Mit acht Leuten sind die Songs auf „In The Morse Code Of Brake Lights“ entsprechend breit orchestriert, stromern unter der Federführung von Case und Newman aber auch ziellos durch die Untiefen des unendlichen Indie-Rocks.
Zwischen The Cars, The Shins und The Weakerthans. Die Liste ließe sich mit „The“-Bands noch eine ganze Weile fortsetzen.
Newman dürfte das wahrscheinlich sogar gut ins Konzept passen. Wollte er eigentlich keine Konzeptalben mehr machen, musste er nach eigener Aussage auf halbem Weg durch die Platte feststellen, dass lyrisch vieles auf Auto-Songs zeigt.
Die heißen jetzt „You’ll Need A New Backseat Driver“, „Leather On The Seat“ oder „Higher Beams“ und scheinen bewusst für ziellose Fahrten gedacht. In Letzterem heißt es entsprechend universell: Thank you, thank you for nothing“ Und dann universeller: „Fuck you, fuck you for nothing“.
Steigt man dann doch endlich aus der Karre, muss man sich verwundert fragen, wie die letzten hundert Wegkilometer mit Hintergrundrauschen unbeschadet zurückgelegt wurden, wo der Kopf doch überall war, nur nicht am Steuer.
(musikblog)

Ein kleines Stück analoge Glückseligkeit in der Zeit von digitalem Einheitsbrei. Und das alles mit ein bisschen elektronischer Spielerei und dezenten Instrumenten, die lediglich als Untermalung für die gesungenen Geschichten von zwei Menschen wirkt. Eine Untermalung die diese Stimmen durch die Songs zu tragen scheint.
Und bei all meiner Schwärmerei kann man sich diese Band überall vorstellen. Auf den großen Festivalbühnen genauso, wie in kleinen Clubs oder sogar im Wohnzimmer mit guten Freunden. Vielseitig wie das gesamte Album. Songs wie der Opener „Before“ oder der letzte Song des Albums, „Wildebeest“, wirken so melancholisch und eingängig, dass es fast weh tut. Dagegen gibt es die an The XX erinnernden tanzbaren Stücke wie „Getaway“, die dabei so unbeschwert und natürlich klingen und trotzdem die Melancholie mit im Gepäck haben.
(handwritten-mag)

Besonders an ihrem Sound, ist die Zweiheit ihrer Stimmen, mit der auch bereits Künstler wie Oh Wonder bekannt geworden sind. In „before it gets dark“ bilden ihre Stimmen zusammen mit Akustik-Gitarrenklängen und elektronischen Elementen eine perfekte Harmonie.
Das ganze Album verfolgt ein Thema. Es vermittelt Aufbruchstimmung, man möchte beim Hören seine Sachen packen, einen Roadtrip starten und den nächsten Urlaub buchen. Gleich zeitig beschäftigen sich die zwölf Songs auch mit der Heimat, Erinnerungen und dem Vergangenen. Passend dazu entstand das Album, als sich das Duo entschied, einen Sommer in einem Auto in Skandinavien lebten. Eine Idee, die sich schon der eine oder andere Instagram Travelblogger, zumindest zeitweise, überlegt hat. Trotzdem scheint Skandinavien wohl auch ein Ort zu sein, an dem sich sehr gute Musik schreiben lässt, dafür sind Wolf & Moon das perfekte Beispiel.
(Soundkartell)

Cry will make you cry, because Gonzalez knows what he's doing. It's cathartic, stunning, it'll awaken your senses and it's not to be missed.
(exclaim)

Nonchalant, innocent and simply just mesmerising, 'Cry' is pure from beginning to end and is a pleasant second instalment from the Texas three-piece.
(Clash Music)

As with their debut, this album feels as though you’re being allowed a brief but intense insight into his self-contained world. Yet the vein of humour that ran through those earlier songs has been replaced by a deeper sincerity.
(Independent)

Rock’n’Roll-Riffs und Leidenschaft. Es gibt Schreisingsang an vielen Ecken und Enden und Derivate aus dem Bluesrock der 70er-Jahre hier, eine Ballade ist auch dabei, verschleppt, hymnisch („Long Long Way“). Aktuelleren Entwicklungen der Rockmusik verweigern sich Mando Diao doch hörbar. (…)
Über ein paar Umwege sind Mando Diao inzwischen bei einer feinen Parodie dessen angekommen, was sie in ihrem ersten Rockleben produzierten (…).
(musikexpress)

