Wie soll das Jahr enden, ohne dass einer der tollsten Songs des Jahres hier vor Gericht erwähnt wird? Ich präsentiere dazu Beweisstück A:

Weil ein Song noch kein gutes Album macht? Ich präsentiere gerne Beweisstück B:

Bei allem Respekt vor Dirks qualitativem und quantitativen Input hier vor Gericht... man kann nur vermuten, warum dieses Album bislang nicht hier vor Gericht gelandet ist. Ich habe seine Katzen Iggy und Bowie in Verdacht: Vermutlich haben sie immer irgendeine Shoegaze-Platte auf den Plattenspieler geschummelt, als eigentlich "Postindustrial hometown blues" von Big Special dran gewesen wäre. Plattencover mit Hunden haben es in dem Haushalt bestimmt nicht leicht, auch wenn Beweisstück C und die Bilder von 3 von 4 Urteilsverkündungen pro Jahr gegen eine komplette Voreingenommenheit sprechen. Ferner ist Dirks Befangenheit in den Beweisstück D  und E transparent dokumentiert. 

Big Special aus Birmingham sind Joe Hicklin und Callum Moloney. Auf ihrem Debüt wandeln sie auf Pfaden, die von Bands wie den Sleaford Mods und Fontaines D.C. bereitet wurden. "Postindustrial hometown blues" ist vielseitig, der Opener "Black country gothic" beschreibt sowohl in Titel als auch im Stil den Kern des Duos:

Opener ‘Black Country Gothic’ captures the spirit of the Midlands duo’s debut and whole aesthetic. Your shouty punk lads and talky artsy bands are 10-a-penny, but there’s a bluesy depth here. Beneath a tower of soul as Moloney gives it what-for and Hicklin paints his hometown’s faded glory of “off-white angels kicking feral pigeons and picking up half-smoked nubbins” as a true noir epic; brute force and tenderness in equal measure. The spirit of Peaky Blinders but with scratch cards and hangovers over gore and cosplay.

(NME)

Die Sprache, die Botschaften und das Auftreten der Band zielen sicherlich mehr auf die eigene Insel als auf das europäische Festland. Trotzdem wird die Band nächstes Jahr u. a. auf dem Maifeld Derby als auch auf dem Best Kept Secret Festival zu finden sein. 

"Postindustrial hometown blues" ist für ich ganz klar das "Black Country Gothic" Album des Jahres. Aber auch genreübergreifend wird es in meiner Jahresbestenliste recht weit "oben" zu finden sein. Und zweifellos passt zu diesem Album das Cover eines potentiell angriffslustigen und kläffenden Hundes besser als ein Katzencover. 

Das knallt hier und da echt gut, die Schrammelgitarren sägen ein paar Bäume um, Frontmann Dylan Baldis Gesang überzeugt mit einer gelungenen Mischung aus Rotz, Rage und, äh, Relaxation. (…)

Da rast "Am I something" mit viel Druck durchs Haus und haut mal eben den Putz von den Wänden, poltert "Open rain" in bester Neunzigerjahre-College-Komödien-Manier und mit verschmitztem Lächeln drauf los, als wäre Baldi selbst wieder 18 Jahre alt, oder zelebriert "It's love" mit 180 km/h eine schnelle, hektische, stürmische Liebe mit vielen Knutschflecken am Hals und noch mehr Herzklopfen. Wer hier wirklich auf die große Veränderung hofft, wartet ehrlicherweise vergeblich. Stattdessen empfiehlt es sich, das Album als genau das anzunehmen, was es ist: Nämlich ein Lebenszeichen von einer Band, die immer mindestens gut ist. Und solche Hausnummern braucht's eben auch.

(Plattentests)

Das Album mag nur sechs Songs beinhalten, die aber gerne an der zweistelligen Minutenzahl kratzen und neue Versionen der bekannten Tracks mitbringen, klingt aber zu jeder Zeit so, als stehe man inmitten Dutzender anderer Menschen vor einer Bühne, um Isaac Wood dabei zuzuhören, wie er als einer der momentan spannendsten Texter Middle-Class-Depression, Popkultur-Arroganz und Gen-Z-Dekonstruktion in sein leidendes Sprechsingen legt.

