Auch das dritte Werk der 36-jährigen Musikerin mischt Sci-Fi-Sex mit ätherischem Symbolismus – es geht ums „Fühlen“, das wird auf jedem der elf Songs deutlich. In „Perfect Stranger“ umschreibt sie die befreiende Anonymität eines One-Night-Stands mit den Worten: „You’re a stranger, so you’re perfect/ Just give me the person you want tonight“, im dazugehörigen Video verkörpert sie in einer Szene Allen Jones’ berüchtigten BDSM-Tisch aus den 60er-Jahren – auf allen vieren trägt sie eine gläserne Tischplatte auf dem Rücken. Die vom britischen DJ Koreless und der US-Produzentin Eartheater produzierte Platte ist eine konzentrierte Hommage an die fisselig-scharfen Dance-Sounds der 2000er, an frühe Neptunes- und Timbaland-Produktionen, gemischt mit sphärischen, transzendentalen Anwandlungen. „Keep It, Hold It“ könnte mit seinen gospelartigen Call-and-Response-Teilen auch ein Mantra sein. Als ob FKA twigs zusammen mit Erykah Badu einen Trip nimmt und dann vom Raumschiff abgeholt wird.

(Rolling Stone)

Stand bei MAGDALENE noch zerstörerischer Heartbreak und Neuanfang im Mittelpunkt, geht es diesmal eher um Clubmusik und Euphorie auf dem Dancefloor (…). Nein, FKA Twigs zieht es eher zu den experimentelleren Nächten, zu den härteren Bässen und den intensiveren Gefühlen.

Als folgt sie mit dem Album dem Verlauf einer Nacht, zeichnet sie emotionale Höhen und Tiefen nach, verbindet Härte und nostalgische Popmomente. So etwa im Opener „Eusexua“ (bei dem unter anderem ihre neue BFF, die Experimentalpopprinzessin Eartheater, mitgeschrieben und -produziert hat) oder dem kathartischen „Drums Of Death“ (dessen Co-Producer Koreless der Legende nach den charakteristischen Beat direkt im Berghain aufgenommen haben soll – verleiht dem Ganzen natürlich die gewünschte Prise Realness). „Girl Feels Good“ dagegen erinnert an Madonnas „Ray Of Light“ und an Massive Attack in den Neunzigern, so wie auch „Striptease“ die Hochzeiten des TripHop heraufeschwört – allerdings mit einem Bass, der FKA Twigs eindeutig ins Heute verpflanzt.

(musikexpress)

Da wäre etwa das auf sein Skelett reduzierte „Reckless“, auf dem Clark ihre Stimme zum Zittern bringt, wie es nur ein richtig emotionaler Streit auslösen kann – just bevor ihr ein akustisches Gewitter inklusive kirchenchor-ähnlichem Gesang zur Seite gestellt ist. Später lässt sie auf „Flea“ ihre Stimme über kalifornisch-verspulte Gitarren schlängeln, nur um mit „Violent Times“ einen Song zu liefern, der mit seinen großen Gesten in Gesang und Arrangement (theatralische Gesangsharmonien! Blasinstrumente!) glatt als eine Bewerbung für den nächsten James-Bond-Titelsong durchgeht. (…)

In der letzten Minute von „All Born Screaming“ nimmt uns Clark jedenfalls an die Hand und reist mit uns der Stratosphäre entgegen. Genese, Tod und Wiedergeburt – Annie Clark erspart uns nichts. Und genau dafür lieben wir sie.

(musikexpress)

Vor recht genau 20 Jahren sah ich Róisín Murphy mit Moloko live. Vor recht genau fünf Jahren legte ich mir DJ Kozes Album "Knock Knock" zu. Was die beiden Sachen miteinander zu tun haben? Bis vor wenigen Monaten nichts. Doch dann kam mir zu Ohren, dass die beiden gemeinsame Sache in Form eines Albums machen. Selbiges wurde selbstbewusst "Hit parade" getauft. Bezüglich der "Hits" wird das einstündige Werk diesem Anspruch nicht ganz gerecht. Aber die Zusammenarbeit der beiden ist ansonsten rundum gelungen und so finden die eingangs erwähnten Events doch noch zusammen. Pop, Soul und Electro vertrage ich üblicherweise nur in geringer Dosierung, aber Murphy und DJ Koze haben ihr über Jahre und große Entfernungen eine atmosphärische Platte produziert, die bei vielen Stimmungen und in vielen Settings funktionieren. Die Highlights sind für mich "What not to do", "Hurtz so bad", "Eureka" und für mich ganz vorne "Can't replicate". Dort schließt sich auch ein weiterer Kreis: Dieser Song erinnert mich an Gus Gus und die waren 2003 die Vorgruppe bei Molokos Konzert. 

