Bon Iver – Bon Iver

Auf leisen Sohlen sorgte Justin Vernon aka Bon Iver 2008 für viel Aufsehen. In fast allen Jahresbestenlisten war sein in einer isolierten Hütte entstandenes Debütalbum “For Emma, forever ago” zu finden. Ich anerkannte seine Fähigkeit, wunderbare Melodien zu erschaffen und diese wirken zu lassen. Allerdings war mir das Album zu reduziert und die Stimme über die komplette Spielzeit zu weinerlich. Die “Blood bank”-EP zeigte mir, dass Vernon durchaus kein verschrobener Langweiler ist und seine Zusammenarbeit mit Kanye West verleitete mich gar dazu, dessen Album “My beautiful dark twisted fantasy” zu erwerben.

Auf seinem Zweitwerk “Bon Iver” beweist Vernon nun, dass seine Kunst durchaus skalierbar ist und dass seine Melodien und Stimmungen auch komplette Orchester beschäftigten können. Die im Vergleich zum Vorgängeralbum umfangreichere Instrumentierung entschärft die Dominanz von Vernons Gesang und steigert für mein Empfinden die Wirkung der Songs. War “For Emm, forever ago” ein stimmungsvoller 8mm-Film, so bietet “Bon Iver” das Breitwand-Kinoerlebnis. 

In genialen Momenten entstehen so Indiefolk-Songs wie “Tower”, “Calgary” und “Perth”. In guten Momenten kommen zumindest noch akzeptable Coldplay-Songs ("Hinnom, TX") heraus. Doch beim letzten Song "Beth/Rest” geht die Pop-Anbiederung zu weit (Volker, sag bitte nicht, dass Dir der Song gefällt). Selten habe ich einen derart unwürdigen Abschluss für ein ansonsten wundervolles Album gehört. In einer Endlosschleife laden die ersten acht Songs zu einer nicht enden wollenden Reise durch und in Vernons Welt ein. Diese Einladung sollte jeder Fan solider Songwriter-Kunst annehmen.

Die Kritiken zu “Bon Iver” kommen fast durchgängig zu positivsten Urteilen. CDStarts.de gibt sich eher verhalten:

Einen Ohrwurm à la „Skinny Love“ hat „Bon Iver“ indes nicht zu bieten. Allgemein fällt auf, dass das Album mehr von Stimmungen sowie an- und abschwillenden Kompositionen getragen wird als von eingängigen Melodien. Dies führt dazu, dass „Bon Iver“ ein auf emotionaler Ebene zwar sehr berührendes Album geworden, aber in manchen Teilen vielleicht auch nicht besonders einprägsam ist. Zudem kann man über den Sinn von Zwischenspielen wie „Lisbon, OH“ gewiss streiten. Dennoch ist Justin Vernon und seinen Musiker/innen hier ein besonders einfühlsames und berührend trauriges zweites Album gelungen, das mit einigen überwältigenden Momenten und vielfältigen Liedern hervorsticht.

Das Video zum Song “Calgary”:

The Black Lips – Arabia mountain

“Flower-Pop” nennen die Black Lips (der Link gebt zwar nicht viel an Inhalt her, aber das Bild ist einfach sehenswert) ihre Musik. Seit 1999 existiert die Band aus Atlanta, Georgia und “Arabia mountain” ist deren sechstes Album. “Newcomer” kann man sie also wohl kaum nennen und daher sträube ich mich dagegen, die Musik “rotzfrech” zu nennen. Daher ersetzte ich “rotzfrech” einfach durch “trocken”. Trocken rockt sich die Band durch einige Musikgenres und gibt ihnen fast allen die Atmosphäre der 60er Jahre (oder das was ich als Außenstehender mit der Zeit verbinde).

In musikalischen Referenzen ausgedrückt erinnert “Arabia mountain” u. a. an die Hives, Kinks, Weezer, Rolling Stones sowie an Kings Of Leon und die Eels jeweils in deren raueren Momenten.

Erstmals übernahm Mark Ronson die Produzentenrolle für diese Band. Gemeinsam gelang dem Team ein Album, welches trotz oder gerade wegen der grundsätzlichen Rohheit erstaunlich homogen aber nicht langweilig wirkt.