"BANG" gerät definitiv wilder als die letzten Veröffentlichungen, die Band definiert den Begriff jedoch auch vollkommen anders als zu Zeiten ihres Debüts. Ja, sie erhöhen die Anzahl der Rock-Riffs und wagen sich an alte, verstaubte Zerr-Pedale, unsauber gespielte Akkorde und aggressiv klirrende Becken sind jedoch nicht aufzufinden. Im Laufe ihrer Bandgeschichte weicht die emotionale, barbarische Kreativität dem erotischen Rhythm-Fanatismus mit simplen, exakten Drums, einem kompakten Bass und abgestoppten Gitarren-Riffs. Eine Entwicklung, wie sie auch die Arctic Monkeys vollzogen haben, nur, dass Alex Turner nicht schreit.
(laut)

The gang is bigger, the sound is grander, but the heart of the album - growing up in working-class Brum - is still as humble. (…)
Meanwhile a feeling of nostalgia also runs heavy in 90s dance-anthem styled “Happy As Larrie”, and rings romantically through “Top Of The Pops”. It's clear that Austin and Cav saw something to fight for in the idea of Swim Deep. From their dream-pop origins, through their psychedelic sophomore, they have arrived at a spiritual revolution with Emerald Classics.
It's a development to be proud of, to feel good about, and after facing the potentially band-shattering event of being dropped by a major label it's impressive to see them persevere (releasing this album independently on their own label, Pop Committee), and do it with such positivity and gratitude.
(The Line Of Best Fit)

Through the swooning, lush indie-pop, there’s also plenty of sonic exploration, even if it is a little dialled-down from the out-of-this-world mission of ‘Mothers’. ‘Happy As Larrie’ marries a crashing jungle beat with glimmering melodies, making it feel as though you’re stepping out from an Ibiza rave into the morning sun, pupils still dilated, chemicals still racing through your system.That’s really the pervading feeling of ‘Emerald Classics’ – a wide-eyed, serotonin rush of an album that will make you eternally grateful for Swim Deep’s perseverance.
(NME)

 

• 03.12. Hamburg
• 04.12. Berlin
• 05.12. München
• 07.12. Köln

While this album may be a form of self-actualization for the veteran band, it impresses with not just its authenticity, but with its range. Pop doesn't come in one flavour, and neither does Superbloom. Pulling influences from different eras and spaces of pop, whilst maintaining a signature sound is ultimately what sets this album apart from the band's earlier works- and opens the door wide to an exciting new frontier.

Dass "Surviving" unabhängig davon völlig ungezwungen klingt, ist nach einem Vierteljahrhundert Bandgeschichte mit zehn vorangegangenen Alben umso beachtlicher. Das schwelgerische, geringfügig gedrosselte 'Delivery' ist neben 'Love Never' und 'One Mil' eine relative Ruheoase in einem fast ungebrochen energetischen Liederreigen, der keinerlei Leerlauf aufweist, sondern eine Fülle regelrechter Hook-Wunder, angefangen beim College-Rocker 'Diamond' mit seinem ironischen Text über die Single 'All The Way (Stay)' mit kuriosem wie famosem Saxofon-Part kurz vor Schluss bis zum elektronisch verbrämten Kuriosum '555' mit seinem überraschendem Cold-Wave-Flair, das zum Ende im fiebrigen Beinahe-Dance-Rocker 'Congratulations' erneut aufgegriffen wird.
(Musikreviews)

"Surviving" steht als Ganzes für Jimmy Eat Worlds wiederentflammte Lust am Rock, für die lautesten und knarzigsten Songs seit "Bleed American" – und das in überraschender Konsequenz. Nicht nur das vorab schon bekannte "Love never" offenbart seine kleinen, dreckigen Gitarrenlicks nach und nach nur zu gern. "One mil" übt sich nach besinnlichem Beginn in hymnischem Paukenschlagen und schrammt knapp an einer Refrain-Orgie vorbei. Absolut packend gelingt "Diamond", denn wegen solch unwiderstehlicher Refrain-Haken liebt man diese Band. Ein ebenso strahlendes Paradebeispiel für die dem Vierer meist ureigene Stimmung zwischen Melancholie und Euphorie ist natürlich auch die Auskopplung "All the way (Stay)", die sich spätestens mit dem genialen Saxofon im Schlusspart selbst veredelt.
(Plattentests)

