Und dann gibt es zudem noch bei einigen Liedern der Newcomer eine Mandoline und sogar ein Glockenspiel, auf dessen lieblichen Töne nicht nur mein Mitblogger Christoph abfährt! Und wem das nicht reicht, der wird grosszögig mit Hits bedient. Eigentlich bestand das gesamte Set aus solchen! "Outsiders" kapitulierte einen schon nach den ersten Klängen in die Wolken, bevor die Trompete auf das Schönste durch den Song tutete, "Sand And Ice" versüsste einem mit Glöckchen und Geigenklängen den Tag und "Harold T Wilkins" ist ein Lied, das Clap Your Hands Say Yeah vor Neid platzen lassen dürfte, weil sie zumindest auf ihrem zweiten Album nichts vergleichbar Gutes zu bieten hatten.
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Neben den typischen Rock-Nummern finden sich auch fingerschnippende Uptempo-Retro Soul Stücke ("Mean Street", "Go Out Tonight"). Bei "You Got Nothing On Me" stand Hardrock der Marke Deep Purple oder Black Sabbath Pate, wogegen "Gloria" eine knisternde Edel-Schnulze ist. Das laszive "High Heels" ist ein düsterer, angejazzter Blues mit Bläsern.

Dabei schaffen Mando Diao das Kunststück, sich neu zu orientieren und dabei trotzdem gleich zu klingen. Die abwechslungsreichen Stilexkurse werden ohne Reibungsverlust in den bewährten rockigen Trade Mark Sound der Band integriert. "Give Me Fire" ist elegant und elaboriert. Garagen-Räudigkeit steht hier neben Scott Walker-Grandezza, fließenden Beat-Melodien und edlen Streicher-Arrangements. Mit einem ähnlichen Retro-Panoptikum feierten im vergangenen Jahr auch The Last Shadow Puppets Erfolge.

Mando Diao besetzen von der ersten Minute an, der stürmische Auftakt "Blue Lining, White Trenchcoat" ist ein rauer Rock´n´Roll-Shouter, das ihnen angestammte Terrain. Nichts wirklich Neues also, die Schweden bleiben bei ihrem Leisten, dies aber mit Stil und Feuer im Herzen.
(pop100.de)

This Brooklyn group's previous albums established them as shoegaze confectioners, molding candy swirls out of Yuki Chikudate's soaring, translucent voice and guitarist James Hanna's Kevin Shields–worshiping production. But here, Asobi Seksu do something My Bloody Valentine can't -- leave Shields behind. "Sing Tomorrow's Praise" and "Me & Mary" evoke iciness over icing, with more expansive cool than insidious sweetness. And the duo's seasick guitars ("Layers"), ethereal synths ("Gliss"), and Japanese lyricism ("Mehnomae") still provide plenty of geeky studio epiphanies.
(spin.com)

Missincat trat im Vorprogramm von Amy Winehouse auf. Der Albumtitel “Back on my feet” wurde wohl kaum von Amy bzw. Amys Zustand inspiriert.

Musicheadquarter.de meint dazu:

Die Eine-Frau-Show besteht in den Grundsätzen auch für das Debütalbum fort. MissinCat singt, spielt beide Gitarren, Piano, Vibraphone, Glockenspiel und gar das effektvolle Kazoo. Als Begleitung darf dann meist ein Cellist an ihrer Seite Platz nehmen. […] Alles in allem bleibt die Instrumentalfraktion aber sehr reduziert und versteckt sich förmlich hinter Caterinas ausdrucksstarker Stimme. Die Arrangementes sind minimalistisch gehalten und geben den Emotionen möglichst viel Raum, die MissinCat in ihre Songs legt.

Das Video zum Titelsong:

Legale Downloads habe ich im Netz leider nicht gefunden.

