Diese bereits erwähnten Gitarren-Wände ziehen sich wie in roter Faden durch das Album. Dabei wird eine breite Skala an unterschiedlichen Klängen angelegt. Ja, mit zwei Gitarristen lässt sich was bewirken. Die Sechsaiter stehen im Vordergrund, wenn es im melodisch-melancholischen "Pretend" zu einem weiteren Highlight kommt. Der Matthias Ballke-Gesang verstärkt die Atmosphäre dieses Hinhörers und das Sechssaiter-Solo am Ende des Tracks wird mit einem ordentlichen Fuzz dargeboten.

Die musikalisch-positiven Strömungen des Albums werden durch ziemlich nachdenkliche Phasen konterkariert. Allerdings sind es immer wieder die E-Gitarren, die die teilweise furiose Stimmung bestimmen. Da kommt Helene Ballke mit ihren Keyboards leider nicht so oft zur Geltung, wie in "Open Gate".
Zum Abschluss zieht das Quintett als Trumpf noch eine Power-Ballade namens "Somewhere" aus dem Ärmel. Deren Anfang und Ende besonders unter die Haut gehen.

"Transition" von Casino Garden ist wie eine Entdeckungsreise mit so einigen Überraschungen.

(Rock Times)

Nehmen Sie sich Zeit, den Schuber aus dem Digipac heraus zu fummeln und betrachten Sie in Ruhe die magisch-verstörenden Zeichnungen, die an japanische Manga-Kunst angelehnt sind. Im Hintergrund wirkt der Titelsong “Kodama” möglicherweise zunächst belanglos und austauschbar. Schnell verdichtet sich der Track mit verzerrten Gitarren und ruhiger Rhythmik aber zu einer komplexen Klangwand, in der Neiges warmer Klargesang sich nicht als formgebendes Element abhebt, sondern wie ein weiteres Instrument die Atmosphäre stützt. Ein wenig überrascht, fühle ich mich von den ruhigeren Parts an TOOL erinnert und das Zeitgefühl geht verloren. Der folgende Titel “Eclosion” bringt es fertig, gleichzeitig vergnügt und todtraurig zu klingen und befördert durch seelenzerfetzendes Gekeife ALCESTs Black Metal-Wurzeln an die Oberfläche. “Je Suis D’Ailleurs” erzählt wahrlich vom Woanders-Sein, wenn treibend-melancholische Gitarren sich über fernes Rufen aus der Kehle von Sänger Neige legen und ruhige Parts an Sonnenuntergänge in der Einsamkeit denken lassen. “Untouched” beginnt mit zarter Gitarre und indianisch wirkendem Klargesang. Melodiös-melancholisch schraubt sich der vierte Titel ins Herz und hinterlässt ein Gefühl von Vertrautheit, ehe “Oiseaux De Proie” an DREDG und TOOL erinnert, bevor es sich in grungige Untiefen stürzt und schließlich jeden Vergleich hinter sich lässt. Der letzte Titel “Onyx” breitet einen mystisch-elektronischen Trauerteppich aus und scheint in der Muskulatur zu beben, ehe Stille die knapp 45-minütige Tour de Force beendet, die ALCEST uns mit ihrem fünften Studioalbum bereiten.
(Metal)

The joy here is in how the duo marry theme and function. It sounds trite, but you could honestly take the samples out and there’d still be an emotional story to tell. There’s JFK’s voice ghosting over an angelic choir nestling just on the right side of Monty Python, there’s the beeping signal of the pioneering “Russian moon” built into the loping, housy rhythm of ‘Sputnik’; there’s ‘E.V.A’s’ portrayal of Alexey Leonov’s first spacewalk through quietly disorientating switches in timing and mood, breaking from excitement and speed to a gentle drifting. ‘Fire in the Cockpit’ abandons strong rhythms in favour of faint cellos and static supporting news reports presented without editing, underlining the stark tragedy of the Apollo One deaths, while ‘Go’ rejoices in the sheer speed and excitement of the first manned moon landings, confident and playful, and ‘Gagarin’ marks the first man to ever leave the planet with some seriously celebratory funk. In a showing of real confidence ‘Valentina’ drops the archive gimmick altogether to give the first woman in space a voice away from the propagandising Soviet media via the ethereal voices of ‘dream pop’ duo Smoke Fairies.

