“ hören, wenn ganz am Ende des Albums der Wasserkocher aus Newmens Studioküche ganz real vor sich hin brodelt.

 

Leicht und komplex wirken diese neuen Songs. Mit Harmonien, die sich drehen und wenden, beim Stück „Melodie Is A Wound“ immer weiter in die Höhe wie beim Turmbau zu Babel. Wie immer bei den späten Stereolab wirken einige Stücke wie sehr unterhaltsame Labor-Experimente – man stellt sich die Band in weißen Kitteln vor.

Fantastisch sind die Songs, in denen die Charakter aus dem Kollektiv heraustreten. Das passiert in wundersamen Gesangsarrangements, die an Easy-Listening-Ensembles wie The Free Design erinnern. Oder in Stücken wie „Le Coeur Et La Force“, bei dem Lætitia Sadier mit warmer und sinnlicher Stimme ihre Leidenschaft für Nouvelle Chanson zeigt.

(musikexpress)

The first four tracks set the pace for things to come, from nineties-feeling opener ‘How Long Is Now’ and its insistent synth drone through to the electric chug of ‘Scrolling’. That vibe continues with the Cure-like guitars of ‘Pieces Of You’, melding into ‘On The Surface’, which has vocal harmonies Jon Anderson of Yes would be proud of. Single ‘The Dreamer’ changes tack, with a calming MOR, dry ice vibe that casts a nod to Nik Kershaw era song-smithery.

‘Travel Day’ ticks the hi-energy box with a thudding drum intro married to hippyish sonics, before current single ‘Rituals’ demonstrates the Boards’ prog leanings and penchant for minor key harmonies. It's a standout track.

There's a welcome change of pace with ‘Now and Again’, driven by clanging industrial beats and slow, swirling synth mists, before ‘Be There’ and its syncopated vocal adds a refreshing twist. ‘Half Light’ provides a slice of melancholia – that nod to saying goodbye to the past, perhaps? – in its downplayed vocal, before closer ‘Seven Years’ sees sad and wistful guitars complement mirror-ball synth washes to perfection.

(Now Then Magazine)

Not that Lionel and Marie Limiñana ever make a bad record or stray too far from their signature sound — which ping-pongs between go-go’able bangers and more mellow numbers that favor spoken word passages — but they do it so well, and everything here just falls into place with a somewhat widened scope. The guests add a lot, too, without taking away from the band’s appeal: Primal Scream’s Bobby Gillespie is a perfect addition to The Limiñanas’ world on “Prisoner of Beauty,” as is French actor/musician Bertrand Belin who brings swaggering elan to “J’adore le monde.” There’s also Jon Spencer who shows up twice, first on “Space Baby” which works in a bit of Bridget Bardot’s classic single “Contact,” and then again on the grungy “Degenerate Star.”

(Brooklyn Vegan)

Dort gräbt ENDLESS RÜTTENSCHEID tief im kollektiven Gedächtnis. In den Hymnen, die sie in die endlosen Hallräume schicken, die Jahrzehnte vor ihnen schon Kraut- und Psychedelic-Rocker geöffnet haben, schwellen die Harmoniegesänge aus den drei Stimmen an, werden mächtig und übermächtig und dann plötzlich ganz schwerelos und heben ab – und mit ihnen die Worte, die plötzlich eine ganz andere Bedeutung bekommen können. (…)

Während also die Gitarren den Rock’n’Roll der späten Fifties, aber bisweilen auch arabeske Melodielinien imitieren, stößt man überall auf Zeilen, die mehr erzählen, und Klänge, die verschiedene Namen tragen. (…)

Das einleitende Lick von „International Heat“ könnte schräger Surfsound sein, aber auch orientalische Reminiszenz. Und in „Fehler“ verstellen Bäume und Zäune den Blick auf die Landschaft, bevor ein Schüttelreim von nachgerade Distelmeyer’scher Größe das Dilemma zwischen Hier und Dort und anderswo auflöst: „Ich hab keine Sorgen mehr / Melodien zieh’n vor mir her.“ Ja, es hallt lange nach.

