Anders als bei Meg Myers, über die wir gestern gesprochen haben, führt uns der Albumtitel von Roo Panes nicht in die Irre. Ganz im Gegenteil. „Quiet Man“ trifft die Musik des Singer/Songwriters ziemlich gut: warmer, optimistischer, unaufgeregter und eben auch ruhiger Folk zwischen Dan Mangan, Bon Iver, The National, Glen Hansard und Passenger.

„Quiet Man“ ist das mittlerweile dritte Album von Roo Panes, der eigentlich mit Vornamen Andrew heißt, und neben seiner musikalischen Karriere auch als Model arbeitet. Den Reigen der Vorab-Veröffentlichungen eröffnete Ende letzten Jahres die Single „A Message To Myself“, auf der alle Zutaten für das komplette Album bereits enthalten waren: introvertiertes Songwriting, Panes’ weiche Stimme, die sich gelegentlich ins Falsett begibt, dazu akustische Gitarre, Streicher, dezente Percussions. Vereinzelt gesellen sich im Verlauf der 11 Songs noch Piano, Bläser und Chorgesang hinzu, so wie auf den beiden weiteren ausgekoppelten Songs „My Sweet Refuge“ und „My Narrow Road“:

Ambient spine-tingling ooh's over a delicate piano is how Pane introduces himself on third album Quiet Man. Instantly striking a chord with listeners thanks to his vocal tones, which float effortlessly between Bon Iver and The National, Roo dares to go to a higher falsetto on "A Message to Myself". It's not long into the second track "My Sweet Refuge" that you hear eerie similarities in melody to The National's "Fake Empire", for what we hope is a brief tip of the hat and not a full-on album replica assault.
Fortunately, the trend doesn't continue. “Ophelia” is a raw and tender moment brought to life with rich percussion and wonderful flutters of a mandolin. Male and female harmonies collide beautifully over pensive lyrics, and the listener is swept up in the beauty of the song. A common stomping ground for Pane on Quiet Man is to build upon his opening lyrics by soothing introductions of vocal melodies, most effective when his deeper tones are balanced with a softer female touch. This creates a solid foundation throughout the standout track, “A Gift To You”. (…)
Where others in this field dwell heavily on melancholy, Panes' songs feel more rooted in positivity and celebrations of life. Its refreshing to hear little mutterings of lost love and failed relationships. Albeit a little too similar in places to the vocal tones of Matt Beringer, no one can deny Roo Panes any title that relates to singing falsetto. There are many moments on this record where he soars like an eagle in pursuit of his musical prey. But equally spellbinding is his deeper bass like tones. The musical canvas beneath his voice is mostly of folk finger pickings. It's only when he dares to think outside the box and offer a different pedigree of song, like “Warrior”, that the canvas ignites.
(Drunken Werewolf)

Roo Panes in Deutschland:
20.11.18 Berlin, Silent Green

Dass Meg Myers als Teenager mit Grunge aufgewachsen ist, hört man dem Song „Numb“, der mit seiner Laut/Leise-Dynamik an Nirvanas „Smells Like Teen Spirit“ oder auch Radioheads „Creep“ denken lässt, an. Zudem dient dieser Song als Abrechnung für den wenig erfreulichen Schritt vom Major Label Atlantic, das ihr Debüt „Sorry“ vor 3 Jahren veröffentlichte, zum Indie-Label 300 Entertainment:

I hate the feeling of this weight upon my shoulders
Pushing the pressure down on me
You think you want the best for me but nothing really matters
If you force it won't come, I guess I'm feeling numb

Auf den übrigen Songs zeigt sich Meg Myers weiterhin düster, dramatisch und wütend, aber nicht so rockig und aufbrausend wie auf dem Album-Highlight „Numb“. Viel Piano, gelegentlich wummernde Beats und jede Menge Keyboard-Wände haben mit der im Albumtitel erwähnten Disco zwar nichts zu tun, lassen das ein oder andere mal an bombastische Pop/Rock-Produktionen der 80er Jahre denken. Etwas aus dem Konzept fallen zudem „The Death Of Me“, ein Duett mit Christian Langdon, „Some People“, der Versuch Enya-Klänge zu entkitschen (auch wenn sonst eher Namen wie Fiona Apple, Alanis Morissette und Sineád O’Connor fallen müssten), und das abschließende „Constant“, das nur auf Streicher und akustische Gitarre setzt. 

The brilliance behind Take Me To The Disco is that its a gradual bloom. At first it seems so effortlessly rebellious, as if freeing yourself is as simple as saying it, yet as it goes on, it doesn't lose sight of the freedom but gains an understanding of it. Tracks like 'Tourniquet' with its big, spiraling, and haunting tone and 'Little Black Death' provide those moments of realization where it's not as simple as it seems, but that doesn't prevent Myers from going forward. Tracks like 'The Death Of Me,' where she has a wonderful duet with Christian Langdon, and 'Done' with its infectious swagger show that. Yet, it's tracks like 'I'm Not Sorry' that make Take Me To The Disco's story feel real: the quiet piano track cries out to be wanted, even when freedom is what Myers hunted for for so long. That feeling of belonging can never truly be escaped no matter how hard you try Add everything together, and you come to the stripped down end of 'Constant,' which ends uncertain but hopeful, Myers realizing "maybe I'm not alone in this constant side."
Meg Myers takes control of her life in Take Me To The Disco, following an uncertain path to a freedom of love, but surely enough being roped back into it at times even when at her peaks. There's joy and there's desperation on this record; Myers holds nothing back. It's an honest journey, and that's where its power comes from.
(Immortal Reviews)

The superb "Take Me to the Disco" finds Myers angry, anguished, raw and obsessed with mortality. Take just three song titles from the rocker's sophomore album: "The Death of Me," "Little Black Death" and "Funeral." Oblivion is never very far on the 12-track album. In "Tear Me to Pieces," she notes: "The rapture's trying to kill me." On "Done," she vows to "rip right through your beating heart."
Myers definitely isn't fooling around, and there's no denying the woman's sheer talent, both as a songwriter and as a singer who can go from kittenish to face-melting in the same song. (…)
"Little Black Death" might be the closest to a disco song Myers has on the new album - a techno banger with lyrics in the grave - but we didn't come to dance. We came to bow before a genuine rock goddess.
(Reading Eagle)

Festtage für Fans von The Essex Green - wenn auch nicht ganz günstige. Nicht nur, dass dieser Tage die beiden älteren Alben „Cannibal Sea“ (2006) und „The Long Goodbye“ (2003) erstmals als Wiederveröffentlichung auf LP (hellblaues bzw. weißes Vinyl) erhältlich sind, sondern es gibt auch frische Musik des US-Trios zu hören. Nach zwölf Jahren Stille gibt es jetzt auf „Hardly Electronic“ 10 neue Songs (plus 4 Lieder digital) zu entdecken und wahlweise auf schwarzem oder - in limitierter Auflage - orange-rot marmoriertem Vinyl käuflich zu erwerben. 

Dabei ist der Plattentitel wörtlich zu verstehen, denn Jeff Baron , Sasha Bell und Chris Ziter setzen ihren nostalgischen Indiepop / Folkrock / Psychdelic-Pop bewusst nahezu ohne elektronische Hilfsmittel um. Orgel, Piano, Mandoline, Streicher und Gitarren werden von charmanten Girl/Boy-Gesang gekrönt und lassen Synthesizer, Keyboards oder Computer nicht missen. 

Wer The Essex Green bisher nicht auf seinem Plattenteller liegen hatte, sollte dies nachholen, wenn sich dort sonst Alben von Belle & Sebastian, Math And Physics Club, oder Camera Obscura drehen. 

The Essex Green may the kind of under-the-radar band that could disappear for a decade without too many people wondering where they had gone; one spin of Hardly Electronic is enough to make that seem like a mistake. The record is good enough, and the band skilled enough, that even one year without a new album from them would feel like an eternity.
(All Music)

Listen to Hardly Electronic, and you’ll discover one of 2018’s best songs before you even get to the second track.
There’s plenty more here beyond the opener, of course. Bell takes the lead vocals on “The 710,” a breezy song with a swirling, psychedelic bridge, and “Catatonic,” which alternates glorious sections that sparkle and sigh with sections of singalong space-rock (also glorious). “Smith & 9th” sounds like it was carved out of a rich and productive slab of jangling acoustic strum. And the baroque “January Says” might just be the prettiest song on the album. It feels untethered by conventional recording and distribution techniques; instead, it floats into your brain on clouds of melody and beauty. It’s Pop Music Time Capsule material.
(Paste Magazine)

Straight folk-pop openers "Sloane Ranger" and "The 710" will easily win you over, but it's the soaring coda of "Don't Leave It In Our Hands" that signals you're in for something truly special. Other highlights include the light, country-rock grooves of "Catatonic" and the breezy, mandolin-laced "Waikiki," but you could find something good to say about pretty much anything here. (…)
Hardly Electronic is a mature and polished album from a band confident enough to let their influences guide their sound without overshadowing it. Longtime fans will obviously snap this up, but anyone with an interest in classically-minded pop arrangements and great songs will find much to like on this unexpected gem from the Essex Green.
(exclaim)

Nach der Trennung von Amber Coffman war "Dirty projectors" David Longstreths Solo-Album mit Gästen zum Zwecke der Vergangenheitsbewältigung und gleichzeitig Zeichen eines Aufbruchs. Der verstärkte Rückgriff auf R 'n' B war die auffälligste Neuerung. 