Dazu Plattentests.de:

Alle Produktion wäre nun jedoch null und nichtig, gäbe es da nicht das ausgefeilte Songwriting von Cole Alexander und Co. Angefangen bei Art-Punk in "Modern art" über das bluesige "Don't mess up my baby" und das Rolling-Stones-Gedächtnis-Ständchen "Dumpster dive" bis zum Folk-beeinflussten "Family tree" haben alle 16 Stücke das, was Oliver Kahn "Eier" nennen würde. Hier müsste es heißen: "Eier mit Stil und Charme". Das große Verdienst von Ronson ist darin zu erkennen, dass "Arabia Mountain" anders als die Vorgänger nicht zerfleddert, sondern beflissen und homogen wirkt. Viele Schnörkel wird man hier nicht entdecken, und an Überlänge scheitert das Album auch nicht, da bis auf zwei Stücke keines die Drei-Minuten-Marke überschreitet.

Die frühen Höhepunkte des Album sind für mich die Songs “Modern art” und “Mad dog”. Während mich ähnliche “Retro”-Alben häufig nach wenigen Songs ermüden lassen, weiß “Arabia mountain” durchaus über die gesamte Laufzeit zu unterhalten. Ein empfehlenswertes Album für Genrefreunde.

Ein aktuelles Video fand ich nicht, daher gibt es hier den Song “Bad kids” aus dem Jahr 2007:

Daytrotter hält übrigens dort Aufnahmen einer Session mit der Band bereit

Degrees - Dream On Dreamy

Last time I called it synth pop, but I feel now that they have passed the limits of where I would place them just within the electronica spheres, even if these intruments are still central. It’s grandiose pop with a lot of warmth and melody on this even and strong album. An album which reach a crescendo in the 8 minute long “Idiot Dreaming” and then takes us down to dreamy soundscapes to the finishing track “Dream On Dreamy”.
(meadowmusic.se)

Handsome Furs - Sound Kapital

Industrial music, which began in Eastern European clubs and discos, is often described as abrasive due to the dark, throbbing synthesizers and heavy beats. The Handsome Furs use these characteristics like many contemporary pop musicians: for example, album opener “When I Get Back”, explodes into synth leads that sound like something Ke$ha or Usher would use. “What About Us” escalates the club vibe with the characteristic oonce oonce oonce before developing more complexity with multiple keyboard lines; the result is a more assertive, coherent sound than the Handsome Furs’ earlier albums. This sound reaches a zenith on anthemic “Memories of the Future”, which complements Boeckner’s sinewy voice with staccato arpeggiated beats. The only track that deviates from this formula is “Serve the People”, which comes right in the middle of the album. It starts off with a couple of echoing piano chords and heavy reverb, to the point where you can hear the sound of Boeckner opening his mouth. It’s a serious song, in which the accusation, “You don’t serve the people,” repeats over a slow, militaristic beat.
(consequenceofsound.net)

Twilight Empire - Twilight Empire (EP)

My Morning Jacket - Circuital

Bei der aktuellen Wetterlage fällt die morgendliche Auswahl der Garderobe schwer: Wird es die leichte Sommerjacke, die Regenjacke oder doch ein wärmeres Kleidungsstück? Ähnlich ergeht es mir mit My Morning Jacket: Ich weiß nie, was der Song so bringen wird und was ich davon halten soll. Die Band wandelt auf “Circuital” zwischen Indierock teil monumentaler Ausprägung, poppigen Einschlägen und Folk / Country.

Auf Anhieb fallen mir nicht viele für mich relevante Musiker ein, die aus Kentucky kommen. My Morning Jacket ist eine der Bands, die im “Bluegrass state” beheimatet sind. Obwohl sie bereits seit 1998 fünf Alben veröffentlicht hatte, war mein Interesse bislang gering, weil ich sie unter “bestimmt zu Country-lastig” abgespeichert hatte. Doch dann kam mir einer der vielschichtigen und rockigen Songs zu Ohren und meine Neugier erwachte. Spätestens das unten eingebettete Video zeigt, dass ich mit meiner Vorstellung langweiliger Gitarrenzupfer falsch lag.

