01. Elbow - The Take Off And Landing Of Everything (8,583)

02. King Creosote - From Scotland With Love (8,167)

03. Hundreds - Aftermath (8,167)

04. alt-J - This Is All Yours (8,125)

05. Jordan Klassen - Repentance (8,000)

06. Damien Rice - My Favourite Faded Fantasy (8,000)

07. Wooden Arms - Tide (8,000)























08. The Notwist - Close To The Glass (7,875)

09. The Twilight Sad - Nobody Wants To Be Here And Nobody Wants To Leave (7,875)

10. The Foreign Resort - New Frontiers (7,833)

11. Ceremony - Distance (7,833)

12. Spaceman Spiff - Endlich nichts (7,821)

13. Honig - It's Not A Hummingbird, It's Your Father's Ghost (7,800)

14. The Echo Friendly - Echo Panic (7,750)

15. Alcest - Shelter (7,700)

16. Fear Of Men - Loom (7,700)

17. Morrissey - World Peace Is None Of Your Business (7,667)























18. Tom Hickox - War, Peace And Diplomacy (7,667)























19. Desperate Journalist - Desperate Journalist (7,667)

19. Tori Amos - Unrepentant Geraldines (7,667)

Wie man es schon nach Betrachten der Noten erahnen konnte, sieht meine

Liste wieder komplett anders aus, wobei ich zumindest mit meinem Album

des Jahres den Konsens erfülle.

Ansonsten habe ich 2014 die 70er Jahre Rock-Gitarren, inklusive Proganleihen,

entdeckt, ein gewisses 90er Jahre Britpop Revival erlebt, einige elektronisch

angehauchte Alben auf dem Plattenteller gehabt und wieder, leider nicht

konsensfähigem, großartigem Girl(ie)-Pop gehuldigt.

01. Elbow – The Take Off And Landing Of Everything

02. Foo Fighters - Sonic Highways

03. The Felice Brothers - Favorite Waitress

04. Sia - 100 Forms Of Fear

05. Inspiral Carpets - Inspiral Carpets

06. The/Das - Freezer

07. Stu Larsen – Vagabond

08. RPWL - Wanted

09. Ja, Panik – Libertatia

10. Slow Club - Complete Surrender

11. Damien Rice - My Favourite Faded Fantasy

12. The Pierces - Creation

13. Passenger - Whispers

14. Prince & 3rdEyegirl - Plectrumelectrum

15. Irma - Faces

16. Desiree Klaeukens - Wenn Die Nacht Den Tag Verdeckt

17. Woman's Hour - Conversations

18. Billy Idol - Kings And Queens Of The Underground

19. Beatrice Eli - Die Another Day

20. The Rifles - None The Wiser

21. Röyksopp - The Inevitable End

22. Broken Bells - After The Disco

23. Temples - Sun Structures

24. Spaceman Spiff - Endlich Nichts

25. Flying Colors - Second Nature

26. Allo Darlin' - We Come From The Same Place

27. Lo-Fang - Blue Film

28. Embrace - Embrace

29. Strand Of Oaks - Heal

30. Kelis - Food

Dass mal eine (ehemalige?) Black Metal-Band aus Frankreich mein Album des Jahres stellen würde, hätte ich vor ein paar Monaten auch noch nicht gedacht. Aber Shelter ist mit Abstand das beste Shoegaze-Album seit langer Zeit. Auf den Plätzen folgen kitschiger Synth-Pop und zurückgenommene Elektronik, sowie genreübergreifende Filmmusik und Weilheimer Indietronic.



1. Alcest - Shelter
2. Electric Youth - Innerworld
3. The Acid - Liminal
4. Archive - Axiom
5. The Notwist - Close To The Glass
6. Jordan Klassen - Repentance
7. Wooden Arms - Tide
8. Musée Mecanique - From Shores Of Sleep
9. Elbow - The Take Off And Landing Of Everything
10. Owen Pallett - In Conflict

11. Mogwai - Music Industry 3. Fitness Industry 1. EP
12. The Twilight Sad - Nobody Wants To Be Here & Nobody Wants To Leave
13. Desperate Journalist - Desperate Journalist
14. Mode Moderne - Occult Delight
15. Interpol - El Pintor
16. Andrea Schröder - Where The Wild Oceans End
17. Otto A Totland – Pinô
18. Swans – To Be Kind
19. The Foreign Resort - New Frontiers
20. Caribou – Our Love

21. Cloud Boat - Model Of You
22. Pixies - Indie Cindy
23. The Rural Alberta Advantage - Mended With Gold
24. The Pains Of Being Pure At Heart - Days Of Abandon
25. alt-J - This Is All Yours
26. Einar Stray Orchestra - Politricks
27. Sharon Van Etten - Are We There
28. Honig - It's Not A Hummingbird, It's Your Father's Ghost
29. Morrissey - World Peace Is None Of Your Business
30. The Raveonettes - Pe'ahi


Anhören kann man sich einzelne Songs daraus hier:

Golden Circle 2014/ Part 1/ Albums from olly_golightly on 8tracks Radio.

Und wer sich darüber hinaus noch für meine Lieblingssongs des Jahres interessiert - voilà:

Golden Circle 2014/ Part 2/ Songs from olly_golightly on 8tracks Radio.