Die erste Single „In The Air“ ist catchy und auf den Punkt. Wunderbar, wie sich dabei die Gitarren von Sänger/Gitarrist Miles Michaud und Gitarrero Pedrum Siadatian über den staubigen Wüstenboden schlängeln und Schlagzeuger Matt Correia klopft dazu einen minimalistischen, fast metronomartigen Beat.
Ob der zweite Vorabtrack, das coole „Polar Onion“, oder das tiefenentspannte, gar an den vergessenen 70s US-Softrock/Folk Veteranen Dan Fogelberg erinnernde „On our way“: Die Allah-Las sind im Jahr 2019 völlig bei sich selbst.
(Triggerfish)

So legen die Herren aus Los Angeles in "Holding Pattern" die Orgeltöne der bis an die Wahrnehmungsschwellen ausgereizten Keyboards und das fette Widerhallen des Verstärkers auf Mono-Klangkanäle. Sie lassen also viele Signale nur aus dem linken Tonkanal kommen, was sehr an die Zeit bis Mitte der 60er erinnert. Das heißt beim Hören mit bügellosen Kopfhörern: Nimmt man einen Stöpsel aus dem Ohr, hört man einen anderen Song als mit beiden zusammen im Gehörgang. (…)
Dabei bauen die US-Westküstler nebenbei eine Brücke zum brasilianischen Psychedelic-Kosmos, einer spannenden Szene, die rund um Caetano Veloso und Gilberto Gil vor 50 Jahren in Protest gegen die dortige Militärdiktatur aufblühte und heute von Bands wie Graveola fortgeführt wird. Die schlafwandlerisch bizarre und dahin gleitende Darbietung macht diese Platte vorzeitig zu meinem Lieblingsalbum 2019.
(laut)

Und so verschmelzen DIIV auf "Deceiver" Grunge-Elemente (Benannt ist die Band übrigens nach dem Nirvana-Song "Dive") mit Shoegaze-Reverbwelten, die schwindlig machen und mit schwebenden Songs wie "Taker" könnten sie sich auch in Slowdiiv umbennen – ohne jedoch als bloße Epigonen zu gelten, denn dazu hat die Band einfach einen unverwechselbar eigenen uniquen Sound kreiert.
(Tonspion)

Da ist zwar immer noch dieses ätherische Moment, das Smith mit seinem gehauchten Gesang einbringt. Und doch haben DIIV hier spürbar ihre charakteristische Süße verloren, indem sie ihr Faible fürs Melodische wunderbar dynamisch mit der typischen Shoegaze-Schwere kreuzen, für die man MBV so schätzt. Bleibt zu hoffen, dass die Sache mit der neu gewonnenen Erdung diesmal auch bei Smith selbst verfängt.
(musikexpress)

Das wuchtige Riff von „The Runner“ im Einklang mit Philippakis kraftvollem Gesang ebnet den Weg für die restliche Platte. Spätestens mit „Wash Off“ fühlt man sich an die guten, alten Math-Rock-Zeiten erinnert.
Die Gitarren eröffnen die Hetzjagd über das Minenfeld unserer Selbstabsorption, von der auch Yannis Philippakis sich nicht gänzlich freischreien kann. Und gerade, wenn man denkt, man hätte den Höhepunkt der Platte entdeckt, legen die Foals mit „Black Bull“ noch einen obendrauf.
In gut drei Minuten entfalten die Briten ihre volle Power. Der Sänger keucht, schreit und spuckt seine Lyrics mit solcher Wucht hinaus, das man sich in die erste Reihe gleich hinter den Wellenbrecher katapultiert fühlt und förmlich die Spuckefetzen auf dem Gesicht spüren kann. (…)
Doppelalben haben oft den Ruf, dass eine Hälfte mit nutzlosen Bonusmaterial vollgepackt ist, das man sich getrost hätte sparen können. Foals untermauern mit ihrem Zweiteiler „Everything Not Saved Will Be Lost“ das absolute Gegenteil.
(musikblog)

Auf „Moments“ werden uns 11 Songs präsentiert, die auf den ersten Blick ohne besondere Höhen und Tiefen auskommen. Es wird auf die ganz großen Momente verzichtet, auf das pompöse Getöse und die sich zuspitzenden Chöre. Dafür wird mit zuckersüßen Melodien, zurückhaltender Bandbegleitung und einem Ohrwurm am nächsten die Dose der kleinen Hymnen geöffnet, die sich kaum mehr schließen lässt.
Songs wie das schon erwähnte „Anew“, When we where young“, aber auch „Borderlines“ und „The Open Road“ kommen zwar nicht ohne das übliche Roadtrip-Klischee aus, nutzen dieses aber wunderbar für sich und schaffen eine wohlige Wärme.
Für mich eine absolute Albumempfehlung!
(handwritten mag)

