Orcas - Yearling

Whereas many songs on ORCAS' first album were built from guitar improvisations and impromptu vocal sessions, most of "Yearling" was constructed from short pieces Pioulard wrote and developed while staying in Germany during the summer of 2012. Working together at Heyne's Lichte Studio in Berlin and Irisarri's own Black Knoll Studio back in Seattle, they brought the album into full form over the course of the following year.
Whether it's the soaring guitars of “Infinite Stillness”, the Lynchian otherworldliness of “Filament”, the echoes of Spirit of Eden-era Talk Talk on “Capillaries” or the slow-building tape loops of “Tell”, Yearling subsists on variation while holding a lyrical center. Pioulard muses on absence, presence, dedication and distance; there's an ode to geography (“Selah”) and a lamentation of discord (“An Absolute”).

Plötzlich sind die Songs ausgereift, greifbar, erinnerbar. Sie schweben nicht so haltlos umher wie auf dem Debüt. Zwar wabern auch hier einige Passagen oder einzelne Stücke sehr ambientig umher, aber sie machen doch einen geerdeteren Eindruck. Alles wirkt durchdachter, konstruierter. Da macht es auch nichts, dass man hier oder da mal denkt, dass ein Intro auch von Boards Of Canada stammen könnte, weil das Quartett anschließend noch die Kurve hin zu etwas Eigenem bekommen. Das kann zum anderen aber auch daran liegen, dass dem Songwriting diesmal wohl ein anderer Prozess zugrunde gelegen hat. Sei es durch die Abstimmung mit anderen Musikern, sei es durch eine andere Herangehensweise. Alles, aber wirklich alles wirkt wesentlich organischer, natürlicher in den Harmonien und Abstimmungen untereinander. Selbst wenn manche Stücke zuerst klingen, als hätte Pioulard sie für seine eigenen Veröffentlichungen geschrieben, merkt man doch nach kurzer Zeit die Abweichungen davon, merkt man, welchen Anteil die anderen Musiker daran hatten. Die Elemente der Soloplatten kommen nach wie vor auch auf „Yearling“ deutlich vor, sind aber eingebunden in ein großes Ganzes, was sie erst zu richtigen, schönen Songs macht.
(byte.fm)

Ähnlichkeiten zum Sound der dänischen Band sind trotz des ähnlichen Umfelds und Album-Artworks aber marginal. Klar, das Ganze klingt irgendwie sphärisch. Das war’s aber auch. Indie-Ambient-Nerds mögen sich an den Klangflächen erfreuen. So simpel es klingen mag: Für alle anderen eignen sich diese einschläfernden Walgesänge maximal für eine entspannende Hintergrundbeschallung bei der nächsten Fangopackung im Kur-Hotel.
(intro)

Fenster - The Pink Caves

Es geht um Atmosphäre. Songs sind bloß die Tragschicht für die gleichermaßen morbide wie sehnsuchtsvolle Stimmung, die sich durch das gesamte Album zieht. Dieser unterkühlte, unprätentiöse Gesang. Die Slow Motion Rockabilly-Gitarren zu leise rumpelnden Blechen. Die unerwartet ausgedehnten psychedelischen Passagen, die dem Formatradio leise Servus sagen. All das ergibt eine neue, atmosphärische Popmusik, die wohltuend unaufgeregt daher kommt und deshalb genau in diese Zeit gehört. 
Die Musik auf The Pink Caves ist leicht und tiefgehend zugleich. Und sie ist voller Überraschungen. Vor allem aber ist sie extrem zurückgelehnt. Ein schleppender Americana-Sound, der sich fast verliert in der Weite der Hallräume. Fenster sind Meister der Zeitlupe. Sie beherrschen die hohe Kunst der Entschleunigung. In The Walls etwa eignet sich gut als Soundtrack für schwül-heiße Hochsommertage, an denen man jede überflüssige Bewegung vermeidet. Geheimnisvoll vernebelt klingt Sunday Owls, mit seinem entrückten Gesang und der langsam gedehnten Tremolo-Gitarre. Die kalte, mechanische Romantik in True Love ist perfekt inszeniert. So perfekt, wie auf diesem Album vor allem das Unperfekte und Abgründige ins Bild gesetzt wurde. Die Stücke wirken wie unschuldige Masken, hinter denen sich Enttäuschung, Eifersucht oder Gleichgültigkeit verstecken. 

