With a voice that seems to echo from outer space and melodies that cut deep into the heart, belly, and mind, J Mahon emerges once more with a song that’s as emotionally raw as it is melodically luminous. His new single “Begin Again” (…) offers listeners a vulnerable yet triumphant anthem.

Wrapped in an upbeat, piano-driven arrangement, “Begin Again” draws listeners into an intimate world of resilience, self-reinvention, and emotional clarity. With the poignant lyric “I’d give my life to begin again”, Mahon speaks to universal themes of struggle and renewal, delivered with trademark honesty and a strong sense of self-awareness.

(Plug)

„Für mehr ambitionierten Artpop empfehle ich das Album FURIE von Alicia Edelweiss. Weniger experimentell – mehr, naja, furios.“

(Oliver)

The beauty of the new Hickox is in music on a grand scale. A record that earns its worth as both ear candy of the most opulent variety yet fully deserving of a deeper dive. The film composer in Hickox pops a head above the parapet and finds some common ground.

(At The Barrier)

“A Complicated Woman” ist indeed ein kompliziertes Album – hört man es nun mit Blumenkranz im Haar beim Taumeln durch den Wald oder auf einer kinky Party in einer grauen Metropole? Für beide Szenarien sind genügend Songs vorhanden. Die eine Seite dieses Albums rutscht ans Herz all jener, die mit Paris Palomas Debütalbum “Cacophony” den Niedergang des Patriarchats als Gemeinschaftsprojekt gefeiert haben. Die andere Seite bebt mit reduziertem Gesang vor dunklen Bässen (Banks lässt grüßen!) und möchte vor lauter Brat-Vibes nicht mehr nach Hause.

Was diese Dualität vor allem zeigt: Self Esteem ist eine der begnadetsten Songwriterinnen der Pop-Welt und könnte mit der Opulenz ihrer Arrangements jedes Opernhaus vollkommen ausfüllen. Die Frage wäre nur, welches dieser Häuser auch bereit für Songs über Sexstellungen (“69”) und Zeilen wie “Now toast eaach and every fucker that made me this way” (“Cheers To Me”) ist. Gut funktioniert ihr Sound im theatralischen Kontext auf jeden Fall – sie steuerte den Soundtrack zum Theater-Megaerfolg “Prima Facie” mit Jodie Comer bei. Das war schon sehr prunkvoll!

(Minutenmusik)

Andererseits aber sorgt die Funktion als Begleitmusik dafür, dass sich Condon auf Stimmungen konzentriert, die epischen Melodiebögen, die wie Wolken vorbeiwehenden Streicher, das monoton schrammelnde Banjo, dass alles ganz im Dienste einer Gemütslage steht, die ausschließlich zwischen Grau und Beige schillert.

Sieben der 18 Stücke sind folgerichtig Instrumentals, aber auch in den Songs ist der Gesang immer wieder nur ein weiteres Instrument, singt Condon manchmal nur noch Hmmm oder Aahahah oder brummt wehmütig im Duett mit dem Cello. Das passt zum Thema des Albums, das sich, inspiriert von Judith Schalanskys Buch „Verzeichnis einiger Verluste“, so ausdauernd um Vergänglichkeit, Verlust und den eigenen Bauchnabel dreht wie die Songs, die wunderschön und doch vergeblich immer wieder dieselben Schleifen ziehen.

(musikexpress)

Doyle und ihre (handverlesenen und wenigen) Mitmusiker spielen Celli und Melotron, Geige und Klavier, hin und wieder kommen analoge Synthesizer und Flöten zum Einsatz, erzeugen betörende Kammermusik, die sich wie in „I Used To Fly“, „Heaven In Disguise“ oder „Lighthouse“ ins Hymnische öffnet. Doyles irischer Akzent sorgt für die nötige Erdung, so dass das Album nie ins allzu Ätherische entschwebt – jedenfalls fast nie: Der auf deutsch gehauchte Schlusstrack „Hinter den Wolken“ wirkt so luzid, als ob er nur vom Klavieranschlag auf Erden gehalten würde. Musik wie Balsam für gemarterte Seelen, also für uns alle.

(musikexpress)

In wenig mehr als 30 Minuten Spielzeit gelingt es ihr, echtes ‚Albumfeeling‘ aufkommen zu lassen und ein in sich geschlossenes, stimmiges Ganzes vorzulegen, das um die Geschichte von Echo (im Albumtitel in der norwegischen Schreibweise „Ekko“ zu finden) und Narziss kreist. Beiden Figuren sind nahezu instrumentale Tracks gewidmet, welche die A- und B-Seite der Platte eröffnen. Passend zu ihrer mythischen Vorlage klingen auch die insgesamt zehn Tracks entrückt und geheimnisvoll, mitunter gar meditativ. 