Best of all is ‘The Other Side’, which uses radio transmissions from NASA’s mission control to trace Apollo 8’s journey as the first manned craft to orbit the moon. A Kraftwerk-inspired electronic bed swells and jitters before dropping away as the crew pass out of radio contact. It’s cinematic and beautiful and, genuinely, when it bounds back into life and that rickety shuttle, constructed by a race who’d only discovered the aeroplane fifty years before, achieves lunar orbit while a calm voice informs them “there’s a cheer in the room” it will make you actually cry – history and melody and wonder hitting you all at once in a moment of complete joy and release. Just wonderful.

(Drowned In Sound)

Denn SHELTER hat in seiner an Slowdive, My Bloody Valentine und all die anderen von Neige verehrten watteweichen Wall Of Sound-Magier angelehnten Klangmacht tatsächlich an Härte gewonnen.

Das Licht wirkt stärker, ehrlicher in diesen leichten, opulenten, cineastischen Kompositionen als in den „alten“ Alcest-Liedern mit ihrer märchenhaften Naivität, die sich zuletzt noch so sträubend mit harten Riffs bemantelte. Insofern ist SHELTER ein Verlust für den Metal und ein Gewinn für Musikalität sowie Songwriting-Kunst; ein magischer musikalischer Exkurs in eine einfachere Welt, in der die im besten Sinn positive, kindliche Lebenssicht, die Neige sich bewahrt hat, zu wunderbaren Liedern wird. Melancholie und Sonnenschein, ich liebe es.

True Widow aus Dallas wurde 2007 gegründet. Mit “Circumambulation” veröffentlichte das Trio dieses Jahr bereits ihr drittes Album. Natürlich muss nicht für jede Band und jede Kombination bestehender Musikstile ein eigenes Genre benannt werden. Doch der von der Band bzw. deren Management genutzte Begriff “Stonegaze” ist einfach zutreffend: Stoner Rock trifft auf Shoegaze. Eigentlich fehlt nur noch “Drone” für eine komplette Umschreibung dieser Platte. Etwas abstrakter ist das dann wohl “Post Rock”. Und bildlich gesprochen klingt “Circumambulation” nach trockener Wüste in dunkler Nacht.

Die drei Musiker Dan Phillips, Nicole Estill und Timothy "Slim" Starks mit dem Produzenten Matt Pence geben dem Stoner Rock die Tiefe, welche die Basslastigkeit dieses Musikstils eigentlich mit sich bringt. Dan Phillips’ Gesang könnte sicherlich einen Tick enthusiastischer sein, aber vielleicht würde das eine Lebensfreude vermuten lassen, die True Widow sich und ihren Hörer nicht zugesteht. Selbst wenn Nicole Estill das Mikro übernimmt bleibt die Grundstimmung ähnlich. Das Gesamtergebnis in Form von “Circumambulation” ist weniger kryptisch als es einige der Songtitel vermuten lassen, aber vielen Hörern wird sich dieses Werk nicht erschließen.

Die Songs “Creeper”, “S:H:S” und “HW:R” sind die Höhepunkte des Albums.

Popmatters.com ist begeistert:

Circumambulation begins with the foreboding (and aptly titled) “Creeper” and ends with the gently decaying despair of “Lungr”, and between and among them there is all the dark momentum, late-night bad vibes, and sullen melodies you could want. Many of the best records manage the trick of making the listener feel like they are hearing nothing less than a satisfyingly total and complete sound-world, that for its length no other music could or need exist. The stoned-lava flows and driving inertia of Circumambulation make that trick seem like the easiest one in the world.

“Fourth teeth” ohne Video aber mit Blick auf das Cover (welches sich übrigens wunderbar auf schwarzen Abspielgeräten macht):

These New Puritans gibt seit dem Jahr 2006. Mit “Field of reeds” veröffentlicht die englische Band um Mastermind Jack Barnett nun ihr drittes Album. Es ist nahezu unmöglich These New Puritans ein Genrelabel anzuheften. Dafür sind die Platten jeweils für sich schon zu vielseitig und erschwerend kommt hinzu, dass ich kaum eine Band kenne die mit drei aufeinander folgenden Alben derart verschiedene Richtungen bedient hat.

