Archive for April 2020

Obwohl ich dachte, in den 90er Jahren die meisten für mich relevanten Bands auf dem Schirm gehabt zu haben, ging die schwedische Band Easy komplett an mir vorbei. Nach zwei Alben („Magic Seed“, 1990, und „Sun Years“, 1994) und Tourneen mit Ride oder The Charlatans lösten sich Easy 1994 auf, um sich erst vor einigen Jahren wieder zu vereinigen. Mit „Popcorn Graffiti“ (2012) und „Swimming With The Beast“ (2014) folgten zwei weitere Alben.

Das deutsche Label A Turntable Friend entdeckte die Band für sich und sorgte für Neuauflagen der frühen Songs sowie nun die Veröffentlichung von „Radical Innocence“. Die 8 Songs wurden in London mit Part Collier (The Vibrators, The Wonder Stuff, Adorable, The House Of Love) in der um Ingvar Larsson (Keyboards) ergänzten Originalbesetzung - bestehend aus Johan Holmlund (Gesang), Tommy Ericson (Gitarre), Anders Petersson (Gitarre), Rikard Jormin (Bass) und Tommy Dannefjord (Schlagzeug) - aufgenommen.

Fans von New Order sollten sich Easy vormerken, auch wenn der typische Bass von Peter Hook fehlt und der Ausschlag nicht in Richtung Dance und House geht. Aber Johan Holmlunds Gesang erinnert schon ziemlich an den von Bernard Sumner und Gitarrenpop-Hits wie „Crystal Waves“ hatten New Order vor vielen Jahren auch im Gepäck. Vor allem in der ersten Hälfte von „Radical Innocence“ werden die Songs immer wieder von Streicher-artigen Klängen untermalt („Day For Night“, „Golden Birds“), wie es zu Britpop-Zeiten Bands wie My Life Story vormachten. Das lässt im Verlauf des Albums deutlich nach, was der Abwechslung zuträglich ist. So kann im an The Wedding Present erinnernden „Memory Loss Revisionism And A Brighter Future“ und dem mit deutschen Sprachsamples bestückten Titelsong auch ein wenig gerockt werden.

With this album, I put it on while out hiking. I listened to this album 4 times straight through. I loved it and never got tired of it at all. And other than "Crystal Waves" there really isn't another stand-out single. But that really doesn't matter, it's just a great album.
There are times when the album makes me think of Rolling Blackouts Coastal Fever and other times where they sound more like a more somber Wedding Present ("Memory Loss Revisionism And A Brighter Future"). And a lot of times they remind me of the other late Eighties/early Nineties band that resurfaced this year: Close Lobsters. Wow! Who would have thought that in 2020 we would be getting new albums from both of those bands? And Easy is starting to get a little more experimental on songs like the title-track here. Listten to "Wander Pts. I & II" by Close Lobsters for a similar experimental take by that band to see what I'm getting at. I think my favorite song on the new album is "Golden Birds". The beautiful keyboards and steady drums are such a nice backdrop to Johan's voice and the occasional guitar flourishes.
(A Pessimist Is Never Disappointed)

Alabama, Alaska, Arizona, Arkansas, California, Colorado, Connecticut, Delaware, Florida, Georgia, Hawaii, Idaho, Indiana, Iowa, Kansas, Kentucky, Louisiana, Maine, Maryland, Massachusetts, Minnesota, Mississippi, Missouri, Montana, Nebraska, Nevada, New Hampshire, New Jersey, New Mexico, New York, North Carolina, North Dakota, Ohio, Oklahoma, Oregon, Pennsylvania, Rhode Island, South Carolina, South Dakota, Tennessee, Texas, Utah, Vermont, Virginia/DC, Washington, West Virginia, Wisconsin und Wyoming.

