With a voice that seems to echo from outer space and melodies that cut deep into the heart, belly, and mind, J Mahon emerges once more with a song that’s as emotionally raw as it is melodically luminous. His new single “Begin Again” (…) offers listeners a vulnerable yet triumphant anthem.

Wrapped in an upbeat, piano-driven arrangement, “Begin Again” draws listeners into an intimate world of resilience, self-reinvention, and emotional clarity. With the poignant lyric “I’d give my life to begin again”, Mahon speaks to universal themes of struggle and renewal, delivered with trademark honesty and a strong sense of self-awareness.

(Plug)

Lael Neale schafft mit solchen Zutaten eine charmante Dröhnmusik, die in ihrer solipsistischen Anmutung jede Menge schrägen Charme freisetzt. Man kann sie sich in einem Film von Quentin Tarantino vorstellen. Als Künstlerin, die gerade in einem kleinen Club vor sieben Zahlenden auf der Bühne steht, als die Handlung die Hauptdarsteller in den Club führt, wo sie diese mit ihrer Darbietung für ein paar Minuten alles vergessen lässt. All Is Never Lost singt sie gegen Ende des Albums. Ein tröstlicher Gedanke, selbst wenn er nicht besonders belastbar erscheint, wenn man an das Universum denkt. Andererseits: Woran sollte man sich sonst erbauen?

(Der Standard)

In "Come on" nimmt das Omnichord wieder eine Hauptrolle ein, während Neale ihre Stimmlage hochschraubt und den Eindruck verstärkt, man würde einen Sixties-Pop-Hit aus einer anderen Dimension empfangen. Nicht nur hier beweist die Künstlerin, wie sie selbst mit minimalen Mitteln raumfüllende Texturen produziert und jeden Song vollkommen erscheinen lässt.

Im Schlussdrittel verliert "Altogether stranger" etwas an Dynamik, was allerdings nicht allzu stark ins Gewicht fällt, da auch die ruhigen Stücke für sich stehend funktionieren. Da lässt "New ages" einen Schellenkranz an den Überbleibseln eines Surf-Rock-Riffs verhallen oder "All is never lost" die Illusion entstehen, dass im Hintergrund ein kleines Orchester brodelt. Das finale "There from here" setzt mit wenigen Piano-Tönen auf die ultimative Reduktion, verbindet eskapistische Sehnsüchte mit der trüben Vorhölle eines Flughafens. Keine rosigen Aussichten für die Erzählerin, und doch fühlt sich der Song in seiner sakralen Einfachheit wie die gesamte Platte ungemein trostspendend und hoffungsvoll an. Lael Neales Musik flackert wie ein Licht im Nebel, das einen auch dann wärmt, wenn man es nicht greifen kann.

(Plattentests)

Der Opener „First Choice” atmet zeitlose Britpop-Melancholie, „All Yours Now” katapultiert die Franzosen von Air in die Referenzliste und Songs die „Teenage Dreams” heißen, funktionieren ohnehin immer. Was den beiden jungen Musikern ungemein gut gelingt, ist den Sound zu zelebrieren, mit dem sie selbst aufgewachsen sind. Eine fast schon spielerische Symbiose aus French Touch und eben Britpop. Und so passt auch das Geburtsjahr der beiden Künstler als Albumtitel.

Als weitere Keytracks kristallisieren sich nach einigen Wiederholungsdurchläufen „My Hero” und der wunderschöne Closer „The Seattle Boat” heraus, die es ebenso mit einer gewissen Leichtigkeit schaffen den Hörer in eine andere Zeit zu versetzen, ohne dabei retro zu wirken. 

Insgesamt liefern Kids Return ein wunderbares Zweitwerk welches gleich auf mehreren Ebenen funktioniert. Als Nostalgieanker oder auch als Soundtrack für die heutige Jugend. 

(Frontstage Magazine)

Merseyside has produced many talented, creative and prodigious musical artists over the years and She Drew The Gun must be considered in this elite echelon. Howl is their fourth studio album, with ten tracks for your delectation.