Es ist dieser wohlige Mix aus tiefer Geborgenheit und schwungvoller Leichtigkeit, der in jedem der Songs auch kunstvoll musikalisch eingefangen wird. Anew beispielsweise überzeugt durch einen ruhigen Aufbau, unterstützt von einem Coldplay-reminiszenten Orgelsound zu Beginn sowie gezupften Gitarrenparts, um sich dann ab dem dritten Vers in eine rhythmisch getragene Pop-Hymne zu verwandeln. Etwas balladenartiger geht es dann im später folgenden Patience oder auch dem daran anschließenden Adrift zu, wo sich die zurückhaltende Gesangsstimme in ein harmonisch orchestriertes Klangbild aus Gitarren, Streichern und Drums einfügt und eine getragene Atmosphäre erzeugt.
(Bedroomdisco)

Mit „Return To Us“ knüpfen The Lilac Time an den sanften, sehr englischen Folk ihrer ersten drei Alben an. Diese Beziehung betonen sie selbst durch das Cover (eine verfremdete Version ihres ersten Covers) und den Titel, der auf das 1987er-Stück „Return To Yesterday“ anspielt. Diese thematische Rückkehr hat einen Grund: Wie damals, in den späten Jahren der Thatcher-Ära, ist Großbritannien ein gespaltenes Land. Gespalten zwischen Arm und Reich, zwischen Liberalität und Nationalismus, zwischen Vernunft und Dummheit. Stephen Duffy weiß die Vergangenheit durchaus zu schätzen. Was er nicht zu schätzen weiß, ist die Sehnsucht vieler Landsleute nach einem nostalgisch verklärten Britannien, das nur in ihren Gedanken jemals existiert hat.
„Return To Us“ ist, wie es sich für ein gutes Folkalbum gehört, ein sehr politisches Album. Duffy ist aber klug genug, seinen Ärger nicht herauszuschreien. Er bleibt so elegant und samtig wie gewohnt. Die Wirkung der Texte wird dadurch nur verstärkt. Sein Appeal ist nach wie vor der, dass er vermutlich der einzige Designer-Hippie der Welt ist, mit einem Faible für gute Schuhe und Hemden und für die Rettung der Welt durch Liebe und Poesie. „If disco sucks, then so does rock, let’s stop them turning back the clocks much further, return to us, we are right where you left us“, singt Duffy im Titelstück. Ein schönerer Schlusssatz fällt auch mir nicht ein.
(byte.fm)

Für mich hören sich die zehn Songs des Albums alle mehr oder weniger gleich an. Verträumt ist ja gut, und alles ist und klingt auch entspannt und entspannend, aber ich kann weder klare Songstrukturen erkennen, noch den Gesang von Madame Diane verstehen. Zum Nebenher-Laufenlassen eignet sich "Don't Believe, Watch Out" mutmaßlich ganz gut, aber aus meiner Sicht driftet die Scheibe über die Spielzeit von fast 50 Minuten immer öfter und mehr in die Belanglosigkeit ab, die Musik plätschert halt so dahin. Es gibt kaum einen musikalischen Höhepunkt, geschweige denn Gitarrensoli oder Drumbreaks. Sowieso hat das Werk mit Metal wenig bis gar nichts zu tun.
(bleeding4metal) 

Für die ersten Sessions für GIANTS OF ALL SIZES zog es die Band nach Hamburg, ins Clouds Hill Studio, einen Abenteuerspielplatz für analoge Aufnahme-Nerds.
In dieser Umgebung hockten Elbow zusammen, improvisierten, redeten – und bereiteten neue Songs vor, die zu den entspanntesten ihrer Karriere gehören. „Doldrums“ zum Beispiel hat einen abgeklärten Soul-Groove, „The Delayed 3:15“ transferiert den Texikana-Sound von Calexico nach Nordengland, „Empires“ schunkelt mit sanfter Elektronik und Gospelelementen ins Herz. Guy Garvey tröstet sich und seine Liebsten damit, dass die großen Reiche seit jeher zerkrümeln, während Freundschaften und Familien stabil bleiben.
Am Ende spielen Elbow mit „Weightless“ einen Song, der eine Ahnung davon gibt, wie Coldplay heute klingen würden, wenn sie sich an den wichtigsten Wegegabelungen ihrer Karriere anders entschieden hätten. Ja, das ist Kitsch mit Gitarre. Aber der Herbst ist da, und es gibt Leute, die brauchen das!
(musikexpress)