My Morning Jackets Frontman Jim James fungiert als Sänger und Songwriter der Band. Glaubt man dem Rolling Stone, gehört er gemeinsam mit den weiteren Gitarristen Carl Broemel zu den “20 New Guitar Gods”. Falls ihre Fähigkeiten an diesem Instrument wirklich besonderes Lob verdienen, setzen Jams und Broemel diese sehr subtil auf “Circuital” ein. Auch hier verweise ich auf das Video, welches einen tieferen Einblick in die Gitarrenarbeit der Band gibt. 

Als besonders eindrücklich empfinde ich den Opener “Victory dance”, den Titelsong, der auch von Bon Ivers aktuellem Werk stammen könnte und das rockige “Holdin’ on to black metal”. Und außerdem fesselt mich das Cover des Albums.

Das Valve Magazine macht noch ein weiteres Highlight aus:

My Morning Jacket haben schon immer grandiose Melodien geschrieben, auf „Circuital“ meistern sie alle hohen Anforderungen teils mit gar simplen Strukturen, die derart eingängig präsentiert werden, dass es vor Begeisterung fast weh tut. Und gerade wenn man sich an eine beschwingende LP gewöhnt zu haben glaubt, tröpfelt diese schier unglaublich bezaubernde Ballade „Wonderful (The Way I feel)“ aus den Boxen.

Ich weiß noch immer nicht so recht, was ich von “Circuital” halten soll, aber Indierock-Fans sollten sich von den Country- und Folk-Passagen nicht abschrecken lassen und Liebhaber der traditionelleren Musikrichtungen können dieser Mixtur bestimmt etwas abgewinnen. Der ein oder andere Richter wird bestimmt auch eine Meinung zu My Morning Jackets aktueller Form haben.

Und wenn ich dieses Live-Video zu “Holdin’ on to black metal” als Indiz werte bin ich mir sicher, dass mir eine Show der Band gefallen würde:

Apparat Organ Quartet - Pólýfónía

Bei aller Ehrfurcht vor den musikalischen Pioniertaten in den 60er und 70er Jahren finde ich den Progrock dieser Zeit meist nur in homöopathischen Dosen erträglich. Das liegt an den unverkennbaren Keyboard- bzw. Synthesizer-Orgien, die jedem später geborenen Hörer einfach peinlich sein müssen. Und dann kommt eine isländische Band um die Ecke, die solche Klänge geschickt in ihr Gesamtwerk einbaut und damit einen ungetrübten Genuss erlaubt. Naive Melodien, Keyboards die Heavy Metal-Gitarren in ihrer Intensität imitieren und Stimmungen zwischen Heiterkeit und Bedrohung reißen während jedes Hördurchgangs mit. Das Debütalbum umschrieb ich vor Jahren mit “Kraftwerk on speed”. Das neueste Album wirkt vielseitiger und wird erst im September offiziell veröffentlicht, obwohl im Heimatland bereits seit letztem Jahr erhältlich ist.

Das Apparat Organ Quartet wurde 1999 gegründet und die aus vier Keyboardern und einem Schlagzeuger bestehende Band bringt es mit “Pólýfónía” erst auf zwei Alben. So nett die grundsätzliche Idee hinter der Musik ist, ein wesentlich größeres Output auf diesem Niveau würde sie wohl nicht erlauben. So freue ich mich alle paar Jahre auf ein wirklich nettes und hörenswertes Album der Band.

Die Band um den künstlerischen Tausendsassa Jóhann Jóhannsson verzichtet zur Erzeugung ihrer Musik auf moderne Computer und Sequencer. Statt dessen setzt sie auf teilweise vor der Verschrottung gerettete Technik. Das Ergebnis klingt nach einer berauschenden Verfolgungsjagd durch mit 8-Bit Technik generierte Weltraumwelten und macht Spaß.

Musikalisch begeistern mich besonders die Songs “Cargo frakt”, “Pentatronik” und “123 Forever”. Des Songtitels an sich wegen muss ich auch noch “Macht parat den Apparat” nennen.

Comrz meint:

Of the nine tracks, there are no duffers or fillers - instrumentation, production and melodies are all great - difficult to fault really, and pretty great for this genre of music, whatever you choose to categorize it as. At time the sound is a little Krautrock, sometimes 8 bit, and sometimes a little Prog Rock.