Es hätte für Sufjan Stevens nach „Michigan“ (2003) und „Illinois“ (2005) noch 48 Möglichkeiten für Them-Alben über US-Bundesstaaten gegeben… Aber statt dessen arbeitete er gemeinsam mit seinem Stiefvater Lowell Brams (genau, der von „Carrie & Lowell“, das erst kürzlich bei uns auf Platz 11 der besten Alben der Dekade gewählt wurde) an einem gemeinsamen Album. Entstanden sind in Stevens’ Haus 21 Kompositionen, die 42 Minuten laufen, größtenteils instrumental sind (bei „The Runaround“ und „Captain Praxis“ meine ich im Hintergrund Gesang vernommen zu haben) und irgendwo zwischen Sci Fi-Soundtrack und Entspannungsmusik dahin plätschern und pluckern.

Nicht von ungefähr geben Stevens & Brams als Einflüsse Boards Of Canada, Enya und den Soundtrack von Blade Runner an. Nicht zufällig musizieren zahlreiche Musiker aus dem Asthmatic Kitty-Universum mit auf dem Album, denn Lowell Brams ist nicht nur familiär mit Sufjan Stevens verbandelt, sondern auch Mitbegründer von dessen Label. Und nicht umsonst kam „Aporia“ bis auf Platz 5 (der mir bis dato unbekannten) US New Age Album Charts.

Der Titel geht auf die „Aporie“ zurück, ein philosophisches Problem, das einem umso mehr den Kopf verdreht, je länger man darüber nachdenkt.
Und APORIA ist durchaus selbst eine Aporie: Was bringt einem diese Musik? Ein echter Fluss entsteht nicht, für sich gestanden funktionieren nur einige Tracks: „What It Takes“ ist mit Chorgesang und vertrackten Beats ein Ohrwurm, „The Red Desert“ ab jetzt Pflichtsoundtrack für jede Mars-Doku, hinter „Climb That Mountain“ versteckt sich ein fabelhafter Sufjan-Stevens-Track – nur dass er und Brams den digitalen Deckel drauflassen. Stünden nicht diese beiden hinter APORIA, das Album wäre ein Nischenprodukt.
(musikexpress)

Obwohl Hamilton Leithauser seit mehr als 20 Jahren Musik veröffentlicht, ist er bisher komplett an mir vorbei gegangen. Er begann seine Karriere bei den wenig bekannten The Recoys und steigerte seine Bekanntheit mit der Indierock Band The Walkmen, die innerhalb von 10 Jahren 7 Alben veröffentlichte, von denen die letzten beiden die Top 30 der US Charts erreichen konnten. Seit 2013 pausiert die Band, so dass Leithauser ein Soloalbum („Black House“, 2014), und jeweils eine Zusammenarbeit mit Paul Maroon (The Walkmen) und Rostam Batmanglij (Vampire Weekend) veröffentlichte („Dear God“, 2015, und „I Had A Dream That You Were Mine“, 2016).

Am 10. April erschien mit „The Loves Of Your Life“ ein neues Album von Hamilton Leithauser, das wieder einmal zahlreiche guten Kritiken erhalten hat. Bei Metacritic stehen aktuell 80/100 Punkten zu Buche. Obwohl man dem Album anhören kann, dass in den letzten vier Jahren viel Zeit und Mühe in detaillierte Arrangements (Streicher, Saxofon, Pedal Steel Guitar, Chorgesang seiner Frau und Kinder sowie allerlei pi pa po), variable Musikrichtungen (Rock und Folk werden mit Einflüssen von Soul, Country und Jazz verziert) und ein thematisches Konzept mit Geschichten rund um Freunde, Familienangehörige und Fremde in New York investiert wurde, wird zumindest für mich recht schnell klar, warum ich Leithausers Oeuvre nicht aufarbeiten werde: Seine Stimme klingt wie eine schrille Version von Bob Dylan, der auch kein großartiger Sänger ist, weshalb sich Leithauser vermutlich entschied, mehr zu schreien als zu singen. Aber wer sich gut eine Zusammenarbeit zwischen Dylan, Tom Waits und Vampire Weekend auf seinem Plattenteller vorstellen kann, dem sei „The Loves Of Your Life“ empfohlen.

