The end result isn’t really the Swedish version of Dusty in Memphis (Amanda in Stockholm, anyone?) and it’d be silly to compare Amanda Mair to that legend at this stage in her career; in any case her vocals bear more comparison to Kate Bush, an artist Mair admitted she hadn’t heard of (more of which later) when recording debut album Amanda Mair. It’s a pure pop record, bearing all the hallmarks of a Labrador release: pristine production, big hooks, melodies galore and above all, plenty of quality.

‘Said and Done’ opens proceedings with some Eastern strings and develops into a mid-tempo song about having no regrets, with Mair backed by clever percussion and stabs of piano. ‘Doubt’ begins with Spectoresque drums and bright keys, and Mair singing: “I run from the people I love, I will always stay true to my heart”. The track develops into a fizzing ’80s pop song, and a chorus filled with, ahem, doubt: (...)

This is the sound of a song written by someone with experience, sung by someone who’s yet to go through all the ups and downs of love but who can translate the song and relate it to her own nascent experiences. To do that takes a talent, and Mair has it: she’s got intuition to go with her great voice. ‘House’ is a moving song about an apartment shared with a former lover that no longer holds its appeal, and it’s here we can hear that Kate Bush voice in all its glory. The backing track is suitably epic and defined, but doesn’t overpower Mair’s voice by layering on the paino-and-strings motif too thickly.

The click and swing of ‘Sense’ is probably the highlight of the album, its ’60s girl group vibe a real delight, the lyrics telling a story of Mair trying to forget a lover, but seeing his picture wherever she goes. (...)

A quieter, more tender moment appears in the ballad ‘Skinnarviksberget’ (a hill above Stockholm, and a fine place to hang out in the summer months), the song showing off Mair’s voice and piano playing. It’s also something she can directly relate to, being a track about the innocence of youth.

The second half of the record is something of a minor disappointment in that it doesn’t continue the strong start, (...)

(thelineofbestfit.com)

Es ist verblüffend, mit welcher Ernsthaftigkeit dieses Mädchen, das noch eine Zahnspange trägt, den von ihm ausgewählten Songs eine ganz eigene Prägung gibt. Birdy verfügt über eine kräftige und variable Stimme, mit der sie die fremden Texte nuanciert singt, so als habe sie bereits zehn Jahre mehr Lebenserfahrung gesammelt. Niemals hat man das Gefühl, hier würde jemand altklug über Themen singen, von denen er noch nicht den blassesten Schimmer haben kann, wie man es bei "Skinny Love" oder "I'll Never Forget You" vielleicht vermuten würde. Birdy scheint sich in romantischen Gefühlswelten auszukennen und schafft es, diese auch durch ihr versiertes Klavierspiel adäquat auszudrücken.

(abendblatt.de)

Psychedelic, kaleidoscopic pop... heady and brilliant.

(BBC)

Sonically speaking, Weller seriously kicks it.

(The Telegraph)

Sonik Kicks is the sound of Paul Weller growing old the only way he could--not particularly gracefully, but with no small amount of style.

(NME)

Weller has made an extremely worthy case for remaining the master of his craft.

(PopMatters)

Der Vater aller Mods will es seinen Jüngern und dem Rest der Welt noch einmal zeigen. Auch dieses Mal. Bei den ersten Tracks muss man sich vergewissern, ob man wirklich die Weller-CD eingelegt hat oder nicht doch eine andere. Es vermischen sich psychedelische Elemente mit plötzlichen Streichereinlagen, Krautrock und hetzendem Punk. Gerade das letztere Detail verblüfft und wird wie schon zuletzt zu Vergleichen mit The Jam animieren. Paul Weller verharrt aber nicht an einem Punkt, er ist ständig in Bewegung. Und er drängt sich dabei nicht einmal in den Vordergrund. Erst bei dem akustischen „By The Waters“ beruhigt sich der 53-Jährige und man hört ihn richtig – es ist der fünfte Song des Albums. „He’s at that dangerous age“, heißt es danach, unterstützt von souligem Chorgesang. In „Study In Blue“ hat der Rhythmus eine klare Dub-Schlagseite. Dub – richtig gelesen. Auf einem Paul-Weller-Album. Gerade hier wird dem Hörer bewusst, wie ernst es diesem Mann mit seinen stilistischen Streckübungen ist. Es gelingt ihm sogar, den Zusammenhalt des Albums zu wahren. Der Vorgänger Wake Up The Nation klang phasenweise spektakulär, aber auch ziemlich abgehackt. Dieses Problem ist nun nicht mehr vorhanden. Der dritte (vierte?) Frühling dieser Legende kann beginnen.

