Piano-led opener ‘Curl Up’ invites you to do just that, while the bright and breezy ‘I Was Thinking About You’ hides a more painful undercurrent to its lyrics. Yes, Hefner fans are going to be right at home here. But they should also appreciate a songwriter who has learned much over the past two decades – about his craft as a songwriter, and about himself as a performer. He knows when to lay it on thick – like the strained vocals as he sings “We had the wrong sized plasters for dried-up broken hearts” on ‘Because We Were Impossible’ – and when to keep it brief, as the catchiest song here, lead single ‘I Tried and I Tried and I Failed’ skips by in 93 seconds.
(for folk’s sake)

The decision to record entirely on 8-track is a wise one – there’s a lovely, warm feeling to the record, with Laura K and Hannah Winter’s vocals becoming an important part of the project. The horn section on I Love You, I Miss You, Come Back is a nicely wistful touch, and opening track Curl Up introduces things with a hushed piano which sets the mood nicely for what’s to come.
(Music OMH)

Merrit komponiert das Leben getreu dem Albumtitel im Indie-Schnelldurchlauf. In den Songs liegt die Schlüpfrigkeit, in ihrer Kürze die Pointe: „She’s got the biggest tits in history/ She loves to show them ‚round/ They’re bigger than her chickadees/ They each weigh half a pound”, singt Simms in „The Biggest Tits In History“.
“I was busy shopping” erwidert Merrit in „I Wish I Was A Prostitute Again”. Und zusammen beschimpfen sie ihre imaginären Partner im sagenhaft unorthodoxen Duett „My Stupid Boyfriend“.
Die beiden kriegen in einem Zwei-Minuten-Stück mehr Lacher unter, als die meisten deutschen Comedians in einer zweistündigen Show auf RTL. Untermalt mit allerhand abseitigen und zu Teilen auch schwachsinnigen Instrumenten.
(musikblog)

Doch die wahren inhaltlichen Highlights dieser "Quickies" sind einmal mehr jene Szenarien, in denen sich Merritt mit allerlei verbalen Jonglierakten in absurde Bereiche versteigt. Ein besonderes Bravourstück ist "The Biggest Tits In History". Es spielt mit der (im deutschen Sprachraum eher nicht geläufigen) Doppelbedeutung des Wortes "Tit", das eben nicht nur eine weibliche Brust, sondern auch einen Vogel (eine Meise) bezeichnet. Wenn die Protagonistin des Songs erzählt, sie habe vier "Tits", deren jede ein Viertelkilo wiegt, während die durchschnittliche, gut gefütterte "Tit" nur 14 Gramm wiege, erhebt sich ein ansehnlicher semantischer Wirbel. "Ich habe den Titel schon ein paar Jahre mit mir geschleppt, ohne eine Vorstellung zu haben, was genau ich schreiben würde. Dann las ich einen Artikel über Meisen, und die sind wirklich lieb. Und so ging das zusammen mit der Idee des Songs - mit der Gier nach immer größer und immer mehr. Der Song ist die Rationalisierung des Titels.“
(Wiener Zeitung)

Trotz ihrer Kürze kommen die Lieder, wie immer im Wechsel intoniert von Merritt und den Sängerinnen Claudia Gonson und Shirley Simms, als voll realisierte Songs daher. In der Autoharp-Miniatur „Kill A Man A Week“ braucht die Band nur 59 Sekunden, um eine liebliche Melodie direkt im Gehirn zu platzieren. Selbst das 17-sekündige „Death Pact (Let‘s Make A)“ ist ein Ohrwurm. Die Texte sind gewohnt seltsam, stehen der Musik aber nicht im Weg. Auch wenn Simms über die größten Brüste der Welt singt, oder Merritts tiefer Bass sich über das neue Schlagzeug des Nachbarsjungen beschwert, klingt das alles sehr anschmiegsam.
(byte.fm)

Es sprudelt zwischen munter umherpurzelnden Klangcollagen („Is This A Dream?“) und Soulpop („Tony Wilson Said“) regelrecht trotzig vor Lebensfreude über. Dazu gibt es Nachdenk­liches wie das vom Trennungsschmerz durchdrungene „I Wish You Happiness“ oder das sich am Chicago-Klassiker „If You Leave Me Now“ orientierende „I Need Someone To Trust“. Über die gesamte Spielzeit geht dem Comeback etwas das Feuer verloren, doch für einen nostalgischen Umtrunk reicht das Wiederhören allemal.     