Das Debüt wird häufig mit “Post Punk” verglichen. Die elektronischen Klänge darauf bildeten den kleinsten gemeinsamen Nenner mit dem Zweitwerk “Hidden”, welches mich an mich an Electro, Hip Hop, Lo-Fi, Trip Hop und Big Beat denken ließ. Und nun kommt mit “Field of reeds” ein unerwarteter weiterer Evolutionssprung. Wie andere Hörer des Album kann auch ich nur verzweifelt die Talk Talk-Spätphase als Referenz nennen. Ich tue mich häufig schwer mit dem Label “Post Rock”. Als solchen empfinde ich Musik die ich hören kann, wenn ich von fast allen anderen Ausprägungen mal kurzzeitig die Nase voll habe. Unter diesem Gesichtspunkt ist “Field of reeds” definitiv “Post Rock”. 

Minimalistisch gedachte aber teilweise orchestral dargebrachte Songs sind nur ein Indiz für das Spannungsfeld dieses Albums. Ich weiß noch nicht, ob ich begeistert oder geschockt bin. Auf jeden Fall ist “Field of reeds” eine besondere Platte und jedem empfohlen, der mal wieder musikalisch herausgefordert werden möchte.

Ampya.com:

Das Zwitterdasein von "Field Of Reeds"  macht den Reiz aus. Hinter wunderschön angeschlagenen Akkorden lauert die Finsternis. Man kann es sich auf dem Teppich aus wohligen Bass-Klängen nie zu gemütlich machen. Um die Ecke könnte das nächste Monster lauern. Verstörend. Betörend. Schön und schaurig zugleich.

Contactmusic.com:

In such a way it lacks the human heart and ease of access that makes it 'mean' something, but Field Of Reeds is a highly rewarding listen throughout and another step in one of the most unexpected left turns in modern British music. The most exciting thing is that you get the feeling that for These New Puritans this isn't the apex, but merely the beginning.

Hervorheben möchte ich den relativ zugänglichen Song “Fragment 2”, das unfassbare Songmonster “V (Island song)” und “Organ eternal”.

Auf dem Haldern Pop Festival wird die Band am 09.08.2013 vor den einen oder anderen PvG Richter treten.

Das Video zu “Fragment 2”:

[…] Wanderungen durch die Gefühlswelten, ein dichtes Netz voll geheimnisvoller Entdeckungen, ein Tautropfen der im Frühlingssonnenlicht ein Blatt entlangkullert, gleißend hell, leuchtend, frisch und voll Intensität. (gutes hören ist wichtig)

Sans Parade: The Last Song Is a Love Song (official video) from Sans Parade on Vimeo.

Bei den zwölf Tracks der Finnen ist jeder einzelne ein Glanzstück. So stellt sich einem die Frage: Wieso findet so qualitativ hochwertige Musik, wie sie von Sans Parade produziert wird, nur so ein geringes Publikum? […] Wahre Hymnen oder besser gesagt - Oden! an den Pop sind hierbei beispielsweise "Dead Trees" oder "A Liking Song". Ein wirklich typisches Songschema besitzen nur wenige Tracks. Sie wirken dadurch intensiv und authentisch, gefühlsecht wie ein Sonnenbad oder wie wenn die kalte Winterluft unser Gesicht in Wallung bringt, sobald man ins Warme kommt. Die Schattenseite ist ihr hoher Anspruch, ihre Unzugänglichkeit. (Valve-Magazine)

Nächstes Jahr werden die Deftones ihr 25 jähriges Bestehen feiern können. Erste Berühmtheit wurde im Rahmen des “Nu Metal”-Hypes zum Ende des letzten Jahrtausends erlangt. Das Debüt erschien 1995. Einen Einschnitt markierte die Veröffentlichung des dritten Albums “White Pony” im Jahr 2000. Damit bewies die Band Eigenständigkeit und erweiterte ihren musikalischen Horizont merklich. Neben wohlwollende Kritiken brachte das Werk der Band den bislang größten Erfolg. Bereits mit “Diamond eyes” knüpften die Deftones vor zwei Jahren musikalisch an “White Pony” an. Dieser Weg wird nun mit “Koi No Yokan” fortgesetzt.