Für mich stach dieses Jahr kein Album richtig deutlich hervor, so dass die ersten fünf Plätze auch in anderer Reihenfolge hier hätten stehen können. Je nachdem welche dieser Platten gerade lief, war ich mir sicher das beste Album des Jahres gehört zu haben. Also, das sind meine 30 Lieblingsalben 2014:

01. King Creosote - From Scotland With Love
02. Hello Saferide - The Fox, The Hunter And Hello Saferide
03. The Notwist - Close To The Glass
04. Tom Hickox - War, Peace And Diplomacy
05. Elbow - The Take Off And Landing Of Everything
06. Hundreds - Aftermath
07. Pete Fij & Terry Bickers - Broken Heart Surgery
08. Low Roar - O
09. Jordan Klassen - Repentance
10. You Walk Through Walls - You Walk Through Walls

11. Morrissey - World Peace Is None Of Your Business
12. Solander - Monochrome Memories
13. Fear Of Men - Loom
14. Alt-J - This Is All Yours
15. Spaceman Spiff - Endlich nichts
16. Jonah's Onelinedrawing - You And Me Are Two
17. The Raveonettes - Pe'ahi
18. Honig - It's Not A Hummingbird, It's Your Father's Ghost
19. Damien Rice - My Favourite Faded Fantasy
20. The Hidden Cameras - Age

21. Dillon - The Unknown
22. SixToes - The Morning After
23. Maximo Park - Too Much Information
24. The Pains Of Being Pure At Heart - Days Of Abandon
25. Wooden Arms - Tide
26. Baxter Dury - It's A Pleasure
27. Musée Mécanique - From Shores Of Sleep
28. The Do - Shake Shook Shaken
29. Math And Physics Club - Our Hearts Beat Out Loud
30. Letting Up Despite Great Faults - Neon

Soviele Richter, soviele Meinungen. Hier meine Sicht auf das Musikjahr 2014.

 

1. The Twilight Sad - Nobody wants to be here and nobody wants to leave; die Schotten veröffentlichten 2014 ihr bislang stärkstes Album und für mich das Album des Jahres 2014.
2. Wild Beasts - Present tense; es begann zufällig, aber "Present tense" wurde das von mir meistgehörte Album 2014. Und es erfreut mich weiterhin bei jedem Durchlauf. Irgendwo fand ich "Art Pop" als Genre Bezeichnung. Passt.
3. Elbow - The take off and landing of everything; Elbow kämpfte sich langsam aber stetig and die Spitze. Es ist beeindruckend, welches hohe Niveau diese Band nun schon über Jahre hält.
4. Hidden Cameras - Age
5. TV On The Radio - Seeds
6. We Were Promised Jetpacks - Unravelling
7. ALT-J - This is all yours
8. St. Vincent - St. Vincent
9. The Afghan Whigs - Do the beast
10. Eels - The cautionary tales of Mark Oliver Everett
11. Tori Amos - Unrepentant geraldines
12. Caribou - Our love
13. My Brightest Diamond - This is my hand
14. Angus & Julia Stone - Angus & Julia Stine
15. Orenda Fink - Blue dream
16. Sharon Van Etten - Are we there
17. First Aid Kit - Stay gold
18. Interpol - El pintor
19. Honig - It's not a hummingbird, it's your father's ghost
20. Morrissey - World peace is none of your business
21. Notwist - Close to the glass
22. Shellac - Dude incredible
23. Asgeir - In the silence
24. Broken Bells - After the disco
25. William Fitzsimmons - Lions
26. Kaiser Chiefs - Education, education, education and war
27. Esben And The Witch - A new nature
28. Erland And The Carnival - Closing time
29. Luke Haines - New York in the 70'ies
30. Weeping Willows - The time has come

Ich kann nicht behaupten, dass das aktuelle The War On Drugs Album “Lost in the dream” komplett unbemerkt an mir vorüberzog. Doch die Referenzen “Bruce Springsteen” und “Bob Dylan” schreckten mich einfach ab. 

Als ich mich mit diversen “Bestenlisten” befasst, stolperte ich aber immer wieder über dieses dritte Album der Band aus Philadelphia, PA. Für Spitzenpositionen oder zumindest Top 10 Plätze reichte es z. B. beim Q Magazine, Guardian, BBC Radio 6, Stereogum, NME und in unzähligen mehr. Offensichtlich kann man sich sowohl auf den britischen Inseln als auch im Heimatland der Band für “Lost in the dream” begeistern.

The War On Drugs wurde 2005 gegründet. Anfangs war noch Kurt Vile mit von der Partie, doch nach Veröffentlichung des Debüts “Wagonwheel Blues” begab er sich auf Solopfade. Mit den Musikern um Mastermind Adam Granduciel blieb eine offensichtlich funktionierende Band zurück, die seitdem zwei weitere Alben veröffentlichte. Und nebenbei unterstützten Granduciel und Bassist David Hartley Sharon Van Etten auf ihrem starken “Are we there”.

Ist das aktuelle Album “Lost in the dream” nun aufgefrischter Rock/Americana oder Indierock mit Vorliebe für einige alten Helden? Es könnte so wunderschön sein, klänge es nicht ab und zu eben zu sehr nach Bruce Springsteen oder Bob Dylan. “Lost in the dream” ist ein tolles und zeitloses Album. Aber für mich ist es nicht das Album des Jahres 2014, denn dafür klingt es zu sehr nach den letzten Jahrzehnten. 

Plattentests.de nimmt das der Band nicht übel:

The War On Drugs haben hier nicht nur ein Album geschaffen, das den Hörer an frühere Momente erinnern lässt, wofür schon die beiden Vorgänger wie geschaffen waren. Nein, mit "Lost in the dream" lässt sich eine Zukunft vor Augen führen und noch kommende Augenblicke herbeisehnen, die man jetzt noch nicht kennt, aber an die man sich schon bald gern erinnern wird. Zumindest mit etwas Glück.