Nun sind die Dirty Projectors wieder eine Band. Nat Baldwin und Mike Daniel Johnson waren bereits in der Vergangenheit am Bass/Keyboard bzw. hinter dem Schlagzeug der New Yorker Band zu finden, neu hinzu kamen Maia Friedman, Felicia Douglass und Kristin Slipp. Sich und uns beweisen muss Longstreth aktuell offensichtlich nichts, selbstbewusst rückt er auf diesem achten Album wieder ein Stück näher an die Höhepunkte seines bisherigen Schaffens heran, anstatt Grenzen auszuloten.

Viele musikalische Ideen, viele Gäste (u. a. Robin Pecknold von den Fleet Foxes und Haim) machen "Lamp lit prose" zu einem äußerst abwechslungsreichen Album. Das mag stellenweise für den Hörer etwas stressig wirken, aber die meist schmeichelnden Stimmen sorgen für einen angenehmen Ruhepol.

"I feel energy" und "Zombie conquerer" sind für mich die Highlights auf "Lamp lit prose".

Detektor.fm:

Die Gitarren haben wieder Einzug gehalten in die Songs von Dirty Projectors, genau wie mehrstimmiger Gesang und überraschend simple Melodien. Das bedeutet aber nicht, dass die Musik einfach ist. Longstreth hat seine Songs mit komplexen Arrangements ausgestattet, inklusive Tonartwechsel und vielen überraschenden Sprüngen, dass sie mitunter wie im Rausch zusammengepuzzelt wirken. Zu fluffigen Gitarrenlicks gesellen sich E-Piano, Flöten, Trompeten, gesampelte Vocals und ein blechernes Schlagzeug. 

Das Video zu "That's a lifestyle":


"Break-thru":

Die Dirty Projectors auf Tour:

• 09.08. Haldern (Festival)
• 14.08. Berlin

Im dritten Teil unserer Reihe "Revision" knöpfen wir uns (nach Morrissey und U2) die Alben der Smashing Pumpkins vor. Der Grund: Heute vor 25 Jahren erschien mit "Siamese Dream" ihr Meisterwerk. Oder eines ihrer Meisterwerke. Aber schaut (und hört) selbst...

“Gish” 
1991, Caroline, Hut (10 Songs, 46:16)

Dirk: 6 Punkte

Keine Einstiegsdroge für mich. Das war mir damals zu brachialer US-Gitarrenrock und nur Songs wie „Crush“ oder „Snail“ ließen erahnen, dass The Smashing Pumpkins auch mehr drauf hatten. Viel spannender als dieser ganze Grunge-Kram war, was zeitgleich in England mit Bands wie Ride, Slowdive und My Bloody Valentine begann.

Ingo: 7,5 Punkte

“Grunge-Kram” bewahrte mich davor, mich mit dem lahmen Rock-Kram Großbritanniens beschäftigen zu müssen. Sowohl Vielfalt als auch die bloße Anzahl “relevanter” amerikanischer Alternative-Veröffentlichungen nahmen mich komplett in Beschlag. “Gish” zählte für mich nicht zum Grunge. Chicago war nicht Seattle und Billy Corgan war nicht Kurt Cobain oder Eddie Vedder. Daher lernte ich die ergreifende Bass-Line des Openers “I am one” sowie die weiteren starken Titel “Sica”, “Rhinoceros”, “Suffer” und “Tristessa” erst später schätzen. Eigentlich bot “Gish” schon fast alles, was die Smashing Pumpkins später perfektionierten. Nur auf Albumlänge konnte mich “Gish” bis heute nie fesseln. 

Oliver: 8 Punkte

Ich weiß gar nicht mehr, ob ich durch die MTV-Show 120 Minutes auf die Smashing Pumpkins aufmerksam wurde oder dadurch, dass das britische Indie-Label Hut Records den Vertrieb im UK übernahm. Damals habe ich mit Begeisterung viele Veröffentlichungen des Unterlabels von Virgin Records blind gekauft. Kein Wunder, hatten sie doch Bands wie Revolver, Verve (noch ohne ‚The‘), Moose, These Animal Men, The Auteurs oder Placebo im Programm. Auch wenn ich zu der Zeit eher auf britische Bands stand, war Gish ein gern gehörtes Album. Und ist es auch heute noch.

Volker: 7 Punkte

Das Album hatte ich damals noch gar nicht auf dem Schirm, warum auch immer. Im Nachgang natürlich zugelegt, aber irgendwie dann doch nicht so oft auf dem Plattenteller wie die Großwerke.

Gesamturteil: 7,125 Punkte





“Siamese Dream” 
1993, Virgin (13 Songs, 62:09)

Dirk: 8 Punkte

Liste ich meine Top 5-Songs der Smashing Pumpkins auf, dann sind „Today“ und „Disarm“ selbstverständlich dabei. Bei wem denn auch nicht!? Beste Nicht-Single auf „Siamese Dream“: „Mayonaise“.

„The album fused diverse influences such as shoegazing, dream pop, heavy metal and progressive rock“ weiß Wikipedia zu berichten. Haben die Smashing Pumpkins also auch mitbekommen, was jenseits des großen Teichs Großes seinen Anfang nahm. Toll wäre es gewesen, hätten Corgan & Co. auf den Heavy Metal-Einfluss verzichtet und Songs wie „Quiet“ oder „Geek USA“ gestrichen!

Ingo: 9 Punkte

Auf diesem Album sind “Today” und “Disarm” enthalten. Das muss man eigentlich gar nicht mehr zu sagen, aber Dirk hat sich ja auch Mühe gegeben. Keine Rock-/Indiedisco kam Mitte der 90er Jahre ohne diese beiden Titel aus. Die Videos liefen im Musik-TV rauf und runter. Der Erfolg der Titel hat sicherlich die Arbeit am Nachfolgealbum geprägt. Gerade die harten Songs “Silverfuck” und “Geek U.S.A.” zeigen eindrucksvoll, dass die Smashing Pumpkins von mächtiger Energie angetrieben werden, diese aber nur dosiert abrufen. 

Oliver: 8,5 Punkte

Von einem gern gehörten Album zu einem sehr gern gehörten Album. ‚Cherub Rock‘, ‚Today‘ und ‚Disarm‘ machen heute noch genauso viel Spaß wie damals und waren wahrscheinlich der Auslöser dafür, dass dieses Album den internationalen Durchbruch für die Band bedeutete. Wie ‚Gish‘ wurde ‚Siamese Dream‘ von Butch Vig produziert, was zur Folge hatte, dass die Smashing Pumpkins gerne mit in die Grunge-Ecke gestellt wurden. 

Volker: 8 Punkte

Ich denke, man muss hier gar nicht viele Worte verlieren, die Tatsache, dass unsere beiden UK-Experten in den frühen 90ern dieses Album auf dem Schirm hatten, sagt wahrscheinlich schon alles. Und vielleicht sind “Today” oder “Disarm” tatsächlich größer als “I Alone” oder “Mr. Jones”, obwohl…. nein.

Gesamturteil: 8,375 Punkte





“Mellon Collie And The Infinite Sadness”
1995, Virgin (28 Songs, 121:44)

Dirk: 8,5 Punkte

Über 2 Stunden Spielzeit, 28 Songs und eine extreme musikalische Spannweite - mit Recht darf man „Mellon Collie And The Infinite Sadness“ als Magnum Opus der Smashing Pumpkins bezeichnen. Vielleicht hätte Corgan die Band danach auflösen sollen, denn was sollte nach dieser Platte noch folgen?

Es bleibt nicht aus, dass sich bei so viel Musik und unterschiedlichen Stilrichtungen natürlich neben zahlreichen Lieblingslieder (alle 5 Singles, der instrumentale Titelsong, „Stumbleine“, „Lily (My One And Only“) auch einige Streichkandidaten („Fuck You (An Ode To No One)“, „Where Boys Fear To Tread“, „Tales Of A Scorched Earth“, „X.Y.U.“) finden lassen. Die Trackliste meines persönlichen (annähernd) 10-Punkte-Albums sähe so aus:

1. Mellon Collie And The Infinite Sadness

2. Tonight, Tonight

3. Zero

4. Bullet With Butterfly Wings

5. To Forgive

6. Love

7. Galapogos

8. Muzzle

9. Bodies

10. Thirty-Three

11. In The Arms Of Sleep

12. 1979

13. Stumbleine

14. We Only Come Out Tonight

15. Lily (My One And Only)

16. Farewell And Goodnight

Ingo: 9,5 Punkte

Eines der Alben des Jahrzehnts. Unter den 28 Titeln ist kein Ausfall dabei, im Gegenteil stehen für jede erdenkliche Stimmung diverse Songs zur Untermalung und Potenzierung dieser zur Verfügung. Der Beginn mit dem Titelsong-Instrumental, dem orchestralen “Tonight, tonight” und dem ersten Brecher “Jellybelly” wurde von einem Bekannten mal als die perfekte Aufwach-Sequenz beschrieben. Ich habe bisher keine bessere gefunden. 

