So wie die Rakete auf dem Cover ging es mir während des ersten Durchlaufs dieser Platte. Falls sich Hörer nicht die gute halbe Stunde für neun Titel Zeit nehmen möchten, empfehle ich als Appetizer den Titel "Back to work": Diese vier Minuten wechseln erbarmungslos zwischen euphorischem Art Pop und düsterem Industrial-Break. Ähnlich "multipolar" zeigt sich das gesamte Album. Der Opener begeistert allein schon wegen des tollen Songtitels "I only drink when I'm drunk".

BC Camplight aka Brian Christinzio veröffentlichte mit "Shortly after takeoff" sein fünftes Album und den Abschluss seiner "Manchester Trilogie", die mit "How to die in the north" 2015 ihren Anfang fand. "Deportation blues" hatte ich 2018 nicht auf dem Schirm. Aber das aktuelle Werk macht mir viel Lust, auch dieses noch zu erkunden.

Man könnte Christinzio durchaus vorausschauende Fähigkeiten unterstellen, zog es ihn doch 2014 aus den USA in seine Wahlheimat Manchester. Einige Wirrungen wären ihm vielleicht erspart geblieben... hätte er nicht auf Grund von Problemen mit seinem Visum das UK wieder verlassen müssen. So landete er neben Paris auch wieder in Amerika. Doch vielleicht verhalf ihm gerade dieser Umweg zu den Ideen, die nun zu "Shortly after takeoff" führten. Im direkten Vergleich zu "How to die in the north" wirkt BC Camplight auf seinem aktuellen Werk selbstbewusster und gereift ohne sich auf irgendetwas auszuruhen.

Mit "I only drink when I'm drunk", "Ghosthunting" und "Back to work" beginnt das Album sehr stark. Der Titelsong weiß ebenso zu überzeugen. Die Kombination aus klebrigen Melodien (ja, die Beach Boys lassen wieder grüßen" und wilden Brüchen ist rundherum gelungen.

The Guardian bringt es auf den Punkt:

This album is a masterpiece.

Allmusic.com:

Written from the heart and dredged from pop music's boneyard, Shortly After Takeoff feels like the album Christinzio has been working toward his whole career.

Das Video zu "Cemetery lifestyle":


"I only drink when I'm drunk":

‘Alone In The Garden’ is the perfect example of the delicious bounce this band create with fuzzy guitars and cool beats that work perfectly on this track together.
Emily Bornemann’s voice is incredible and is one of the highlights of the record. A vocal that goes with the easy, almost hippy vibes of the album in it’s moments, tracks such as ‘All Is Well (In Hell)’ is the perfect example of this. Easy guitars that harmonise with Bornemann’s vocals to perfection, it’s a stand out on this album and that soft tone continues to pull you in on tracks such as ‘Owl Doom Pt 2’.
Incredibly infectious and packed with cool melodies, Night Swimming is a fantastic listen from beginning to end. The beats grab you and Bornemann’s voice is just stunning from the start. Highlights for me on this album are ‘Alone In The Garden’, ‘All Is Well (In Hell)’ and ‘Tight Spot’.
(Thinking Lyrically)

Opener ‘Upset Words’ is absolutely barnstorming, relentless in its melodicism and absolutely packed with earworms which move in unexpected directions. Like the body of the record, there’s something galvanisingly youthful about it – from the way the band play like their lives depend on it (the sort of devil may care attitude you can only really embody in your salad days) to the longing, carnal naivety of the vocal performance.
It’s a record absolutely bursting with personality- the band seamlessly veer between a moment of garage-rock aggression to plaintive moments of dream pop while maintaining a very clear identity and recognisable set of sensibilities.
‘Oh’ – another song fixated on anxiety and longing, is a densely harmonious tune that you get the impression Bethany Consentino would kill to write. Figure-Four echoes the criminally underrated and sorely missed Veronica Falls, it’s brittle, sparse parts building tension around the disarmingly honest vocal. ‘Owl Doom Pt.2’ is the record’s most ponderous moment- a welcome moment of respite given the relentlessness of everything that came before. Spidery, plaintive guitar lines recall the likes of Yo La Tengo.
(God Is In The TV)