Der NME sieht gar eine Parallele zu Bon Iver:

It’s no surprise that The War On Drugs’ indie distributor, Secretly Canadian, is part of the same label group as Jagjaguwar, home to Bon Iver. Like Justin Vernon before him, with ‘Lost In The Dream’ Adam Granduciel seems to be heading for things far bigger than anyone could ever have expected. This is one War On Drugs that might just succeed.

“An ocean in between the waves”:

Andy Burrows war Schlagzeuger bei Razorlight und solo unter eigenem Namen und als I Am Arrows unterwegs. Außerdem veröffentlichte er mit Tom Smith von den Editors “Funny looking angels”. Ach ja, für den Soundtrack zu “The Snowman & the Snowdog” ist er auch verantwortlich. Und er agierte als Schlagzeuger der We Are Scientists. Irgendwie ist Andy Burrows ein “ach ja” Musiker. Und so klingt auch sein aktuelles Album “Fall together again”. 

Andy Burrows setzt die Razorlight Tradition fort: Nette und stellenweise unausweichlich schmeichelnde Melodien sorgen für Songs mit Wiedererkennungswert aber ohne nachhaltigen Tiefgang. Wie bereits beim Vorgängeralbum “Company” setzt Burrows auf recht reinen Pop. Auch “Fall together again” wird ihm nicht den großen Erfolg und auch kaum Aufmerksamkeit außerhalb seiner Heimatinsel bringen, aber es zeigt, dass er nun wirklich mehr kann als nur “trommeln”. 

Während der ersten Durchläufe erkannte ich bei “Derwen”, “All this I’vs heared before”, “Who are you now” und “Hearts and minds” den größten Wiedererkennungswert. Ach ja, bei “Watch me fall again” darf auch wieder Tom Smith unterstützen. 

Allthingsloud.com:

If Fall Together Again has proven anything, it’s that Burrows is certainly capable of releasing a coherent yet simple album. It may lean heavily towards singer-songwriter territory at times, but the songs themselves have enough substance to make them memorable. Standout track Watch Me Fall Again stands out head and shoulders above the rest of the album, yet that doesn’t take away from the fact that the whole album is impressive.

“As good as gone”:

Ich bin etwas enttäuscht von den Vorschlagsfunktionen der einschlägigen Musikportale. Es ist keine Auszeichnung für diese oder für das aktuelle Plattenlabel, dass ich über das aktuelle Lamb-Album “Backspace unwind” erst einige Wochen nach Erscheinungstermin von einem Kollegen informiert werden musste. 

Die 1996 von Lou Rhodes und Andy Barlow in Manchester gegründete Band veröffentlichte 2011 ihr Comeback-Album “5”. Dieses bot noch einige Verweise an die Trip Hop Vergangenheit des Duos und Singer/Songwriter Ausflügen wurde viel Platz eingeräumt. 

Auf dem sechsten Album erfindet sich Lamb nun aber ein Stück weit neu. Selten (abgesehen vom Remix Album “Lamb Remixed”) klangen Rhodes und Barlow gemeinsam so elektronisch. Die subtilen Trip Hop Rhythmen weichen weitgehend wuchtigen Bässen. Vielleicht benötigt das Publikum die Message mit dem Dampfhammer und die poppigen Momente, um Lambs Brillanz zu erkennen. Aber einige der Lamb-Qualitäten treten dabei bescheiden in den Hintergrund.

“Backspace unwind” ist ein gutes Album, aber kein Lamb Meilenstein. 

Besonders gefallen mir auf “Backspace unwind” der Titelsong, “As satellites go by”, “Shines like this”, “What makes us human” und “Seven sails”. Die beiden Abschlusstitel sind mir einen Tick zu ruhig geraten. 

Laut.de:

Lamb klingen auch 20 Jahre nach ihrer Gründung noch immer erfrischend. Trip Hop mag zwar nicht mehr der neueste Schrei sein, doch Rhodes und Barlow ist es gelungen, mit ihrem sechsten Album an ihre besten Momente anzuknüpfen.

music OMH:

The masterful production of the record really brings the album into its own. It does exactly as it needs to do, creating enough atmosphere to get the message across, but without overdoing it. There is still ambition in the music, and evidently a clear vision of how they wanted this album to come across. It touches the heart, has a fire and makes you relax as Lamb transport you to a parallel universe where troubles evaporate.

Ein inoffizielles Video zum Titelsong:

Nils Petter Molvaer ist ein begnadeter Trompeter. Alleine damit könnte er mich aber nicht beeindrucken. 1997 erschuf er mit “Khmer” ein grandioses Album. Mit seiner Mischung aus Jazz und Electro schuf 1997 in Form des Albums “Khmer” einen Meilenstein, den er bislang nicht toppen konnte. Für Abwechslung sorgt der Norweger, weil er sein Instrument in verschiedenen Kontexten einsetzt. Mal sehr elektronisch, mal rockig, in Remix-Versionen und in verschiedensten Kollaboration. In den letzten Jahren fielen da vor allem “1/1”, das mit Moritz von Oswald eingespielte Album sowie “Baboon moon” auf. Letzteres überzeugt ich vor allem wegen Stian Westerhus’ packender Gitarrenbeiträge. 

“Switch” erschien bereits im Frühjahr 2014. Nils Petter Molvaer Alben muss ich immer etwas Zeit geben und davon hielten mich viele andere Veröffentlichungen ab. Stian Westhus war nicht an den Aufnahmen beteiligt, aber statt dessen mit Geir Sundstol ein Musiker an der Pedal Steel Gitarre. Diese verleiht einigen der Songs auf “Switch” einen Country Touch. Ansonsten leisten der Madrugada Schlagzeuger Erland Dahlen sowie Morten Qvenild und Jon Marius Aareskjold überzeugende Arbeit in der Electro-/Ambient Abteilung. “Switch” hatte gute Chance, in meinem musikalischen Jahresendspurt unterzugehen. “Khmer” und “Baboon moon” kann es in seiner Wirkung nicht erreichen, aber es ist 2014 ein einzigartiges Album und eine mehr als nur nette Abwechslung. 