Die Compilations “Pisces iscariot” (1994) und “The aeroplane flies high” (1996) werden hier nicht einzeln besprochen. Aber sie belegen die unfassbare Schaffenskraft, welche die Band in dieser Phase ausmachte. Daher weigere ich mich auch, “beste Titel” auf “Mellon Collie…” zu benennen. Das Album ist ein unerreichtes Gesamtkunstwerk und gehört als solches genossen. 

Oliver: 7,5 Punkte

1995 kamen so viele Britpop-Platten raus, dass ich offenbar gar keine Zeit hatte, ein neues Smashing Pumpkins Album  zu hören. Und schon gar nicht so ein langes! Zwei der fünf Singles hatte ich mitbekommen und die fand ich auch durchaus gut. Das komplette Album habe ich aber erst viel später gehört. Und ja: Es ist echt lang… 

Volker: 8 Punkte

1995 hätte ich hier wohl einen 10er rausgerückt, wobei wahrscheinlich ein Bonuspunkt für Größenwahn dabei gewesen wäre. Zum Reissue der x-fach LP vor ein paar Jahren ist mir dann allerdings aufgefallen, wie wenig neben den bekannten “Hits” dann doch über die Jahre hängen geblieben ist. Dafür war es dann trotzdem ein sehr erfreuliches Wiederhören.

Gesamturteil: 8,375 Punkte





“Adore” 
1998, Virgin (16 Songs, 73:18)

Dirk: 7,5 Punkte

Billy Corgan musste seinen Schlagzeuger und besten Freund Jimmy Chamberlin aus der Band werfen, eine Scheidung und den Tod seiner Mutter verkraften und stellte die Smashing Pumpkins nebenbei musikalisch neu auf. Dies gelingt erstaunlich gut und erstmals muss ich keine Heavy Metal beeinflussten Songs als Ausfälle aufzählen. Obwohl mit „Eye“ und „The End Is The Beginning Is The End“ zwei Songs dieser Phase auf Soundtracks landeten, die „Adore“ gut zu Gesicht gestanden hätten, ist das vierte Album der Smashing Pumpkins, welches ursprünglich als Doppelalbum geplant war, in sich sehr stimmig aber etwas zu lang geraten. Gerade die zweite Hälfte kann mit dem sehr starken Anfang nicht mithalten.

Ingo: 8 Punkte.

Mit Jimmy Chamberlin hatte der Drummer die Band verlassen und diese Lücke wurde genutzt: Dieses fehlende Element war ein guter Anlass für einige akustische Songs und Experimente mit der Drum-Maschine. Songs wie “To Sheila” wären bei anderen Platten der Band nicht als Opener zu finden. Anschließend lässt die besagte Drum-Maschine Chamberlin nicht vermissen. Mit “Tear” und “Crestfallen” folgen in der ersten Albumhälfte noch zwei weitere starke Titel. Danach wird es vor allem sehr ruhig. Dirk erwähnte bereits den aus dieser Zeit stammenden und auf dem Batman-Soundtrack veröffentlichten Titel “The end is the beginning is the end”. Billy Corgan verkündete zu diesem Song, dass das Ende der Rock-Musik gekommen sei und damit schlug er in die gleiche Kerbe wie kurz zuvor David Bowie mit “1. Outside”. Es ist kurios, dass nun, 20 Jahre später die Smashing Pumpkins (Alternative-)Rock wieder live zelebrieren.  

“Adore” ist das Smashing Pumpkins, welches erst lange nach Veröffentlichung in seiner Schönheit erkannt wurde. Der im Vergleich zu “Mellon Collie…” magere Erfolg des Album war einerseits eine Befreiung allerdings offensichtlich auch ein Problem für das Ego der Band.

Oliver: 8,5 Punkte

Als wir unser Sammelalbum zusammengestellt haben, habe ich die Smashing Pumpkins ziemlich vernachlässigt. Mindestens 30 Platten aus den 90ern waren für mich besser, als die vier Alben, die die Smashing Pumpkins in diesem Jahrzehnt veröffentlicht hatten. Vielleicht ist Adore das Album, das es verdient gehabt hätte, in meine Top 30 zu kommen. Schließlich war ich doch schon immer Fan von den eher ruhigeren Songs der Band. Vielleicht hätte dem Album aber auch der ein oder andere Gitarrenausbruch gut getan. 

Volker: 8,5 Punkte

Wie hat Dirk es im Vorfeld formuliert: Und Volker wird uns dieses Album wieder als Meisterwerk der Smashing Pumpkins verkaufen wollen (oder so ähnlich). Recht hat er! Was für eine großartige Alternative Popmusik. Süßer und sonniger waren sie nie und sollten sie nie wieder werden. 

Gesamturteil: 8,125 Punkte





“Machina/The Machines Of God” 
2000, Virgin (15 Songs, 73:13)

Dirk: 7 Punkte

Während der Aufnahmen verließ D’arcy Wretzky die Band, dafür wurden Jimmy Chamberlin und der rockigere Sound der Smashing Pumpkins wieder zurück geholt. Für Billy Corgan hängen die enttäuschenden Verkaufszahlen damit zusammen, dass „Machina/The Machines Of God“ in Zeiten, da Korn und Limp Bizkit erfolgreich waren, nicht hart genug war. Für mich ist es das und „The Everlasting Gaze“ und „Heavy Metal Machine“ entgehen immer nur knapp der Skip-Taste. Meine persönlichen Highlights sind „Stand Inside Your Love“, „This Time“ und „Blue Skies Bring Tears“. Die Platte ist mit 15 Songs, darunter das 10-minütige „Glass And The Ghost Children“, erneut zu lang geraten und das undurchsichtige Konzept des Albums habe ich bis heute nicht verstanden.

Ingo: 7,5 Punkte

Jimmy Chamberlin saß wieder an den Drums, allerdings hatte Bassistin D’arcy Wretzky sich von der Band verabschiedet. Ersetzt wurde sie durch die Ex-Hole Bassistin Melissa Auf Der Maur. Das mit “The end is the beginning is the end” durch Corgan verkündete Ende der Rock-Musik fand offensichtlich noch nicht statt. “Machine/The machines of God” zelebrierte die Heavy-Gitarren, an denen auf “Adore” gespart wurde. Diese Gitarren wurden selbst mir an der einen oder anderen Stelle zu viel. Das Album steht auch für das erste Ende der Band. Mit ausuferndem Konzept (irgendwas mit Gott) und Tour wollten es Corgan und die Band noch einmal krachen lassen. “Machina/The machines of God” ist näher an “Mellon Collie…” als “Adore”. 

“The everlasting love”, “Stand inside your love”, “Heavy metal machine”, “Wound” und “Age of innocence” sind meine Lieblingstitel auf dieser Platte. 

Oliver: 6 Punkte

Kommen wir zu den Smashing Pumpkins Alben, die absolutes Neuland für mich sind. Eigentlich hab ich bei Machina/The Machines Of God  Schlimmeres erwartet. Eigentlich schließt es musikalisch ja an Adore an. Aber eigentlich ist die Platte auch ziemlich durchschnittlich. Um nicht zu sagen: Langweilig. 

Volker: 4 Punkte

Ein Jubel ging durch die Menge. Jimmy Chamberlain seines Zeichens Schlagzeuger ist wieder an Bord! Doch muss man ihn deswegen derart in den Vordergrund mischen, bei einer Produktion die sich scheinbar die Perfektion des Soundbreis zum Ziel gesetzt hat? Wunderbar verzerrte Gitarren konkurrieren mit Schlagzeug und Effekten und Corgans Gesang ist tatsächlich zeitweise zu erahnen. Nichts ist geblieben von der zugegeben poppigen Leichtigkeit des Vorgängers Adore. Wo bitte sind die Songs versteckt? Nach vielen tollen Platten ein riesiger Rückschritt, aber wenigstens war Chamberlain jetzt angeblich clean - tja man kann wohl nicht alles haben. 