It is in the freedom of Emily Bornemann’s vocals that the stirring of passion is felt keenly, the aggressive nature of the song-writing and drum performance giving credence to the opposition that punk, in all its forms and personalities, can muster if utilised and not allowed to sell out. In songs such as Alone In The Garden, Tight Spot, Figure-Four, All Is Well (In Hell) and Oh, the threesome live up completely to the history and the track record of their state musical heroes and keen fan observances and make good on their state motto of Liberty and Prosperity, the nature of understanding that the fight required sometimes draws on both to succeed.
Night Swimming is a very good album in which to sink into, to let the thought of the Atlantic shoreline please you and spark the revolution inside and to take the advice, and the warnings of the Dentist.
(Liverpool Sound And Vision)

• 07.04. Hamburg
• 08.04. Berlin

Their debut is a carefully crafted collection of songs that seem nostalgic and novel, summoning ghosts while exploiting guitar music’s capacity for oddness and idiosyncrasy. As with every contemporary rock band, it’s possible to boil the Orielles down to their influences: they mix the dazzlingly bright disco-rock of Orange Juice with flyaway 90s indie and the thrillingly sinister freak-outs of mid-60s psych and garage.

Pierce findet in den zwölf neuen Songs und trotz Alleingang zurück zu alter Form: "Abysmal thoughts" küsst die Sonne, tanzt durch den Regen, umarmt die Melancholie und sucht stets die Hoffnung. (…)
Das weckt rein musikalisch Erinnerungen an damals, als "The Drums" 2010 das Licht der Welt erblickte, ist thematisch aber viel jünger. Vom Damals-noch-nicht-Ex-Freund, der den Sänger bei der Art-Basel-Veranstaltung in Miami wie einen König behandelte, nur um kurz darauf in alte Muster zu verfallen, geht es weiter zum rasanteren "Shoot the sun down", das den Sommer in einem tosenden Gewitter enden lässt. Überhaupt ist "Abysmal thoughts" von Sturm und Drang geprägt: "Your tenderness" wankt zwischen ordentlich Druck und dampfablassenden Bläsern und ist nicht nur dank dieser Mischung einer der besten The-Drums-Songs überhaupt.(Plattentests)

Doch auch wenn Pierce das Klangsetting für Sequenzen vom Strand in die New-Wave-Disco verlegt, durchdringt das Album immer noch keine echte Dunkelheit, sondern die Melancholie eines blasierten Romantikers. Und die vertont Pierce – wie im von Streichern überzuckerten „Blood Under My Belt“ – besonders gut, wenn er sich traut, mehr Pop als Indie zu sein. Oder den in der Zunft verbreiteten, ewig zackigen Rhythmus entschleunigt. (musikexpress)

• 31.10. Hamburg
• 02.11. Berlin
• 04.11. München

Was Cuomo aber gut kann und auf diesem zehnten Album wieder zur Geltung kommt, ist das Schreiben von Songs, die lieblich rocken und schon beim beiläufigen Hören im Ohr haften bleiben. Gut an Weezers »White Album« ist die gestiegene Vielfalt in ihren Arrangements, die Kalifornier rocken nicht mehr so arg, sondern variieren mit sonnendurchflutetem Beach-Boys-Rock (»Wind In Our Sail«), Indie-Pop (»L.A. Girlz«) und sogar Rap-Passagen (»Thank God For Girls«). Das erinnert stellenweise gar an Weezers stilprägendes blaues Debüt, verliert den Vergleich im Endeffekt aber doch: Weezer gelingen einfach nicht mehr die Songs zum Niederknien. Schon seit 20 Jahren nicht.