“The kit”, “Strange pillows” und “Bathroom” gefallen mir auf “Switch” am besten, da sie vor Energie und Spannung glühen. Wer die ruhigeren Momente sucht, sollte sich an die vier “Intrusion” Titel halten. 

Plattentests.de:

Sicher hat Molvær mit "Switch" den Jazz nicht neu erfunden – diesen Job hatte er schon mit seinem Debüt "Khmer" abgehakt. Wie er aber bis heute seinen eigenen Kosmos beständig weiterentwickelt, ihm neue Farben beimischt und so den Stillstand partout negiert, ist bewundernswert. Das gilt auch für sein Spiel, das bei allem Lob über den brillanten Sound seiner Platten oft sträflich vernachlässigt wird. Molvær hat einen eigenen, unverkennbaren Ton, und seine Gabe, zielsicher träumersiche Melodien aus der Luft zu angeln, ist einzigartig. 

Der Titelsong:

"Semper eadem" lautet das Motto von The Hit Parade und so veröffentlicht das Trio seit 1984 unregelmäßig Singles (13) und Alben (6), die ihrem Stil zwischen Indiepop, Twee und C86 treu bleiben. 

Die ganz große Karriere haben die Schulfreunde Raymond Watts, Matthew Moffatt und Julian Henry dabei nicht mehr im Sinn, den The Hit Parade betreiben sie nur neben ihren eigentlichen Berufen. Dabei dürften die 14 "Cornish Pop Songs" zumindest Fans von The Lucksmiths, Sammlern von Sarah Records Platten und Besuchern des Indietracks Festivals ein Lächeln ins Gesicht zaubern. 

Cath Carroll unterstützt das Trio auf drei Songs gesanglich, Ian Catt von Saint Etienne nahm den zeitlosen Indiepop auf und warum es sich auf der Platte um Cornwall dreht, fasst Julian Henry so zusammen: "I'm sick of people glamorising cities like New York and Paris, Cornwall is as far away from London as it's possible to get, and that's why I love it".

This move doesn’t quite see the self-styled “London's No.1 Pop Group” turn into “Cornwall’s No.1 Pop Group” but the Cornish milieu dominates proceedings. There’s even - gasp! - biting social commentary on The Ghost of the Fishing Fleet.

Did someone say concept album? How wrong they were. This is very much a Hit Parade album, so it’s songs about girls and being a bit of a loser in love. Old musical themes are revisited: Spector piano on From Paddington to Penzance, fist-pumpin’ punk pop on Treen Girl, pocketbook electropop on See You At The Seaside, gurlie dickweed indie on Zennor Mermaid.

So business as usual, then. Only instead of getting dumped in London’s leafy western suburbs, it will come as no surprise when our hero Julian Henry advises us that the “girl from Penzance/kicks me in the pants”.
(Did not Chart)

Cornish Pop Songs is a glorious collection of melodic, memorable guitar-based tunes which harks back to the sweet sha-la-la of the indie years but packs a 21st century production punch, all topped by Julian's eager schoolboy-like vocals. You'd never guess he's 55. (...)

Highlights include the quite beautiful Zennor Mermaid (a cousin to Blur's To The End) and the Undertones-like power pop of Treen Girl. It's the perfect summer soundtrack and a brilliant, cohesive album with or without the Cornish connection.
(West Briton)

Das 2010er Album "Why Dawn Is Called Mourning" und ein Auftritt im Vorprogramm von den Shout Out Louds ließen mich Nervous Nellie in die nicht allzu häufig von mir geöffneten Schublade "folkiger Rock mit nasal-nervigem Gesang" stecken.

Jedoch hat das schwedische Quartett sich für den Nachfolger "Where The Nightmare Gets In" reichlich Zeit gelassen und präsentiert darauf 10 Songs, die abwechslungsreicher, tanzbarer, experimentierfreudiger und psychdelischer geraten sind. So hat "You're So Sad" einerseits Streicher, Glockenspiel und Akkordeon zu bieten und ist andererseits ein Duett mit der Sängerin und Schauspielerin Paloma Faith, am Ende von "Eaten By Bears" erklingen Flötentöne, Bläser werten "The Violence" oder "Dead Dirt" auf und das elektronische "Gloves" strebt auf die Tanzflächen und ist vielleicht das, was die Stars auf ihrem letzten Album versucht, aber nicht geschafft haben. Das Gleiche könnte man übrigens auch über das groovende "Skeletons" und die letzten Alben der Infadels sagen. 

Nervend-nasaler Gesang? Fehlanzeige. Das gleiche Resultat erhält man übrigens als Antwort auf die Frage nach Ausfällen oder Füllern. "When Nightmares Gets In" ist ein durchgängig gelungenes Album, das Indierock und Synthieklänge kombiniert und in den letzten Monaten zunächst als EP-Trilogie erschienen war und nun als vollständiges Album veröffentlicht wurde. Eine gute Entscheidung! Genau wie die, dass ich diese Schublade noch einmal aufgezogen und die runderneuerten Nervous Nellie neu entdeckt haben! 