“Koi No Yokan” ist intensiv. Dieses siebte Album der Band aus Sacramento enthält nichts, was die Band nicht schon bewiesen hat. Doch besonders in den harten Momenten klingt das einfach authentisch und mitreißend und stellenweise wird gar annähernd Tool-Niveau erreicht. Erneut produzierte Nick Raskulinecz, der auch schon für  die Foo Fighters (“One by one”) und Alice In Chains (“Black gives way to blue”) tätig war.

Es fällt mir schwer die besonders starken Titel auf diesem starken Gesamtwerk zu identifizieren. Aber “Poltergeist”, “Tempest”, “Swerve city” und “Rosemary” lege ich der erweiterten Zielgruppe wärmstens ans Herz. Besonders auffällig ist, dass trotz relativer Härte keiner der Songs jemals schmerzt.

Nach “White Pony” ist “Koi No Yokan” bislang in meiner Wertung das beste Deftones-Album. Außerdem ist es die filigranste Hard Rock-Platte des Jahres.

Metal.de kam auf PvG bislang selten zu Wort:

"Koi No Yokan" ist eine wunderbar facettenreiche und ausdrucksstarke Platte, die mancher der Band in dieser Form wohl nicht zugetraut hat. Unabhängig von allen "White Pony vs. Saturday Night Wrist"-Diskussionen muss man festhalten: Das hier ist einfach leidenschaftliche, herausragend in Szene gesetzte Musik.

Das Video zu “Tempest”:

Einige der acht Songs sind schon länger im Repertoire, “Dauðalogn” und “Varðeldur” stammen aus den Sessions zu “Takk...” (2005), und die Planung zum Einsatz von Chören gab es bereits 2002. Behutsam wie das schwebendes Schiff des Album-Teasers in gelbstichig verblasster Optik und der ersten Single „Ekki múkk“ besinnen sich die 54 Minuten auf ihre Sigur Ros Anfänge zurück. Seit ihrem Debüt 1999 waren sie poppiger geworden, nun geht es offenbar wieder in die andere Richtung zu atmosphärischen Tönen – Sigur Ros bezeichneten ihre Musik selbst als “Lawine in Zeitlupe”. Passenderweise bedeutet der Albumtitel “Valtari” auf Deutsch “Dampfwalze”.

(thegap)

Die 54 Minuten Spielzeit verteilen sich auf acht Songs, denen alle herkömmlichen Strukturen fehlen. Mit größerer Fokussierung auf elektronische Sperenzchen bewegen sich die Isländer in Richtung Ambient und machen dort weiter, wo sie eigentlich mit ihrem dritten Album (das mit den Klammern!) 2002 aufgehört haben. Das muss man wohl für einen mutigen Schritt halten, und das mag auch als Untermalung für TV-Dokus passen – als Begleiter des wirklichen Lebens aber ist „Valtari“ untauglich. Wer schaut sich schon rund um die Uhr Kunstwerke und Experimentalfilme an? Nicht mal Damon Albarn.

Sigur Rós ignorieren also diesmal ihre zuletzt häufigeren Popmomente. Mit „Hoppípolla“ enterten sie einst die englischen Singlecharts, Chicane polten das Stück gar in einen Clubhit um. Mittlerweile dient der Song von 2005 als Einlaufhymne für den Drittligaclub Preston North End.

„Valtari“ hat so gar nichts Euphorisierendes mehr und taugt in einem Stadion nur als Soundtrack zu den Tränen nach einem Abstieg.

(Rolling Stone)

Liebe Freunde, Unterstützer, Veranstalter,

zu unserem größten Bedauern sind wir gezwungen alle anstehenden Konzerte der „Hearts-Tour“ abzusagen. Innerhalb der Band gibt es einen schwerwiegenden Krankheitsfall, weswegen wir in den nächsten Monaten nicht in der Lage sind Auftritte zu spielen.

Wir fühlen uns sehr zerstört und traurig euch diese Zeilen zu schreiben, da uns schon immer das Touren und die Live-Konzerte sehr stark am Herzen liegen. Nachdem wir nun seit über zwei Jahren auf diese Tour hingearbeitet haben, fällt uns die Entscheidung gerade zum jetzigen Zeitpunkt außerordentlich schwer.