Hier der Song “Cargo frakt”:

Motopony - Motopony

Diese Bands sollen laut last.fm ähnlich wie Motopony klingen:

• We Are Augustines
• Thieving Irons
• The Quit
• Get People

Ich kenne keine der Bands, fühle mich jedoch an

• die Fleet Foxes
• Radiohead
• TV On The Radio
• José Gonzalez
• und die Eels

erinnert. Ich könnte noch weitere aufzählen, was vor allem auf Daniel Blues vielseitigen Gesang zurückzuführen ist.

Das 2009 gegründete Quartet aus Seattle verbindet auf seinem gleichnamigen Debütalbum “Motopony” Folk mit Trip Hop-Rhythmen und würzt die Mischung mit Indierock. Auf der Website der Band findet sich die u. a. Bezeichnung “hard-soul” und darunter fasse ich die Einflüsse zusammen, die ich nicht zuordnen kann. Im Folkkontext könnten die eben erwähnten Rhythmen sicher deplatziert wirken. Doch auf diesem Album geben sie in friedlich-erquickender Koexistenz Antrieb. Die Band vergleicht es mit dem Kontrast von Natur zu Maschinen sowie der Reise aus Amerikas Südwesten an die nordwestliche Pazifikküste.

Besonders gut gefallen mit der Song “Seer”, der von TV On The Radio stammen könnte, das gefühlvolle “God damn girl”, “27” und vor allem das spannende “Wake up”, welches einen wirklich guten Wecksong abgibt. Zum Einstieg kann ich “King of diamonds” empfehlen.

“In your speakers” empfiehlt das Album mit diesen Worten für die Lautsprecher bzw. Kopfhörer:

I see Motopony as primarily a folk/pop band, but they’re so creatively vibrant that the variety of styles within their music is incredible. Those differences may be out of place on many albums, but not here. The 11 songs on this album don’t get boring, or worse, get crazy.

Hier ein Video einer Radio-Session des Songs “Seer”

und das zum Song “King of diamonds”:

Diesen gibt es in einer Akustik-Version dort als kostenlosen Download und an dieser Stelle wird das gesamte Album als Stream angeboten.

Dream Affair - Endless Days

Shirley Lee - Winter Autumn Summer Spring

Das Album spannt einen Bogen - erzählt eine schon fast anrührende Geschichte. Die des jungen Paares, das von Großbritannien aus aufbricht, um sich in San Francisco zu vermählen. Zeitgleich begibt sich ein dem Pärchen unbekannter Dritter auf eine ähnliche Reise - nur mit dem Ziel seinem Leben an der Golden Gate Bridge ein Ende zu setzen. Es kommt wie es kommen muss, das Pärchen rettet das Laben, indem sie den Unbekannten fragen, ob er ihr Trauzeuge werden möchte. Später sitzen sie beisammen, beim Hochzeitsmahl und erzählen sich Geschichten ihres Lebens und wie diese sie an ebendiesem Tag an ebendiesen Ort führten.
(vinylandmore.de)

Shirley's keen eye for detail in his lyrics and his Jarvis Cocker-esque way of switching his vocal style between singing and narrating is present and correct, while his ear for a good tune with a subtle twist is as sharp as ever. He is one of the best at eeking out beauty from odd and/or mundane situations and 'Winter Autumn Summer Spring' is no exception.

The lounge pop of 'The Coast of Capri' nestling nicely alongside gentle reminisce of 'The Boy in the Picture', while the strummed pop of 'Tamaki Drive' and 'Paris, As You Turned Twenty-Nine' are warm highlights.

Current download only single 'An Old Cricketer (For John Peel)' is a heartfelt homage to the great man pretty much in the shape of a list of all the great music he introduced to his listeners over the years.

These are a mere taster of what rewards this album holds and I strongly recommend that you pencil in a couple of hours in a quiet room to find out for yourselves.
(pennyblackmusic.co.uk)

Miss Li – Beats & Bruises

Schaut man sich Miss Lis Website  an, wird man von dieser Aussage aus dem schwedischen Aftonbladet begrüßt:

”Miss Li is amongst the most delightful things you can imagine ever to hit the swedish music scene in the 21st Century. She sounds like a wild mix of circus-cabaré-balkan-music hall- gypsy pop… Yes there are some quite easy identified influences from Kinks, Kate Bush, Tori Amos…and yet – She sounds like nothing else you have ever heard”