     

Es ist ein lustvolles Stöbern und Stochern in akustischen Traditionen, ein halb intellektuelles, halb intuitives Arrangieren von kanonisierten Versatzstücken, die sauber aus dem historischen Kontext herausgearbeitet und neu interpretiert werden. Und genau in dieser übergreifenden Strategie offenbaren NERVOUS NELLIE ihre Klasse. Denn selbst wenn das Gesamtbild manchmal etwas verworren bleibt, gewährt “Where The Nightmare Gets In” einen flüchtigen Eindruck davon, wie gute Musik im noch ungefestigten neuen Jahrtausend klingen könnte – eklektisch, ekstatisch, elegant.

Am Ende hinterlässt “Where The Nightmare Gets In” einen harmonischen Eindruck. Die Band schafft Atmosphäre mit einem Hauch von Mystik. Dabei setzt man ganz auf Minimalismus, der hypnotisiert und fasziniert. Die Musikwelt wird von diesem Beben wohl noch sehr lange etwas spüren. “Where The Nightmare Gets In” erzeugt eine fesselnde Leere, in die man sich immer und immer wieder fallen lassen will – am besten in der U-Bahn, auf dem Weg zum nächsten Glühweinstand, während man sich zwischen den warmen Winterjacken versteckt und die Platte schluchzend ins Herz schließt.
(Terrorverlag)

(....) Besagter Bonus-Track ist “No Sound”, ein treibender Song mit semi-elektronischem Unterbau, der ein wenig an LCD Soundsystem erinnert, dabei aber die typisch schwedische Indie-Schule durchläuft – ein Kickstarter, der ebenso einen pulsierenden Abschluss zu einer hochgradig abwechslungsreichen Platte darstellt. Gleichzeitig wäre es aber auch schwer “Beacons” als Opener ‘abzusetzen’ mit dem feinsinnigen Wave-Rock-Sound, der in seiner nachdenklichen Grundstimmung ein wenig an Arcade Fire erinnert. Gerade Henrik Jonzons lakonische Darbietung in den Strophen rückt die Schweden ganz nahe an Kanada dran.
Und dann ist da noch der leicht kratzige, verwundbare weibliche Gesang in “You’re So Sad”. Der relativ typisch skandinavische Folk-Popper wird aber nicht von irgendeinem lokalen Stimmchen unterstützt, sondern vom exzentrischen britischen Soul-Wunder Paloma Faith – eine Überraschung, denn so fragil und zurückhaltend kennt man die Dame mit dem extravaganten Modegeschmack gar nicht. Im Alleingang punkten Nervous Nellie aber ebenso. Das schwerfällige “Gloves” mit seinem Zuckerguss-Überzug, das stoische “The Violence” mit Rock-Dynamik und das zittrige “Skeletons” zählen zu den weiteren Highlights.
(beatblogger)

Seit einigen Jahren pflegt einer unserer Richter die schöne Tradition auch die gesammelten Urteile von anderen Gerichtshöfen zusammenzutragen. Wurde das Album des Jahres der professionellen Musikredaktionen hier nicht vor Gericht gezerrt, so postet er die jeweilige Bestenliste eben beim Zweit- oder Drittplatzierten. 

Damit Ingo dieses Jahr bei der Bestenliste des Musikexpress nicht auf "Love Letters" von Metronomy zurückgreifen muss, sei hier noch die Vorstellung von "Our Love" nachgetragen.

Der Kanadier Dan Snaith veröffentlichte nach "Jiaolong" (2012) unter dem Namen Daphni nun wieder als Caribou eine Platte, die es sowohl hoch in diverse Bestenlisten als auch unterschiedliche Charts schaffte: In den USA und Kanada konnten die Plätze 46 bzw. 19 vermerkt werden, im Vereinigten Königreich wurde sogar Rang 8 erreicht. Das war selbst dem hoch gelobten Vorgänger "Swim" 2010 nicht gelungen. "Our Love" bindet in seine tanzbaren, elektronischen Klänge nun auch vermehrt Einflüsse von R&B, Hip Hop sowie 80ies ein, lässt Caribou ein wenig näher an Daphni heranrücken und hat mit Jessy Lanza (Gesang) und Owen Pallett (Geige) zwei bekannte Mitstreiter zu vermelden. 

Mit folgender Laudatio kürte der Musikexpress "Our Love" vor der Wahl zum Album des Jahres 2014 natürlich auch zur Platte des Monats:  

Die Aufgabenverteilung war bisher also klar: Caribou, das Einmann-Studio- und Band-Live-Projekt für elektronisch infizierte (weitgehend vokale) Musik, die für den Publikums-Crossover gemacht war; Daphni, das Einmannprojekt mit elektronischer (weitgehend instrumentaler) Musik für den Club-Kontext. Das vierte Caribou-Album, OUR LOVE, nun bestätigt den Anfangsverdacht, den die Schon-lange-vorab-Single, der Soundcloud-Wundertrack „Can’t Do Without You“ (bei Redaktionsschluss mehr als 1,3 Millionen Mal gespielt), angedeutet hatte: Die Caribou- und Daphni-Musiken nähern sich an, finden zuei-nander, die Grenzen verschwimmen, die beiden Alter Egos morphen zusammen zu einem musikalischen Charakter.

Das Endprodukt dieser Metamorphose könnte unter Umständen bei den Menschen, die in der Indie-Disco zu Songs wie „Odessa“ und „Bowls“ verzückt ihre Körper bewegt haben, für leichte Verwirrung sorgen. OUR LOVE ist Musik, die sich vom Indie-Rock entfernt, eine Art Hyper-House, dessen Alleinstellungsmerkmale sich der begnadeten Hand Dan Snaiths verdanken: perlende Analog-Synths, verhaltene Basslines, hiphoppige Beats, Gesangssamples von alten Soul-Platten, die Snaith wer weiß wo aufgetrieben hat, Minimalismus mit funky, souly Vibes, kurze Streichersätze, von Snaith-Freund Owen Pallett arrangiert, Bezüge auf den zeitgenössischen Electronic-Soul, Richtungs- und Stimmungswechsel zur rechten Zeit. Und dieses Gespür für poppige, melancholische Melodien, die wahrscheinlich dafür verantwortlich sind, dass die Caribou-Musik auch außerhalb der Club-, House- und Elektronik-Zirkel gemocht wird.