(musikexpress.de)

When it comes to partaking in pop, MDNA has easily set itself out as 2012's go-to drug of choice.

(musicOMH.com)

It's got its faults, but MDNA isn't just a good pop album, it's a good Madonna album too.

(BBC Music)

MDNA represents a determined, no-nonsense restatement of the Madonna brand.

(The Independent)

Das Liedgut auf "Sleeping Policemen" wurde mit ruhiger Hand und souverän arrangiert, die Instrumentierung niemals überfrachtet, sondern stets allein dem Song gewidmet (höre Trompete und Flügelhorn auf "No Secret“!). Die beachtlichen Gesangsharmonien zeugen von einem durchaus traditionellen Pop-Verständnis fernab aller akuten (und ja nicht verwerflichen) Low-Fi-Ströme oder (schon eher verwerflichen) Belästigungen durch prahlerische Schichtungen von Pomp. Sleeping Policemen erzeugen eher jenes Gefühl von beschwingter, urbaner Melancholie, das sich nicht unbedingt in bestimmte Jahrzehnte oder Städte einsortieren lässt.

Selbstredend steht in den Plattenschränken der Bandmitglieder auch britisches Schallwerk. "Bonnie" präsentiert beispielsweise eine recht eindeutig mit Paisley-Tapete beklebte Orgel, während "Good Guy" auch vom späteren Teenage Fanclub für die Fahrradfahrt zum Besäufnis unter freiem Himmel hätte komponiert werden können. Das vertonte Ehedrama "White Russians" hingegen hätte Eugene Kelly sicherlich gerne selbst aufgenommen.

Die angenehme Frühlingsslackerhaftigkeit von "Sleeping Policemen" könnte ebenso gut zu Slumberland Records passen wie zu deinem Lieblingslabel der 60er, was nicht bedeuten soll, dass die Platte in irgendeiner Form altmodisch daherkommt. Sleeping Policemen haben das unaufgeregte Album für das beginnende Jahr aufgenommen, das auch im Winter noch ein willkommener Begleiter sein kann. Denn trotz der Routine, die die Band unüberhörbar erworben hat, ist ihr erfreulicherweise eine gewisse Schluffigkeit zueigen, die den vielen hyperambitionierten und somit leider unnützen Combos dieser trüben Tage sehr gut zu Gesicht stünde.

Erwähnt sei abschließend auch die Gestaltung des Tonträgers: Die unter den Messern von Carsten Nicolaus entstandenen Linolschnittkreaturen gehören mit Sicherheit zum freundlichsten, was man auf den Plattenhüllen der letzten paar Monate finden konnte.

Jetzt einfach nur weiteratmen. Den Kopf zwischen die Beine hängen und hoffen, dass da jemand ist, der deine Hand nimmt. Am Besten, er redet ein bisschen mit dir, dann geht es schneller vorbei. Auch ein Mantra kann helfen, zum Beispiel der Satz "I'm alright". Sag ihn so lange vor dich hin, bis er stimmt.