Eschewing the sleek production of Electric Lady Studios, which must have been mere blocks away, gives the album the raucous feeling of a bar-room jam. ... When the backing instrumentation drops out to leave Leithauser booming those words into an empty room, the album is at its most powerful.
(The Line Of Best Fit)

The album achieves a powerful sense of place, capturing the city and its innumerable narratives.
(Paste Magazine)

Leithauser's voice is its usual delicious scuffed-up howl, the music covers a broad indie-rock sprawl, but the focus here is the stories.
(Q Magazine)

The arrangements within are more ebullient and wide-ranging. ... His subjects - all character sketches of friends or chance meetings - are also multifaceted.
(Mojo)

Gestern sprachen wir schon über Laura Marling und können dies heute erneut tun, denn der Mystery Jets Song „History Has Ist Eyes On You“ wurde on den internationalen Women’s Marches sowie von einem Podcast inspiriert, in dem Laura Marling über den Einfluss der maskulin dominierten Tonstudios und Chefetagen der Plattenfirmen auf weibliche Künstler berichtet. Dass der Albumtitel „A Billion Heartbeats“ auf dem Cover des siebten Mystery Jets Albums auf einem zurück gelassenen Demonstrationsplakat steht, kommt nicht von ungefähr, denn Blaine Harrison lebt in der Nähe des Londoner Trafalger Square und konnte seit Januar 2017 wöchentliche Demos zu unterschiedlichen Themen (Black Lives Matter,‘Our NHS’, Unite for Europe) beobachten, die auch die Texte des Albums direkt beeinflussten.

Mit „Curve Of The Earth“ konnten die Mystery Jets 2016 ihr erstes Top 30 Album feiern, dennoch steht „A Billion Heartbeats“ unter keinem guten Stern: Eigentlich sollte das Album bereits im September 2019 erscheinen, aufgrund einer Erkrankung von Blaine Harrison wurde es nun mitten in die Corona-Krise verschoben und zunächst nur digital veröffentlicht. Erst Ende Juni sollen CD und LP folgen, was sicherlich nicht ohne Auswirkungen auf die Chart-Platzierungen bleiben wird. Zudem verkündete Anfang des Jahres William Rees, der die Band gemeinsam mit Blaine und dessen Vater Henry gegründet hatte, überraschend seinen Ausstieg aus der Band.

Bei den Plattenkritikern kommt der teils ausschweifende, teils psychedelische Indierock der Mystery Jets überraschen gut an: „A Billion Heartbeats“ steht aktuell bei Metacritic bei stolzen 91/100 Punkten und damit deutlich besser als ihre vorherigen Alben.

A blast of full-throttle indie-rock, “Screwdriver” starts the album as it means to go on, with an empowering message of positivity as it tackles alt-right intolerance. (…)
The arena-reaching anthems keep coming. “History Has Its Eye on You” shows off the band’s masterful production, colourfully layering distant synths, reverse guitar and overdubbed vocals to create its expansive sound. (…)
Save for the underwhelming “Campfire Song”, there are plenty of hooks to get caught up in here. The acoustic strum of the melodic “Cenotaph” is no less compelling, while the dramatic and resplendent piano-and-synth-led finale, “Wrong Side of the Tracks”, has more than something of a U2 stadium-filling epic about it.
(Independent)

It’s here that Harrison shines as one of Britain’s truly great but underrated lyricists, with an unflinching description of the crucial cradle to the grave service. Ultimately, Mystery Jets have delivered a record that manages to capture the zeitgeist – but also one that sets them on a new path with a refreshingly timely voice.
With protest songs and celebrations of the NHS all part of their new identity, it’s a wildly successful take on the world at large as the band enter a new decade. Far from just indie survivors, it seems like these Jets have still got plenty of fuel left in the tank.
(NME)

In a time where many may crave escapism, A Billion Heartbeats might hit a little too close to home to really be appreciated right now. But in the difficult coming months it’ll be important to be reminded of the values of unity that Mystery Jets are campaigning for here, and there’s no doubt that we’ll look back on this album as an essential sound of the unparalleled social climate of 2020.
(The Line Of Best Fit)

Aktuell werden so viele Alben, die eigentlich im April oder Mai hätten erscheinen sollen (zum Beispiel Jarvis Cocker, Jonathan Bree, The Psychedelic Furs, Throwing Muses oder Sophia) auf deutlich spätere Termine verschoben, dass es eine besondere Freude ist, wenn ein Künstler den umgekehrten Weg geht.