"Hit parade" ist Murphys sechstes Album, der Nachfolger von "Róisín Machine" und meines Erachtens ihr bislang überzeugendstes Solo-Album. Nun ja, Duo-Album.  

Der WDR kürte es u. a. mit dieser Begründung zum "Album der Woche":

Róisín verwandelt Kozes feingliedrige, bisweilen kauzige Produktionsweise in große Popmusik. Sie singt mit samtweicher Stimme, die ab und zu angenehm kratzen kann – oder sich im amerikanischen Akzent übt, wie im Intro von "The Universe". Ein humoristischer Kunstgriff, genauso wie der Albumtitel, den Koze in Reminiszenz an vergangene Chartserfolge vorgeschlagen hat, die die beiden in den Neunzigern erleben durften: sie mit ihrer Ex-Band Moloko und dem großen Hit "Sing It Back", er mit dem Hamburger Hip-Hop-Kollektiv Fischmob. 

"Fader":

PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE bietet fantastische Synth-Pop-Tracks wie „To Be Honest“ oder „True Love“ – das sind die Singles. Doch was sich um sie herum abspielt, macht diese Platte so überirdisch gut. Chris steigt intim ein: „Tears Can Be Soft“ enthält ein Marvin-Gaye-Sample, der Sound erinnert an WHAT’S GOING ON. Der elegante Neo-R’n’B-Track „A Day In The Water“ zeigt, wie wichtig Chris auf diesem Album die Melodien sind, „Track 10“ ist ein mehr als elf Minuten langer Avantgarde-Ritt, irgendwo zwischen Scott Walters Spätwerk, Drum’n’Bass und This Mortal Coil.

(musikexpress)

Erst mal wird "Fossora" allenthalben vorsichtig als "zugänglicher" bezeichnet, von einer "Rückkehr zum Pop" ist gar die Rede. Es ist trotzdem zu früh, die Tanzschuhe, die seit "Debut" im Schrank stehen, rauszuholen. Wenn Björk im dritten Stück minutenlang Sample-Schnipsel ihrer Stimme rumschiebt, klingt das wieder eher nach Tonband-Avantgarde der Siebzigerjahre, man will intuitiv nach dem Programmheft greifen. Aber direkt danach, in den warmen, pastoralen Chorsätzen von "Sorrowful Soil" macht sie das Gleiche dann einfach noch mal in richtig: keine Sample-Schichtereien, sondern Gesang, schmachtend und umarmend. (…)

Die Melodien bleiben weiterhin eher spröde, in Radiogefälligkeit will sie erkennbar nie wieder zurück. Aber nach und nach finden sich auf "Fossora" Lieder, die einen ein bisschen mehr willkommen heißen als die der vorherigen Alben. "Freefall" ist eine zarte Meditation mit Streichquintett. "Fagurt Er í Fjördum", Björks Version eines isländischen Volkslieds, schwelt verträumt dahin (jetzt bloß alle Vergleiche mit Geysiren-vor-dem-Ausbruch vermeiden). Und im vergleichsweise harmonischen "Ovule", dem vielleicht schönsten Lied des Albums (Posaunen!), ist Björk am ehesten wieder an dem Punkt, wo ihre Musik klingt wie an der Küste in den Wind gesungen, majestätisch und impulsiv und wetterfest. (...)

(Süddeutsche Zeitung)

„Just A Room“ oszilliert zwischen Orgeltoccata und Spieluhrmelodie, „Herem“ ist eine verwunschene Gottesanbetung, ein Raum, in dem die Zeit auf magische Weise stillsteht.

Im „Scherzo“ zieht Hadreas alle expressionistischen Register. Sein Genie besteht darin, dass seine künstlerischen Ambitionen zu unterhaltsam sind, um als Toninstallationen in Museen zu verkümmern. Der Titelsong klingt, als hätten Prince und Leonard Cohen ein Dancehall- Stück von Shabba Ranks aufgenommen. Das hypnotische „Eye In The Wall“, das von einem Dampfpressen-Beat gestützte „Photograph“ und das infernalische „Hellbent“ bilden die Höhepunkte des grandios sperrigen Reigens.

(Rolling Stone)

„Eye In The Wall“ steigt durchs pulsierende Electro-Gloryhole. Das mysteriöse, blechbläsersatte „Photograph“ wäre der perfekte Bond Song, wenn es denn mal einen queeren Bond gäbe. Noch nie war Perfume Genius auf einem Album seiner Klavierballaden Komfortzone weiter entstiegen als nun auf UGLY SEASON. Es ist das Gegenteil von ugly. Und hoffentlich auch nicht bloß eine Season.