"Es geschieht ja nun wirklich selten, dass ganz unverhofft eine Platte auf den Schreibtisch schwebt, die vom ersten bis zum letzten Ton so herzerweichend schön und beseelt ist, dass man am liebsten mehrere Tränen verdrücken möchte. "Það kólnar í kvöld..." ist solch eine Platte."
(plattentests.de)

"Man hört der Band ihr enorm junges Alter zudem zu keiner Sekunde an: Die versponnene Magie der rein in isländisch gehaltenen Tracks überträgt sich unmittelbar auf den Hörer und rundet in Kombination mit dem stimmungsvollen Artwork ein bizarr-wundervolles Album ab."
(Sellfish.de)

Nichts wirkt überladen oder gar erschlagend. Gutgelaunt und detailreich ergibt sich dieses Debütalbum von selbst und reicht die Hände in besonnener Gutmütigkeit. Eine Einladung, die abzuschlagen ein Verbrechen wäre.
Übersichtlich sind die sehr eingängigen Melodien und die Songs in ihrer Struktur, so dass sich Hogni Egilsson bemühen muss, mit seinem eher schlichten Gesang nicht allzu viel Schaden anzurichten. Das gelingt ihm mit dem Charme des Unperfekten, aber das ist auch gar nicht wichtig: Denn es klingt hier viel bedeutsamer nach Familie und Vertrautheit, nach Sommernächten, nach Euphorie und melancholischem Schmelz. Die Gewissheit ist da, dass perfekte Momente nicht unendlich überdauern. Und irgendwie liegt darin ja auch der Kern aller Romantik.
(auftouren.de)

Vergleiche mit Radiohead haben Klez.E schon oft eingefahren. Mit ihrem dritten Album werden die Berliner Grenzgänger zwischen Indiegitarren und Elektronik dieser Adelung vollends gerecht. "Vom Feuer der Gaben" ist ein größenwahnsinniges Meisterwerk, das trotz und wegen aller Experimentierfreude zwölf unglaublich eingängige Popsongs abwirft: Ein Blas- und Streichorchester treibt das apokalyptische Titelstück voran, "Im Raum mit Toten" prägt ein Harmonium, während das Schlagzeug von einem Geräuschteppich ersetzt wird; "Am Grund der tiefgrünen See" verneigt sich vor einem fast vergessenen Cure-Klassiker, und warum ihnen die Chöre bei "Madonna" nicht kitschig geraten sind, weiß vermutlich nur die heilige Jungfrau. Doch ihre größte Leistung besteht darin, dass sie all die musikalische Erhabenheit mit der deutschen Sprache zusammenbringen. Die gleichzeitig gewaltige und zerbrechliche Bildersprache von Sänger Tobias Siebert war noch nie so direkt; sie chiffriert aber immer dann, wenn zu viel Konkretion den Song demontiert hätte. Und weil auch die Verpackung stimmt - zwölf Künstler haben sich fürs Booklet von je einem Song zu seinem Kunstwerk inspirieren lassen -, bleibt nur noch zu diskutieren, ob denn nun Tocotronic oder Klez.E das wichtigste deutsche Album dieser Dekade veröffentlicht haben. Wir werden es wissen; 2010.
(kulturnews.de)

Compared to The Bitter End, which has fifteen songs, The Eventually Home and its ten songs might seem quite short, but that is actually a good thing. Unlike its predecessor, this record is devoid of all of the less interesting moments, and at the same time it’s the unity of the songs and the strength of the record as a whole that actually makes it just as good as it is.
If you are a fan of Manchester Orchestra, I recommend that you check out Right Away, Great Captain! as well. But be warned, don’t expect anything close to the rocked upbeat songs, but if you liked the acoustic b-sides, this will be just your cup of tea. His exploits with Right Away, Great Captain! won’t go platinum anytime soon, but while we wait for the Manchester Orchestra album that will give Andy Hull his rightful place among the stars, this album serves as a testament to the fact that he is already one of the greatest songwriters of his time.
(silentsoundwaves.com)

„Years of Refusal“ comes as a gratifying shock: It's his most vital, entertaining, and savage record since 1994's „Vauxhall and I“. Rather than try and reinvent himself, Morrissey has rediscovered himself, finding new potency in his familiar arsenal. Morrissey's rejuvenation is most obvious in the renewed strength of his vocals.
For much of Years of Refusal Morrissey is turning his fire outwards-- taking on lovers, enemies, wannabes, or some combination of all three. This is Morrissey's most venomous, score-settling album, and in a perverse way that makes it his most engaging.
(Pitchfork)

Ever since You Are the Quarry in ’04, our man from Manchester has been weirdly unstoppable, making vital music, throwing exhaustingly energetic live shows, and honing in on 50 as well as or better than any rocker this side of Neil Young. Produced with you-are-there vigor by the late Jerry Finn, who helmed Quarry, Years of Refusal thunders with noise-rock bass lines, enormous drums, and big swaths of guitar distortion. Though Moz’s vocal range has narrowed with age, he still delivers brilliantly titled odes to depression (“Something Is Squeezing My Skull”) and hanging out on his own (“I’m OK By Myself” –do tell).
(Spin)

Es gibt Künstler, deren Alben ich eigentlich nie entgegen fiebere, die mich dann aber trotzdem (oder gerade deshalb) immer wieder positiv überraschen. Was sollte man auch von Phillip Boa noch erwarten? Beweisen muss er nichts mehr, singen wird er auch nicht mehr lernen.