In diesem Fall ist es mit Laura Marling eine Künstlerin, die ihr für den 10. August angekündigtes Album ohne lange Vorlaufzeit einfach vier Monate vorher veröffentlichte und dies aufgrund der aktuellen Umstände so begründete:

In light of the change to all our circumstances, I saw no reason to hold back on something that, at the very least, might entertain, and at its best, provide some sense of union. It’s strange to watch the facade of our daily lives dissolve away, leaving only the essentials; those we love and our worry for them. An album, stripped of everything that modernity and ownership does to it, is essentially a piece of me, and I’d like for you to have it.

Obwohl „Song For Our Daughter“, das im Verlauf des Jahres auch physisch erscheinen wird, bereits das siebte Album von Laura Marling darstellt, ist die Musikerin erst kürzlich 30 Jahre alt geworden. Nach ihrer letzten Veröffentlichung „Semper Femina“ (2017) wählte sie bewusst Veränderungen: Sie arbeitete mit dem Theaterregisseur Robert Icke zusammen, gründete mit Mike Lindsay von Tunng das Duo Lump, das ein Album veröffentlichte, und lernte dadurch einen neuen Zugang zum Komponieren kennen, schrieb sich für ein Masterstudium in Psychoanalyse ein und zog zurück nach London.

Auf die 10 neuen Songs blieben die Veränderungen nicht wirkungslos: Marling richtete sich in ihrem Keller ein eigenes Studio ein und verbrachte viel Zeit mit Sound-Experimenten, nahm Einflüsse aus dem Theater, der Literatur (Graham Greene) und Musik (Leonard Cohen, Paul McCartney, Bill Callahan) auf, produzierte das Album zusammen mit Ethan Johns (The Vaccines, Paul McCartney, Kaiser Chiefs, Turin Brakes, Ryan Adams), der auch schon ihre Alben zwei bis vier produziert hatte, und ließ sich von Rob Moose (Antony and the Johnsons, Bon Iver, The National) schwelgerische Streicher arrangieren. „Blow By Blow“, „Fortune“ und „For You“ zählen zu den Highlights dieses intimen und warmen Folk-Albums.

Bei Metacritic stehen alle Alben von Laura Marling, mit Ausnahme des Debüts „Alas, I Cannot Swim“ (2008; 73/100), zwischen 81 und 86 Punkten. „Song For Our Daughter“ toppt dies aktuell mit 91/100 Punkten.

Noch intimer als beim selbstproduzierten Meisterinnenwerk und Vorvorgänger-Album SHORT MOVIE von 2015 ist Marling wieder angemessen nah mikrofoniert, sodass man sich fühlt, als würde sie direkt vor einem summen und die Klampfe zupfen. Selbst Violine und Cello sind so roh abgenommen, dass kein Kitschverdacht aufkommt. Beim letzten Album SEMPER FEMINA ging es Marling einerseits um Weiblichkeit; andererseits äußerte sie sich derzeit auch, diese Konzepte unterlaufend, über ihre (sic!) Männlichkeit, über Gender-Fluidität und überhaupt Queerness.
(musikexpress)

Auf keinen Fall habe ich Jacob Bellens' tollen Song und das dazugehörige Video "My convictions" häufig genug erwähnt. Bereits seit 2014 schaue ich es mir immer wieder gerne an. Der Titel stammte vom gleichnamigen zweiten Album des Dänen, welches mich nachhaltig begeisterte. Der Nachfolger "Polyester skin" setzte auf vordergründig gefällige Elemente wie 80er Synthie und Pop aber machte es mir einen Tick schwerer. Starke Songs wie (erneut) der Titelsong und "Back to you" rettete für mich aber die Gesamtbilanz. Mit der vierten Platte "Trail of intuition" mag Bellens seiner Intuition gefolgt sein, doch mich hängte er spätestens mit den darauf verwendeten Disco-Versatzstücken ein Stück weit ab.