The title track opens the album with a hefty thwack of glam rock meets electropop. Shine On offers pounding drumbeats supplemented by Louisa Roach’s vocals which claw at your senses. An 80s Yazoo vibe wafts throughout Nothing Lasts, whilst Washed In Blue brings a feel of Cyndi Lauper melded with a determined driving rhythm. The chorus of Ritual will be your newest earworm.

An album which alternates between a velvet glove and an iron fist in its approach, you will certainly feel its effects.

(Narc)

Dort gräbt ENDLESS RÜTTENSCHEID tief im kollektiven Gedächtnis. In den Hymnen, die sie in die endlosen Hallräume schicken, die Jahrzehnte vor ihnen schon Kraut- und Psychedelic-Rocker geöffnet haben, schwellen die Harmoniegesänge aus den drei Stimmen an, werden mächtig und übermächtig und dann plötzlich ganz schwerelos und heben ab – und mit ihnen die Worte, die plötzlich eine ganz andere Bedeutung bekommen können. (…)

Während also die Gitarren den Rock’n’Roll der späten Fifties, aber bisweilen auch arabeske Melodielinien imitieren, stößt man überall auf Zeilen, die mehr erzählen, und Klänge, die verschiedene Namen tragen. (…)

Das einleitende Lick von „International Heat“ könnte schräger Surfsound sein, aber auch orientalische Reminiszenz. Und in „Fehler“ verstellen Bäume und Zäune den Blick auf die Landschaft, bevor ein Schüttelreim von nachgerade Distelmeyer’scher Größe das Dilemma zwischen Hier und Dort und anderswo auflöst: „Ich hab keine Sorgen mehr / Melodien zieh’n vor mir her.“ Ja, es hallt lange nach.

(musikexpress)

Tracks like "Name Me" and "I Have Been Alive" are majestic and mighty, positioning Susman's tender vocals against waves of thundering drums, honking saxes, and horror movie organs; the title track is a doomy mix of avant-garde soundtrack noises and overdriven noise rock that is downright scary; and "Book Stall" creeps along slickly like Broadcast, only with an oozing dread and a sinking feeling that the tape the song was recorded on is slowly disintegrating. Even the tracks that have a little more positive energy driving them forward -- like the album-opening "Acceptable Experience," which has a nice Stereolab feel -- have darkness lurking just behind the curtains. On that song, it's made manifest by the ripping guitar solos; on others, it's the looped found sounds ("Lamplighter"), out-of-nowhere steampunk breakbeats ("Cut It Like a Diamond"), or glitchy shards of sax and vocals ("False Landing"). It's clear that the pair have immense skills as crafters of ambience and setters of mood; they are also wizard-level good at weaving kaleidoscopic strands of influences together into a brilliant, fascinating fabric. The result is the kind of record that's almost impossible to stop listening to once one begins. It flows together so perfectly, and the mood is so tense and unbroken, that it feels wrong to be diverted in any way. 

(All Music)

Die musikalische Grundanordnung auf BORN HORSES: Jonathan Donahue singt nicht, er spricht, mit seiner hohen, nicht sehr voluminösen Stimme, in Hallgetränkt. Er klingt dabei wie ein Märchenerzähler, der nichts Gutes im Schilde führt, ganz ähnlich wie David Tibet von Current 93.

Die Musik dazu hat sich Grashopper ausgedacht: kitschiger Großstadtjazz, mit Disney-Streichern, wirbelndem Schlagzeug, Chören und einer Trompete, die nächtliche Melodien spielt. Das ist einerseits Erbauungskitsch und komplett over the top, anderseits können einen Stücke wie „Ancient Love“, „Your Hammer, My Heart“ oder „Born Horses“ in Momenten erwischen, in denen diese Nachtfalkenromantik auf direktem Weg ins Herz schießt. Und sich dort festbeißt. 

(musikexpress)

The magical Wild Bird – inspired when singer-songwriter James Skelly watched a gull fly over the rooftops – alludes to the loss and cost of freedom. The darkly evocative Oceans Apart – where Nick Power’s storytelling words are superbly narrated by Oppenheimer star Cillian Murphy – is partly an essay on division. The songs are routinely populated by drifters, dreamers and others left behind by society. (…)

Faraway Worlds – inspired by the places we can go in our imagination – is a beautiful, late Beach Boys-type dreamscape. It all adds up to quite a voyage: the Merseysiders’ most fully realised set of songs since their debut.