Auf CONSUMMATION gibt es zwar ebenfalls eine Reihe von traurigen Hymnen. Doch häufiger als zuvor lässt Katie von Schleicher die Sonne rein: „Wheel“ ist sehr schöner Indie-Pop, so lieblich wie eine Komposition von Belle And Sebastian, aber gesungen mit dieser tollen Stimme, die sich bei den tiefen Tönen besonders wohlfühlt. „Caged Sleep“ dreht mit melodischen Keyboards und abseitigen Sounds ins Kosmische und bereitet den Boden für den Weltraumgospel „Messenger“, auf dem Katie von Schleicher ihre Stimme vervielfacht und dadurch auf wundersame Weise viel leichter klingt.
(musikexpress)

„Consummation“ ist vielgesichtiges Werk, dennoch aus einem Guss und von einem feinsinnigen roten Faden durchzogen. Katie Von Schleicher hebt sich ein wenig von ihrem bisherigen Schaffen ab, ohne dieses komplett ad acta zu legen. Neuer Elan und krautig angeproggter Spielwitz begleiten die vertraute Lo-Fi-Ästhetik und suchen nach dem goldenen Moment. Den findet die Singer/Songwriterin immer wieder auf dieser tollen Platte.
(Beatblogger)

Bereits das Intro des Openers „Empathy For The Devil“ versprüht nicht nur wegen seiner unverhohlenen The-Cure-Anleihen und der ebenso offensichtlichen Rolling-Stones-Referenz einen wohligen Charme.
Es passt zur aktuellen Lage, dass „I Love The New Sky“ auch durch Experimentierfreude glänzt. Da wären beispielsweise „Comme D’Habitut“ und „The Mall“, die durch ihre ausufernden Instrumentalteile erfolgreich Richtung Prog-Rock schielen, jedoch ohne ihre Basis in der Pop-Musik aus den Augen zu verlieren.
„Sweet Old Sorry Me“ hingegen nimmt seinen Hörer mit auf eine Reise, die man eben gerade nicht antreten kann. Stattdessen lässt man sich von den typischen Streicher-Sequenzen die nötige Wärme der Abendsonne aufs Gesicht zaubern, während man zu den Saxophon-Klängen an einem kalifornischen Pier seiner Wahl entlangschlendert und kaum überrascht ist, dass am hippen Kaffeeladen nebenan Paul McCartney steht und die Mitmusiker im Geiste dirigiert.
(Musikblog)

Wer von Burgess’ alter Band The Charlatans nur „The Only One I Know“ kennt und Britpop nur für eine hypegeschwängerte Anekdote aus den 90ern hält, wird sich beim Hören von I LOVE THE NEW SKY fragen, was das alles soll: Warum tut dieser wenig kunstvoll blondierte Pilzkopf so, als würde er die Beatles und Pink Floyd kombinieren können? Warum klingt seine Stimme nach einer Überdosis Nasentropfen, warum dauern die meisten dieser Songs länger als vier Minuten?
Wer dagegen zu Hause dutzendweise Platten von The Divine Comedy, The Cleaners From Venus, Kevin Ayers oder eben auch 10cc herumstehen hat, für den sind diese Fragen kein Thema. Tim Burgess, der hier zum ersten Mal ohne Gastsongwriter auskommt, hat sich im Laufe seines Lebens einen gigantischen Popkosmos erobert, und diesen leuchtet er nun aus, natürlich sehr englisch, will heißen: egozentrisch.
(musikexpress)

He makes Morrissey sound like an eternal optimist: “I can certainly feel decay crumbling inside us / And the weight from the rubble’s gonna take me down.”
It’s a little overbearing, to be honest – and we’re only just getting started. ‘‘I Know What You’re Thinking And It’s Awful’ features more mournful keys, courtesy of Natalia Yanchak, who happens to be Lightburn’s wife. Imagine these two at a dinner party. 