(musikexpress)

„King“ heißt die Single, die auf die Agenda setzt, was Welch beschäftigt hat: Familienplanung, tickende biologische Uhren, solche Sachen. Zum Kitchen-Sink-Realismus lässt sich die Königin des pompösen Wallekleid-Pop zwar auch weiterhin nicht herab. Trotzdem ist ihr fünftes Album für ihre Verhältnisse eine rohe, schroffe, ja intime Angelegenheit geworden. „Heaven Is Here“ rumpelt karg und intensiv; dem traumhaften Soul-Stück „Girls Against God“ sitzt eine dezente Noise-Gitarre im Nacken.

Manchmal singt Welch in Songs, die dicht produziert, aber nie zu vollgestellt klingen, im Duett mit sich selbst wie die frühe Lorde, oft singt sie ungekünstelt und frei von Primadonna-Ambitionen – und dabei so toll wie noch nie. „I am no mother, I am no bride, I am King“, heißt es in „King“. Keine schlechte Zwischenbilanz eines (Künstlerinnen-)Lebens.

(musikexpress)

Während ich das Album "Pompeii" hörte, fühlte ich mich immer wieder an den Song "This must be the place" erinnert. Ich hatte schon vergessen, dass sich mir auch im Zusammenhang mit Vorstellung ihres Albums "Crab day" die Assoziation mit den Talking Heads aufdrängte.

Die ersten Schritte zu den Aufnahmen unternahm Cate Le Bon in Gruff Rhys' Studio in Cardiff. Als Produzent war Samur Khouja mit an Bord, der u. a. bereits beim Vorgänger "Reward" sowie bei Gruff Rhys und H. Hawkline an den Reglern stand. Die Instrumente nahm Le Bon weitgehend selbst auf, vielleicht auch motiviert durch die Zeit, in der die Sessions stattfanden. Stella Mozgawa durfte aus dem fernen Australien Percussions beisteuern und auch für die Bläserparts holte sie sich Unterstützung. Derart zurückgenommen und minimalistisch zeigt die Musikerin trotzdem ihr Können fernab von profanen Pop-Gefilden. Umso stärker entfaltet sich die Wirkung ihrer Stimme. Darüber hinaus sind auf "Pompeii" die Synthie-Klänge und damit einhergehend die ein oder andere Reminiszenz an die Musik der 80er Jahre prägend. 

"Moderation" und der Titelsong sind die Highlights auf diesem durchaus fordernden aber nachhaltig tollen Album, welches insgesamt optimistischer klingt als der Albumtitel erwarten lässt. 

"Moderation":

"Remembering me":

Cate Le Bon auf Tour in Deutschland:

• 02.04. Schorndorf
• 03.04. Leipzig
• 05.04. Berlin
• 06.04. Hamburg

Diese Schattierungen finden sich in Instrumentierung, Genre-Zuschreibung und auch Grundstimmung der einzelnen Etappen wieder. So erinnert das zackige Bar-Piano in “The Innocent” an Celeste, “Cure For Me” beschwört mit zitterndem Synthesizer eine nächtliche Club-Atmosphäre und “You Keep Me Crawling” fährt breite Streicher-Arrangements für einen düsteren Vibe auf.

Insgesamt schafft die Norwegerin damit erneut den Spagat, den sie schon auf den beiden Vorgängeralben trainierte: Einerseits offenbart der Sound immer wieder eingängige Pop-Momente und dringliche Beats (siehe “A Temporary High”), andererseits bekommen die Stücke ganze Ozeane an Freiraum spendiert und kokettieren auf Albumlänge regelmäßig mit Folk-Elementen. (…)

Dass gerade Aurora mit ihrem oftmals nahezu sakralen Gesang nun dieses mythologische Konzeptalbum veröffentlicht, ist schlicht ein Glücksgriff für beide Seiten: Die Hörer*innen können sich auf ein ungemein vielseitiges Werk voller Entdeckungen freuen – und die Musikerin selbst erreicht künstlerisch die nächste Stufe.

(Musikblog)

Her debut album, PUSH, splits open with gushing string arrangements, bound tightly like holiday ribbon around stories of pain, trauma, and eventually “radical self-love,” a theme she never expected to emerge. (…)

Co-produced with Sam McCormally, PUSH is like thunder cracking across the sky. With the help of five composers, who were given total creative control over their arrangements, Mackenzie’s lyrics are given a life they may not have had otherwise. “Audubon Garden,” for example, gurgles with a Shovels & Rope swampiness, Mackenzie dishing up one of the defining vocal performances of the bunch. Composer Franz Nicolay leans into devilish rhythms that seem to inject a bit of crackling mysticism. Later, closing number “Little Islands” ebbs and flows, a dream-like quality rising like fog ─ owed to former bandmate Emily Hope Price’s fragile, stirring arrangement.