(The Guardian)

The title track or "Wild Bird" could have fit into Midnight Cowboy with their aching vocals, shimmering strings, and downcast feel. Other songs might have been good for moments where lovers pine for one another ("That's Where She Belongs"), the lead ponders where it all went wrong ("North Wind") or wanders the night in a trance-like state ("Dream River"). The combination of O'Hagan and the Coral is so perfect it's hard to believe it actually happened. Each of them brings out something intrinsically good in the other; the Coral are so resolutely earthbound that O'Hagan's additions could never veer too far toward the precious, and his fluttering arrangements give the group space to nimbly explore lighter, less earthbound territory. It's definitely not like anything else in their catalog, and it's pretty clear by now that the Coral could take on just about any kind of guitar-based music and make it fully their own. Deeply bruised, cinematic, and graceful Western music is no match for their skills, and Sea of Mirrors is another triumph for the band.

(All Music)

While Berglund’s voice carries the themes, the arrangements of his debut drive home his point of view. The complex yet full instrumentals toe the line between striking and humble, allowing for moments of quaint intimacy and full-fledged clinics on guitar pop. He sets the tone of the LP with “Fault Lines”, the arrangement is filled with twists and turns that welcome us to the debut of a young yet shining star. While the aforementioned Beatles comparison rings true for most of the album, it is Berglund’s guitar work that separates him from the rest. “Heavy Machine” might be the best example of this, acoustic strumming morphs into electronic rhythms only to transform once again into a fiery explosion of advanced musicianship. There is no linear formula to his arrangements, he instead allows the music to keep up with his honest lyricism and meet in the middle for pure pop bliss.

(Glide Magazine)

Geradezu penibel achten James Bagshaw und Tom Walmsley, zwei der vielleicht talentiertesten Songwriter ihrer Generation, auf die präzise Einhaltung des Popsong-Prinzips ABABC, mit Strophe, Bridge, Chorus, C-Teil – noch immer die einzige Ohrwurmformel, und die beherrschen Temples auch auf diesem Album. Nicht selbstverständlich für eine Rock-Band, die sich Psychedelia und dem (Klang-)Exzess verschrieben hat, was bei den weit modernistischer arrangierten Tame-Impala-Werken zu einer Verschiebung weg zu Melodie und hin zu Atmosphäre geführt hat. (…)

Die bekannten Motive Bagshaws, seine Fantasien über Raumzeit („Time is a Light“) sowie die Auslotung von Gedankenwelten („Crystall Hall“), stehen weiterhin im Mittelpunkt, aber Temples haben ihr Spektrum erweitert, huldigen den Kriminalfilmmusiken Morricones („Faded Actor“), Westcoast-Jangle („Slow Days“), Schlager („Inner Space“) und Lounge („Exotico“). Der süßliche Klang wird viele ärgern, die Band wohl weiter Hörer verlieren – aber diese vierte Platte ist eine gute Platte. Temples haben ihr hohes Level gehalten.

(Rolling Stone)

Doch dafür können die Temples unter Sean Lennons Studioregie die hinlänglich bekannte Formel für ultraharmonische, leicht umnebelte, bunt schillernde Popsongs ausreizen. Ein besonders hübsches Beispiel ist Cicada, das wie eine angeschrägte, exotische Mischung aus indischer Musik und italienischem Filmscore daherkommt. Auch Oval Stones und Slow Days führen Stilelemente zusammen, die unter weniger kundiger Anleitung wohl zu einer wüsten, disparaten Mixtur verkommen wären.

Gelegentlich haben Sean Lennon und die Temples ihre Retro-Reise etwas zu schematisch angelegt, aber meist funktioniert sie – etwa im tollen Opener Liquid Air oder in der bis zu den nasalen Vocals konsequenten John-Lennon-Hommage Time Is A Light. 