Lovers Rock reflects the Dears' identity as a band, illustrating their development, both lyrically and musically, by intertwining a sense of being down in the dumps with intricate, euphonious melodies.
The album culminates with "We'll Go into Hiding," its morose nostalgia embellished by violins and pounding drums. From these tinted lenses, the wicked world eerily resembles a grey cloud, but "it is going to be alright." Just escape the desolation and despair with a loved one.
(Exclaim)

However, in the great tradition of the Dears, Lovers Rock is also a beautifully constructed exercise in intelligent and artful indie pop, less grandiose than their 2004 triumph No Cities Left but with nearly as sophisticated an approach to dynamics, arrangements, and melody. Even when the guitars kick up some noise on "No Place on Earth" and "Instant Nightmare!," the performances are precise and full of carefully tailored atmosphere, and Lovers Rock boasts a level of record-making craft that's as strong as any contemporary indie band in 2020. At their best, the Dears make music so beautiful that you can sometimes forget how bitter and resigned they seem to be, and Lovers Rock works the "pretty music about ugly emotions" angle as effectively as anything they or their peers have done in ages.
(All Music)

These 12 songs weave quietly contemplative meditations on finding your place in the world. As the listener is swept into waltzing string arrangements, as on "Ministry of Doubt," Klassen expertly threads tales that remind us of the inescapable nature of loneliness and its essential role in the human experience.
Klassen's talent for poignant lyricism and effortless melodies is evident throughout the entire album.
(Exclaim)

“Ministry of Doubt” starts with a gently plucked guitar and melody reminiscent of Simon and Garfunkel. As the song adds more instruments to the track, though, it becomes infinitely more whimsical and melancholic as its lyrics muse on the humor and inevitability of isolation: a song that wouldn’t be out of place in a Wes Anderson soundtrack.
“Virtuous Circle” is a song overflowing with pain. Front and center of the song is a strong drum beat and fast piano to build a sense of urgency, while Klassen’s quiet vocals sound especially exhausted. He is desperate in this track to communicate to the user that he is tired of the vicious cycle of the world and wishes to be “recycled” to a world with a virtuous circle.
Finally, “I Want to Move Into Your House” is just utterly delightful. This track is particularly notable for using a xylophone to great effect. The song is full of a bounce and charm as Klassen excellently translates how inspiring their friend or lover is: enough so they want to see them every day.
(Canadian Beats)

Wenn sich der Frontmann, der in den knapp anderthalb Jahrzehnten der bisherigen Laufbahn seiner Combo zu einem allerorts hoch angesehenen Songwriter geworden ist, also in 'Hollywood Park' oder 'The Place We Meet A Thousand Feet Beneath The Racetrack' an Bruce Springsteens Sturm-und-Drang-Phase orientiert, mit 'Brother How Was The War' eine Klavier-Elegie anstimmt und sich während des hauchzarten 'Everything I Love Is Broken' betont nachdenklich gibt, scheint sich darin der Grund dafür widerzuspiegeln, dass er überhaupt erst mit dem Musikmachen begann.
Da ist aber noch mehr: Wohingegen die Liedermacher-Nummer 'Carry Me' mit schwungvollem Uptempo-Groove und Akustikgitarren-Fundament die ätherisch vielschichtige Produktion hervorhebt, weicht die vorab veröffentlichte Single 'Come On Out' als Zweiviertelbeat-Stoizismus mit simplem Bassmotiv im Vordergrund und fast Gothic-mäßig tiefen Vocals genauso wie das cineastische 'All The Children' von der eigentlich recht traditionellen Geschichtenerzähler-Masche ab, die Jollet abzieht.
(Musikreviews)

The 1975 have somehow put out an album made for introspection and headphone listening and dancing around your living room, something deep and sprawling and occasionally silly to dig deep into over many listens, during which your favourite track will shift on a daily basis. Something that requires time and attention – something just right for now.
(NME)