Mit seinem fünften Album "My heart is hungry and the days go by so quickly" liefert er nun das "missing link" zwischen "My convictions" und "Polyester skin". Die Grundstimmung ist wieder merklich gedämpfter als auf den beiden letzten Alben, seine Stimme und die tollen Melodien gewinnen so an Raum. Die neun Titel wurden innerhalb von zwei Sessions im Bandgefüge eingespielt und vielleicht ist auch das ein Grund dafür, dass anstelle der Sterilität von "Trail of intuition" wieder Atmosphäre aufkommt: Bei den dunkleren Songs schimmert Hoffnung durch und die erbaulicheren Titel wirken immer auch ein wenig nachdenklich. Pop kann so schön melancholisch sein...

Erstmals seit "My convictions" kann ich nicht den Titelsong als einen der starken Titel aufzählen... weil es ihn auf "My heart is hungry and the days go by so quickly" nicht gibt. Statt dessen gefallen mir "Summer sadness" und das lässige "I want you" besonders gut. Wie bereits angedeutet, wäre "My heart is hungry and the days go by so quickly" nach "My convictions" veröffentlich worden, wäre der Übergang zu "Polyester skin" weniger holprig verlaufen. Daher bin ich gespannt, wohin Bellens' musikalische Reise in Zukunft gehen wird.

Das Video zu "Summer sadness":

Und das zu "Bread and butter":

Bis er wieder auf Tour geht erinnere ich mich gerne an sein Wohnzimmerkonzert in Mendig aus dem Jahr 2016.

Der NME hielt uns kürzlich auf dem Laufenden über die bisher besten Alben 2020. The Big Moon, Blossoms, Grimes und Tame Impala haben wir hier bereits vorgestellt, andere (wie Ozzy Osbourne oder J Hus) sind nicht ganz so passend. Vorgestellt gehört aber definitiv noch Soccer Mommy.

Zu ihrem Album „Color Theory“ sagt der NME: “‘Color Theory’ is split into three, with each section signified by a different colour… The grouping of songs makes for a mature, brilliant album that wields its power over three distinct movements.”

Soccer Mommy ist die 22-jährige Singer/Songwriterin Sophia Regina Allison, die aus Nashville, Tennessee stammt. Ihr erstes selbst gekauftes Album war „Under My Skin“ von Avril Lavigne, die sie neben Taylor Swift und Mitski als Inspirationsquellen benennt. Nach ersten frühen Aufnahmen und Veröffentlichungen aus den Jahren 2016 und 2017 stellte „Clean“ vor zwei Jahren das erste reguläre Album dar und tauchte Ende 2018 in nahezu allen US-Bestenlisten (Pitchfork, Rolling Stone, Stereogum, Noisey, BrooklynVegan, The A.V. Club) auf. Der NME hat es natürlich damals schon gewusst und Soccer Mommy mit „Clean“ auf Platz 39 gelistet.

„Color Theory“ wurde Ende Februar über Loma Vista veröffentlicht, schaffte den Sprung in die US Billboard Charts (#142) und steht aktuell bei Metacritic mit 81/100 Punkten noch besser da als der Vorgänger (78/100). Es wurde auf Tour geschrieben, mit dem von „Clean“ bewährten Team sowie erstmals mit ihrer Live-Band eingespielt. Thematisch ist es in drei Teile untergliedert, die sich mit Traurigkeit und Depression, körperlicher und geistiger Krankheit sowie Dunkelheit, Leere und Verlust beschäftigen. Ein Feel-Good-Indiepop-Album klingt also anders.