(Bedroomdisco)

Schon im Auftakt klingen die Drums auf eine großartige Weise verdreht, der trippige Soul ist alter Wein in neuen Schläuchen, das Arrangement hätte auch von Conor O’Brien (Villagers) stammen können. Das folgende „Eyez“ bereitet die alten Klänge höchst modern auf. „Sunshine“ ist smoother Blue-Eyed Freak-Soul mit einem HipHop-Beat, bis das Lied in der Mitte in einen leicht irren Sha-la-la-Chor kippt. Auerbach und Michels haben aus den hundert Liedern ein vintage-warm gemischtes Soul-Set destilliert, das auf Fuzz und lauten Angriff weitestgehend verzichtet. Es ist vielleicht der Melancholie wegen, dass man den verstorbenen Freund hier noch mal spielen hört. 

(Rolling Stone)

Als erstes denkt man im hübsch vertrödelten Opener womöglich an Tame Impalas verhallte Workouts, bevor "Something less affected" als noch größerer Hit diese Assoziation bekräftigt. Besonders warm schmiegt sich der summende Synthesizer ins Ohr, aber auch der Hippiechor-Breakdown hat Charme. Überhaupt fährt die Platte bis zum verträumten "What will they think about you" (?) nur auf verpeilte Weise eingängige Volltreffer auf. "Is there more past or more future" gibt sich dennoch zerrissen, die sonnige Akustik sucht nicht nur musikalisch, sondern auch textlich die Wolken. "Ghost train" leitet die abstraktere Albummitte ein, Patrick Braun fühlt sich "too deaf to feel any pain". "Don't sleep, stay high", hält er sich später zu postpunkigem Beat über Wasser. Plötzlich ist die Chose doch nicht mehr so einfach wie gedacht.

Bevor alles plötzlich an den Ohren vorbeiwirbelt, überlässt "Let's be quiet" den Instrumenten ein letztes Mal die lange Leine und ebnet den Weg für "Coexist", in dem Acua wieder zu einer kleinen Hymne ansetzen, die den angedeuteten Spannungsbogen komplettiert. (…)

Am Ende fließt ohnehin Sonnenschein durch die Klänge herein – und man hat keinerlei Fragen mehr.

(Plattentests)

Apparently influenced by listening to Sonic Boom’s collection of Fifties and Sixties American doo-wop and rock’n’roll albums for the first time in years, after he finally transported them to his new home. The two long-term friends and collaborators have recorded Reset together, an album which frequently seems to imagine a Joe Meek-produced Everly Brothers backed by the Beach Boys while under the influence of some particularly potent brain spanglers. Uplifting and hip-swinging summer vibes back vocal harmonies that often camouflage something considerably darker, with strange Sixties synthesizer sounds from “Getting’ to the Point”, with its riff lifted from Eddie Cochran’s “Three Steps to Heaven” through to the electronic weirdery of “Everything’s Been leading to This”.

Along the way, Panda Bear and Sonic Boom take on psychedelic surf pop in “Danger”, Lovin’ Spoonful-like sunny and bouncy vibes on “Edge of the Edge” and the wilful hypnotic experimentation of “In My Body” and “Whirlpool”. In fact, Reset is resolutely relaxed and gentle but steers well clear of the mainstream, exuding a distinctly narcotic wooziness, yet an upbeat one with a smile on its face. However, like the Beach Boys before them, Panda Bear and Sonic Boom use catchy melodies to communicate something not entirely wholesome but altogether more disorientating to those who are paying attention.

(The Arts Desk)

Während ich das Album "Pompeii" hörte, fühlte ich mich immer wieder an den Song "This must be the place" erinnert. Ich hatte schon vergessen, dass sich mir auch im Zusammenhang mit Vorstellung ihres Albums "Crab day" die Assoziation mit den Talking Heads aufdrängte.