‘Notes On A Conditional Form’ is lyrically playful and musically a step away from being confused for a compilation album of the best tracks this group has ever released. But that confusion is warranted. This is The 1975’s quarantine Megazord.
(Clash Music)

Die Grundstimmung von ALLES IN ALLEM ist kontemplativ. Interessant, wie sich Blixa Bargeld und Nick Cave annähern. Das Titelstück und „Taschen“ sind großartige Balladen, „Seven Screws“ eine wunderbare Betrachtung von Gender-Identität, die Stimme löst die sieben Schrauben, ordnet die Fragmente neu, zieht aus dem „Ozean der Möglichkeiten“ ein neues Ich: „Non-binary. I: forever new.“ Wer die Neubauten der 90er mag, erfreut sich am Industrial-Twist „Ten Grand Goldie“, in ihre Frühphase kehrt die Gruppe mit der Avantgarde-Collage „Zivilisatorisches Missgeschick“ zurück, wohlwissend: „Wir leben hier nicht mehr / Schon lange, schon lange nicht.“

In einem Punkt sticht die neue Studioplatte aus dem vielfältigen Gesamtwerk der Einstürzenden Neubauten hervor: Es ist eine Art Berlin-Album geworden - die Lieder heißen «Am Landwehrkanal», «Grazer Damm», «Wedding» oder «Tempelhof». (…)
«Alles in Allem» ist ein Werk, dem man im positiven Sinne die Dringlichkeit anmerkt, nochmal etwas zu beweisen. 

„Alles In Allem“ bleibt, was Neubauten-Alben immer waren: spektakulär, unerklärlich, interpretierbar.
Inzwischen zugänglicher, dabei gleichbleibend fruchtbarer Nährboden für Blixa Bargelds Poesie, die lauert, verwirrt, schmeichelt und – „Wo man denkt, es wäre gut, ist es vielleicht nicht so, und wo es gut nicht sein sollte, ist es vielleicht doch so“-  im Augenblick möglicher Eindeutigkeit verklausuliert bleibt.

"Alles in allem" ist ein Album von erstaunlicher Homogenität. Konzeptionell, klangtechnisch und textlich greifen die einzelnen Elemente in beeindruckender Manier ineinander. Freilich werden jene, die die Lärmorgien früherer Tage vermissen, hier nicht glücklich werden. Aber hierzu wurde bereits alles gesagt. Niemand klingt so wie Einstürzende Neubauten. Wenige können die deutsche Sprache so schwirren lassen wie Blixa Bargeld. 

Mit der Wende kam jenes West-Berlin abhanden, und die Neubauten wurden ruhiger. „Silence is Sexy“ hieß vor 20 Jahren ihr größter deutsche Chart-Erfolg. Das neue Berlin-Album führt die Ruhe fort. Die von N.U. Unruh und Rudolf Moser beklopften Metallobjekte werden für konventionelle Rhythmusarbeit eingesetzt. Jochen Arbeit schubbert gepflegt Gitarre. Orgeln orgeln langgezogene Akkorde, wie etwa im Titelstück „Alles in Allem“, wo Bargeld in seiner längst Tradition gewordenen, staatstragenden Manier kleine Zufallsbeobachtungen mit großen Fragen von Individuum und Unendlichkeit verknüpft.

Wer früher Angst hatte, seine Ohren könnten beim Hören einer Platte der Einstürzenden Neubauten bluten - der kann die Berliner Band auf "Alles in Allem" nochmal neu kennenlernen. Es gibt nur einen “Rocker”, wie Blixa Bargeld es nennt: "Ten Grand Goldie". Ansonsten wiegt sich das Album schwermütig. Ruhig. Tief.
Wer die Band um Blixa Bargeld schon lange begleitet, wird sich in das multimediale Angebot von Videos, Buch, Deluxe Editon stürzen. Die Neubauten selbst lassen auf "Alles in Allem" nichts mehr einstürzen. Aber sie basteln und experimentieren weiter an Soundwerken, die in der Musik einzigartig bleiben. Wer aufmerksam hinhört, erkennt die vielen Schichten in Blixas Texten, die Suche nach Weite und gleichzeitig Passgenauigkeit. Blixa Bargeld läuft weiter in seinem eigenen Paralleluniversum nahe der Realität entlang.