(musikexpress)

Tracks like "Name Me" and "I Have Been Alive" are majestic and mighty, positioning Susman's tender vocals against waves of thundering drums, honking saxes, and horror movie organs; the title track is a doomy mix of avant-garde soundtrack noises and overdriven noise rock that is downright scary; and "Book Stall" creeps along slickly like Broadcast, only with an oozing dread and a sinking feeling that the tape the song was recorded on is slowly disintegrating. Even the tracks that have a little more positive energy driving them forward -- like the album-opening "Acceptable Experience," which has a nice Stereolab feel -- have darkness lurking just behind the curtains. On that song, it's made manifest by the ripping guitar solos; on others, it's the looped found sounds ("Lamplighter"), out-of-nowhere steampunk breakbeats ("Cut It Like a Diamond"), or glitchy shards of sax and vocals ("False Landing"). It's clear that the pair have immense skills as crafters of ambience and setters of mood; they are also wizard-level good at weaving kaleidoscopic strands of influences together into a brilliant, fascinating fabric. The result is the kind of record that's almost impossible to stop listening to once one begins. It flows together so perfectly, and the mood is so tense and unbroken, that it feels wrong to be diverted in any way. 

(All Music)

Towards The Dawn showcases PSB’ gleeful, full-on surf-meets-post-rock interests. Andreya Casablanca’s joyous vocal on The Fun Of It brings the playfulness of Earhart to life; while the keening voice of Kate Stables – aka UK indie-folk artist This Is The Kit – over the sweet, gentle cello of The South Atlantic is a standout.

Elsewhere, Electra is classic PSB: all propulsive electrics, sound clips, layer upon layer of texture, ringing guitars. Monsoons perfects the group’s toff-Mogwai dimension to perfection.

A Different Kind Of Love, featuring Norwegian dream pop singer EERA, is the closest the collective may ever come to a soft-rock radio classic. With transcripts of the conversation between Earhart and husband George Putnam, it could almost fit into Michael Ball’s Sunday Love Songs show.

The eight-minute closer Howland – named after the Pacific island that was Earhart’s destination in her final communication – is suitably funereal, with mournful strings repeating as her messages gently drift away into the ether.

After one minute’s silence, a brief coda of audio verité ambience and birdlife from the uninhabited island today suggests that although Amelia Earhart is long gone, her memory and spirit live on. It’s a fitting way to end The Last Flight, an album that aims for both head and heart.

(Louder)

‘City Lights’ is another towering achievement for The Waeve showing how well Graham Coxon and Rose Elinor Dougall combine and the breadth of their musical talents. It is an unpredictable and highly eclectic listen packed full of depth and textures making this a must listen. 

(Clash Music)

As expected, it’s the interplay between hard and soft that takes centre stage, whether via the pair’s dual vocals as on ‘You Saw’, the thematic tenderness of ‘Song For Eliza May’ and its abrasive, squalling guitar, or even through following the dreamy, melancholic ‘Simple Days’ with an enthrallingly unholy guitar sound on the deceptively pop ‘Broken Boys’. And against the full fever dream wig out that ‘Druantia’ falls into, is the opening title track, its classic songwriting accommodating a wiry (or should it be Wire-y) guitar line. Like stepping into a universe of the duo’s making, almost, it’s the kind of sonic escapism that’s akin to reading a good book.

(DIY)

Ein Hauch von Vergänglichkeit, wenn nicht Abschied, liegt über dem Album, am deutlichsten im melancholisch leisen „Before I Go“. Doch schon das folgende „Isso isso“ schwingt wieder muskulös und auf den Punkt. In „Besser isses“ geht es um die notwendige Trennung von einem unangenehmen Partner – musikalisch eines der besten Stücke des Albums, kratzig wie eine Stahlbürste, aber voller Vitalität. Auch das rätselhaft mystische „Pestalozzi“ sticht heraus, ebenso das leise irrlichternde „Gesundbrunnen“. Abgesehen vom unnötig prätentiösen Titelzusatz „(apm: alien pop music)“ ein gelungenes Album von einer in Würde alternden Band.