(Westzeit)

Obwohl auf dem Album inhaltlich also ziemlich viele Tränen, Blut, Schweiß und andere Körperflüssigkeiten fließen und eigenartige literarische Referenzen wie „Orlando“ oder Thomas Mann's Zauberberg in „Magic Mountain“ poetisch codiert werden, wird diese thematische Ernsthaftigkeit durch die musikalischen Ambitionen mehr als ausbalanciert. Was auf diesem Album auffällt, ist dass es Michelle Zauner immer besser gelingt, ihre Ideen-Sperrfeuer mit verständlichen Songformaten einzufangen. Während die mit hippiesken Harfen, Streichern und Bläsern augmentierten Dreampop-Songs am Anfang der Scheibe in dieser Hinsicht vielleicht noch zurückhaltend konzipiert sind, sprechen mächtige Big-Music-Tracks wie „Honey Water“ oder „Winter In L.A.“ eine ganz andere Sprache – und „Mega Circuit“ und „Picture Windows“ sind im Prinzip – zwar ambitioniert arrangierte – perfekt inszenierte Pop-Songs. Ohne Frage ist Michelle Zauner mit ihrem Projekt Japanese Breakfast auf dem Besten Weg zum Superstar.

(Westzeit)

(…) this is not an album to put on to get your party started, it’s the kind of album you play by yourself or with a loved one, cosying up with a nice glass of something with a log burner on and the knowledge you can sit back, listen and absorb the music the lyrics and the beauty of the arrangements. (…)

The overwhelming feeling I felt listening to this album was of peace mixed with sadness and yet hope. It’s a lovely body of work that I suspect you won’t hear much on the radio but which, should you choose to discover it, you may just become addicted to (…).

(3 Songs & Out)

Equally catchy, but even better is the single, ‘Only One’, a timeless piece of soft rock that could have been made in any decade post-‘Rumours’ and should be (but probably isn’t) saturating radio playlists around the world. 

Put together, the disparate elements that make up ‘My Light, My Destroyer’ may betray the occasional influence, but combine to produce a singular world – one that is, at points, both deadly serious and funny, but always habitable.

Jenkins says that she “writes music for her friends” and on the evidence of her third album she will have many more of these by the end of the year.

(Clash Music)

There’s plenty of ear candy for indie-rock fans, from the aforementioned “Clams Casino” to the single “Petco,” a musing on humanity’s increasing distance from nature as she looks in a pet-store window at “two doves wrapped up in filthy and true love” and the “sideways gaze of a lizard” as the electric guitars build the song’s intensity on each verse (and even slip in a very “OK Computer” solo toward the end). Throughout, there are shades of everyone from Liz Phair, the Breeders and PJ Harvey to Sharon Van Etten and Phoebe Bridgers (please note, the last-named two artists are reference points and not influences), but the album is musically multi-dimensional and features intriguing arrangements, including one segment that seems to feature a sax, trombone and violin.

(Variety)

Music this textured is bound to take a few listens to get a hold of. Most impressive is how My Light, My Destroyer presents music that can be easily enjoyed – hooks and memorable lyrics abound – yet unravels deeper layers of meaning the more you dig in. Andrew Lappin’s production is lush or sparse according to the needs of each track, and Jenkins’s songwriting (in conjunction with various co-writers) is evocative despite its conciseness. If there were any doubt, My Light, My Destroyer earns Cassandra Jenkins a place among today’s most intriguing and accomplished singer-songwriters.  

(Pop Matters)

„It“ vereint zerstückelte Electronica mit einem Destillat menschlicher Stimmen, darüber eine warme Klarinette.

„She“ ist mit behutsam gezupfter Gitarre sinnlich wie ein Abendspaziergang durchs Grüne, ein Hauch folkiger Leichtigkeit. Und in „Clo­ser Away“ blüht Thorpes Gesang über minimalistischem Piano auf: expressiv und mit sanftem Vibrato. Zuletzt ein Plätschern, das Geräusch tropfenden Wassers. 

(Rolling Stone)

Vieles auf MY METHOD ACTOR ist trotz der spärlichen Arrangements bunt und verwinkelt.