Doch schon 2007 mit “Faking to blend in” (obwohl gerade das Boa bislang nie gemacht hat) verdiente er sich neuen Respekt und mit “Diamonds fall” legt er nun nach.

Selten klang er in meinen Ohren so entspannt. “Fiat topolino” hätte sich auch völlig unaufgeregtauf einem späten Talking Heads-Album finden können. Überhaupt fühle ich mich im Verlauf der Platte nicht selten an Byrne/Enos “Everything that happens will happen today” erinnert. Das kommt wohl daher, dass die Songs auf “Diamonds fall” mehr denn je vom jeweiligen Rhythmus leben.

Dazu meint laut.de:

Noch ausgeklügelter und aufs Filigrane reduziert klangen Boa-Songs vielleicht noch nie. Mit der Requirierung von Can-Drummer Jaki Liebezeit erfüllte sich Boa überdies einen Kindheitstraum. Dessen Trademarks, das akzentuierte und perkussive Spiel, verleiht rhythmischen Songs wie "Fiat Topolino" und vor allem "DJ Baron Cabdriver" einen besonderen Charme.

Während sich andere Künstler im Alter gerne wiederholen (wann kommt eigentlich das nächste Stones-Album?), scheint Boa mit sich im Reinen zu sein und eine Entwicklung zu vollziehen, die sich in würdigen Alben pro Lebensabschnitt manifestieren. Jung und wild hatten wir, nun erscheint er geläutert und gemäßigt. Wie werden da erst die altersmilden Werke klingen? Weiter so!

Das Video zu “Lord Have Mercy With The 1-Eyed”:

This album is a study in pop music 101. It's the kind of music that, in a perfect world, would be on everybody's iPod and number one on every Billboard chart. Just about any of its 11 songs would make a strong single; the instrumentation is tight, the harmonies are invigorating and the production is strong. It may sound like I'm gushing a bit (and I am) but music this instantly enjoyable doesn't come around all that often these days.
(Hier weiterlesen)

Wenn man die Namen der Referenzbands liest, winkt natürlich so mancher von vornherein ab, ganz nach dem Motto: schon wieder? Ist das Post Punk Revival immer noch nicht tot? Nun, wenn man sich junge Bands aus England, wie z. B. Glasvegas oder die White Lies ansieht, die in diesem Genre mittels eklig schwülstigem Bombast weiterhin auf der Jagd nach schnell verdienter Kohle sind, dann kann man sich schon fragen, wer so etwas noch braucht. Die New Yorker Kapellen kriegen das Ganze aber geschmackvoller hin, indem sie wie z.B. The Walkmen, ein wenig Blues und Folk zu der garagigen Suppe hinzumischen und auch psychedelische Elemente einfließen lassen.

Angelika Express passierte lange ohne mich. Erst die kostenlose Veröffentlichung der Songs des neuen Albums bis August 2008 machte mich neugierig. Richtig spannend fand ich die Idee, interessierte Menschen zu “Anteilseignern” zu machen und so die Produktion und Veröffentlichung der CD zu finanzieren. Das nenne ich mal tatsächlich “Indie”. Die “Aktionäre” werden gut informiert und irgendwie entwickelt sich diese Aktion zu einer interessanten Lehrstunde zum Thema “Musikbusiness”. Weitere Informationen zu der “Aktie” finden sich hier.