Nun preist eine schwedische Tageszeitung mit diesen Worten die schwedische Sängerin Linda Carlsson an, aber das Land ist bezüglich hörenswerter Musik bekanntlich (siehe auch Michaels Schilderung) kein Entwicklungsland und da Miss Li mit “Beats & bruises” bereits ihr fünftes Studioalbum vorlegt, scheint ja zumindest Substanz vorhanden zu sein. Obwohl ihre Songs schon für diverse TV-Serien (“Lost”, “24”, “Grey's Anatomy” und “Weeds”) und Werbespots (Apple und Volvo) herhalten mussten, scheint die Künstlerin immerhin noch zum verwöhnten Publikum des diesjährigen Haldern Pop-Festivals zu passen. Dort wird sich Miss Li auf auf der Bühne vor dem ein oder anderen Richter verantworten müssen.

Obwohl Miss Li durchaus mit den Elementen einiger Musikgenres spielt, ist “Beats & bruises” ein recht eindeutiges Pop-Album. Doch dank der im Vergleich zur Musik gedämpften Texte und einem gewissen Einfallsreichtum hinsichtlich Instrumentierung und Einsatz der Stimme ist es nicht steril sondern angenehm “organisch”. Natürlich nenne ich nicht Kate Nash als Referenz, um die Fraktion der Nash-Hasser nicht auf den Plan zu rufen.

“You could have it (so much better without me)”, “My man” und “Hit it” sind aktuell die am ehesten von mir angesteuerten Songs auf “Beats & bruises”.

Das Video zu “I can´t get you off my mind”

und das zu “You could have it (so much better without me)”:

Mikroboy - Nennt Es, Wie Ihr Wollt / Eine Frage Der Zeit

Und was hier passiert nennt sich Stillstand.
Und was du verdrängst ist die Angst,
die sich meterhoch stapelt in dir.
Ob nun Pre oder? Post,
einen Toast auf die Menschheit und dich!
Und die Versprechen, die du brichst.
Ach sag wie geht’s dir eigentlich

Principe Valiente - Principe Valiente

Sons & Daughters - Mirror Mirror

Dass Bethel das Mikrophon nicht mehr für sich alleine will, sondern Paterson diverse Leadparts überlässt, reduziert den innig geliebten Sirenenfaktor. Dass seine Stimme jedoch sogar den Turm von Pisa gerade aussehen lässt, sorgt beim rumpelnden "Don't look now", beim irrlichternden Spaßverderber "Breaking fun" und zum elastischen Neumond-Beat von "The beach" für fröhliche Dissonanz. Holpern und Stolpern verschrecken nur vorläufig, gehörten sie doch schon immer zum Bezugsrahmen von Sons And Daughters. Wo alle Welt zackiger Achtelbeats überdrüssig geworden ist, zeigen die Schotten, dass die wahre Schönheit des Postpunk im kantigen, bissigen Lärm lag. "Mirror mirror" grüßt den "Rock lobster".

Die größte Freude machen jedoch weiterhin Bethels Mädchenmomente, die dieses Mal raffinierte Schlagseite aufweisen. Das elegante "The model" formuliert vor blecherner Kulisse eine späte Antwort auf "Boys don't cry". "Do you think she's happy? Really, really happy?" Die quecksilbernen Gitarrenhubschrauber von "Orion" schießen einen in den Abendhimmel. Im synthetischen "Ink free" spielt eine Schreibmaschine den Bolero. Halliges Schrammeln und perlende Gitarrenspiralen helfen sich gegenseitig dabei, den Rockismus von "Rose red" auf Distanz zu halten, der am Ende ganz schön Rabatz macht. Und der "Bee song" sorgt für ein pochendes Mantra des Scheiterns, das in seiner minimalistischen Pracht Thom Yorkes Zuspruch ernten dürfte. Die großen Hymnen haben Sons And Daughters also vor die Tür gesetzt. Die Glasgower haben sich damit abgefunden, nicht mehr zu Scotland's Next Popstars zu werden. Sie haben heute kein Foto für uns. Das wunderbar verzerrte Spiegelbild gefällt sowieso viel besser.
(plattentests.de)

Butcher The Bar - For Each A Future Tethered

(...) denn so leichtfüßig, wie „For Each A Future Tethered“ daherkommt, wirkt der neue Butcher The Bar-Longplayer beinahe, als wäre er an einem lauen Sommerabend geschrieben und eingespielt worden.