Man hört dieses Album wie eine perfekte Pop-Platte wieder und wieder. Und es ist eine Pop-Platte – die beste, die man derzeit finden kann. Dazwischen immer wieder dieser elegische, von Effekten verfremdete Falsett-Gesang. Die recht clubbige erste Single „Can’t Do Without You“ deutete es an: Dieses vierte Caribou-Album ist eine schwelgerische Angelegenheit. Tendenziell melancholisch zwar, doch ist es fast unfassbar, wie sehr diese Stücke die Welt umarmen wollen. Shoegaze-Haltung und die Endorphine im Überschwang – hier schließt sich das nicht aus. Für einen Aha-Moment sorgt vor allem der Titeltrack „Our Love“, der plötzlich in eine Bassline mündet, die an die frühen LFO erinnert, dann scheint es so, als entfache Kevin Saunderson mit seinem Inner City-Synthesizer pure Ekstase, bis einem gewahr wird: Hier spielt Owen Pallett, der auch auf einigen anderen Tracks mitwirkt, sein Cello. Der wunderbarste stille Moment ist der beatlose R&B-Song „Second Chance“, gesungen von Jessy Lanza, die sich in Aaliyah-Manier von Synthesizer-Arpeggios begleitet eine zweite Chance herbeiwünscht. Ganz, ganz groß. Oh ja, Our Love ist mehr als nur ein würdiger Nachfolger von Swim.
(Groove)

Bei all dem musikalischen Output, welchen Beck in Form von zwölf Alben in 29 Musikjahren so erzeugte, blieb mir gerade das für ihn ungewöhnlich gewöhnliche “Sea change” in Erinnerung. Nur mit einem derart ausgeglichenen Album konnte Beck damals im Jahr 2002 überraschen. Mit Produzent Nigel Godrich gelang ihm eine sehr persönliche und intime Platte, die Becks Fähigkeiten als Songwriter in den Mittelpunkt stellten. Zwischenzeitlich hat sich Beck mit “Guero”, “The information” und “Modern guilt” ausgetobt. Offensichtlich war die Zeit nun wieder reif für ein ruhiger Beck Album. 

Nun zwölf Jahre später und sechs Jahre nach “Modern guilt” knöpfte Beck mit “Morning phase” an “Sea change” an. Zum Teil finden sich darauf Titel, die bereits vor Jahren entstanden sind. Nun spielte er diese und neue Songs mit den gleichen Musikern ein, die er auch bei “Sea change” um sich scharrte. 

Wenn Beck seine Singer/Songwriter Fähigkeiten in den Mittelpunkt stellt, klingt das wie auf “Morning phase”: Nach Folk und verträumten Pop.

“Morning phase” lebt auch von der Stimmung, die der Hörer mitbringt. Das Album kann recht belanglos vor sich hinplätschern. Aber “Morning phase” kann auch einfach nur wundervoll und heimlich mitreißend wirken. Das Album landete nicht nur wegen der langen Wartezeit auf ein neues Lebenszeichen von Beck in vielen Jahresbestenlisten. 

“Morning”, “Say goodbye”, “Blue moon” und natürlich “Turn away” sind meine Anspieltipps auf “Morning phase".

Music OMH:

Morning Phase rounds out with its strongest tracks, Country Down and Waking Light, both musically lush and lyrically optimistic. The album ends as Beck wakes up ready to face a new day. Whether his melancholy morning is a phase or part of a larger cycle to which he may return in the future (the latter is more likely), Beck proves once again here that he’s a tremendously versatile artist, capable of excelling throughout the musical spectrum.

“Waking light” live bei Conan:

Tim Rogers croont auf "Playmates" zu synthetischen 80er Jahre Klängen, wie Gabriel Bruce im letzten Jahr auf "Love In Arms" oder wie Nick Cave in seinen Alpträumen, aus denen er seit 1996 und der Zusammenarbeit mit der Synthie-Pop-Ikone Kylie Minogue schweißgebadet aufwacht. Cave gelang es sich den Verlockungen der New Romantic-Einflüsse und Synthie-Sounds (zumindest diesen) zu erwehren, Rogers nicht. Und so singt dieser nun mit tiefer Stimme zu Beats aus dem Drumcomputer über Liebe und Tod, bewahrt sich dabei aber seinen Humor und lässt uns immer wieder an Herrn Cave denken.

Der ebenfalls aus Australien stammende Tim Rogers nennt sich als Musiker Jack Ladder, hat zur Unterstützung seine Dreamlanders (Kirin J. Callinan, Laurence Pike und Donny Benet) dabei und hat mit "Playmates" in Australien bereits sein viertes Album veröffentlicht. Dass es nicht immer die Sounds der 80er Jahre sein müssen zeigen unter anderem die akustische, zu Bossa Nova-Rhythmen schunkelnde Ballade "Let Me Love You" und der verstörende Rock 'n' Roll von "Reputation Amputation", der tanzbare Beats aufkreischende Gitarren treffen lässt. Gesanglich werden Jack Ladder And The Dreamlanders übrigens auf zwei Songs ("Come On Back This Way" und To Keep & To Be Kept") von Sharon Van Etten begleitet.