Gesamturteil: 6,125 Punkte





“Machina II/The Friends & Enemies of Modern Music” 
2000,Constantinople (14 Songs, 49:31)

Dirk: 6,5 Punkte

Im September 2000 sah ich die Smashing Pumpkins erstmals live - gerade noch rechtzeitig, denn sie waren auf ihrer Abschiedstournee. Nur wenige Tage zuvor war „Machina II/The Friends & Enemies of Modern Music“ umsonst im Internet veröffentlicht worden und so wurden uns in der ausverkauften Arena Oberhausen gleich 13 Songs aus dem Machina-Zyklus präsentiert, wodurch der ein oder andere tolle ältere Song leider nicht den Weg auf die Setliste fand. Hier konnte Billy Corgan plötzlich aussieben! 

Das noch aus „Adore“-Zeiten stammende „Let Me Give The World To You“, das an U2 erinnernden „Home“ und das nach The Cure klingende „In My Body“ sind für mich noch die Highlights dieses Sammelsuriums, das durch 3 EPs mit B-Seiten noch aufgebläht wurde.

Ingo: 7 Punkte

Die Plattenfirma wollte Corgan kein weiteres Doppel-Album zugestehen, daher gab es “Machina II/The friends & enemies of modern music” als trotzige Zugabe zu “Machina/The machines of God”. Ursprünglich wurden nur 25 Exemplare des Albums veröffentlicht und zum kostenlosen Download freigegeben. Alternative Versionen von auf “Machina/The machines of God” enthaltenen Songs sowie die Struktur aus zusammengeworfenen EPs lässt dieser Kompilation zumindest zum Teil das Label “Resterampe” anhaften. Doch dadurch würde man der durchschnittlichen Qualität der 25 Songs nicht gerecht. Gerade die Tatsache, dass die Titel nicht auf Hochglanz poliert äh produziert wurden, verleiht “Machina II/The friends & enemies of modern music” (würde ich nach Worten bezahlt, würde ich diesen Albumtitel lieben) einen rohen Charme. 

“Soul power”, “Speed kills (but beauty lives forever)” und “Cash car star” sind für mich die Stars auf dieser Sammlung.  

Oliver: 6,5 Punkte

Ich weiß gar nicht, warum ich im Vorfeld so eine große Angst vor der Smashing Pumpkins Revision hatte - vor allem vor den Alben, die ich noch nicht kannte. Richtig schlecht ist Machina II ja jetzt auch nicht. Und es gibt wieder mehr Rock gegen zwischenzeitliche Langeweile! 

Volker: -

Muss ich nach der Bewertung des Vorgängers, der für mich an sich schon mit B’Sides an Rarities zu positiv betitelt gewesen wäre, erwähnen, dass ich mir diesen Nachschlag geschenkt habe?

Gesamturteil: 6,667 Punkte





“Zeitgeist” 
2007, Reprise (12 Songs, 52:22)

Dirk: 5,5 Punkte

Im Nachhinein betrachtet hätte es dieser „Reunion“ nicht bedurft. Worüber soll man sich denn mehr aufregen: Über die Holzhammer-Metapher des hässlichen Plattencovers (da helfen auch die unterschiedlichen Farbvarianten nichts)? Die Bonus-Track-Politik, die die Fans verärgert hat? Darüber, dass Smashing Pumpkins drauf steht, aber nur 50% drin stecken? Oder über die Tatsache, dass Corgan in 7 Jahren keinen packenden Song komponiert zu haben scheint („Neverlost“ ist so etwas wie ein Hoffnungsschimmer) und sich mit Kollege Chamberlin ziemlich uninspiriert durch 16 Songs (wenn man denn aller Zusatzsongs fündig wurde) rockt?

„Zeitgeist“ verdient nur ein Fazit auf diesem Niveau: Lady Liberty steht das Wasser bis zu den Knien, Billy Corgan bis zum Hals.

Ingo: 6,5 Punkte (Dank Comeback-Bonus)

Bislang das rockigste Album der Band. Für das Comeback sieben Jahre nach der Auflösung verzichtete die Band weitgehend auf eine ihrer größten Stärken: Die Dynamik. Zu diesem Zeitpunkt bestand die Band aus Corgan und Chamberlain. Ich erinnere mich an die Singles “Doomsday clock” und “Tarantula” und daran, dass ich irgendeine Limited Edition gekauft habe. Die Songs “Starz” und “Neverlost” gefiel mir auch, er zeigte wenigstens etwas von der berühmten Smashing Pumpkins “laut-/leise-Dynamik”. Die Freude über die Reunion war größer als die über das Album an sich. Kurioserweise ist “Zeitgeist” als einziges Album (neben „Machina II/The Friends & Enemies of Modern Music“, aber da verstehe ich es) nicht im Katalog meines Streaming-Anbieters enthalten. So schlecht ist es nun wirklich nicht. 

Oliver: 6 Punkte

Ich stimme Ingo zu: So schlecht ist das Album nun wirklich nicht. Hatte ich nicht bei ‚Adore‘ noch gesagt, dass ich Fan der ruhigeren Songs bin? Bei ‚Machina II‘ hingegen feierte ich dann die rockigen Parts, die gegen die Langeweile eines durchgehend ruhigen Albums ankämpfen. Und nun? Wieder ZU rockig? Ja. Es ist wohl echt schwierig, mich zufrieden zu stellen. Zumindest wenn man Billy Corgan heißt.

Volker: 6 Punkte

Um die Smashing Pumpkins war es ruhig geworden. Corgan hatte mit seiner neuen Bands Zwan und solo veröffentlicht. Beides fand ich nur leidlich gut. So stand mir der Kopf auch irgendwie gar nicht nach einem neuen Album der Band, schon gar nicht ohne D’Arcy (die ja schon auf Machina nicht mehr dabei war) und James Iha (stimmt es eigentlich, dass er seit diesem Jahr wieder Bestandteil der Band ist?). Angehört habe ich es mir damals natürlich trotzdem, und wirklich weh getan hat es nicht.

Gesamturteil: 6,000 Punkte





“Oceania” 
2012, EMI (13 Songs, 60:02)

Dirk: 7 Punkte

Spätestens jetzt ist alles klar: Die Smashing Pumpkins sind allein Billy Corgan, die Mitstreiter austauschbar, und unterhalb eines größenwahnsinnigen Konzept geht eigentlich gar nichts. In diesem Fall heißt es „Teargarden By Kaleidoscope“ und ist ein fortlaufender Song-Zyklus, der seit 2009 auf 44 Titel erweitert wurde. Die damalige Behauptung Corgans, „Oceania“ sei ihr bestes Album seit „Mellon Collie“, hält der heutigen Nachbetrachtung nicht ganz stand, auch wenn Streicher, akustische Gitarren und Keyboards zumindest klanglich deutlich in diese Richtung weisen.

Ingo: 6,5 Punkte

“And then there was Corgan.” Das Comeback mit Chamberlain war nicht von Dauer. Ohne ihn machte sich Corgan an ein Mammut-Projekt: “Teargarden by kaleidyscope”. In den Jahren 2009 bis 2011 veröffentlichte er die beiden EPs “Songs for a sailor” und “The solstice bare” sowie zwei weitere Titel. Das war wohl sein Umgang oder Experiment mit neuen Veröffentlichungsstrategien. Erst mit “Oceania” lieferte er 2012 wieder ein Album ab, welches offiziell zu “Teargarden by kaleidyscope” gehört. Mit Jeff Schroeder, Nicole Fiorentino (Damen am Bass sind eine der Konstanten der Smashing Pumpkins) und Mike Byrne hatte er wieder ein Band um sich versammelt. “The celestials” war eine starke Vorab-Single. “Pale horse”, “Glissandra” und “Quasar” blieben mir darüber hinaus in Erinnerung. “Oceania” bietet im Vergleich zum “Zeitgeist” mehr Smashing Pumpkins-Feeling und Vielfalt. 

Oliver: 8 Punkte

An die Großtaten der 90er-Jahre kommt die Platte nicht ganz heran. Aber es gibt durchaus Songs, die daran erinnern: ‚The Celestials‘ zum Beispiel oder ‚Violet Rays‘. Oder… oder… oder… Naja, offensichtlich kommt sie doch ganz nah an vergangene Großtaten heran. Schön, so eine Platte noch im Nachhinein zu entdecken. Danke, Platten vor Gericht!

Volker: 8 Punkte

5 Jahre nach dem Comeback eigentlich schon fast als zweites Comeback zu beurteilen, und entweder war die Zeit bei mir einfach mal wieder reif für diese Art Musik, oder das Album war tatsächlich deutlich besser als alles, was Corgan seit 1998 veröffentlicht hatte. Eine große Überraschung, die für mich in der Reihe der 3 Großtaten der 90er kaum abfällt.

Gesamturteil: 7,375 Punkte





“Monuments To An Elegy” 
2014, BMG (9 Songs, 32:35)

Dirk: 7 Punkte

Das ich das noch einmal sagen darf: Dieses Smashing Pumpkins Album ist zu kurz geraten. 32 Minuten sind gerade einmal ein Viertel von "Mellon Collie", da hätte Billy Corgan gern noch etwas in seinem Archiv kramen dürfen. Aber ursprünglich war mit "Day For Night" noch ein zweites Album fürs gleiche Jahr angekündigt worden, das nie erschienen ist. Ob die mauen Verkäufe von "Monuments To An Elegy" der Grund dafür waren? Ansonsten ist es ein solides, fast schon poppiges Smashing Pumpkins-Album ohne die ganz großen Ausreißer nach oben oder unten.