Wir hoffen, dass für Keinen der Beteiligten dadurch Nachteile oder Probleme entstehen und bitten für die kurzfristige Absage um Nachsicht und Verständnis. Nichtsdestotrotz wird „Hearts“ wie geplant ab dem 06.04.2012 im Handel erhältlich sein. In dieser schweren Situation sind wir mehr denn je für eure Unterstützung dankbar.

Alles Liebe

The Audience

Obwohl sie dem Flackern der Discokugel entfliehen wollte, sind die fünf aus Hersbruck auf ihrem 3. Album den antreibenden Beats nicht abhold geworden, keine einzige Ballade findet sich hier, sondern ausnahmslos schnelle und Midtempo-Stücke, durchzogen von Sehnsucht und einem Gefühl, nach den Sternen zu greifen. Dafür wählen sie gerne ein Rückgrat aus tighten, ineinander verzahnten Schlagzeug- und Bassfiguren, ein energetischer Rückhalt, der mehr als früher die Songs strukturiert und mit sanftem Druck die Songs hypnotisch anschiebt. Das Zusammenspiel und der bisweilen sparsame, aber sehr gezielt klingende Einsatz von Orgel und Gitarre stößt dank erweiterten Klang- und Hallspektrums oft in ungeahnte, psychedelisch-postrockige Sphären vor, ohne sich von waviger Gitarren-Schrammeligkeit zu verabschieden. In Szenarien, die durchaus auch instrumental funktionieren würden, bringt Sänger Bernd Pflaum mit seinem charismastischen, fast schwebendem Gesang zum Leuchten. Bisweilen erscheinen The Audience losgelöst wie bei "Looming" oder dem erhabenen "Waves". Sie reiten auf dem Rücken eines Neu!-Beats dem Horizont entgegen ("The Lesser Things"), begeben sich immer wieder gerne in Gesellschaft eines geschmeidigen Disco-Punk-Monster-Grooves ("Wolves"), pendeln zwischen Post-Punk und Prog-Postrock ("Sirens") oder zwischen Doublebass-Attacke und geisterhafter Verträumtheit ("Endless Wall") bis hin zum gar den Punkrock touchierenden "We won´t get home". 

(flight13.com)

Die bereits auf dem Zweitwerk "Dancers and Architects" (2009) gezeigten Stärken des Quintetts wurden auf "Hearts" konsequent ausgebaut, und so besticht auch das aktuelle Album von THE AUDIENCE durch griffige und verträumte, kompakte und zugleich hypnotische Songs. Mal postrockig, mal psychedelisch, mal unverhohlen mit Punk kokettierend und dabei stets von einer der besten aktuellen Rhythmusgruppen in diesem Lande getragen: 

Auch im Jahre 2012 bleiben THE AUDIENCE unvorhersehbar. Lediglich die Qualität des neuen Albums setzt da an, wo sein Vorgänger aufhörte- an der Zimmerdecke. Tendenz aufsteigend.

(myrevelations.de)

Bereits der Opener “Circles and Squares” brettert dann schon ordentlich los. Der Song ist laut, schnell und zeigt die ganze Wucht der Band. Das, was sie in der Folge bieten ist bis auf einige ruhigere Bridges in den Stücken schon ein wahres Rockbrett mit massiven Breitwand-Gitarren. Das große Tempo unterbrechen die Jungs nur, um an ein paar Stellen die Stücke ein wenig atmosphärisch auszuarbeiten, wie sie es auf dem Debüt bei “Keeping Warm” schon so herrlich gemacht haben. Diese Momente des Innehaltens sind aber doch eher selten und so ist “In The Pit Of The Stomach” vor allem eines: laut!

Das gesamte Album ist bei aller Wucht und Freude am gereiften abrocken derlei laut produziert, dass man kaum feine Nuancen in den Stücken wahrnehmen kann. Das Zusammenspiel von laut und leise, dass ihre Labelmates von The Twilight Sad in ihrer düsteren Mischung aus Shoegaze und Post-Rock perfekt beherrschen und in packenden Rocksongs bündeln, müssen We Were Promised Jetpacks noch üben. Gerade was den Gesang betrifft müssen sie noch lernen, dass es mehr als eine Art zu singen gibt und man nicht über 47 Minuten Albumlänge eine Stimmung beibehalten muss.