      

The music is still fed through the framework of 80’s rock, but is decisively modern and of the time. Ladder is paced at the forefront, his baritone as intoxicating as ever and his dry gallows humour traced across his incisive lyrics. His crack team execute this vision masterfully. There isn’t a scarce trace of ego in these songs. Every buzzsaw guitar solo, drop of feedback, keyboard line and production trip serving the atmosphere the song demands. Whether it’s the morose loss of "Come On Back This Way", the sinister moping horror trickling through "Neon Blue", the nod to flat out metal aggression of "Reputation Amputation" or the old world romanticism at the heart of "To Keep and Be Kept".
Playmates is the strongest record Jack Ladder has written yet. It’s a record that looks deep into human nature and desires and throws them back at you, with a neat glass of whiskey and a knowing nod. Its achieved using tools of a traditional rock band, with the end product both of our time and timeless.
(The AU Review)

True to the Gary Numan mould of pop music there is little room for virtuosity, every guitar or xylophone melody feels perfectly calculated and placed, the simple but effective nature of the melodic lines rendering some of the songs a classic anthemic quality, which is at the same time understated.

This backdrop allows Jack Ladder the space to match his heartbeat to the drum machine, bringing all the passion and life to the songs as he pleads, purrs and croons his way through these ten remarkable tracks.

One of the things that sets Ladder apart from his contemporaries is his lyrics. Slow Boat to China opens with the image “I watch the whale ride the wake / throwing fountains at the sun,” while on what should be the next single To Keep and to Be Kept, a wry sense of humour shows through the deadpan – “and me, I’ve always been a country of one / since we met, border control’s all come undone.”

Reputation Amputation adds diversity to the album’s sound by showing Ladder’s rock'n’roll leanings, his howls adding credence to all those Nick Cave comparisons while an incredibly distorted guitar and almost dance-like beat brings to mind Marilyn Manson’s The Beautiful People.

The delicate Let Me Love You is a standout track and a gloriously understated love song, with Ladder’s vocals mixed to the front, the acoustic instrumentation sounding crisp and natural, not a synth to be found.

If you are not a fan of 1980s pop or are sick of bands with synthesisers and snare reverb – don’t be fooled. This is not a genre record, but a clever and rewarding album that should be making all the Best Australian Releases lists for 2014 in a few months. Highly recommended if you like: music.
(Beat)

Die Afghan Whigs wurden allein schon wegen ihres Vertrages mit Sub Pop dem Grunge zugeordnet. Das mag auch dem Alternative Rock der Band gerecht werden, nicht aber Greg Dullis soullastigem Gesang. Mit diesem bereichert er nicht nur The Afghan Whigs sondern auch The Twilight Singers. Ferner war Dulli u. a. als Sänger der Backbeat Band und mit Mark Lanegan als Gutter Twins auf deren Album "Saturnalia" aktiv. Auf dem vorletzten dEUS Album “Keep you close” war er ebenfalls zu hören. 

The Afghan Whigs entstanden 1986 aus The Black Republicans. Dort waren Greg Dulli und Bassist John Curley bereits gemeinsam aktiv. Über Curley lernte Dulli den Gitarristen Rick McCollum kennen und deren Affinität zu R&B war vielleicht der Grund, dass The Afghan Whigs aus der Taufe gehoben wurden. Diese Vorliebe äußerte sich verborgen in einigen Rhythmen der Band aber vor allem in Dullis Gesang. Und dieser ist auch bis heute das Alleinstellungsmerkmal der Band. Er überdauerte die ersten 15 Jahre der Bandgeschichte und wurde sowohl bei der ersten Reunion im Jahr 2006 als auch bei der “Wiederbelebung” seit 2011 zelebriert. Verloren hingegen ging leider mit Rick McCollum dessen Gitarrenspiel.

“Do the beast” ist das siebte Album der Band aus Cincinnati und damit ihr erstes in diesem Jahrtausend. Viele von Dullis musikalischen Freunden durften darauf mitwirken. “Do the beast” bietet überzeugendenden Alternative Rock und eine gute Bühne für Dullis Gesang. An der ein oder anderen Stelle ist das vielleicht einen Tick überladen, aber in der Gesamtheit ist “Do the beast” zwar nicht das beste Afghan Whigs Album aber eines der besten Rock Alben des Jahres. 

Laut.de sieht es etwas anders:

So ist "Do To The Beast" die bisherige Krönung des ohnehin hochwertigen Schaffens der Whigs.

Pitchfork.com:

Throughout the album, Dulli seems to be treating the band’s own career in the same way he treats an old R&B record: as raw material for his current obsessions. As he nears 50, he’s able not only to play up the rough grain in his voice as he grasps for high notes on “Lost in the Woods”, but also to take in the breadth of his career to date. If his catalog is a car, he’s stripping it of its parts and refashioning something newer, more streetworthy. So Do to the Beast may not always sound like an Afghan Whigs album, but it operates like one, scavenging the darker corners of pop history to create something personal, vital, and urgent.

Für den 11.02.2015 in ein Auftritt der Band in Hamburg geplant. 

 

Das Video zu “Algiers”:

Jeder Musikfan könnte sich einen Bandnamen analog zu dem der Londoner Band 2:54 bilden: Einfach die Lieblingsstelle der Lieblingssongs über die Zeitmarke identifizieren. Für 2:54 war es “A history of bad men” der Melvins. Für mich wäre es vielleicht 2:40… oder 4:18… oder doch 3:50...

Die beiden Schwestern Colette und Hannah Thurlow wurden in Irland geboren, wuchsen aber in Bristol auf. 2007 gründeten sie die Punk Band The Vulgarians. 2010 wurde darauf 2:54 und eine musikalischer Aufbruch in Richtung Alternative Rock. Grob umreißen lässt sich das mit den Bands, welche sie auf Tour begleiteten: Melissa auf der Maur, Warpaint, The XX, The Maccabees und den Wild Beasts. Garbage, PJ Harvey, Tori Amos und The Cure kann man auch als Referenzen finden. 