Ganz so lässig dürfte es bei der Entstehung des Nachfolgers von „Sleep At Your Own Speed“ allerdings doch nicht zugegangen sein, denn immerhin hat Joel Nicholson diesmal besonderes Augenmerk auf eine ausgefeilte Instrumentierung gelegt: Während früher Gitarre, Banjo und die sanfte, entspannte Stimme des jungen Musikers aus Manchester meist ausreichten, gesellen sich diesmal Trompeten, Klarinetten, Akkordeon und Piano hinzu und geben dem harmonietrunkenen Folk-Pop von Butcher The Bar einen vielschichtigeren, verspielteren Anstrich, der nicht zuletzt an Bands wie Seabear (allein des hervorragenden „Bobby“ wegen) erinnert.

Der einzige kleine Vorwurf, den sich „For Each A Future Tethered“ gefallen lassen muss, ist die fast schon zu einnehmende Liebenswürdigkeit, die dunklere Momente wie das simon-and-garfunkelige „Blood For The Breeze“ ein wenig an den Rand drängt. Aber seis drum: Butcher The Bar ist mit seinem Zweitling ein mehr als überzeugendes Werk gelungen - allein der vollmundige, keine zwei Minuten dauernde „Cradle Song“ ist dabei schon schön genug, um die komplette Besucherschar des Haldern Pop sanft in den Schlaf zu singen.
(roteraupe.de)

Lamb - 5

Bereits vor 15 Jahren gründeten Lou Rhodes und Andy Barlow die Band Lamb. Auf dem gleichnamigen Debüt fanden sich der relativ erfolgreiche Song “Gorecki” und mit “Merge” eines der tollsten Instrumentals überhaupt. Nach vier Alben stellten die beiden Musiker im Jahr 2004 fest, dass sie als Band zu diesem Zeitpunkt weder künstlerisch noch in Bezug auf ihren Einfluss in den engen Grenzen eines Majorvertrages genug zu sagen hätten. Daher zogen sie einen Schlussstrich und auf Solopfaden los.

Obwohl die beiden in oder in der Nähe von Manchester leben, würde man sie wegen der prägenden Trip Hop-Rhythmen musikalisch eher in Bristol vermuten. Diese zum Teil beschleunigt in Drum and Bass-Regionen verbindet die Band mit vor allem durch Rhodes verkörperter Singer-/ Songwriterkunst, die an einigen Stellen auch stimmlich an Tori Amos erinnert. In dieser Schnittmenge manövriert die Band souverän und schüttelt die ein oder andere musikalische Schönheit aus dem Ärmel. Besonders gut gefielen mir Lamb in der Vergangenheit, wenn sie düstere Atmosphären ausloteten. Auf dem aktuellen Werk “5” erklimmen sie in dieser Richtung keine neuen Höhen bzw. Tiefen. Dafür beweisen sie, dass schleppende Rhythmen die Wirkung starker Singer-/Songwritersongs steigern können.

Besonders empfehlen muss ich die Songs “Butterfly effect”, “Wise enough” und “She walks”. Und dann gibt es da noch “Back to beginning”, ein intensives Duett mit Damien Rice, welches als Bonustrack auf “5” getarnt wurde, weil es sich nicht in die Reihenfolge der Titel einpassen wollte.

Sonic Seducer:

Stilistisch schließt das Album sowohl an die zugänglicheren Werke wie „What Sound“ und „Between Darkness And Wonder“ an, unternimmt aber immer wieder Ausflüge zu den Anfangstagen, als Drum’n’Bass-Elemente noch stärker im Vordergrund standen. „Strong The Root“ oder „Butterfly Effect“ sind typische Lamb-Songs, die mit allem aufwarten, was man an den Briten liebt: intelligente Rhythmen, komplexe Elektronik und fette Sounds, auf denen Lou Rhodes’ charakteristische Stimme treibt.

Das Video zu “Another language”:

Und hier der ältere Song “Transfatty acid” in der Version vom ebenfalls 2011 erschienenen Live-Album “Live at KoKo” :

Wer die bewegten Bilder dazu sehen möchte, kann und sollte dies dort tun.

Auf der Website der Band werden die Songs auszugsweise als Stream bereitgestellt.