We Are Fine heißt diese in einen Song gegossene Anleitung zum Überstehen von Panikattacken. Er stammt vom kürzlich erschienen dritten Album der New Yorker Songwriterin Sharon Van Etten. Sie weiß, wovon sie da singt: Sie leidet an einer Sozialphobie, die zu Angstanfällen führen kann – vor allem, wenn sie von vielen Menschen umgeben ist. Es hilft ihr, mit jemandem zu reden, und so singt sie We Are Fine auch nicht allein. Ungefähr in der Mitte des Songs kommt die Stimme von Zach Condon dazu, Kopf der Alternative-Folk-Band Beirut. Auch er kennt Panikschübe aus eigener Erfahrung, was das Lied zu einer Art Mini-Selbsttherapie macht – einer äußerst wohlklingenden. Aus einer einfachen folkigen, von Ukulele und Klavier gespielten Begleitung entwickelt sich nach und nach ein erhabenes, von Streichern und Schlagzeug gestütztes Songgebilde, dessen sanftes Schwanken einen enormen Charme entfaltet.

Das Stück zählt zu den Höhepunkten des Albums Tramp, mit dem es Sharon Van Etten gelingen könnte, ihren Status als "Amerikanas bestgehütetes Geheimnis" (The Observer) hinter sich zu lassen. Sowohl die US-amerikanische als auch die britische Musikpresse sind begeistert. Der New Musical Express gab für die Platte sogar neun von zehn Punkten und nannte sie eine der besten des jungen Jahres. Auch wenn sich der Zauber von Tramp erst allmählich erschließt, ist das Lob verdient. Die zwölf Stücke wirken nicht im konventionellen Sinne eingängig, und sie verweigern sich immer wieder dem Strophe-Refrain-Schema. Oft scheint es Sharon Van Etten mehr um den Sound und die Atmosphäre zu gehen als um einen Melodiebogen. Besonders deutlich zeigt das I'm Wrong, bei dem ihr Gesang von einem unheilvoll dräuenden Drone umspült wird, über den ein hektisches Glockenspiel tänzelt. Das ist pure Beklemmung.

The album is a swirling, contorting invention of sound and textures. The LP can veer quickly from twinkling piano into propulsive drumming and soaring guitar riffs, not forgetting the layers of xylophones and percussion. In the wrong hands all these elements could potentially have produced a record that is over complicated, however, Time Capsules II never appears cluttered or over cooked.

The themes of the record narrated by Oberhofer’s dulcet croon tend to document relationships and the frustration and joy of being connected to that special someone. The opener, ‘Heart’, contains a choice lyric which typifies the feeling of doomed love: ‘All that I asked for was a little bit of heart; I gave you my love and you tore it apart’. Later on in the record, ‘Haus’ tells the story of building a home and settling down into a private safe haven away from harm. ‘Away Frm U’ and ‘I Could Go’ pack an almighty punch with juggernaut like riffs while the former track boasts the frustrated lyric of ‘You’re pushing me away from you and there’s nothing I can do, and I can’t fight all your battles for you’.

A lot like Phoenix and Arcade Fire, Oberhofer expresses an intimate yet widescreen appeal. The music that

Oberhofer creates is optimistic and blissful while sounding colossal and the accompanying lyrics touch on

human subjects we can all relate to. Screw putting this one in the ground, everyone needs to hear this album!

(northerntransmissions.com)

Gonna put my pink dress on

And do my hair up tight

I'm gonna put some perfume on

It's gonna smell real nice

I'm going down to the church

On 4th & vine

I'm gonna marry my love

And we'll be happy for all time

Yeah, he's the sweetest man you could find

So gentle and so kind

Ihr erstes Album seit damals ist nun als Rückkehr zum klassischen Song zu verstehen. Das führt zu gefälliger Radioware ("The Wolf Is Getting Married"), trägen Rockwalzern ("Very Far From Home"), bluesgrundierten Weltmusik-Anleihen ("4th And Vine") und klavierbestimmten Dramen ("Reason With Me"). In den besten Momenten erklärt O’Connor, dass sie das Songwriting nicht verlernt hat, vor allem aber die Produktion ihres ersten Mannes John Reynolds hält sich mit den Ambitionen doch recht zurück. Zwischen zeitlosem Bandsound und hausbackenen Versuchen am 90er-Jahre-Rock ("Old Lady") wird bald deutlich, wo hier der Sparstift angesetzt wurde: Nichts an "How About I Be Me (And You Be You)?" klingt hip oder auch nur ansatzweise modern.