Das selbstbetitelte Debüt erschien 2010. Nun legt die Band um die beiden Damen mit “The other I” nach. Die Grundausrichtung hat sich nicht geändert, aber das Zweitwerk wirkt definierter und bestimmter als das Debüt. Vage Goth und Shoegaze Andeutung sorgen für eine gedämpfte aber trotzdem packende Stimmung. 

Einzigartigkeit beweisen 2:54 nicht mit jedem ihrer Songs, aber “Blindfold”, “In the mirror”, “Sleepwalker”, “Crest” und vor allem “Raptor” zeigen gut, was in der Band steckt.

Bei der ersten Vorladung im Jahr 2012 traf die Bahn auf milde gestimmte Richter. Ich bin gespannt, wie der Wiederholungsfall gewertet wird.

Die poetischen Worte überlasse ich dem Terrorverlag:

Man möchte genau verstehen und fühlen, realisiert aber, dass man sich dem nur annähern kann. Denn hier ist alles zur rechten Zeit am rechten Ort. Ein Zustand, wie er eben nur in jenem Moment passieren kann, der nicht zu erklären, nicht zu greifen ist, der nur ein einziges Gefühl ist: pure Liebe, zur Musik, zu den Worten, zum Leben. Und wenn man wiederum in irgendeiner Weise versucht, diese zu Musik und Worten zu machen, dann ist ein solches, zutiefst weises Album das Ergebnis.

Das Video zum Opener “Orion”:

Sprachen wir gestern noch bei der Vorstellung von Saint Saviours "In The Seams" über deren Produzenten Bill Ryder-Jones, so wenden wir uns heute dessen früherer Band zu, denn auch The Coral haben kurz vor Jahresschluss mit "The Curse Of Love" noch still und heimlich ein neues Album veröffentlicht.

Doch so ganz neu ist die Platte eigentlich nicht, denn "The Curse Of Love" gilt als das verschwundene The Coral-Album und wurde zwischen 2005 ("The Invisible Invasion") und 2007 ("Roots & Echoes") aufgenommen, also auch noch mit Bill Ryder-Jones, der damals selbst noch nicht richtig wusste, ob er der Band den Rücken kehren oder doch noch dazu gehören wollte.

Die restlichen Mitglieder von The Coral haben seitdem ohne Ryder-Jones nur "Butterfly House" (2010 Platz 40 bei Platten vor Gericht mit 7,375 Punkten) veröffentlicht, obwohl ihre ersten fünf Alben in nur sechs Jahren erschienen waren. Nun haben sie also "The Curse Of Love" aus dem Archiv ausgegraben, schließen somit für Coral-Fans eine Lücke, bringen sich wieder in Erinnerung und können vielleicht auch neue Freunde für ihren Psychedelic-Retro-Folk-Rock gewinnen. 

Jedoch sind sich die Kritiker uneins bezüglich der Qaulität von "The Curse Of Love": Während der NME 8/10 Punkten und der Musikexpress 4 Sterne vergeben...

'The Curse Of Love' is a neat record, filled with the mystic folk and lithe psychedelia that made them so refreshing back in the day. The knowledge that it was produced on a Tascam eight-track recorder adds to the dusted off aesthetic, but the real goods are in the dream-like, Lennon-flavoured beauty of 'Gently' and the powerful fuzz-bombs of 'The Watcher In The Distance', songs that should never have gathered dust in the first place. 

Alles klingt noch psychedelischer als gewohnt, eine träumerische Art verschafft sich Platz und James Skelly berichtet andächtig über die britische Geschichte und Natur. Inspiration kommt von den altbekannten Vorbildern The Doors, Love und Echo & The Bunnymen. Beim Anblick des Covers muss man auch an Caravan denken, die Farbgebung ähnelt der auf In The Land Of Grey And Pink. Ohne den Druck, einen Hit abliefern zu müssen, fließt alles wie von selbst zusammen, ganz ungestört.    

... kommt The Line Of Best Fit nur auf 4/10 Punkten und hätte das Album lieber im Archiv verblieben gewusst:

Some pretty minimalist instrumentation keeps The Curse of Love firmly in the realm of middle-of-the-road folk, although the album suffers from some really odd production choices. The weird, wobbly synth that runs through "Wrapped In Blue" and "You Closed the Door" sticks out like a sore thumb in an otherwise consistent sounding LP, whilst the two instrumental tracks "The Second Self" and "Nine Times The Colour Red" mis-fire horribly.

There are a few moody, atmospheric highlights – "View From The Mirror" and "Willow Song" both achieve an eerie kind of beauty – but for the most part The Curse of Love doesn’t offer any of the pop hooks that made early Coral albums so enjoyable.  "The Watcher In The Distance" makes an attempt at anthemia that falls flat on its face, and otherwise James Skelly’s vocal talent feels wasted on a record that miserably plods along.

The album’s real saving graces are its opening and closing title tracks, which share the same chorus but evoke different feelings. "Curse Of Love (Part One)" starts things off on a bit of a downer, with Skelly moping about “shadows against the wall”, whilst part two ends the record on a New Flamenco-inspired high. It’s an intriguing choice that mirrors the tone of the album, which starts depressingly and perks up towards the end.

(...) The band’s strength has always lied in melodic psychedelia and ska, and whilst this isn’t their first attempt at folk, it’s by far their weakest. Considering their reputation as one of the Noughties' most inventive indie bands, it probably would have been for the best if The Curse Of Love had stayed lost.