Sicherlich wird dem einen oder anderen das neue Album von lilly among clouds zu anspruchsvoll sein. Es ist keine Platte zum Nebenbei-Hören, sondern man muss sich darauf einlassen. Alle, die Lillys Vorentscheidungs-Beitrag „Surprise“ mochten, werden aber sicherlich noch weitere Lieder finden, die ihnen gefallen. Allen anderen seien zum Einstieg die eher konventionelle Ballade „Underneath the Surface“ oder lillys Eurovision-Workshop-Ohrwurm „Wasting My Time“ empfohlen. Eigentlich sollte man das Album aber wirklich von vorne nach hinten durchhören.
(esc-kompakt)

Nochal Glück gehabt, denn Lilly Among Clouds zieht zwar mit “Wasting My Time” und “Love U 4ever” auf die Tanzfläche, doch kommen die Stücke eher als gelungene Auflockerung des ansonsten sehr elegischen Gesamteindrucks denn als zwanghafte Popwerdung daher. Schon der Opener “Closeness” betont erneut vielmehr die zarte Instrumentierung des wolkigen Klangkosmos, so hingehaucht wie die Klaviertakte und mehrstimmigen Sequenzen ineinander verschlungen sind.
(minutenmusik)

Inhaltlich geht es auf "Green Flash" um die Verbindungen, die Menschen zu ihrer Umgebung haben. Im Song "Boy" zum Beispiel besingt Lilly die aufregenden Momente, in denen sich zwischen zwei Personen etwas Neues entwickelt - oder eine romantische Annäherung zumindest in der Luft liegt.
In "Look at the earth" widmet sich Lilly dem irreparablen Schaden, den der Klimawandel unserem Planeten zufügt. Ein Thema, das ihr als Bauernhof-Kind sehr am Herzen liegt, und das auch dem Albumtitel zugrunde liegt: ein "Green Flash", ein grüner Blitz, ist ein optisches Phänomen, das beim Sonnenuntergang auftreten kann, aber wegen Lichtverschmutzung sehr selten geworden ist.
(BR)

Hochartifiziell ist sie, die Musik von Stefanie Schrank, bekannt als Bassistin der Kölner Band Locas in Love, aber auch als Künstlerin. Mit der Hilfe von Lucas Croon, bei Stabil Elite für die Synthesizer zuständig, sind Songs entstanden, die sich zwar des musikalischen Vokabulars der Clubkultur bedienen, aber dann doch fremdeln auf dem Tanzboden und in der Chillout-Zone.
Und das hat nicht nur mit den Texten zu tun, die beständig Englisch und Deutsch, popkulturelle Referenzen und profanen Witz, Luke Skywalker und Karl Marx, poetischen Kitsch und abstrakte Poesie in einen Topf schmeißen. Nein, das liegt auch an der, trotz mittelschneller Bpm-Zahlen, wie scheintot daherstolzierenden Musik.
(musikexpress)

Ein bisschen Wahnsinn ist also dabei, eine Dosis Fatalismus, gepaart mit surrealistischen Abhandlungen, düsterer Bestandsaufnahme und diametralen Gefühlsregungen. „Nothing Is Lost“ hat beinahe etwas von einem eingängigen Popsong, wirkt weich und sympathisch, zugleich jedoch auf beinahe unwirkliche Weise verwaschen. Das gelingt auch dem stellenweise mit Air flirtenden „Spooky Action“ prima. Hier ist die unvertraute Melodie im Herzen der Reduktion tatsächlich Programm und führt unweigerlich ins feinsinnige „Sympathize“. Aber auch etwas schroffere Stücke, wie das mit wuchtigem Beat unterlegte „Stadt unter der Stadt“, das eigentümliche „Die Katze von Jesus“ oder die wütenden Synthies von „Flow“, machen auf schräge Weise Sinn.
(Beatblogger)

(…) ist "Unter der Haut eine überhitzte Fabrik" ein Werk voller Melancholie, voller Schrecken, aber auch voller Hoffnung. Von Anfang an geht es durch eine post-apokalyptische Synthie-Klanglandschaft, alles wirkt verraucht und verstaubt, aber der Wiederaufbau dieser eben erst durch welche Umstände auch immer untergegangenen Welt ist bereits im vollen Gange. Vom bereits erwähnten Einstieg "Nothing is lost", dessen Titel allein schon andeutet, dass Totgesagte eben doch immer länger leben, über das völlig verstrahlte "Die Katze von Jesus" mit seinem unerwarteten Saxofon-Einsatz bis zum zurückhaltenden Dystopie-Disco-Dance von "Möbiusschleife" ist Schrank nie weit entfernt vom Anpacken, vom Machen, vom Motivieren.
(Plattentests)