Mit einigen harmonischen Akustikgitarrentönen beginnt der Opener "Bloodstream", die Stimme Allisons trägt die Melodie, zarte Sonnenstrahlen funkeln inmitten der juvenilen, dunkel schimmernden Melancholie. Das ist Dreampop, der aufs Nötigste reduziert wurde, der unmittelbar berührt und sich nicht hinter Lärm und Rausch versteckt. Auf "Color theory" regiert ohnehin eine minimalistische Dringlichkeit, Aufbruchsstimmung durchzieht jedes der zehn Stücke. Dafür bricht Allison dann auch gerne mit den klassischen Schemata: Durch "Yellow is the color of her eyes" weht ein starker 90s-Vibe, der Song bäumt sich auf, wirkt im Laufe seiner über sieben Minuten wie eine musikalische Novelle, die Gitarren sorgen ab der Mitte für dezentes Feedback. Soccer Mommy klingt in dem Stück müde, und doch kraftvoll, weil sie sich den Unwägbarkeiten des Lebens in den Weg stellt. Mit einfachsten Mitteln, nicht jedoch ohne Nachdruck.
(Plattentests)

Es geht um Depressionen und Unsicherheiten, Ängste und Psychosen, die kranke Mutter, die sterbenden Eltern. Wie eine gute Therapiestunde ist auch hier das Tempo eher schläfrig, egal ob die Gitarren frühlingshaft jingeln und jängeln („Circle The Drain“) oder eher verträumt herumhuschen („Night Swimming“). Indie-Pop wird auf COLOR THEORY nicht gerade neu erfunden, aber doch wenigstens wieder für einen guten Zweck, der Seelenhygiene von Sophie Allison, verwendet. Und das ist doch auch schon was.
(musikexpress)

10 Fakten zum neuen Album von The Strokes:

1. Fünf Jahre und zwei Monate mussten die Fans der Strokes zwischen „First Impressions Of Earth“ (2006) und „Angles“ (2011) auf neue Musik warten. Der Rekord ist nun Makulatur. Sieben Jahre und 15 Tage beträgt der Abstand zwischen „Comedown Machine“ (2013) und „The New Abnormal“. Das sind, um genau zu sein, 2 572 Tage.

2. Die Plattenhülle ziert ein Ausschnitt des Gemäldes „Bird On Money“ von Jean-Michel Basquiat. Das sich in Privatbesitz befindende Kunstwerk entstand 1981 und ist als Tribut an den Jazzmusiker Charlie Parker gedacht, der auch Yardbird oder Bird genannt wurde.

3. „The New Abnormal“ ist die erste Zusammenarbeit mit dem Produzenten Rick Rubin (Johnny Cash, Red Hot Chili Peppers, Slayer, Adele). Die Aufnahmen fanden in seinem Shangr-La Studio in Malibu sowie in zahlreichen weiteren Studios in Kalifornien und auf Hawaii statt.

4. Als erste Single wurde am 11. Februar 2020 „At The Door“ veröffentlicht und mit einem Video versehen. „At The Door“ erreichte Platz 25 der US Hot Rock Charts.

5. Als zweite Single folgte eine Woche später „Bad Decisions“. Da der Song Elemente von „Dancing With Myself“ (Gen X) enthält, werden Billy Idol und Tony James mit als Komponisten gelistet. „Bad Decisions“ erreichte Platz 18 der US Hot Rock Charts.

6. Als dritte Single wurde vier Tage vor dem Album „Brooklyn Bridge To Chorus“ veröffentlicht. Damit waren 33% des Albums vorab bekannt, denn „The New Abnormal“ kommt mit 9 Songs in 45:07 Minuten aus. Damit ist das sechste Album von The Strokes ihr zweit längstes nach „First Impressions Of Earth“.

7. „The New Abnormal“ ist als Download, CD und LP erhältlich. Zudem gibt es die Schallplatte in limitierter Auflage als „Picture Disc“ und „Opaque Red Vinyl“.

8. Und dann gibt es über die Homepage der Band natürlich für knapp $100 noch das „Deluxe Photo Book“. Es bietet: EXCLUSIVE WHITE VINYL, OVER 100 PAGES OF NEVER BEFORE SEEN FOOTAGE, DIGITAL DOWNLOAD OF THE NEW ABNORMAL, DOUBLE SIDED POSTER.