Ingo: 6 Punkte

Vom “Oceania”-Personal blieben Corgan und Schroeder. Vielleicht ist Corgan wirklich so ein schwieriger Zeitgenosse, wie immer wieder verlautet wird. “Monuments to an elegy” ist das neunte Album der Band und ebenfalls Teil des “Teargarden by kaleidyscope”-Zyklus. Tommy Lee am Schlagzeug war ein weiterer Beitrag zum personellen Kuriositätenkabinett der Smashing Pumpkins. Merklich weniger rockig als die beiden Vorgänger wirkt “Monuments to an elegy” wie eine lose Sammlung von Ideen. Drum-Computer und Synthesizer erinnern an “Adore”, vielleicht waren einige der Songs “Reste” aus dieser Phase. “Anaise” und “Anti-Hero” sind die relativen Höhepunkte des “aktuellen” Albums der Band. Wenn ich die letzten Jahre Revue passieren lasse frage ich mich, warum ich mich über ein neues Album freuen sollte. Egal, es wird eine Limited Edition geben. 

Oliver: 7 Punkte

Fällt im Vergleich zum Vorgänger wieder ein wenig ab. Hat aber endlich mal eine vernünftige Länge. Was bleibt: Der Vorsatz, neue Smashing Pumpkins Alben zeitnah zum Erscheinungsdatum zu hören und nicht wieder vier bis achtzehn Jahre zu warten.

Volker: 6 Punkte

Und schon war der Hurra Effekt wieder verpufft. Aber vielleicht sollte man auch nicht zu viel verlangen. Vorübergehend scheint Corgans Pulver durch Oceania wieder verschossen, fast klingen die Songs wirklich wie B-Seiten des Vorgänger Albums. Positiv, so tief wie zu Machina-Zeiten geht es nicht runter, negativ, wirklich brauchen tut man davon nichts.

Ich würde mir ja weiterhin eine Revival der Originalbesetzung wünschen, aber ich hoffe ja auch noch auf solche Absurditäten wie eine Reunion von Talk Talk. Träumer halt.

Gesamturteil: 6,500 Punkte

Nur 14 Monate nach „Humanz“ stand mit „The Now Now“ bereits dessen Nachfolger in den Plattenläden und wies damit zahlreiche Parallelen zu „The Fall“ (2011) auf, das kurz nach „Plastic Beach“ (2010) erschienen war. 

Beide Alben wurden im Verlauf der Nordamerika-Tournee zum Vorgänger aufgenommen und weisen daher auch deutlich weniger Gastbeiträge auf. Während auf „Plastic Beach“ gleich 13 der 16 Songs mit prominenten Musikern (u.a. Lou Reed, Mark E. Smith, De La Soul, Mos Def, Gruff Rhys oder Snoop Dogg) bestückt waren, tauchten auf „The Fall“ nur 4 Gäste auf, darunter mit Mick Jones, Bobby Womack und Paul Simonon drei alte Bekannte sowie erstmals Pharrell Williams. Das gleiche Konzept wurde nun wiederholt: Bis auf das Intro, die Interludes und „Busted And Blue“ wurden alle der 20 Songs (in der Deluxe Edition sogar 26) von „Humanz“ durch Gastbeiträge (u.a. von Grace Jones, Jean-Michel Jarre, De La Soul, Vince Staples, Benjamin Clementine, Graham Coxon oder Noel Gallagher) aufgewertet, auf „The Now Now“ sind lediglich die Stimmen von Snoop Dogg und Jamie Principle („Hollywood“) zu hören und spielen George Benson („Humility“) und Graham Coxon (erneut) Gitarre („Magic City“). Auch müssen „The Fall“ und „The Now Now“ im Gegensatz zu „Platic Beach“ und „Humanz“ ohne Bonus-Tracks auskommen.

Hinsichtlich der Rezeption durch die Plattenkritiker und des kommerziellen Erfolgs, gemessen an den Chart-Positionen, stach „The Now Now“ jedoch „The Fall“ aus: 

Während „The Fall“ bei Metacritic als schwächstes der sechs Gorillaz-Alben dasteht (67/100), nur von einer der beiden B-Seiten-Zusammenstellungen unterboten wird und im Vergleich zum Vorgänger 10 Punkte verloren hat („Plastic Beach“ 77/100), kommt „The Now Now“ auf 73/100 Punkte und liegt damit nur knapp hinter „Humanz“ (77/100) und zum Beispiel vor dem Debütalbum „Gorillaz“ (71/100).

Während aus „The Fall“ nur eine Single ausgekoppelt wurde, die es nicht in die Charts schaffte, waren es aus „The Now Now“ deren fünf, wobei „Humility“ mit Platz 81 sogar etwas besser abschnitt als „Saturnz Barz“ (#87) und „Ascension“ (#91), die erfolgreichsten Singles aus „Humanz“.

Während „The Fall“ in England als einziges Album der Gorillaz die Top Ten verfehlte (#12) und in den USA (#24) und Deutschland (#43) davon weit entfernt war, schaffte es „The Now Now“ in vielen Hitlisten unter die obersten zehn Plätze (UK #5, USA #4, D #10), auch wenn die Erfolge von „Humanz“ (UK #2, USA #2, D #3) nicht ganz wiederholt werden konnten.

(…) Es ist nicht der einzige Song auf dem Album, der von einer Art süßer Belanglosigkeit ist.
Das Spiel mit den Gastmusikern – hier ein weiterer Auftritt von Snoop Dogg, da eine Melodie von George Benson – wird langsam alt, und die kritische Attitüde, die einst aus „Plastic Beach“ schon fast ein Konzeptalbum gegen Verschmutzungen und Verstellungen aller Art machte, scheint hier der Konzeptlosigkeit einer bloßen Songkompilation zu weichen.
Sicher, bei den Balladen macht Damon Albarn niemand etwas vor: „Kansas“ ist ein Hoffnungsgospel über sehr ruhigem Laidback-Groove. „I'm not gonna cry / Find another dream“, singt er da, und Tausendsassa-Albarn, der vor Jahren ja auch ein Album von Bobby Womack produziert hat, ist für solche Zeilen mit allen Wassern des Soul gewaschen. (…)
„The Now Now“ ist von wechselnden Stimmungen und von wechselnder Qualität. Mal ist man hingerissen wie noch bei dem Song „Tranz“, der von Ferne an die Band Visage erinnert, dann wieder bleibt auf dieser Platte, etwa auch bei dem Stück „Hollywood“, ein gewisser Rest von Musik der, mit Calvin Harris gesprochen, allenfalls „Acceptable in the 80s“ war.
(FAZ)

An jeder Ecke finden sich zauberhafte Melodien, wohingegen immer wieder Songs wie "Tranz" und das Fast-Instrumental "Lake Zurich" zusätzlich die nötige Dosis rhythmische Energie injizieren, um das Tempo nicht zu sehr schleifen zu lassen. Passend dazu hat Albarn ein paar seiner schönsten Textzeilen seit langem geschaffen. So fragt er sich in "Kansas" zwischen schwerfällig stampfendem Beat und federleichten Synthies: "Am I capable of a feeling? / The memory of my fall from grace in your heart." An anderer Stelle heißt es "Look, there's a billboard on the moon", bevor es hinterm zweiten Stern links Richtung "Magic city" geht.
Kitsch war bisher nichts, was man mit Gorillaz in Verbindung gebracht hätte, aber "The now now" zeigt, dass ihnen ein wenig romantisches Schwelgen gut zu Gesicht steht. Es lädt zum Eintauchen ein, verweilt als bisher kürzestes Album der Band nicht zu lange und besitzt eine herrliche Unaufgeregtheit. "One percent" braucht nicht viel mehr als zwei Minuten, um mit seiner fantastischen Melodie zu verzaubern, und kann als Symbol für dieses Low-Stakes-Kleinod gesehen werden, das Gorillaz so unvermittelt schnell nach "Humanz" in die Welt gestellt haben. Wer dachte, die Band habe sich zwischen hochprofilierten Gästen und Genre-Hopping ein wenig selbst aus den Augen verloren, darf sich mit "The now now" vom Gegenteil überzeugen lassen.
(Plattentests)

THE NOW NOW mutet wie das erbaulichere Gegenstück zu Albarns ermüdend trübsinnigem Solodebüt EVERYDAY ROBOTS an. Am meisten aber zu loben ist die Abkehr vom Versuch, mit den Entwicklungen im Game mithalten zu wollen.
THE NOW NOW könnte die dritte B-Seiten-Sammlung der Gorillaz sein. Das ist weniger gemein gemeint, als es klingt: G-SIDES und D-SIDES sind formidable Platten! Aber eben keine Greatest Hits. Oft verkleben sich die hübschen Melodien in der dick aufgetragenen Synthie-Sülze – könnte sie doch Danger Mouse mit der knackigen Produktion von DEMON DAYS befreien! Das relativ entschlackt groovende „Tranz“ bildet da eine willkommene Ausnahme, wirklich herausragend aber ist das gezupfte „Idaho“, das wie ein Übergang zum angekündigten zweiten Album von The Good, The Bad & The Queen wirkt.
(Musikexpress)

Bei ihrem Debütalbum haben es Parquet Courts übrigens ähnlich gehandhabt wie Maike Zazie, über die wir heute Morgen sprachen.: Zunächst wurde „American Specialties“ (2011) in limitierter Auflage nur als Kassette veröffentlicht worden, eine LP-Version folgte rund ein Jahr später auf einem anderen Label.