Die ersten Schritte zu den Aufnahmen unternahm Cate Le Bon in Gruff Rhys' Studio in Cardiff. Als Produzent war Samur Khouja mit an Bord, der u. a. bereits beim Vorgänger "Reward" sowie bei Gruff Rhys und H. Hawkline an den Reglern stand. Die Instrumente nahm Le Bon weitgehend selbst auf, vielleicht auch motiviert durch die Zeit, in der die Sessions stattfanden. Stella Mozgawa durfte aus dem fernen Australien Percussions beisteuern und auch für die Bläserparts holte sie sich Unterstützung. Derart zurückgenommen und minimalistisch zeigt die Musikerin trotzdem ihr Können fernab von profanen Pop-Gefilden. Umso stärker entfaltet sich die Wirkung ihrer Stimme. Darüber hinaus sind auf "Pompeii" die Synthie-Klänge und damit einhergehend die ein oder andere Reminiszenz an die Musik der 80er Jahre prägend. 

"Moderation" und der Titelsong sind die Highlights auf diesem durchaus fordernden aber nachhaltig tollen Album, welches insgesamt optimistischer klingt als der Albumtitel erwarten lässt. 

"Moderation":

"Remembering me":

Cate Le Bon auf Tour in Deutschland:

• 02.04. Schorndorf
• 03.04. Leipzig
• 05.04. Berlin
• 06.04. Hamburg

Was lange währt, wird endlich gut. Das Debüt von Sons Of Raphael fühlt sich an wie eine wilde Achterbahnfahrt durch verzerrte Gitarren, dumpf abgemischten Gesang und Melodien, die mal völlig entgleisen („He Who Makes The Morning Darkness“, „Siren Music“) und mal die Zuhörer auf den Boden der Tatsachen zurückholen.

Klischees, rote Fäden oder ansonsten abgedroschene Elemente gibt es auf „Full-Throated Messianic Homage“ hingegen nicht. Die zehn Songs spielen sich alle im gleichen Nostalgie-Wahn ab. Dem Duo gelingt es trotzdem, einige Facetten unterzubringen.

Und vor allem schaffen es Sons Of Raphael, Elektro-Möglichkeiten von heute mit psychedelischen Verzerrungen und zurückhaltenden bis extrovertierten Gitarrenparts von „damals“ zu kombinieren. In „Yeah Yeah Yeah“ trifft genau das alles zusammen.

(musikblog)

Mit "Revolution" geht es vielversprechend los. Die Drummachine treibt den Song an, darüber legen die Brüder eine dichte Wall of Sound, die den recht dünnen Gesang immer wieder zu verschlucken droht. Dabei lohnt sich das genaue Hinhören oder Mitlesen sehr, denn die Texte der wortgewandten Raphaels sind gewitzt und ausgeschmückt mit zahlreichen Bibel-Verweisen. (…)

Ähnlich überzeugend kommen "Siren Music", "Devil Devil" und "Yeah Yeah Yeah" daher, die ebenfalls besonders in den Refrains mitreißen. "Siren Music" begeistert mit seinem wundervollen Soundscape und mit rumpelnden Drums. "Devil Devil" ist dann am besten, wenn der Song sich öffnet. Da heißt es z.B.: "Your momma is a devil" "Yeah Yeah Yeah" schließlich erinnert ganz leicht an Bowie, vielmehr aber an Unknown Mortal Orchestra. (…)

So bleibt "Full-Throated Messianic Homage" am Ende ein Album, das viel Potential erkennen lässt, gleichzeitig aber seinen Eigensinn etwas zu sehr ausreizt, um einen vollkommen mitzunehmen. Die gelungenen Stücke machen dafür umso mehr Hoffnung, dass der große Wurf der Sons Of Raphael noch bevor steht.

(laut)

Auch musikalisch hat sich Righton weiterentwickelt: Statt den knalligen Glam-Britpop der seit 2014 ruhenden Klaxons fortzuschreiben, versucht er sich an einem mondänen Pop-Entwurf, der zwar mit großer Geste weder Streicherarrangements noch Bläsersätze scheut, aber doch oft arg erwartbar ist: Das „Heavy Heart“ kommt im Zeitlupentempo daher, der „Start“ dagegen in einem federnd hüpfenden Rhythmus. Spannend wird es dann, wenn das Verhältnis zwischen Text und Musik ein gebrochenes ist wie in „See The Monster“, in dem die Abgründe, die Righton in sich selbst entdeckt, mit fröhlich fiedelnden Streichern ausgepolstert werden.
(musikexpress)