(Rolling Stone)

So mäandert die Musik scheinbar ziellos, irrt durch Klanglabyrinthe auf immer höhere Level, auf denen es immer wieder neue Wort-Rätsel zu lösen gibt wie in einem Adventure-Game für literaturbeflissene Ex-Punks. Aber dass man das alles nicht so super ernst nehmen muss, signalisiert Bargeld dann spätestens mit seinem ersten Song in breitem Berlinerisch: Eine von Fieber geschüttelte Gitarre lärmt durch „Ick wees nich (noch nich)“, und Bargeld offenbart seine und unser aller Ratlosigkeit: „Und allet hat sich uffjelöst / Wat nu?“

(musikexpress)

Despite tracks such as Warp and Blue/Golden Sunshine still offering similarities to the juxtaposition of subtle gaze and fluttering The Field Mice-style incidental jangle that was core of much of their previous back catalogue, Taking Pictures of Taking Pictures feels somewhat more dank, gloriously impersonal, and altogether ‘massive’.

As such, the sheer brilliance of lead single Clipping, I Can’t Stand the Rain, Kleber, and the simply immense standout of Sundays marry the indie chic of droning vocal disinterest to chunky post-punk basslines as isolated jangled riffs pierce the gaze-laden atmosphere with sheer melodic dominance. It feels all manner of Luxembourg Signal in aural texture, but with every sense of ‘dreamy fluffy’ withdrawn as a matter of obstinate principle.

Beyond the above melodic, things get even darker and uncompromising with Anything and the title track offering crushing cinematic, droning atmospheres that assume a sense of stunning foreboding, whereas Breakdown and its echoed call into the dark vocal isolation feels like The Stone Roses finding their inner post-punk.

Still brilliant, still perfectly jangle-gaze, but now with perfect ‘dank’ additions, The BVs continue to assume the mantle of the most important jangle-gaze act around.

(Janglepophub)

Mehr also benötigt es nicht, um eine tönende Tapete aus Wave, Krautrock, Britpop, Lo Fi-Psychedelik vor den heutigen Oktoberhimmel zu kleben. Stoisch marschiert der von elektronischen Schwirrpartikeln umflorte Rhythmus zur magischen Dreiminutengrenze, entfalten sich ein ums andere Mal Ohrwurmmelodien mit Hüftschwungqualität.

(Frankfurter Rundschau)

Schwebende Sounds, flirrende Gitarren, Synthie-Flächen und treibende Drum-Rhythmen gehören hierbei genauso zum Klangbild wie der eindringliche, hohe Gesang oder schwer zu ortende Electronics und Verfremdungen. Alles ist gut abgestimmt in „This House“, wechselt mitunter die musikalische Atmosphäre ähnlich wie man die Räume wechselt oder überlässt den Beats die Richtung zur nächsten Entdeckung.

Post-Rock-Elemente und New Wave, Synth-Pop und Indie-Rock vereinen sich in dem Haus, dessen Türen sich mit dem letzten Ton des Albums auf dem siebenminütigen „Underwater“ (Ein Song, der tatsächlich eine Atmosphäre verbreitet, als würde man sich unter Wasser befinden und am Ende sogar 'ausblubbert'!) endgültig schließen.

(Musikreviews)

The band creatively incorporate a heavy Krautrock influence into "Regret Everything," which kicks off with a rocket-powered motorik rhythm, then continues with unexpected melodic shifts. "Confidential Information" has touches of reverb-y surf guitars and lounge vibes but otherwise focuses on an urgent sense of heartache. The arrangement and sound design on "Another Artichoke" is bewildering, with shooting star-like horns and cloudy synth textures floating around insistent vocals ("Please hold my hand at least one more year"). O'Hagan's lush strings return on the final two songs, the slightly proggy "We Melt" and the mellower "Lost in Nights," which seems to fuse traces of shoegaze and '70s soul. Pia Fraus have had an impressive track record for over 20 years, but Evening Colours stands out as one of their more inventive, inspired efforts.

(All Music)

Der Album-Opener „Can I Call You“ schwebt zunächst dank Dougalls nachtschattiger Vocals im Dream-Pop-Himmel, nach zwei Minuten ein Break, der Motorik-Beat dreht auf, Coxon singt und holt neben der Fender Telecaster auch sein Saxofon raus.