Aber mittlerweile schreiben wir das Jahr 2018 - und das Sommerloch drängt sich für Nachträge und übersehene Platten immer so auf - und das Quartett aus New York hat inzwischen ihr sechstes Album veröffentlicht, ist bei Rough Trade gelandet, konnte Danger Mouse als Produzenten gewinnen, erstmals in die Top 30 der UK-Charts vordringen (#27) und massenhaft sehr gute Reviews einfahren. Metacritic hat 27 Kritiken gesammelt und die stolze Durchschnittsbewertung berechnet: 83 von 100 Punkten.

Schauen wir uns die Videos zu „Mardi Gras Beads“, „Total Football“ und „Wide Awake“ an und lesen dabei die Lobhudeleien aus Deutschland für diese Ritt durch die letzten 50 Jahre der Rockmusik (The Strokes, Franz Ferdinand, The Fall, The Clash, Wire, Talking Heads und Rolling Stones):

Burton durfte im Studio seine originären Klangeinstellungen nutzen, diesen stets etwas pappig-ploppenden Sound, dem eine Dimension zu fehlen scheint. Einfach das Schlagzeug bei „Violence“ hören, dann weiß man, was gemeint ist. Über diesem Ploppen aber lässt Sänger Andrew Savage eine Tirade los, die an einen hyperventilierenden Jonathan Richman im Mark-E.-Smith-Modus erinnert, die Band spielt dazu einen coolen Freakbeat-Fuzz zur Doors-Orgel – gut vier Minuten läuft der Song, man denkt immer, es wären höchstens zwei. „Total Football“ beginnt als langsamer Punkrock, wird dann zu hüpfendem Pop-Punk, bleibt aber ein Hit.
(musikexpress)

Neben den klassischen post-punkigen Stücken finden sich auf "Wide Awake!" viele Experimente, sei es Latino-Rhythmen, weißer Funk, klassischer Seventies-Rock oder pianogetriebener Blues-Rock. Die Parquet Courts meistern diese Ausflüge Dank einer ausgiebigen Vorbereitung und Danger Mouse an der Seitenlinie allesamt souverän. Und über allem hängt dieser Schrei nach Zusammenhalt, nach einer Korrektur dieses gigantischen Systemerrors.
Ein tanzbares Album wollten die Parquet Courts vorlegen, und das haben sie zu weiten Teilen geschafft. Ein Album für ein positives Gemeinschaftsgefühl und gegen den grassierenden Nihilismus. „Move ahead, and your ass will follow“ – das gilt noch immer.
(BR)

Was sie selbst machen kann, macht die Band selbst. Was sie nicht selbst machen kann, macht sie lieber gar nicht. Ein gesundes Misstrauen gegenüber den Funktionsweisen und Gaunereien des Musikgeschäfts trifft bei Parquet Courts auf einen unerschütterlichen Glauben an den Rock ’n’ Roll und seine Mythenschreibung. In diesem Spannungsfeld entfaltet ihr neues Album Wide Awake eine Wirkmacht, die man Männern mit Gitarre, Bass, Schlagzeug und gelegentlichem Georgel gar nicht mehr zugetraut hatte.
Zunächst sticht hervor, wie wütend diese Platte ist und wie sehr Parquet Courts ihre Wut musikalisch verdichtet haben. Als Doppelspitze der Band beschränken sich die Songwriter Andrew Savage und Austin Brown an den E-Gitarren überwiegend auf Säge- und Abrissarbeiten. Ihre Instrumente kreiseln um sich selbst, durchtrennen die Songs in der Mitte und würgen jeden Versuch eines Soloausflugs sofort wieder ab. Savages jüngerer Bruder Max bolzt dazu ein weitgehend unvariiertes Funktionsschlagzeug durch das Album: Er spielt mit der Präzision und Formtreue des Mathematikstudenten, der er tagsüber ist. Melodiegespür und Leichtfüßigkeit bleiben deshalb Sean Yeaton überlassen. Der Bassist entpuppt sich mit weichem, vergnügtem Spiel als heimlicher Star von Wide Awake.
(Zeit)

Parquet Courts in Deutschland:

18.11.2018 Köln (Gebäude 9)
19.11.2018 München (Ampere)
20.11.2018 Frankfurt (Zoom)

Auf unserem anderen, viel hipperen Blog, Kassetten vor Gericht, hatten wir „Fragmente“, das in einer Auflage von nur 50 Stücken bereits im Dezember 2015 veröffentlicht wurde, bereits vorgestellt, so dass ich hier, anlässlich der Wiederveröffentlichung als CD über das Label 7K!, nur kurz zusammenfassen muss: 

Das kommt dabei heraus, wenn eine Pianistin, Komponistin und Literaturwissenschaftlerin eine enttäuschende Liebe zu verarbeiten sucht. Maike Zazie Matern rezitiert die Texte ihrer „nie geschriebenen Briefe“ an einen gewissen T. zu zerbrechlichen Klavier-Etüden zwischen Lambert, Björk, Soap&Skin, Nils Frahm und Eric Satie.

 10. Mark Lanegan - With Animals (24.8.2018)

 9. Tash Sultana - Flow State (Limited-Edition) (Mint/Pink Vinyl) (2 LPs) (31.8.2018)

 8. Teenage Fanclub - Grand Prix (2 LPs) (10.8.2018)

 7. Brett Anderson - Brett Anderson (180g) (Translucent Vinyl) (10.8.2018)

 6. Death Cab For Cutie - Thank You for Today (17.8.2018)

 5. Honig - The Last Thing The World Needs (24.8.2018)

 4. Tindersticks - Curtains (180g) (Extended Edition +9 Bonustracks) (2 LPs) (3.8.2018)

 3. James  - Living in Extraordinary Times (2 LPs) (3.8.2018)

 2. Teenage Fanclub - Songs From Northern Britain (2 LPs) (10.8.2018)

 1. Interpol - Marauder (Cream Vinyl) (24.8.2018)

Was für ein großartiges Musikjahr für unseren Harfen-Fan Volker! Nach Mary Lattimore kommt nun Mikaela Davis mit ihrem Debütalbum daher - fehlt eigentlich nur noch Joanna Newsom, um das Harfenistinnen-Triumvirat zu vervollständigen.

Aber Mikaela Davis setzt nicht nur auf Harfen-Experimente, sondern lässt ihren Folkpop durch den Einsatz von Piano, Synthesizern, Bass, Gitarre und Schlagzeug auch in Richtung 80s Pop, Indierock, Country oder Funk tendieren. Beim Genre-Hopping wird sie von ihrer Begleitband (Alex Coté an Schlagzeug, Percussion und Gitarre und dem Bassisten Shane McCarthy), dem Produzenten John Congleton (St. Vincent, Future Islands, Angel Olsen, Alvvays) und auf zwei Songs, „Emily“ und „Pure Divine Love“, von The Staves unterstützt.

„Delivery“ ist in der limitierten Auflage als rotes Vinyl käuflich zu erwerben. Schönster Gimmick im Shop der 26-jährigen US-Amerikanerin: Socken in "Happy Socks-Optik", die in Muster und Farbgebung der Plattenhülle entsprechen.