Vom Garage-Rock der ersten Alben haben The Strokes sich mittlerweile sehr entfernt und sind ziemlich arty geworden: Auch der Opener "The Adults Are Talking" auf dem sechsten Album ist Future-Pop mit leichten David-Bowie-Anleihen und leicht jammervollem Gesang von Frontmann Julian Casablancas, der zuweilen ziemlich nerven kann. (…)
Diese Disco-Leichtigkeit gepaart mit dem lakonisch bis gelangweilten Gesang trägt jedoch nicht das ganze Album, denn der Gegensatz nutzt sich recht schnell ab und so ist es eine gute Entscheidung im minimalistisch hingehauchten "Eternal Summer" auch mal auf Falsett gemixt mit Rockstimme zu setzen - wie überhaupt das Experimentelle wie Eklektische auf dem Album dauerpräsent ist.
The Strokes sind vielleicht nicht die Retter des Indie-Rocks, aber sie retten immer noch die Leichtigkeit von catchy Riffs aus der Beliebigkeit.
(Tonspion)

9. Bei Metacritic sind alle sechs The Stokes Alben und „The New Abnormal“ rangiert dort aktuell auf Rang zwei: „Is This It?“ (2001; 91/100), „Room On Fire“ (2003; 77/100), „First Impressions Of Earth“ (2006; 69/100), „Angles“ (2011; 71/100), „Comedown Machine“ (2013; 68/100) und „The New Abnormal“ (2020; 79/100).

10. Konzerte von The Strokes sind immer rar. Noch sind (Festival-)Auftritte in sieben europäischen Ländern zwischen Juni und August geplant. Noch.

Ach, war das toll, als Grouplove 2011 hier mit ihrem Debütalbum „Never Trust A Happy Song“ begeistern und mit 7,4375 Punkten Platz 43 der Jahres-Charts erklimmen konnten. Den leicht schrägen Indierock mit packenden Melodien, der an Violent Femmes, Fanfarlo oder Talking Heads denken ließ, verloren Grouplove danach etwas aus den Augen, so dass „Spreading Rumours“ (2013) mit 5,667 Punkten und das folgende, mit Synth-Pop flirtende „Big Mess“ (2016) mit 6,0 Punkten die Plattenrichter nicht überzeugen konnten.

Mittlerweile sind vier Jahre vergangen, der Drummer (Ryan Rabin) hat die Band verlassen und wurde durch Benjamin Homola ersetzt, die sich den Gesang und das Privatleben teilenden Hannah Hooper (Keyboards) und Christian Zucconi (Gitarre) haben zusammen ein Kind bekommen und nun gibt es auch das vierte Album der Band, die von Andrew Wessen (Gitarre) und Daniel Gleason (Bass) vervollständigt wird. Gemeinsam mit den Produzenten Dave Sitek (TV On The Radio, Weezer, Yeah Yeah Yeahs, Beady Eye) und Malay (Frank Ocean, Lorde, Lykke Li) entstanden 11 Songs, die einerseits packendem, energetischen Indierock wie „Deleter“ und andererseits unter dem Einfluss der zeitgenössischen Chart-Musik stehende Pop-Songs zu bieten haben. Eigentlich ein ideales Album für Fans von Weezer, denn die sind ja Kummer und Alben zwischen Hoffen und Bangen gewohnt.

And while Grouplove are certainly advocating for grassroots social change on Healer, it never gets too heavy or dark. On "Inside Out" they argue the adage that real change comes from within, a sentiment given added punch by a bass-heavy, post-punk groove. Similarly, "The Great Unknown" is a song about the golden possibilities of humanity, set to a chugging, midtempo riff that's equal parts the Cars and Weezer. Part of the joy of the album is hearing the group's ability to filter some of their concerns over issues like right-wing populism and global ecological disasters through a positive-minded and often surrealistic prism. On "Hail to the Queen," Zucconi sings "What if you had the notion/We'd all get swallowed in ocean/I'd tell you what I'd do if I were you/I'd summon all the whales/And ride upon their tails/Together we could sail under the moon." With Healer, Grouplove have made an album about how we need to support each other during tough times, and never give up on the hope for a fantastical future. As they sing on "Hail to the Queen," "Don't Need to be stressed out, or left out, we're with you.“
(All Music)