(Audiofemme)

Von einem ihrer besten Alben zu sprechen, ist bei Amos, die in fast 30 Jahren noch nie etwas wirklich Mieses oder Egales veröffentlicht hat, schwierig, aber es ist sicher ihr intimstes seit Langem. Es geht, mit manchmal allzu gediegener Adult-Pop-Produktion und den gewohnt umwerfenden Piano-Balladen, um den Abschied von der verstorbenen Mutter (»Speaking With Trees«), Sehnsucht und Einsamkeit (»Swim To New York State«), Angst um die Natur (»Ocean To Ocean«) und noch einmal über ihr einst in »Me And A Gun« thematisiertes Vergewaltigungstrauma (»29 Years«) – insofern knüpft ihr 16. Studioalbum an ihr Debüt »Little Earthquakes« von 1992 an, aber natürlich mit mehr Reife und Selbstheilungskraft (»Metal Water Wood«). Vielleicht haben ihr die mythischen Cornish piskies mit ihren Zauberkräften geholfen – und die reinigende Kraft des Ozeans, wenn man an den Klippen steht. 

(Spiegel)

Nach einem konventionell-poppigen Opener, der auch der Coldplay–Starsailor-Schule entstammen konnte, bringt Doyle sein diesmaliges notgeboren-stoisches Schaffensprinzip der Platte zum Ausdruck: „And Everything Changed (But I Feel Alright)“ auf Position zwei der Albumtracklist hat Psych-Disco-Rock-Qualitäten – und das Zeug zur Indie-Hitsingle.

„Somewhere Totally Else“ wabert dann wahrlich ganz woanders, „somewhere totally else“ halt: Glaubte man eben noch, in einem halbstandardisierten Pop-Album zu wandeln, wandelt sich die Platte in Mixtape-Manier mit schön verzerrten Orgelriffs zur Ambient-Soundscape. „Shadowtackling“ klingt dann schon wie ein noisy Krokodil, das bösen Schluckauf hat. Bei „Who Cares“ schwelgen Synthesizer-Harfen im Fiebertraum. „Nothing At All“ ist melodisch bester Bossa-Nostalgie-Pop. 

(musikexpress)

So wie die Rakete auf dem Cover ging es mir während des ersten Durchlaufs dieser Platte. Falls sich Hörer nicht die gute halbe Stunde für neun Titel Zeit nehmen möchten, empfehle ich als Appetizer den Titel "Back to work": Diese vier Minuten wechseln erbarmungslos zwischen euphorischem Art Pop und düsterem Industrial-Break. Ähnlich "multipolar" zeigt sich das gesamte Album. Der Opener begeistert allein schon wegen des tollen Songtitels "I only drink when I'm drunk".

BC Camplight aka Brian Christinzio veröffentlichte mit "Shortly after takeoff" sein fünftes Album und den Abschluss seiner "Manchester Trilogie", die mit "How to die in the north" 2015 ihren Anfang fand. "Deportation blues" hatte ich 2018 nicht auf dem Schirm. Aber das aktuelle Werk macht mir viel Lust, auch dieses noch zu erkunden.

Man könnte Christinzio durchaus vorausschauende Fähigkeiten unterstellen, zog es ihn doch 2014 aus den USA in seine Wahlheimat Manchester. Einige Wirrungen wären ihm vielleicht erspart geblieben... hätte er nicht auf Grund von Problemen mit seinem Visum das UK wieder verlassen müssen. So landete er neben Paris auch wieder in Amerika. Doch vielleicht verhalf ihm gerade dieser Umweg zu den Ideen, die nun zu "Shortly after takeoff" führten. Im direkten Vergleich zu "How to die in the north" wirkt BC Camplight auf seinem aktuellen Werk selbstbewusster und gereift ohne sich auf irgendetwas auszuruhen.

Mit "I only drink when I'm drunk", "Ghosthunting" und "Back to work" beginnt das Album sehr stark. Der Titelsong weiß ebenso zu überzeugen. Die Kombination aus klebrigen Melodien (ja, die Beach Boys lassen wieder grüßen" und wilden Brüchen ist rundherum gelungen.

The Guardian bringt es auf den Punkt:

This album is a masterpiece.

Allmusic.com:

Written from the heart and dredged from pop music's boneyard, Shortly After Takeoff feels like the album Christinzio has been working toward his whole career.

Das Video zu "Cemetery lifestyle":


"I only drink when I'm drunk":

Wie ein Origami-Hase schlägt „Shiver“ unruhig Haken, wechselt mit jedem Knick, jedem Falten, jedem Rhythmuswechsel das Gesicht. Mal experimenteller Elektro-Pop wie in „Salt Licorice“ mit Robyn, mal Schlummerlied („Beautiful Boy“), mal aggressives E-Drum-Massaker („Wildeye“). Damit gelingt Jónsi etwas, das seine Band schon lange nicht mehr schaffte: ein durchweg spannendes Werk.

(musikexpress)