Davis hat sich mit ihrem physisch sperrigen und klanglich zierlichen Instrument eine Bandbreite an allem zusammengeschrieben, was das letzte Drittel des 20. Jahrhunderts ausmacht: 80s-Glitter, Grungegitarren und glasklarer Radiopop flechten sich gekonnt zwischen den Folkpop, die Besucherstimmen der Staves und den Partonesken Gesang. Vielleicht kann man Davis zu wenig Konsistenz vorwerfen, könnte um mehr roten Faden bitten. Kann man aber auch lassen und zugeben, dass ihre Thematisierung der eigenen Skepsis fasziniert.
(musikexpress)

Ihre Kür sind kunstvolle Arrangements, die das Werk in den Nimbus solcher von Kate Bush oder Tori Amos rücken.
Ohnehin - um bei der letztgenannten Dame zu bleiben - nimmt das Klavier auch bei Davis eine tragende Funktion ein. In diesem Sinn findet beispielsweise der dahingetupfte Opener 'Delivery' später mit 'Other Lover' eine entsprechende Fortführung, wohingegen zahlreiche Anspielungen auf die Tanztempel der späten 70er und frühen 80er ein konträres, aber ein im Vergleich dazu nicht völlig unpassendes Bild zeichnen. Das bezeugen allein schon das lakonische 'Little Bird', das sich ganz fies mit Bläserklängen - unisono mit E-Gitarre - ins Hirn einbrennt, und das schwitzige 'Get Alone', ebenso mit schmatzenden Gitarrenklängen und dreckigen Disco-Synths.
(Musikreviews)

Mit einem lieblichen Harfenspiel sowie Davis‘ sehnsüchtiger Stimme startet „A Letter That I’ll Never Send“, das sich im Refrain mit Aplomb von seiner bombastischen Seite zeigt. „In My Groove“ ist eine beseelte Seventies-Ballade, bekommt Christine McVie mit Fleetwood Mac auch nicht besser hin. Der puristische Harfen-Folk in „Emily“ (von Alex Coté geschrieben, von The Staves gesanglich begleitet) berührt tief, während „Do You Wanna Be Mine?“ als fluffiger und strahlender 80er-Pop daherkommt. Die Harfenverzauberung funktioniert so gut wie bei Joanna Newsom (wenngleich nicht permanent zur Schau gestellt), jedoch ist Davis‘ Gesang wesentlich angenehmer zu hören.
In „Little Bird“ geht es passagenweise gar ekstatisch, wüst und experimentell zu, am Ende indes behält das Melodiöse die Oberhand. „Other Lover“ stünde sicherlich auch Kate Bush gut zu Gesicht, ein weiterer großer Moment des Albums, der das ungeheure Potential von Mikaela Davis offenlegt. Eine traumhaft sichere Ballade beschert sie uns noch  mit „All I Do Is Disappear“ und im abschließenden „Pure Divine Love“ reist Davis in psychedelisch-kosmische Gefilde. Delivery ist die Geburtsstunde einer hoffnungsvollen Songwriterin, der die Zukunft gehört. Und die Zukunft beginnt jetzt.
(Sounds & Books)

Mikaela Davis in Deutschland:
20.09.18 Hamburg
21.09.18 Berlin

Selbstverständlich muss ein Album mit dem Titel „Sundays“ an einem Sonntag vorgestellt werden. Es ist das Debütalbum der in San Francisco aufgewachsenen und in Oakland lebenden Multi-Instrumentalistin Hannah van Loon und drängt sich zur musikalischen Untermalung eines vertrödelten, verträumten und vorbeigehuschten Sonntagnachmittags geradezu auf. Oftmals schleppt sich die Musikerin, die ihr Output unter dem Namen Tanukichan veröffentlicht, behäbig bis träge durch ihre Shoegaze- und Dreampop-Songs. Als träfen sich Beach House, Julee Cruise und My Bloody Valentine zum Sonntagnachmittagstee.  

Denn das genretypische Wabern und Wolken des Sounds in eine größtmögliche Diesigkeit des Gemüts findet sich bei Tanukichan vor allem in den schwer prokrastinösen Texten, die Van Loon schön heliumhell dahinleiert. Schon in die verstolperten Beats und Bassläufe des verpennten Fummelsongs "Lazy Love" dröhnt jedoch urplötzlich eine Gitarrensalve, als hätte es der Hausmeister gewagt, am frühen Sonntagmorgen nebenan den Fußboden zu schleifen, während man noch halbkomatös in den Kissen lummert. Aus dieser gestörten Balance einer immer wieder durch den Noise der Realität durchbrochenen Tagträumerei zieht die knappe halbe Stunde dieses Albums einen unaufdringlichen Charme.
(Spiegel)

Auf Sundays treffen brütende Gitarren auf den unangestrengten Gesang von Loons, der sich, dem Shoegaze typisch, wie gehauchter Bewusstseinsstrom anhört. Mehrere Ebenen der gerade hörbaren Monotonie ihrer Stimme breiten sich im Hall und einer Soundlandschaft aus, die glücklicherweise nicht wie ein Klon der Genre-Urgesteine wirkt, die sich in den letzten Jahren allesamt mit neuen Alben zurückmeldeten.
Tanukichans Sound ist organisierter, aufgeräumter. Nicht klinisch, aber doch fernab des Risikos, sich in endlosem Akkordgeschrammel völlig zu verlieren. Stattdessen sorgen cheesy eighties beats und entsprechende Synthie-Einlagen, so zum Beispiel im Track „The Blue Sky“, für Struktur und dezente Kuschelrockvibes. An anderen Stellen verdrängt der Synthesizer die Gitarre sogar gänzlich und sorgt allein und selbständg für die Soundwand, die sich jetzt eher wie ein Hügel anfühlt – überschaubar und dreidimensional.
(Spex)

SUNDAYS enthält zehn schwer atmende Slo-Mo-Rocker, in denen ein Stück Indie-Geschichte eingewoben ist, von Sonic Youth und den Breeders über die Shoegazer-Bands bis zu den Fuzz-Festen der 90er.
Van Loon zieht aber oft etwas unbeteiligt durch die narkotisierenden Stücke, ihre Stimme schwebt gerade so mit, als habe die Sängerin doch gar nicht mehr viel zu erzählen hinter den wahlweise bratzenden oder im Delay stehenden Gitarren und den Keyboard-Wänden.
(musikexpress)

Wem der Bandname RVG bekannt vorkommt, hat die gestrige Vorstellung von Bodega aufmerksam gelesen. RVG sind dort auf einem imaginären Mixtape vertreten.



Hätten die Go-Betweens mal zusammen mit Patti Smith und Lou Reed in New York eine Platte aufgenommen, hätte diese so klingen können wie das Debüt der Romy Vager Group aus Melbourne, die ihren Namen der Einfachheit halber RVG abkürzt.

Hätte, hätte… Vermutlich waren die drei Herren und Frontfrau und Namensgeberin Romy Vager in den 80ern noch nicht mal geboren und wir können uns mehr als glücklich schätzen, dass sie dieses Album erst 2017 veröffentlichen. 2017? Moment, höre ich einen Richter rufen, wieso hast du die Platte nicht schon letztes Jahr vorgestellt? Das Liebhaberlabel Fat Possum Records hat darauf eine Antwort…

When RVG first self-released their debut LP, A Quality Of Mercy, there was no press release. No one sheet. No music video. No proper band photo. No image to uphold. No narrative to forward. (Fat Possum)

…und veröffentlicht es 2018 einfach noch mal mit allem Drum & Dran.

Das Quartett vereint auf A Quality Of Mercy sowohl die dunklen Postpunk-New-Wave-Attribute der späten 70er als auch die strahlenden Gitarren-Indie-Pop-Spitzen der 80er. Die acht Songs von A Quality Of Mercy nahmen RVG live im Melbourner Pub „The Tote“ auf und leider ist das Vergnügen nach ein knappen halben Stunde wieder vorbei, doch bis dahin stellen RVG Fans von Joy Division (ansatzweise), Echo And The Bunnymen (öfter), The Go-Betweens (häufig) und eben auch Patti Smith (immer gegenwärtig) mehr als zufrieden. (Sounds & Books)

PVG: In unserer Rubrik "10 Schallplatten, die uns gut durch den Juni bringen" hast du zuletzt "Endless Scroll" auf Platz 1 gewählt. Wie bist du auf das New Yorker Quintett Bodega aufmerksam geworden?

Oliver: Gute Frage. Irgendwann hatte ich sie im wahrsten Sinne des Wortes auf dem Schirm: Eine Band, die wiederholt in meinem Social Media Feed auftauchte. Dann hört man da eben mal rein.

PVG: "Endless Scroll" wird als Download, CD und LP erhältlich sein. Das limitierte blaugrüne Vinyl wird es nur in Indie-Plattenläden geben. Wo wirst du die Platte käuflich erwerben?

Oliver: In einem Indie-Plattenladen – auch wenn ich generell nicht unbedingt Wert auf eine farbige Variante lege. Glücklicherweise kann ich ja den ein oder anderen Laden in Köln quasi fußläufig erreichen. Underdog oder Parallel beispielsweise.

PVG: Bodega Ben, Trix Belfiglio, Montana Simone, Madison Velding-Vandam und Heather Elle - bei ihren Künstlernamen waren Bodega recht kreativ. Trifft dies auch auf ihre Musik zu?

Oliver: Falls du darunter verstehst, dass Bodega mit ihrer Musik komplett neue, unerforschte Wege gehen, dann lautet die Antwort ganz klar "Nein!". Die Band orientiert sich eher am Post-Punk der Minutemen oder der Gang Of Four.

PVG: Der etwas monotone Gesang von Ben erinnert mich zeitweise an Mark E. Smith oder den Sänger von Kraftklub. Hast du weitere Assoziationen bzgl. des Gesangs oder Bodega generell?