Alles in allem ist „Alles in Allem“ jedoch weit weg vom einstigen Aufbegehren gegen jegliche Konvention. So wie es mittlerweile versicherungstechnisch nicht mehr möglich ist, auf dem Schrottplatz nach neuen Instrumenten zu suchen, so gesetzt präsentieren sich die Einstürzenden Neubauten auch auf diesem Album. Mal opulent, mal mucksmäuschenstill flüstert und golumnt sich Blixa Bargeld durch zehn (Fieber-)Träume, gekonnt und stilsicher. Nicht mehr, nicht weniger und doch wohnt dem Album ein unwiderstehlicher Zauber inne, den selbst das xte Neubauten-Tattoo im erweiterten Instagram-Feed nicht einzureißen vermag.

Die Neubauten hauen immer noch auf Eimern rum, aber jetzt in Hochglanz. Die Lieder sind neu möbliert und doch mit Vorsicht zu genießen. In "Taschen" wirkt das gefräßige Ungetüm der Lyrics nur scheinbar ruhig, es schleicht durch die leere Wohnung und lauert. Manchmal sind die Geigen nahezu verdächtig freundlich.
"Wir leben hier nicht mehr", singt Bargeld in "Zivilisatorisches Missgeschick", bevor sich der Klang eines schwingenden Blechs langsam hochschraubt. In "Tempelhof" werden die "Blätter auf dem bunten Marmorboden" mit einer Harfe in den Song getupft. Man merkt, dass Bargeld Haute Cuisine mag - Kochen und Musik anrühren sind verwandter, als man gemeinhin annehmen möchte. "Alles in Allem" wäre dann gebeizter Gesangssaibling mit Blecheimersoufflé an fermentierten Samples in einem Nest aus Kunstliedfäden.

„Alles in Allem“ ist ein Porträt Berlins, in das sich immer wieder schemenhaft die Bandgeschichte und persönliche Erinnerungen einschreiben.
Eingangs zitiert man sich zwar selbst – wie im Industrial-Hybrid „Ten Grand Goldie“ oder der Postpunk-Volksmusik-Ballade „Am Landwehrkanal“ – doch das Ergebnis steigt nicht den lärmenden Sturm-und-Drang-Jahren der Neubauten nach. Vielmehr wirken diese Stilistiken wie durch den Filter ihrer späteren freiförmigen Experimentalmusik betrachtet, die sich schon längst keine Genregrenzen mehr setzt, und auf die sich das Album in der zweiten Hälfte zubewegt.

Insgesamt bauen die klanglichen und lyrischen Komponenten dieser Platte nach und nach auf, so dass am Ende ein zusammenhängendes großes Ganzes bleibt. Dabei hat man die West-Berliner nur selten so kompakt und zugänglich gehört. Nur täuscht die Eingängigkeit nicht darüber hinweg, dass zwischen fragiler Schönheit und purer Hässlichkeit manchmal nur ein klitzekleiner Augenblick liegt. Das macht "Alles In Allem" zum besten Neubauten-Album seit Ewigkeiten.

It’s certainly heart-wrenching, with Alex displaying a richly poetic ability to nail the nature of bereavement, his voice hauntingly sad as he enunciates lines that skewer the way such loss places one at odds with the mundane details of everyday life.  (…)
The accompanying music is varied but always lush. “The Bargain” comes on somewhere between Pulp and burlesque Seventies glam pop, while the 12 minute “On Your Own” is an epic that churns its way from a steady piano-accompanied strum to a euphoric, brass-underpinned odyssey. A number of the songs are very long but they’re never dull, The Whites successfully pull the listener into their world, tempering the strife and mental pain with persuasive musical counterpoints.
Stages is not an album anyone will be playing to friends while sucking beers before a night out. This isn’t to say it’s relentlessly downtempo, far from it, the music often takes flight, but at its core it’s a personal exposition of catharsis, set in the real world. As such, it’s one of the few fully conceived albums on its subject. Almost everyone goes through the loss of their parents, a seismic life event of the psyche, yet there’s little focused music dealing with it. Electric Soft Parade have made a stunning foray into seldom-explored territory.
(The Arts Desk)