(intro)

Erst 2014 hatten die Kalifornier mit dem soliden EVERYTHING WILL BE ALRIGHT IN THE END Kritiker und Fans versöhnt. Nach gut 13 Jahren Häme wäre das ein guter Zeitpunkt gewesen, die Band aufzulösen. Aber Rivers Cuomo mag nicht ans Aufhören denken. Er schreibt weiter Songs – und verfällt dabei leider wieder in Klischees. Mit Oooh-oooh-Chören und zotigen Wortspielen („Endless Bummer“) zitiert er die Beach Boys, singt von „California Kids“ und „L.A. Girlz“ (musi kalisch die besten Stücke der Platte).

„Wind In Our Sail“ heißt ein Lied, das an das schlechteste Weezer-Album, MAKE BELIEVE, erinnert. Frischen Wind können aber weder Nonsenstexte („Thank God For Girls“) noch externe Songwriter wie Adele-Hitschreiber Dan Wilson in diese Kompositionen bringen. Bei Weezer ist das Weiße Album nach dem Blauen (1994), Grünen (2001) und Roten (2008) nur eine weitere farbige Platte. Oder besser: eine farblose.

(musikexpress)

Wobei "California Kids", trotz des Namens, erstmal Hoffnung weckt und genau das liefert, was man sich von einer Weezer-Platte erhofft: Simple, aber eingängige Akkorde im Vers, solide Bridge und hymnischer Refrain. "Wind In Our Sail" zerstört diesen Eindruck aber bereits mit den ersten Tönen, erinnert die Melodie doch sehr stark an "Two Weeks" von Grizzly Bear. Pop-Vers, Stadion-Rock-Hook gepaart mit recht langweiligen Lyrics: "We got the Wind in our sails". Wohl eher ein laues Lüftchen.

Das Keyboard scheint es ihnen hörbar angetan zu haben. "Thank God For Girls" macht dort weiter, wo "Wind In Our Sail" aufgehört. Braucht man beides nicht, vor allem nicht von Weezer.

Was machen die Kids am Strand, wenn sonst nichts los ist? Genau, kiffen und nach Mexiko fahren. Folgerichtig frag dann auch Cuomo: "Do You Wanna Get High?". Cypress Hill haben aber nichts zu befürchten, ihrer Gras-Hymne läuft diese Nummer den Rang nicht ab. Wenigstens bleiben die Lyrics ("Keep on doing what you do | 'Cuz I'll never get tired of you") genau so flach wie der Sound.

Doch es gibt auch Positives vom "White Album" zu berichten. Hier und da tummelt sich auch ein durchaus guter Song. "(Girl We Got A)Good Thing" zum Beispiel, klingt irgendwie erfrischend und neu, aber nicht unecht und erinnert an "Island In The Sun". Im Sound der älteren Album schwelgen die Songs "King Of The World" (trotz der überflüssigen "Wohoooo"-Bridge") und "L.A. Girlz" hebt die Gitarren wieder deutlich mehr hervor, inklusive dem typischen, unvermeidlichen Gitarren-Solo.

Weezer haben mit der Platte nichts falsch gemacht, aber wirklich nötig war sie auch nicht. Sie plätschert vor sich hin und lässt die großen Highlights vermissen. Für die ersten sonnigen Tage mit Grill auf dem Balkon reicht sie aber allemal.

(laut)

Whereas some artists labour the extent of their ambition to the detriment of their expression (I'm looking at you, Alt-J), not one second of How To Die in the Northfeels over-worked or incongruous. It is a private record of intimate calculations, made universal with the help of a versatile band and a wonderful voice. 2015 might only be a few days old, but we have already been treated to one of the year's most cherishable projects. Manchester's latest son may yet become one of its greatest.

Annabel Dream Reader is a surprising mix of quasi-grunge and throw-back surf-rock which, while it can at times seem overly angst-ridden, is a relentless tide of energy and conviction. Although this debut LP might have its weaknesses, it might also be a sign of greater things to come.

Play this album at full volume, with plenty of dance/thrash room, and little to no glassware nearby.