So teilen sich die beiden zehn Songs, mal schnappt er sich das Mikro, mal sie, mal im Duett. Ein eklektischer Trip durch Power Pop, New Wave, Dream Pop, Kraut und Folk mit viel Saxofonheulen, Gitarrenplärren und Streicherdrama. Leider, so muss man sagen, hat das Duo die Mangelware ans Ende gekehrt und pro Song in Folge eine Schippe Cheesyness draufgeschaufelt: Im letzten Album-Drittel trödelt es allzu ermüdend vor sich hin. Bleibt uns die abenteuerliche Energie der übrigen zwei Drittel, und das ist ja auch viel wert.

(Musikexpress)

Da ist „Over And Over“, eine impressionistische Ballade, die wehmütig und detailversessen auch Platz für ein bisschen Bar-Jazz hat. Da ist das somnambule „Sleepwalking“, durch das ein Echo von Taylor Swifts „Shake It Off“ hallt. Da ist das symphonisch inszenierte Mini-Epos „Drowning“, das mit Xylofon-Arpeggios, dezenten Dissonanzen, Bläserakzenten und Minimal-Music-Anspielungen spielt und sich über einem ungeraden Beat ausbreitet, der ganz kurz zum Walzer wird. Und da ist „Someone Up There“, das zackig den New Wave der 80er-Jahre verarbeitet.

(Rolling Stone)

Aus manipulierten Orgel-, Gitarren- und Gesangsspuren und vor allem sehr viel Hall entsteht eine geisterhafte, verwehte Atmosphäre, die aber niemals zum Gothic-Mummenschanz verkommt.

In „Come Oblivion“ bittet Gemma Ray das Vergessen, sie in den Arm zu nehmen, und während die „Procession“ über den Friedhof schreitet, wartet man unweigerlich darauf, dass eine „Spiel mir das Lied vom Tod“- Mundharmonika vorbeischaut. So hat sich die Wahlberlinerin schlussendlich gar nicht so weit von ihren, zumeist in den Sixties verorteten Einflüssen entfernt, nur dass sie nun die ganz dunkle Seite des Jahrzehnts erforscht.

(musikexpress)

Im Auftakt, „No Love“, läutet dann auch tatsächlich gleich mal eine Totenglocke in die Pause hinein, die Gemma Ray setzt, nachdem sie „early warnings were clear“ gesungen hat. Ja, das hier ist durchaus schwerer Stoff. „No happy shit“ stand schließlich als Warnhinweis an der Studiowand. Also geht es gleich anschließend mit viel Uh-huh zur „Procession“, während der paranoide Electro-Gospel „I Am Not Who I Am“ und der kleine Fuzz-Albtraum „All These Things“ die Schraube später noch etwas fester ziehen.

(Rolling Stone)

It’s a 45 minute trip that passes at high speed, along the way the lean and mean streamlined rush of “TV Flicker” sounds like an established ‘greatest hit’ as does earlier single the motorik steamroller “Dr. Pong”.

By the time Souvenirs reaches its denouement with the heart-swelling heat haze shimmer of “Chelsea” we’ve heard ample evidence to suggest Pale Blue Eyes are in it for the long haul. These aren’t people making music to pass the time on a wet Sunday afternoon, Souvenirs is the creation of a band who have to make music and like all great debuts it’s both a culmination of their beginnings as well as a pointer to the wide open road ahead.

(The Line Of Best Fit)

Each composition is a dreamscape, with the layers of synths seemingly sugarcoating the memories that summoned the songs. There is a place for fantasy. Pulsey ‘TV Flicker’ conjures up a transition between earthly reality and extraterrestrial worlds. The ethereal pads and undulating arpeggios on ‘Dr Pong’ create a whirlpool of sound akin to the fast-forwarded swirling ocean in Tarkovsky’s Solaris. The phantasmagorical effervescence on ‘Champagne’ is balanced with the steady bass and drum pattern. This combination of sparkling lightness and the tangible resonance of the drums is one of the album's highlights.