Scott Matthew - Gallantry's Favorite Son

eine beschwingte note, wie sie in "felicity", "devil's onyl child" oder "the wonder of falling in love" auftaucht, fand man bisher selten. doch wer wollte ihm nicht die versöhnung mit dem leben und der liebe gönnen?
wie matthew ins jubilieren, gar ins trällern gerät, macht staunen und gerät ihm doch so beglückend unbeschwert, dass auch hier die anteilnahme zu einer leichtigkeit gerät.

doch schließlich holen uns songs wie "black bird", "true sting" oder "buried alive" wieder zurück auf die ehedem matthewsche einbahnstraße. die worte sind klar, die lyrik ohne wagnis, das bekenntnis, das unverständnis, die beteuerung sind teilbar. die transportierende musik ist frei von abenteuern und doch mehr als nur ein treu ergebenes mittel zum zweck. scott nutzt die ukukele nur noch bei vier liedern, verlässt sich auf seine mitstreiter, die mit pianotupfern, cellowärme, violinesegen und harfenmustern sowie perkussiver standhaftigkeit und gitarren- und bass- läufen für die notwendige befriedung sorgen.

bei aller unsicherheit ob des neuen scott matthews entsteht vielleicht nun eine art verschworenheit, während man zuvor doch immer etwas frierend vor der tür, unentschlossen stehen blieb. die wucht der gefühle war zu immens, als dass man sich auch eingeladen fühlen konnte.
"gallantry's favorite son" ist ein schönes album geworden. es enthält großartige songs, die für sich stehend brillieren. in der gesamtheit erreichen sie nicht die spürbar, bedrückende enge, letztlich nicht das niveau der vorgängeralben.
(das klienicum)

King Oliver’s Revolver - Gospel of the jazz man's church

Wenn sich einige Mitglieder einer Tangoband mit einer Bläserfraktion zusammentun bedarf es als Schmiermittel nur noch eines charismatischen Sängers und einiger weiterer Musikverrückter, um eines der buntesten Alben des Jahres zu fabrizieren. Und mit “bunt” meine ich nicht nur das ansprechend abstoßende Cover.

King Oliver's Revolver ist eine schwedische Band. Für deren Debüt “Gospel of the jazz man’s church” wurden neben den acht Bandmitgliedern noch ca. ein Dutzend weiterer Musiker angeheuert, um 14 beschwingte Songs einzuspielen. Das klingt mal nach Gipsy / Balkandisco, Filmmusik, Indiefolk, Swing, Polka und gesanglich ab und zu nach “Michael Bublé in cool”.

Es ist nicht einfach, das Gesamtkunstwerk zu beschreiben. Ich greife auf Worte aus der Pressemitteilung zurück:

Das Stockholmer Oktett berauscht mit einem wilden Soundtrack voll zeichentrickartiger Ideen und einer lyrischen Bandbreite vom Alten Testament bis hin zu den Opiumhöhlen in Shanghai.

Texte in Songs sind mir meist egal. Doch im Falle von King Oliver’s Revolver dienen sie mir als Indikator: Obwohl man wegen der vielen und vielseitigen Instrumente und der zahlreichen Ideen und Stile ein überladenes Werk erwarten könnte, ist noch genug Raum für den stilsicheren und beeindruckenden Gesang und Textzeilen, die immer wieder erfolgreich um die Aufmerksamkeit des Hörers werben. Meine Lieblingstextzeile auf dem Album ist eindeutig “we all sleep to close to our ancestor’s graves”.

Diese stammt aus dem Song “The absence of love”. Neben diesem gefallen mir “Why did you go”, “On the day of reckoning” und “Bel tambouyé” besonders gut.

“Gospel of the jazz man’s church” ist nicht nur ein Ersatz für nicht besuchte Sonntagsgottesdienste sondern auch ein wirklich beschwingt-spaßiges Album für alle, die ab und zu etwas Abwechslung in ihren Hörgewohnheiten suchen.

Ein offizielles Video kann ich nicht bieten aber einen Clip, der zumindest einen Eindruck der Band vermittelt, wenn auch nur mit “Aushilfssänger” und unter erschwerten Bedingungen:

Auf der Bandcamp-Seite gibt es das gesamte Album in gewohnter Aufnahmequalität als Stream oder auch zum Download.