Die Songs sind zu gleichen Teilen Shit-Posts und messerscharfes Generationen-Porträt, verstecken sich mal hinter beißender Ironie, nur um dann aufzureißen, wenn es weh tun darf. Dabei flirren die Saxofone und Violinen in den Songs umher, die nie da enden, wo sie begonnen haben. Sie lassen Raum für dramatische Pausen, geben sich wie in „Opus“ aber auch dem Exzess hin. Bis wir wieder vor eine Bühne dürfen, ist das nicht nur „the next best thing“, sondern sogar „the next BIG thing“.

(musikexpress)

Auf dem ersten Track des Debütalbums »Instrumental« spielt die Band sich nach einem kurzen Schlagzeugsolo zügig mit Klezmer schwindelig, zunächst angeführt von der Geigerin Georgia Ellery, bald unterstützt von Lewis Evans am Saxofon. Der Rock? Der kommt auch noch dazu, aber er bleibt nicht lange, er bleibt nie lange bei Black Country, New Road.

Melodische Gitarrenakkorde, gestoppt von einer Free-Jazz-Wand, überschwängliche Folklore, die von Lärm zermahlen wird – die Band hat viele Ideen, nur eine davon würde mancher Band für einen ganzen Song reichen. Black Country, New Road aber packen in einen Track, was ihnen einfällt, und wenn er dann fast zehn Minuten dauert: muss eben alles mit. Für die nächste Nummer wird es schon genug neue Ideen geben.

(Spiegel)

Wir sind dankbar, dass uns nicht noch eine Band in holperigen Texten erklärt, wie schlimm unsere Zeiten sind. Die Türen setzen gegen gut gemeinte, mit Musik verkleidete politische Verlautbarungen ein künstlerisches Statement – und machen damit alles richtig.
(…) Traditionelle Songstrukturen gibt es nicht. Es klingelt, pluckert, gluckst, mäandert und schrabbelt eine Stunde und 53 Minuten immer im Kreis.
Ist das jetzt Krautrock, Sun Ra, Kraftwerk, Der Plan, Techno, Suicide, Psychedelia oder einfach nur Quatsch? Von allem etwas und noch mehr. Das Album ist übrigens nicht nur theoretisch gelungen, man kann die Musik auch sehr gut hören.
(musikexpress)

Pop-Songs sucht man hier tatsächlich nahezu vergeblich. Vorherrschend sind nun viel mehr elektronische Spielereien, rhythmische Verschrobenheiten, Wortfetzen, breit angelegte Soundcollagen. Einzig das vierte Stück „Abgehauen“ hat noch eine klare Punk-Attitüde („Ich bin eingebrochen, und ich bin ausgebrochen, tatütata, dann bin ich einfach abgehauen“) und hätte so auch auf dem Vorgänger vertreten sein können. (…)
Die Abkehr vom Song und die Hinwendung zur Collage kann, gesellschaftlich gedacht, auch als ein Zeichen der Zeit gedeutet werden. Klare Antworten, klare Strukturen gibt es nicht mehr, alles (so scheint es), was gerade noch neu ist, löst sich im nächsten Moment wieder auf. Was bleibt, ist ein großes Fragezeichen. Und, zumindest auf „Exoterik“: ein gutes Gefühl.
(Pretty in Noise)

Burton durfte im Studio seine originären Klangeinstellungen nutzen, diesen stets etwas pappig-ploppenden Sound, dem eine Dimension zu fehlen scheint. Einfach das Schlagzeug bei „Violence“ hören, dann weiß man, was gemeint ist. Über diesem Ploppen aber lässt Sänger Andrew Savage eine Tirade los, die an einen hyperventilierenden Jonathan Richman im Mark-E.-Smith-Modus erinnert, die Band spielt dazu einen coolen Freakbeat-Fuzz zur Doors-Orgel – gut vier Minuten läuft der Song, man denkt immer, es wären höchstens zwei. „Total Football“ beginnt als langsamer Punkrock, wird dann zu hüpfendem Pop-Punk, bleibt aber ein Hit.
(musikexpress)

Neben den klassischen post-punkigen Stücken finden sich auf "Wide Awake!" viele Experimente, sei es Latino-Rhythmen, weißer Funk, klassischer Seventies-Rock oder pianogetriebener Blues-Rock. Die Parquet Courts meistern diese Ausflüge Dank einer ausgiebigen Vorbereitung und Danger Mouse an der Seitenlinie allesamt souverän. Und über allem hängt dieser Schrei nach Zusammenhalt, nach einer Korrektur dieses gigantischen Systemerrors.
Ein tanzbares Album wollten die Parquet Courts vorlegen, und das haben sie zu weiten Teilen geschafft. Ein Album für ein positives Gemeinschaftsgefühl und gegen den grassierenden Nihilismus. „Move ahead, and your ass will follow“ – das gilt noch immer.
(BR)