Inhaltlich geht O’Connor in ihren Songs nach überraschend gewöhnlichen Liebesbekenntnissen, dem musikalisch unerheblichen Cover von John Grants bitterbösem "Queen Of Denmark" oder mit "I Had A Baby" einem Song über die Bürden alleinerziehender Mütter bald aber zum Angriff über. Mit "Take Off Your Shoes" beschreibt die 45-jährige Musikerin ihren mit Abstand besten neuen Song vor dem Hintergrund der kirchlichen Missbrauchsfälle selbst als Frontalangriff auf den Vatikan. Peinlich wird es mit "V.I.P.", einer mit erhobenem Zeigefinger vorgetragenen Anklage öffentlichkeitsgeiler Celebrities, bei der die Irin ernsthaft auch die Verrohung der Jugend durch MTV beanstandet.

(wienerzeitung.at)

(...) playing winsome folk-rock harmonies of an American flavour, imbued with a gentle melancholy and the warmth of hard-won experience.

Ageing seems to suit the trio: "Shadows" and "Did It Have to Be This Way?" sketch the regret and solace of separation with the kind of lived-in honesty their younger selves might have blustered through less convincingly, while the transatlantic references – the Tim Hardin quote in "Back of You", the lap steel streaking "We Try" – have a beguiling, unforced grace.

Honed to perfection by Midlake's mixer Matt Pence, the album fits in alongside the revitalised Laurel Canyon sound.

Cast's songs are historically four-chord strums, nicey-nicey middle-of-the-road tunes like 'Sandstorm' and 'Flying', which have, along with songs from other re-formed Britpop acts, inspired practically every band that's gone down the road of indie guitar music in the last 20 years. Troubled Times is not at all a progression from what the band have done before, but song titles such as 'Brother Fighting Brother' and 'Time Bomb' are possibly reflecting a more realistic side of their relationships.

Looking at a lot of bands who put out album after album, however, do they ever change their sound dramatically? Not really. With the producing skills of John Leckie again, this is Cast's fifth album, their first in 10 years, and with their original line-up of John Power (guitar/vocals), Liam 'Skin' Tyson (lead guitar), Pete Wilkinson (bass) and Keith O'Neill (drums). It, thankfully, has all the elements that their last four albums had: the bouncy acoustic strumming over O'Neill's pretty, varied and skillful drumming; vocal harmonies led by Power blatantly being all Beatles-like, making you want to bounce your head in time. Starting with 'Bow Down', very typically Cast, the rest of the tracks are vibrant and fun, sing-along-reliable, with good musicianship and harmonious vibes, nothing dour and gloomy. particularly stand-out is 'A Boy Like Me'.

So that's that - it's a Cast album. No point in ripping apart every track, there's no boundary pushing, no new cutting edge orchestration, just good, reliable guitar music from a band with a good, reliable sound. And something much more listenable than Liam 'Squawky' Gallagher's offensive try-hard Beady Eye too.

(soundblab.com)

Troubled Times sounds like Cast in terms of the vocals and the easily identifiable guitar work, but not in style or spirit. Yes they take from the retro sixties influence that Britpop always did, but it lacks life and depth. Lyrics are melancholy, and you can't imagine one track being a live hit for their tour this year - 'Bow Down', as an opener is simply just average.

Ten years on, and what you have is an older band, struggling. 'Bad Waters' screams out middle aged band playing in a pub somewhere on a Wednesday night. They're out of touch and showing their age. Maybe that's a little unfair. There are a few tracks offering a little hope. If I was in an average pub live music night, then I would probably listen to them in the background. I would never believe their nineties success though.

To go back to my younger colleague who doesn't remember Cast - Have they done anything to support my argument that he should? Not really. Surviving this come back trend is dependent upon relating to your audience, both old and new. I'm not sure a new audience will really care, and the old audience would prefer the old classics.

(contactmusic.com)