The Gift - Explode

Explode opens with the synth driven 'Let It Be by Me'. A repeating lyric starts in unison and slowly bursts apart into an explosion of pieces that sounds a bit like competing stereos playing different songs in a single room. The track 'My Sun', with harp and gang vocals, sounds like it could have come from The Polyphonic Spree, where as 'Race is Long' has elements (driving bass and epic piano) reminiscent of Muse.

The third track off Explode 'RGB' really digs into the "arena rock", super slick production that comes naturally to them (and their producer Ken Nelson (Cold Play)). This sound is familiar and well executed but often goes too far into the super dramatic. 'Suit Full of Colours' and 'Aquatic', would serve a latin drama well. The twelve minute epic 'The Singles' starts off almost MGMT 'esque but then veers off into "prog rock" that ultimately leaves something to be desired.

If the American market is something The Gift are courting then Explode is successful in garnering positive attention. Perhaps they don't want to alienate their fan base but short of committing completely they may be more popular in the "world music" section then on regular rotation on the radio. 'Made For You' is a top notch track and they have clearly been listening to their own advice "This time you're not alone/ Get rid of old ideals/ Do something on your own/ Don't care about the things you are listening to" and we are all richer for it.
(tastyears.blogspot.com)

WU LYF - Go Tell Fire To The Mountain

Die aber gleichzeitig die sensationellste Musik des neuen Jahres schreiben – eine so kaum zuvor gehörte Mixtur aus Pop und Underground, aus Hip-Hop-Vorlieben und Einmanngospelinszenierung. Die, kurz, Heavy Pop spielen.

Denn als Ansage bringen die Mancunians gleich noch dank ihres ersten youtube-Videos das Genre mit, dessen Schublade sie sich selbst gezimmert haben. „Heavy Pop“ also. Als hätte jemand aus 100 Meter Entfernung unter Wasser eine Band aufgenommen, die Prince’ „Nothing Compares 2 U“ covert und dabei den jungen Tom Waits als Sänger an Sinead O Connors statt ins „Studio“ zerrte. Dann: „Such A Sad Puppy Dog“, zwei Minuten Einmanngospel bis ohne Vorwarnung 2Pac mit „Shorty Wanna Be A Thug“ das Lied in Geiselhaft nimmt. WTF? WU LYF!
(taz.de)

Dabei kommt es einem immer so vor als hätten Our Brother The Native gemeinsam mit Explosions In The Sky ein Album aufgenommen. Von erst genannten der schmerzerfüllte Gesang und von letzteren die glitzernden Gitarren mit viel Delay, Chorus und etwas Flanger. Ein Bild, dass sich wie synkopiert seinen Weg als „Cave Song“ hin zum „Heavy Pop“ bahnt. Ein bisschen dem Wahn verfallen erklingt zur ausgefeilten Rotzigkeit dann auch noch die Orgel wie zum Beispiel in „Such A Sad Puppy Dog“ wie zum zynischen Auftakt traurigen Flehens. Doch bewegen sich WU Lyf damit nicht zwangsläufig im Bereich der sakralen Niedergeschlagenheit. Sie verstehen es sehr gut ihre verbittert wirkende Indie- und Post Rock-Klangdimension, die sie aufstoßen („Dirt“), mit einer geifernden Poppigkeit zu vermengen. „Spitting Blood“ erscheint da mit seinem anstochernden Rhythmus schon wie losgelöst von all dem Ernst und zermarterten Pein. Und das folgende „Concrete Gold“ wie ein unmerklicher Ruhepol, zwischen den scharfzüngigen Auswüchsen.

Es lässt sich aber generell sagen, dass das gesamte Ende von „Go Tell Fire To The Mountain“ die Band deutlicher rasten lässt als alles zuvor Gehörte. Und damit soll nicht gesagt werden, dass die erste Hälfte des Albums stürmisches Auf-die-Fresse, sondern mürrisch-geladene Indie-Rockigkeit ist, die gar nicht erst versucht durch extreme Radikalität aufzufallen. Das Lauffeuer haben Wu Lyf gelegt, jetzt liegt es an uns sich einen Weg aus diesen dichten aber verlockend bitteren Unzugänglichkeiten zu suchen.
(crazewire.de)

Locas In Love - Lemming