It shimmers with wonky ’90s-indebted pop smarts, a daisy-chain of balmy nostalgia with blissed-out guitars, hushed vocals and kaleidoscopic lyrics. ‘Vegetable’, written amid the shrapnel of the group’s break-up, is a pop song that manages to include lyrical references to Chumbawamba’s ‘Tubthumping’, RuPaul’s Drag Race alumnus Jujubee and Scientology. It’s a veritable Family Fortunes board of ‘Things You Wouldn’t Expect To See In A Song Together’. The title track, meanwhile, deals evocatively with the struggle to come to terms with yourself.
(NME)

Emotional yet playful, soft yet strong, Happyness newest is the sound of a band fully settled in their own skin.
(DIY)

As the band continue to explore the elements of shoegaze, jazz-melodies and saccharine pop at the edges of their well-worn indie-rock, Happyness find themselves back in top form and ready to reach out once more into a chaotic unknown.
(The Line Of Best Fit)

Opener ‘Wolves’ raises the curtain brilliantly, tieing together ominous washes of synths, brooding baritone vocals and howling trails of guitar and leaving a mouth-watering taste of what’s to come. The urgent ‘You’re Mine’ is an atmospheric post-punk treat with its low slung basslines and ear-catching refrain, while ‘Black’ delivers something more melodic and introspective. (…)
Managing to accomplish such a mature and defined sound on a debut album is an impressive feat for sure. A gritty and deep collection of tracks, yet hook-laden and accessible enough to stand out on other levels.
(xs noize)

Architecture just is. It sits, humble honest, diligent and proud. Like a gritty, grimacing hard-working man. It’s deep and powerful. It writhes and arches, one-minute enthralling the next bringing you close to tears. From the design of the sleeves, the art prints and the limited coloured vinyl releases, everything sits in harmony, like ducks in a row. It’s the release they deserve – a fitting tribute to one of Manchester’s finest bands.
A magnificent debut. It’s the culmination of hard work and dedication, a record produced without compromise and one which will sit as one my favourite ever albums for a long time to come.
(Louder Than War)

While contrasting emotions and themes are revealed throughout this record, one theme does prevail and that is hope. The unbreakable hope in Owen’s delivery overcomes the feeling of loneliness and isolation, a reminder that bad days shall pass and in today’s world, this is something that we all need to be reminded of from time to time.
(The Line Of Best Fit)

‘Don’t Let The Ink Dry’ is complex and rich in emotion, dazzling with every song. Owen’s talent was evident when she sang alongside The National, but her solo work is truly wonderful as she tells captivating stories through electro-folk music. Every song is a welcomed listen, with something for every mood. The singer-songwriter has mastered heartbreaking ballads like ‘For Redemption,’ but proved she can also create strong folk-pop tracks like ‘Mother.’
Eve Owen has only just started her journey, but there’s clearly a bright future ahead for the artist as her mature and accomplished album proves she’s indie music’s rising star.
(Clash Music)

Do You Wonder About Me? will take you on a high speed roller coaster of emotions. From unexpectedly dancing on your bed to craving a road trip with the windows rolled down, this album has an irresistible sweetness that will leave you completed addicted.
(Wall of Sound)

Musically, too, this is a more expansive record. ‘Broken Body’ dips its toe into the shimmering shoegaze of bands such as Slowdive. ‘Flash Floods’ surges like a bull demolishing a china shop in roughly one-and-a-half minutes, sonically tapping into riot grrl and NYC punk rock. And closer ‘Night Terrors (Reprise)’ revisits that earlier track in an atmospheric, slow-burning light, Luciano’s observations shifting from urgent to contemplative. In scraping back the layers, Diet Cig unearth a new, more intimate voice: when Luciano sings “I want you to wake up next to me,” the loneliness feels palpable – and more aching – the second time around.
(NME)