Oliver: Vor allem wenn Nikki (aka Trix Belfiglio) Bens Gesang unterstützt (bei beiden sollte man aber eher von Sprechen, Bellen oder Rufen reden, nicht von Singen), muss ich oft an Bis denken.

PVG: Wenn du einen Song aus "Endless Scroll" für ein Mixtape auswählen solltest, welcher wäre es und zwischen welchen Liedern würde er sich befinden?

Oliver: Den Ohrwurm: "Jack In Titanic" – zwischen "Cause And Effect" von RVG und "Michael" von QTY.

PVG: Die Skulptur auf dem Plattencover könnte ein umgestürztes Ausrufezeichen sein. Können Bodega mit "Endless Scroll" ein solches im Musikjahr 2018 setzten?

Oliver: Wenn man nach den Kritikern geht ja:

Was Bodega besser macht, als die X-beliebige Post-Punk-Band von gestern: „Endless Scroll“ ist tighter, konfrontativer und – vor allem – kompromissloser. Ihr Debüt zeigt eine fast schon überwältigend selbstbewusste Band, fünf angry young humans, deren Songs einem wie Ohrfeigen ins Gesicht klatschen. […] „Look for the screen for inspiration / How to live a richer life“, heißt es zum Beispiel in einer zitierwürdigen Zeile. „Everyone is equally a master and a slave“, in einer anderen. Bodega starren den unschönen Wahrheiten dieser Zeit furchtlos ins Auge – und liefern dabei eines der mitreißendsten Debüts des Jahres ab. (byte.fm)

Named after their city’s equivalent of a corner shop, it’s fitting BODEGA’s debut has all over the essentials covered; wry wit, shrewd observations and a vision of art rock’s finest punk party. Like, listen, like, like. (The Skinny)

Endless Scroll sets out to shake the listener from their complacency, because in this age there’s just no time for ambivalence. It’s a fantastic debut from one of the most exciting new bands around. (Independent)

PVG: Abschließend noch bitte eine Prognose, die wir in 6 Monaten überprüfen werden: Wo wird "Endless Scroll" in deiner persönlichen Albenliste 2018 landen und wo platziert es sich bei Platten vor Gericht?

Oliver: Ich gehe mal von einer Top 10 Platzierung in meinen persönlichen Charts aus. Bei Platten vor Gericht wird es mit Glück Top 50.

PVG: Q, X, Y und Z sind so etwas wie Brachland in meinem Plattenschrank. Ist das bei dir auch so?

Oliver: Immerhin ist jeder Buchstabe mindestens 1x vertreten. Und nein – bei Q steht nichts von Queen, sondern das tolle Album von QTY, die du letztes Jahr hier vorgestellt hast. Xul Zolar, The XX, The Yearning, Yndi Halda, Yucatan, Zaz, Zola Jesus. Definitiv ausbaufähig.

PVG: Bieten Quiet Slang mehr als nur die Möglichkeit die Platten-Diaspora bei Q zu reduzieren?

Oliver: Ja und nein. Qualitativ lohnt sich der Kauf der Platte natürlich. Vielleicht sortiert man sie aber besser unter B wie Beach Slang ein, schließlich handelt es sich hier um ein Nebenprojekt der Punk Rock-/Emo-Band.

PVG: Im Oktober 2017 hat James Alex mit der "We Were Babies & We Were Dirtbags" EP erstmals unter dem Namen Quiet Slang Musik seiner Band Beach Slang in akustischen Neuinterpretationen veröffentlicht. Nun folgte mit "Everything Matters But No One Is Listening" das erste Album und prompt stiegen der Bassist und der Schlagzeuger bei Beach Slang aus und wenig später warf auch der Manager das Handtuch. Ob da ein Zusammenhang besteht?

Oliver: Ich hab die Indie-Gala schon länger nicht mehr gelesen, kann hier also nicht mit Fakten dienen oder mit Fachwissen glänzen. Wenn zuerst die Bandmitglieder ausgestiegen wären, hätte man sagen können, James Alex macht aus der Not eine Tugend, aber so… Hmm.

PVG: Sind die 10 Titel auf "Everything Matters But No One Is Listening" auch alle akustische Neuinterpretationen von Beach Slang Songs?

Oliver: Ja, alle Songs gibt es auch als laute Beach Slang Nummern. Auf der von dir erwähnten EP waren aber auch zwei Cover-Versionen: "Androgynous" von den Replacements und "Thirteen" von Big Star.

PVG: James Alex leicht rauchige Stimme, dazu Piano, Cello und weibliche Backing Vocals - ich fühle mich immer an The Indelicates erinnert. Wie ergeht es dir bei Quiet Slang?

Oliver: Jetzt wo du das sagst, kann ich das auch hören. Ich schätze aber, dass ich die Beach Slang Songs so im Ohr hab, das ich da nur James Alex höre. Sagtest du LEICHT rauchige Stimme?

PVG: "Play it loud, play it fast" wird der Song "Future Mixtape For The Art Kids" eröffnet. Das stimmt so natürlich nicht, also kommen wir direkt zum Thema Mixtape: Wenn du einen Song aus "Everything Matters But No One Is Listening" für ein Mixtape auswählen solltest, welcher wäre es und zwischen welchen Liedern würde er sich befinden?

Oliver: Ich denke ich würde "Dirty Cigarettes" nehmen. Irgendwo zwischen Paul Westerberg und den Indelicates, haha.

PVG: Hier muss natürlich die abschließende Frage lauten: Blur oder Oasis, ach nein, Beach Slang oder Quiet Slang?

Oliver: Ich mag die abgespeckten Versionen sehr. Auf Albumlänge gesehen bin ich aber eher Team Beach Slang.

Durch die kammermusikalische Instrumentierung entgeht »Everything Matters But No One Is Listening« erfreulicherweise dem Lagerfeuer-Verdacht. Vielmehr stellt der ruhige Grundton der ersten Quiet-Slang-Platte (weitere sollen folgen) die mal stark melancholische, mal aufrührend intensive Lyrik und den Pop-Appeal der Beach-Slang-Diskografie in den Vordergrund. Das kann gar nicht gänzlich kitschfrei über die Bühne gehen, und das tut es auch nicht. Wenn Alex aber in den besten Momenten seiner Neuinterpretationen an den jungen Ben Folds erinnert, versöhnt er mit einem herrlich aufmunternden Kopfstreicheln auch die kritischen Fans. (intro.de)

Rumpelnder, kraftvoller Indiepop mit Punk-Attitüde von einer Girlband, die Buffy the Vampire Slayer, Yoga und Feminismus im Sinn sowie Wolf Alice, Kate Nash und Blake Babies in den Ohren hat.

Die Doveton-Schwestern Jennifer (Gesang) und Harriet (Gitarre, Gesang) gründeten die DIY-Band bereits 2007 in Uxbridge in West London. Nach zahlreichen Wechseln im Lineup sind Jaca Freer (Schlagzeug) und Laura Ankles (Gitarre) ihre aktuellen Mitstreiterinnen. Nebenbei sind sie auch noch in Bands wie The Tuts, Baby Arms oder Sugar Rush! aktiv. Das erklärt vielleicht auch nicht ganz so zahlreichen Veröffentlichungen von Colour Me Wednesday: nach einigen Singles und EPs, die im Eigenvertrieb oder bei kleinen Labels erschienen sind, und nach „I Thought It Was Morning“ (2013) und einem Split-Album mit der Band Spoonboy (2014) ist „Counting Pennies In The Afterlife“ irgendwie erst das zweite reguläre Album des Quartetts.

The album kicks off with the power-punk of ‘Sunriser’; with a guitar and bass line worthy of the Sex Pistols, it’s a track about a broken relationship – “I dreamt it before it even happened… I’m forced to be the strong one again.” – and offers hope and the reclamation of personal power (“I can see the horizon, the sun in rising”). Other stellar power-pop moments occur on ‘Heather’s Left For Dead’, with its Weezer-like guitars and layered vocals, and ‘Disown’, oozing more gorgeous guitar washes.
There is something here for everyone here, with the album covering themes of relationships (‘Tinfoil’) employment (‘Entrepreneur’, wry and Smiths-like), capitalism (‘Boyfriend’s Car’) and male privilege (‘Exposure’), whilst ‘Sad Bride’ is a critique of the institute of marriage – “why would you seal your fate?”.
The album ends with two slower tracks; ‘Take What you Want’, which introduces elements of electronica, and ‘Not my Turf’. Both songs add an introspective note to the end of the album, leaving you much to mull over. There’s a hidden track right at the end too, but I won’t spoil the surprise – you’ll have to listen to find out more! What I will say is that Counting Pennies In The Afterlife offers 11 unaffected songs from the heart, a genuine outpouring of emotion. It’s refreshing because there are no manifestos to beat you over the head with; instead you are hit with a dose of pure, catchy power-pop, and lyrics dealing with personal politics in a capitalist economy.
(get in her ears)