Dennoch, “In The Pit Of The Stomach” ist ein verdammt reifes Rockalbum, auf dem die jungen Schotten ihrem Songwriting eine neue Richtung gegeben haben und sich gegen den sicheren Weg entschieden haben. Das verdient Respekt und den werden sie sicherlich in Form von weiterhin wachsendem Erfolg erfahren.
(whitetapes.de)

Wer ein Album selbst vertreibt und mit einem achtminütigen Instrumental beginnt ist wohl wirklich “Independent”. Partner für Management und Booking sucht die junge Band Mexicola aus Greifswald noch, aber Musik produzieren und veröffentlichen kann sie bereits. Ich bin recht beeindruckt vom Debütalbum “Distant lights” und wünsche von Herzen viel Erfolg für die weitere Entwicklung… vor allem weil ich die Band mal sehr gerne live sehen möchte.

Wenn eine Band den gleichen Namen trägt wie ein Song der Queens Of The Stone Age, lässt das schon einige Rückschlüsse auf den Sound zu. Meine schnelle Assoziation beim ersten Hördurchlauf war Tool. Darüber hinaus kritzelte ich Pink Floyd, Danzig, Metallica, Incubus und Dredg auf meinen Notizzettel. Mexicolas Dame an den Drums und ihre drei Bandkollegen bezeichnen sich selbst als “Post-Prog-Stoner-Rock-Band”. Passagen psychedelischer Jam-Session bilden das Schmiermittel dieser Kombination.

Man irrt sich nicht, wenn man dahinter eine wilde Mischung vermutet. Aber so zerrissen und verstört das Album teilweise ist, so schlüssig und stimmig wirkt dieser Schmelztiegel in seiner Gesamtheit. Die vier Jahre der Entstehung haben deutliche Spuren hinterlassen. Nicht auszudenken was die Band produziert, wenn sie sich erst einmal auf einer ausgiebigen Tour ausgetobt hat. Dadurch und / oder durch eine fokussierte Produktion könnten klarere Strukturen geschaffen werden und das Ergebnis noch durchschlagender sein.

Die akzeptable aber nicht umwerfende Soundqualität ist sicherlich der idealistischen Herangehensweise bei den Aufnahmen geschuldet. Dafür ist das Cover der CD sehr liebevoll gestaltet und trotz der ernsten Musik erkennt man lachende und humorvolle Bandgesichter. Mexicola nimmt sich also nicht zu ernst und hat hör- und sichtbar Spaß an der Musik. Ich hatte diesen auch und jeder Fan harter und intensiver Musik könnte den auch erleben.

Das Video zu “The unforgettable”:

Und das zu “Where I belong”:

Das Album gibt es als Stream und zum Kauf bei Bandcamp.

"Silesia" ein sehr persönliches Werk geworden, welches melodische Pop-Wave-Indie-Songs beinhaltet. Die sanfte Stimme von Kristofer Jönson wird mit hallenden Post-Rock Klängen angereichert und klingt neben den bekannten Indie-Sounds schon stark nach einem Pop-Album mit elektronischen Einflüssen. Verzerrte Gitarren vergangener Tage kommen kaum noch vor, dafür haben elektronische Sounds und Effekte die Oberhand gewonnen. Atmosphärische Stücke werden hier in den Vordergrund gestellt und könnten den perfekten Soundtrack zu einem düsteren Film abliefern. Vergleiche zu Bands wie DEATH CAP FOR CUTIE oder SUNNY DAY REAL ESTATE in deren Anfangstagen sind durchaus vorhanden.

Leider ist der Gesang etwas zu leise produziert, was zwar gut zu den romantischen Songs passt, auf Dauer jedoch ziemlich eintönig ist. So wird zum Beispiel das Stück "A Drink To Remember" mit über sieben Minuten Laufzeit unnötig in die Länge gezogen, die Spannung lässt schnell nach und der Song klingt nach wenigen Minuten langweilig.
"Silesia" ist ein weiterer Schritt in Richtung eines ausgereiften Pop-Albums geworden, bei dem selbst die Fans der ersten Stunde genügend einfühlsame Stücke entdecken können. Potential besitzen die vier Schweden auf jeden Fall, wobei ein wenig mehr Abwechslung sicher nicht schlecht gewesen wäre.
(in-your-face.de)