Nun steht das Album “Goldener Trash” tatsächlich bald im Laden und Angelika Express findet sich im Mittelpunkt des Medieninteresses. Die nächste Band mit dieser oder einer ähnlichen Idee wird in Deutschland wohl weniger Resonanz erfahren. Den Umgang mit den Medien beherrscht Angelika Express (eigentlich ist es aktuell Robert Drakogiannakis mit Live-Musikern, die sich aber auf der Bühne gut machen) virtuos. Den Umgang mit den Musikinstrumenten würde ich nicht als “virtuos” bezeichnen. Aber obwohl die meisten Songs erfreulich roh aufgenommen wurden, ist das wohl kaum Punk-Musik. Pop und Rock aber auch nicht. Leider muss man diese Musik wohl “Deutschrock” nennen. Trashiger als Wir sind Helden und manchmal nahe an den Ärzten zielt “Goldener Trash” durchaus auf ein breites Publikum ohne den üblichen Peinlichkeiten und Plattitüden zu verfallen. Obwohl mich Texte selten ansprechen, bietet Angelika Express diverse Themen und viele Fragmente, die den Weg in mein Bewusstsein finden. Das muss kein Qualitätsmerkmal sein, aber vielen Künstlern gelingt das nicht.

Das Selbstverständnis der Gruppe zeigt dieses Zitat aus dem Jahr 2002: “Wir haben Diskoterror und lärmendes Massaker mit dem Zuckerguss des ewigen Popsongs überzogen.” In Form von “Goldener Trash” wird daraus ein launiges Album mit kleineren Ausfällen, die aber nicht weiter stören. Und im Endeffekt geht es doch nur um das eine: Tanzen und Spaß haben. Und da ist “Goldener Trash” in der Mitte der Tanzfläche zu finden.

“Was wollt ihr alle” ist der Hit des Albums:

The Pains of Being Pure at Heart simply made a slyly confident debut that mixes sparkling melodies with an undercurrent of sad bastard mopery, and you're just being a dick if you think the past has some kind of patent on that. That's just the way good pop music works.

Wer möchte, kann nach diesen knapp 39 Minuten den RIFLES vorwerfen, zu sehr wie sie selbst zu klingen. Aber erstens: Den wenigsten Bands gelingt tatsächlich, sich komplett neu zu erfinden. Und zweitens: Was sie machen, machen THE RIFLES ziemlich gut – Gitarrenpop für Indie-Discos und Festivals. Nicht mehr und nicht weniger. Viele Bands provozieren damit Achselzucken, aber es scheint doch so etwas wie einen X-Faktor zu geben. Diese Flucht mag zwar nicht "Great" sein, aber Spaß macht sie.

Die Phantom Band wurde schon lange vor Veröffentlichung ihres Debütalbums “Checkmate savage” als Phantom durch die Medien getrieben. Durch zahlreiche Namensänderungen (u. a. NRA, Les Crazy Boyz, Los Crayzee Boyz, Tower of Girls, Wooden Trees) machten sie es ihren Anhängern bislang nicht leicht. Doch nun scheint mit “The Phantom Band” ein würdiger Name gefunden, zumindest vorübergehend.

Die Jungs aus Glasgow klingen mal nach Gomez, mal nach der Beta Band, ab und zu aber auch wie Queens Of The Stone Age in einer Light-Variante. Der Gesang erinnert erfreulich oft an Mark Lanegan. Die Songs erinnern zum Teil an Jam-Sessions, aber sobald die Musik verschroben wird, greift sich irgendein treibendes Element (häufig basslastig) den Hörer und reißt ihn mit.

Wie häufig, überlasse ich die großen Worte gerne Quellen, die sich dazu berufen fühlen. In diesem Fall Plattentests.de:

Die knappe erste Stunde Musik der Phantom Band rauscht vorbei, birgt Ungeheuerlichkeiten, weiß von selbst gebastelten Instrumenten zu zehren und zieht den Hörer ins Ungewisse. Kaum sind die tollen Melodien im Körper angelangt, kommt die Dekonstruktion. Ein musikalischer Kampf ums Überleben, der in all den neun Songs kein einziges Happy End zu verzeichnen hat.

und Drowned in Sound:

It's an album where imperfection and ambition mingle in admirable outbursts of creativity, and myriad genres are straddled and subverted throughout. Progressive tendencies meet straightforward singalongs, while percussive and choral interludes rear their heads in a manner occasionally slovenly but more often than not bursting with vitality. If, at times, it's not the easiest record in the world to engage with, rest assured the next track might change your outlook on it completely.

Als Download finden sich in den Weiten den Internets u. a. die Songs “Crocodile” und “Folk song oblivion”.