Was sie selbst machen kann, macht die Band selbst. Was sie nicht selbst machen kann, macht sie lieber gar nicht. Ein gesundes Misstrauen gegenüber den Funktionsweisen und Gaunereien des Musikgeschäfts trifft bei Parquet Courts auf einen unerschütterlichen Glauben an den Rock ’n’ Roll und seine Mythenschreibung. In diesem Spannungsfeld entfaltet ihr neues Album Wide Awake eine Wirkmacht, die man Männern mit Gitarre, Bass, Schlagzeug und gelegentlichem Georgel gar nicht mehr zugetraut hatte.
Zunächst sticht hervor, wie wütend diese Platte ist und wie sehr Parquet Courts ihre Wut musikalisch verdichtet haben. Als Doppelspitze der Band beschränken sich die Songwriter Andrew Savage und Austin Brown an den E-Gitarren überwiegend auf Säge- und Abrissarbeiten. Ihre Instrumente kreiseln um sich selbst, durchtrennen die Songs in der Mitte und würgen jeden Versuch eines Soloausflugs sofort wieder ab. Savages jüngerer Bruder Max bolzt dazu ein weitgehend unvariiertes Funktionsschlagzeug durch das Album: Er spielt mit der Präzision und Formtreue des Mathematikstudenten, der er tagsüber ist. Melodiegespür und Leichtfüßigkeit bleiben deshalb Sean Yeaton überlassen. Der Bassist entpuppt sich mit weichem, vergnügtem Spiel als heimlicher Star von Wide Awake.
(Zeit)

Die Lieder von „Vergifte dich“ sind beängstigend nah am Leben. Oder besser: Sie trotzen dem oft grauen Alltag eine Würde ab, verleihen dem Unbehagen an der Gesellschaft einen nihilistischen Glanz. Musikalisch oszilliert das Album zwischen berauschtem Kneipenlied und pessimistisch nachtretendem Post-Punk. Aber wie zart ist „Vergeben heißt nicht vergessen“! Dafür kann man sie gar nicht genug lieben.
(Rolling Stone)

„Ich war schon überall, ich hab alles schon erlebt“, nölt Bamborschke in der ersten Single „Kicks“, taumelnd zwischen Apathie und Angriffslust. Hallo DAF, hallo Selbstverschwendung. Körperlicher, zwingender als bislang brechen sich No Wave und Postpunk hier Bahn; in den Nachtmomenten der Platte hingegen klingt die Gitarre sacht und traurig wie Neuschnee auf dreckigem Asphalt.
Sicher, Bamborschke schreibt noch immer schönste Alltagslyrik, die erahnen lässt, wie sich die frühen Element of Crime angehört hätten, wären sie nicht schon immer alte Seelen gewesen. Zu ungekannter Größe aber finden Isolation Berlin, wenn sie das Abstraktionslevel erhöhen, etwa bei „Melchiors Traum“, dem bisher wohl komplexesten Song der Band. All das fügt sich zu einem Album, das versucht, uns auf Distanz zu halten. Und uns Romantiker, Schnösel, Hedonisten genau deshalb umso heftiger packt.
(musikexpress)

Wenn das nun Spelunken-Pop (»In deinen Armen«) oder gar Berliner Schule ist, dann passt das entweder besser nach Hamburg oder hat schon jetzt die meisten Klassenbucheinträge. Aufmüpfiger Noise (»Vergifte dich«), melodiöse Piano-Liebelei (»In deinen Armen«) und schlaftrunkene Synthies kippen dem Imperativ des Albumtitels schizophrene, aber immerhin klare Sounddestillate ins Schnapsglas. Von schwelgerischer Melancholie bleibt eigentlich nur Tristesse übrig, die Traditionslinie tagebuchtauglicher Poesie findet dennoch ihr Plätzchen. Für »Marie« trotzdem blöd: Sie ist mit Sicherheit die letzte Germanistik-Kommilitonin, die auf den romantischen Nihilismus Bamborschkes reinfällt. Mit »Die Leute«, ganz sicher aber mit »Kicks«, einer Ode irgendwo zwischen Electro-Punk und selbstzerstörerischer Individualitätstheorie, gelingt Isolation Berlin dann auch noch der Hit, den diese bewusstseinsströmenden Notizen nicht mal gebraucht hätten.
(intro)