Although Souvenirs is a daring record, there is a feeling that the Pale Blue Eyes’ fantastic spacecraft is suspended in the air before the real take-off. Perhaps, they are about to define the direction for the creative journey. Would be great to see them reaching for upper regions of space.

(The Quietus)

This heartwarming optimism is what characterises their debut from the get-go. Souvenir begins with frenetic electropop opener ‘Globe’, its underpinning rich vocal and twinkly synth doubling calling to mind OMD and New Order, and the chanted “you got this” call and response oozing hope and self belief. A determined energy follows suit with subsequent tracks; the expansive, gothic urgency in ‘TV Flicker’, heartfelt, humane pop in ‘Little Gem’, and anthemic, voyaging psych/Kraut of ‘Dr. Pong’ all maintaining a directed, mesmerising focus.

The extended jam at the end of the latter is a regular device on the album, and while its production value carries a real depth of character, it’s these instrumental sections that add authenticity, giving the listener a taste of the band’s prowess in a live setting. This is certainly true of songs like the driven, Cure-esque ‘Star Vehicle’, and the harmonically masterful ‘Sing It Like We Used To’, which employs 80s gated reverb effects without sounding archaic or cheapening the drums.

(Clash Music)

„An Stevel Nowydh“ eröffnet das Album mit federleichtem Psych-Pop-Vibes. Die spitzen E-Gitarren in „Anima“ erinnern an die „Soundtracks“ von Can – und auch das siebenminütige „Ardamm“ kommt mit motorischem Krautrock-Groove daher.

Im Kontrast zu den Retro-Klängen stehen die stark im Hier und Jetzt verwurzelten (und durch die Sprachbarriere natürlich nicht so leicht zugänglichen) Texte: Songs wie der Titeltrack „Tresor“ oder „Tonnow“ sind feministische Meditationen, während „N.Y.C.A.W.“ eine Kampfansage an die Gentrifizierung ihrer Heimat Wales ist. Diese einst totgesagte Sprache ist für Gwenno nur ein Medium, um äußerst lebendige Musik zu machen.

(Byte.fm)

Gwenno schafft es auf Tresor, so viele verschiedene Einflüsse zu einem stimmigen Gesamtkunstwerk zu verbinden. Gleich bei den ersten Tönen merkt man, dieses Album ist anders: Nicht nur sprachlich, sondern auch musikalisch erschafft sie eine einzigartige Klangwelt jenseits des Profanen, die fremdartig und entrückt und doch betörend und verführerisch ist. Man könnte sich zu diesem Album nachts auf einem Festival ins Universum hineindenken oder auf einer Sonnenwendfeier um das Lagerfeuer tanzen. Man kann nur hoffen, das Gwenno und ihre Musik – genauso wie die seltenen Sprachen und die Geschichten der kleinen, speziellen Communities, die sie besingt – uns noch lange erhalten bleiben.

(Bedroomdisco)

Weniger Beach House, mehr Retro: Wie ein Stück lässiger, verruchter 60s-Pop wirkt etwa der Titeltrack mit seinem eiskalten Groove und den Synth-Streichern. “Anima” ist dafür ein simpler Psych-Track, der auf den ersten Blick unaufgeregt vor sich hin plätschert, mit seinen hypnotischen Melodien jedoch schnell verzaubert.

Danach entpuppt sich “Tresor” allerdings als unzugänglichstes der drei Gwenno-Alben, denn zwischen den poppigen Sequenzen schieben sich düstere Wave-Momente, kurze Post-Punk-Ausflüge und wie in “Men An Toll” manchmal einfach nur synthetische Soundfetzen, die sich unaufhaltsam ins Hirn bohren.

Und auch wenn Saunders weiterhin nicht den Weg des massentauglichen Allerwelts-Pop wählt, um ihre Muttersprache in die Welt zu bringen, so ist sicher, dass “Tresor” mit seinen komplex und bedacht aufgetürmten Songs viel Anerkennung für die künstlerische Leistung einheimsen wird.

Es fasziniert, die Sängerin beim Entdecken und Erkunden der eigenen Identität durch musische Mittel zu begleiten und die Entwicklungen direkt im Gehörgang mitzuerleben – auch ohne Kornisch sprechen zu können.

(Musikblog)