Alvvays is a thrilling, often lethargic debut. It can be a catalyst for out-of-body relaxation with its deluge of frothy, bubble-bath timbres, or it can be a rousing, strangely communal record, enabling all-night gab session on the beach by campfires. It’s an album for friends, for lovers and for the self.

Es bleibt damit bei durch und durch guten Voraussetzungen für die Band, die sich nach dem ersten Hype entspannt zurücklehnen kann, um – mit viel Glück – eine zweite Welle abzuwarten, auf der es sich dann um so besser surfen lässt. Den richtigen Soundtrack haben Alvvays ja bereits geschaffen.

Stellenweise sorgen Feedback-Einwürfe à la Neil Young & Crazy Horse dafür, dass die Musik auf “Woodlands” ähnlich nebelig klingt wie es das Cover vermuten lässt. Im Kontrast dazu fühlt man sich als Hörer ein paar Momente später an einen kalifornischen Strand transportiert.

Auf der Website der Band Woodlands findet sich diese Beschreibung:

Sure, you can tell what their influences are: doses of Yoko Ono, T-Rex, Grateful Dead and Neil Young. And, if we must apply some specific genre, as we always seem to do for lack of some better description, than we could label them with things like stoner-folk, boogie-pop or indie-rock.

Sara Wilson (die bereits bei Moneybrother die Gitarre in die Hand nahm), Niklas Korssell und Marcus Holmberg erschufen mit “Woodlands” eine aufregende Mischung aus Surf, Indiepop und Folk/Country. Während diese Stile in Reinform über Albumlänge durchaus mal langweilen können (siehe Best Coast, uninspirierte Indiepop-Alben und traurige Männer mit Bärten und Akustikgitarre) schaffen es diese Schweden, jeweils im richtigen Moment die Kurve zu bekommen und mich vor allem mit eindrucksvollen Gitarrenparts und Wilsons wundervollem Gesang zu begeistern.

Das Album wurde innerhalb weniger Tage in den Tambourine Studios in Malmö aufgenommen und steht damit in einer Reihe mit den meisten Cardigans-Platten.

Besonders stark finde ich “Housebuilding” und “Kids” die mich besonders stark an Neil Young & Crazy Horse erinnern sowie “Lazy days”, “Dark clouds” und “Make it through”.

Musikreviews.de kommt zu diesem Urteil:

Ein bisschen DIRTY PROJECTORS und dann wieder erdige BEACH HOUSE, so man es sich vorstellen kann - in etwa dazwischen bewegen sich WOODLANDS, die mit diesem Einstand über Schweden hinaus Beachtung unter Freunden von Herzen kommender, aber nicht rührseliger Musik mit gerne auch krachiger Gitarre finden dürften.

Das Video zu “River running wild” zeigt, dass die Musiker ihre Instrumente nicht nur im Studio oder auf der Bühne zu nutzen wissen:

Außerdem gibt es hier noch “Housebuilding” als Video

und dort als Stream. Das gesamte Album lässt sich aktuell noch bei laut.de probehören.

Im Wonnemonat Mai verbringen die Schweden einige Tage in Deutschland:

• 07.05. Köln
• 08.05. Stuttgart
• 09.05. München
• 10.05. Hamburg
• 11.05. Wredenhagen
• 12.05. Berlin

Even during the first chords it comes clear, that SEAPONY developed without leaving their established sound. The opening track “Outside” starts with cheery guitars attended by swinging drums later on. From this moment on, SEAPONY takes you away with dreamy sounds driven by waves of catchy guitar riffs and tender vocals, which seem to be aspirated by a ghost in the shape of Jen Weidl. Central issues are memories, craving for love, heartbreak, leaving, dreaming and momentariness.