„In The Deep“ verlangt etwas Geduld und volle Aufmerksamkeit. Viele Songs wirken zumindest anfänglich lieblich bis unscheinbar, eröffnen erst bei genauerem Hinhören sympatische Ecken und Kanten. Tatsächlich stecken begnadete Songwriter und Musiker hinter Vonheim, zerren hörbar in verschiedenste Richtungen, ordnen sich letztlich aber dem Track unter. Diese gespannte und doch songdienliche Atmosphäre kommt gut, das Spektrum zwischen gefühlvollen Indie-Pop-Klängen und scharfkantigem Alternative-Prog unterhält sowieso und mit „My Darkest Side“ haben Vonheim ein echtes Brett am Start. Tolle Entdeckung, tolle Typen.
(Beatblogger)

Wenn ein Song drei Jahren braucht, um auf einer Platte zu landen, dann zeugt das von einem unablässigen Glauben der Band, an den Song. Im Falle der norwegischen Band Vonheim wurde In The Deep sogar von einer Ballade zu einem epischen, satten Instrumentensturm. Mit seiner unglaublichen Energie und Wucht schmettert uns In The Deep einen wahren Sonnensturm um die Ohren und lässt uns in einer futuristischen Landschaft ohne jegliches Leben zurück. Als musikalischer Ausbruch dient aber nicht nur die Instrumentierung, sondern auch der Gesang des Frontsänger Erlend Vesteraas.
(Soundtrack Of My Life)

A soundtrack to modern times with potent hooks and valuable reflections, Harkin’s debut record is one to devour.
(Spectral Nights)

Her career to date might have been bolstered by a stellar string of friends but there’s one thing that the multi-instrumentalist is more than capable of handling herself – the artful knack for sincere songwriting.
(The Skinny)

It begins with ‘Mist on Glass’, a serene and enticing opener that has crepuscular synth lines peppered throughout rolling guitars, with Harkin’s weathered and melodic voice gliding through it. It strikes an earnest note, and announces that Harkin has graduated from the ripping riffs of earlier to a more contemplative and insular sound, that of a sun setting, rather than rising.
The rest of the album utilises the same muted twilight-like palette, with individual tracks able to glow in the gloom including the Placebo-like angst of ‘Decades’, the catchy chorus of ‘Up to Speed’ and the evolving groove of ‘Sun Stay with Me’ whose production and sonic interplay recalls Talk Talk’s ‘Ascension Day’.
Unlike on previous incarnations, which gave the impression that Katie Harkin felt distracted by all the textures she didn’t have in her arsenal, it feels that on her travels that she has made a home with a singular sound, and found her true voice.
(Loud And Quiet)

Doch Mogwais Musik beißt die Zähne unbeirrt fest aufeinander, peitscht in "I'm not going when I don't get back" die Wellen auf oder tauscht in "Lesser Glasgow" ein Zischen durch Grollen aus. Das faszinierende "Frog marching" lässt tatsächlich so etwas wie ein Quaken durch die Stereo-Kanäle pingen, man möchte diesen Viechern allerdings nicht nachts begegnen.
Es gibt jedoch auch hellere Momente. Zwischendurch verarbeitet "El Dante" ein 8-Bit-Klingeln über harmonischen Synths und wirkt beinahe malerisch, auch "Fears of metal" scheint wie ein Sonnenstrahl nach zappendusterer Nacht. Das kurze "Space annual" erinnert derweil an die Klavierfiguren der "Ghosts"-Alben von Nine Inch Nails. Gegen Ende lassen die Stücke die Zügel generell etwas lockerer – zumindest bis zur aggressiv bimmelnden Verabschiedung "The wife was touched". "The winter's not forever" oder "Witches of alignment" setzen dazu sogar die sonst nur in die Nebenrolle gedrängte Gitarre ein, besonders ersteres Stück zaubert damit eine wundervolle Akustik hervor, wie man sie von Mogwai herzergreifenderen Kompositionen gewohnt ist. Doch ob organisch oder elektronisch, "ZeroZeroZero: A Mogwai soundtrack" ist vor allem ein beeindruckendes Ganzes.
(Plattentests)