I was fully expecting guys with food in their beards and rotting teeth who growled songs about nuclear warheads and Armageddon. What I got was fifteen short tunes high on the bubblegum content and the guitar distortion, a sort of psychedelic Archies. Not that that’s a bad thing, mind you. Unlike fellow Scandinavians Dungen, who employ a similar sonic palette, I Was a King features songs with genuine hooks. And unlike Apples in Stereo and Teenage Fanclub, with whom they share a similar love of fuzzed-out power pop, there is some truly gonzo guitar work here to satisfy the biggest Hendrix fan. Grading on the curve (I’m assuming that English is not their native language), there are fourteen very fine originals here, all of them immensely hummable, all of them reminiscent of the days when The Electric Prunes and The Strawberry Alarm Clock were ruling the radio airwaves. Most surprising of all is the sole cover, “Hard Luck and Bad News,” by the granddaddy of Christian Rock, Larry Norman.
(pastemagazine.com)

Rückschau (VI) (Doppelte Rückschau)

Eine Plattenvorstellung ist mit Aufwand verbunden. Es gilt das Album zu beschaffen, anzuhören, ergänzende Infos zu suchen… aber ich mache das gerne, denn ich höre gerne Musik und drücke auch gerne meine Wertschätzung gegenüber einigen Künstlern aus.

Auch bei UNKLE habe ich mir die Mühe immer wieder gerne gemacht. Das Album “Psyence fiction”, welches meine Affinität zum Output von James Lavelle & Co. begründete, stammt aus dem Jahr 1998. Seitdem werden unter dem Namen “UNKLE” immer wieder hübsch verpackte Alben veröffentlicht, die aber oftmals vor allem durch außergewöhnliche Leistungen im Bereich der Wiederverwertung auffallen. Wikipedia liefert einen guten Überblick über das Output der Band. Wirklich spannend wurden die Songs oft erst durch die Gäste (u. a. Richard Ashcroft, Beastie Boys’ Mike D, Thom Yorke, Josh Homme, Ian Brown). Da Oasis 13 Jahre nach ihrem letzten wirklich großen Wurf “(What's the Story) Morning Glory?” wieder ein gutes Album ausspuckten, werde ich bei UNKLE langsam ungeduldig. Auch die Solowerke des an “Psyence Fiction” beteiligten DJ Shadow konnten mich bislang nicht trösten.

Tatsächlich beeindruck hat mich eigentlich nur noch die Doppel-CD “Edit music for a film”. Dabei handelt es sich um einen DJ Mix (auch davon gab es einige von UNKLE), der u. a. viele aus Soundtracks bekannte Songs auf wirklich unterhaltsame Weise miteinander mixt.

Das letzte tatsächliche UNKLE-Studioalbum stammt aus dem Jahr 2007 und trug den bedeutungsvollen Namen “War stories”. Dieses wurde noch ergänzt um die B-Seiten Compilation “More stories”. Auch das letztjährige Album “End Titles... Stories for Film” wurde von “War stories” inspiriert. Nun folgte noch “End Titles... Redux”.

Das Cover ist hübsch anzusehen (Robert Del Naja von Massive Attack hatte seine Finger im Spiel, auch hier wurde Recycling zelebriert), aber meine Probleme bei der Unterbringung der UNKLE-Alben (die eigentlich nie in einem üblichen Format erscheinen) werden dadurch nicht kleiner.

“End Titles... Redux” lässt einige der schon veröffentlichten Songs und zwei neue Songs im Klassik-Gewand daherkommen. Diese entwickeln teilweise eine düstere oder gar bedrohliche Atmosphäre. Bis auf “Nocturnal (Redux)” müssen alle Songs ohne Gesang auskommen. Richtig fesseln kann mich das nicht, ich erhoffe mir (noch immer) spannendere Sachen von UNKLE. 

ClashMusic.com kann dem Werk anscheinend durchaus etwas abgewinnen:

If ever you dream of visiting the dark side of the moon, sounds from this record are sure to accompany your imaginary adventures – every step in liquid slow-motion, every glittering star above raining its luminescence down like gold dust. Somewhere in space, well, this could all be happening right now…

Das Album ist in diversen Download-Portalen erhältlich. Auf Datenträger findet man es in UNKLE-Store und bei einem in letzter Zeit wieder recht zuverlässigen CD-Versand aus Singapore.

Der Song “Trouble in paradise” findet sich auf UNKLEs Myspace-Seite als Stream.