Niedlich gluckernde Rhythmusmaschinen und aufblühende Streicher, an Jazz geschulte Gitarren und kluge Melodien bilden den Unterbau für ein bisschen Lo-Fi, ein bisschen Soul, für Unaufdringlichkeit und Verbindlichkeit gleichermaßen. In „Mutations“ etwa gelingt Yanya ein uniques, dezent jazziges Gefüge, das sowohl auf The Cures 17 SECONDS wie auf The xx zurückgeht. Einerseits.

Andererseits wirken die hier und da in die filigranen Texturen gestopften Gitarrenwände seltsam deplatziert. Ausgerechnet in den beiden Singles „Like I Say (I Runaway)“ und „­Method Actor“ crashen die Shoegaze-Erinnerungen an Yanyas frühere Platten den luftigen Sound. Zum Glück erzählt der Rest des Albums eine andere Geschichte: Und dann liegt die Tiefe in der Reduzierung.

(musikexpress)

So entdeckt die Band Noir aus Nottingham auf Album Nummer 14 partiell den Soul wieder, wie etwa der zartschmelzende Opener „New World“ mit tänzelnden Bass- und Orgelfiguren und dynamischen weiblichen Backings und Bläser-Sätzen eindrucksvoll unter Beweis stellt. (…)

Aber auch „Always A Stranger“, bei dem Sänger und Produzent Stuart Staples wie ein leisetretender und kontrollierter Nick Cave bei einem von dessen musikalischen Exorzismen klingt, fasziniert. Mit „Turned My Back“ hingegen packen die Tindersticks kurz vor Schluss tatsächlich noch einen hymnischen Gospel-Hit auf das Kandelaber-beleuchtete Tanzparkett. Und das, obwohl SOFT TISSUE doch eigentlich ein prädestiniertes Kopfhöreralbum für die einsamen Stunden ist.

(musikexpress)

Fourth song ‘Clearing’ has an irresistibly calming and grounding effect reminiscent of the natural sorting of stones by the tide on a blissful, beautiful beach, making the listener feel they have escaped to the shore. The wonderfully simple yet profound concept of waves creating a sense of order reflects Jónsi’s idea of a sense of harmony amidst the turmoil of our time. Sonically, the track is the most captivating on the album. 

‘Cherry Blossom’ follows, its dramatic piano chords creating a gripping effect, drifting seamlessly into the harmonic strings of ‘In Plain View’, this more cheering sound contrasting perfectly with the previous more ominous sound, showcasing Jónsi’s formidable songwriting ability. ‘Floweret’, despite its innocent sounding title, has a brilliantly intensifying drum effect with a mesmerising tribal quality throughout the track that marks an invigorating change of tempo from the peaceful sound of the previous pieces. ‘First Light’ offers the listener a beautiful sense of escape, taking you on a compelling journey throughout.

(Clash Music)

„Everything you feel can just come undone / And the media supports all the far-right scum / I just want to believe / That the feeling’s not inside me“, singt Nash, die Streicher frohlocken und das Klavier mollt. Klare, starke Vocals, die Texte lyrisch, und erstaunlicherweise kommt einem Covid auf diese Art nicht aus den Ohren raus, sondern geht gut ins Ohr. Kein Hyperpop, keine kalten Trauerballaden und düsteren Eilish-Hits – und schon lässt sich doch tatsächlich nostalgisch auf jene dunkle Periode zurückschauen.

Dieses Album schafft es, all die diffusen Gefühle und Erinnerungen, die an Maskenpflicht und Impfkampagne hängen, zu verarbeiten und Corona noch etwas abzugewinnen, vielleicht sogar etwas Positives. Wenn nicht so aus der Versenkung zurückkommen, wie dann?

(musikexpress)

Von ihren Folk-Pop-Wurzeln hat sich EIVØR ein gutes Stück entfernt. Geblieben ist ihr elfengleicher Gesang, der von seiner kaum greifbaren Zurückhaltung lebt und sich nur selten zu kraftvolleren Spontaneruptionen verdichtet. Zwischen warmen, klassisch anmutenden Klavier- und Streicherparts bestimmen elektronische Beats über weite Strecken das Klangbild, was gut zu der klanglichen Reise passt, die „Enn“ beschreibt. (…)

„Enn“ ist ein Gesamtwerk, dem EIVØR einen so beeindruckend stabilen Spannungsbogen verliehen hat, dass eine Einzelbetrachtung der Stücke wenig Sinn ergibt. Der atmosphärische Aufbau der Kompositionen schreitet kontinuierlich voran und erreicht mit dem gewaltigen „Upp Úr Øskuni“ (Aus Der Asche) seinen dramatischen Höhepunkt.