All songs work together and seem to be the perfect match for leaving everyday life by drifting away into a world full of love, freedom and some kind of lightness. Even when Jen Weidl sings about broken promises and longing for attention like in Tell me so, she sounds so feathery that even sad stories get a romantic touch. While the whole record is furthered by guitar-driven songs about (bitter)sweet life, there are some special tunes, that persuade by particular dominating guitar parts. For example in Follow or Prove to me the guitar is fractional set to the background and in another moment it captures the listener by being wonderful present and disarming. Never be is an outstanding impellent song starting with energetic guitar chords and danceable drums. But after leaving the SEAPONY-caused dreamland for three minutes, Sunlight comes along with acoustic guitar and rarely inserted tambourine, which accompanies the listener to the rest of the record consisting of coherent songs.

It isn’t that easy to assert oneself as an outstanding band within the growing genre of lo-fi, indie dream pop. Falling is a strong record, playing with the attitude and magic of this genre and coming up with some guitar sounds full of energy. SEAPONY accomplished to create a LP that works as a perfect soundtrack for Sunday morning coffee or road trips into sun without being just background music. The sound is hope, the lyrics are passion – and all together Falling is made for bearing summer days in mind while autumn is going to catch us.

(Nothing But Hope And Passion)

In Kalifornien wird immer noch vehement geträumt. Es gibt kaum einen Ort in der mythologischen Map Of America (von New York abgesehen), der so konsequent von einem Set von Bildern beherrscht wird wie der Golden State an der US-Westküste. Die Beach Boys mögen in ihrer Surf-Phase den Grundstein für den California-Kult gelegt haben, Brian Wilson und Van Dyke Parks setzten California mit dem Album Orange Crate Art in den 90er-Jahren ein Denkmal, Heerscharen von Bands zwischen Los Angeles und San Francisco proben in UV-intensiven Popsongs ein Stück Heimatpflege unter besonderer Berücksichtigung von Drogen, Glamour und den geografisch-klimatischen Besonderheiten Kaliforniens. Auf Crazy For You, dem 2010er-Vorgänger-Album des Duos Best Coast aus Los Angeles, konnten wir in den „Summer Mood“ switchen, um uns dann von der becircenden Beth Cosentino erzählen zu lassen, wie es sich so anfühlt, „When The Sun Don’t Shine“. Dem stark nostalgischen Trip in die eigene Teenagerzeit folgt mit The Only Place ein durchaus erwachsenes Album, angeführt von einer weiteren Liebeserklärung an ihren Home State. Was nicht heißen soll, dass Beth Cosentino und Partner Bobb Bruno die Girl-Group-Referenzen von ihrer Agenda genommen hätten, aber ihr California Dreamin’ im Jahr 2012 findet im Schwurbel- und Schraddel-Style mit nicht ganz so strom­linienförmigen Gitarren statt. Dream Pop für ein gewöhnlich gut informiertes Indie-Publikum, das zum Sonnenunter gang am Venice Beach die nächste Umweltkatastrophe schon mitdenkt. Am Ende aber werfen Best Coast wieder einen ungebrochenen Blick in die Nacht, untermalt von Streichern und viel Shoobidoo & Lalala. Key Tracks: „Up All Night“, „No One Like You“, „How They Want Me To Be“

(Musikexpress)

Its unlikely that Cosentino’s lyrical conceits would affect the way they do if they weren’t coupled with such winning melodies, such vivid choruses, such memorable hooks (like Summer Mood’s delectable, double-edged “There’s something about the summer” refrain, or the dovetailing harmonies that close Our Deal). Her Spector-esque pop reaches its most ersatz on I Want To, with an intro echoing both Be My Baby and The Leader of the Pack, but the pang of longing that runs through her repeated croon of “I want you so much” melts away such trainspotterism. (bbc)

The sublime lead-off single for the album, ‘Boyfriend’, is straight from the Phil Spector loonbook, with melody and swooning to the forefront and dirty guitars aping a wall of sound. That’s pretty much the template for the entire album, and sure, there’s plenty of these new Shangri-lo-fi bands around at the moment, Dum Dum Girls, Vivian Girls et al, but Best Coast have shot straight to the top of the pile for two reasons: great songs, and immense charm. (NME)