In einem durchschnittlich moderaten Tempo geht es vorbei an „Better Days“, „Sunday Owls“ und „The Light“ – träumerische Melodien sowie geisterhaft klingende Gitarren und Retro-Synthies inklusive. Zusammen mit dem Freund und Produzenten Tadklimp entsteht ein facettenreicher Nachfolger zum Debüt, nicht zuletzt durch den stimmlichen Kontrast von abwechselnd weiblichen und männlichen Vocals: Denn neben Sängerin JJ Weihl greift auch Jonathan Jarzyna zum Mikrofon. Der Titel des Albums macht seinem Namen alle Ehre: Opulente Soundwolken ziehen sich durch die Musik, vergleichbar mit einer zähen, pinken, und dennoch köstlich-zuckersüßen Kaugummimasse, von der man nicht genug bekommt. Kurzum: Dream Pop vom Feinsten.
(byte.fm)

Dieses Songdutzend schwebt zwischen den Stilen und Stühlen, es will nur eines nicht: eindeutig sein. Fenster suchen auf THE PINK CAVES Balance zwischen kontemporären Hallraum-Musiken und der melancholischen Begehung der Vergangenheit. Dazu hat das multinationale Quartett um die New Yorkerin JJ Weihl und den Berliner Jonathan Jarzyna eine bewundernswerte Raumpflege betrieben, in den Ecken staubt es noch, in der Mitte klingt es glasklar, irgendwo muss sich eine Kammer befinden, in der die digital verschleppten Beats produziert werden. Aufregung: Fehlanzeige. Diese zwölf Songs gehören damit zur aufregendsten Musik dieser Tage.
(Musikexpress)

The Go Find - Brand New Love

Listen to the opening track Jungle Heart, for instance: when the swirly synths pop in, the song turns into a dance track: your feet won’t be able to resist the beat. The Lobby is Sexual Healing finding new ways to dance with I Want To Know What Love Is: The Go Find surprises us with this beautiful track about someone who’s tired of waiting for that special someone. If the lyrics weren’t so plain honest heartbreaking, it just as well might become a song you’d like to hear at your wedding.
The synth bass in Your Heart that surfaces halfway through the song, makes you want to drive your car through a hot Italian summer night, while We Run is hazy as clouds of morning mist that are about to evaporate in the first beams of sunlight. The Message sounds catchy and harbors a wonderful guitar interlude. Japan is all about the girls winning, and Summer Boys is a beautiful song about a friendship between young boys - a sister song to Adrenaline on Stars On The Wall.
It’s hard not to fall in love with this record. So don’t be too surprised when Brand New Love grows into your brand new love. 

Zunächst wirkt BRAND NEW LOVE nämlich simpel und harmlos, manchmal sogar beliebig. Dieser erste Eindruck führt jedoch in die Irre. Seine cleveren Hooks schiebt Sermeus dem Hörer so diskret durch die Hintertür ins Ohr, dass man ihren Popappeal nur langsam entdeckt. Und ehe man sich versieht, entwickeln die subtil euphorisierenden Songs ein Eigenleben, und schießen einem ganz unerwartet durch Bewusstsein. (...)

Um verschiedenste Spielarten von Liebe und Freundschaft geht es auf diesem Dream-Pop-Album. Anders als es der Titel suggeriert, wird nicht nur die neue, funkelnde Liebe gefeiert.

„The Lobby“ beispielsweise erzählt von der wachsenden Müdigkeit, auf den/ die Richtige/n zu warten, es bleibt ein Eindruck zarter Melancholie. Manchmal wünscht man sich, dass Sermeus ein paar akustische Stolpersteine in seine Songs einbaute – einfach, damit es nicht ganz so leicht ist, den Pop-Appeal dieses talentierten Songwriters zu überhören.
(Musikexpress)

Die Achtziger tönen hier an jeder Ecke, kein Wunder, zu der Zeit wurde Dieter Sermeus zum Musikfan. Ende 30 ist er jetzt, da beginnt man schon mal zurückzudenken. An anderen Stellen schwingt der lakonische Synthiesoul von Hot Chip mit (ja selbst schon Zitat der Kopie des Zitats) – inklusive kopfstimmiger Refrains, in Your Heart wummert gar ein behäbiger Synthie-Bass, als stünden die Eurythmics mit im Studio. Und auch der Anfang der Achtziger in Neuseeland entstandene und in den vergangenen Jahren wiederbelebte Dunedin Sound von The Chills und The Clean hat seinen Platz auf Brand New Love. Nur von Mark Knopflers Slidegitarre schweigen wir hier. (...)

Was Brand New Love konsequenterweise ein wenig abgeht, ist die Ambition zur Innovation – ein Entwurf dessen, wohin die Reise gehen könnte. Vermutlich wäre es auf der Jagd nach Innovation aber auch kaum möglich, derart gelassene Songs vorzutragen. Lehnen wir uns also zurück und lassen es uns für den Moment gefallen.
(Zeit online)

Howler - World Of Joy

The difference between this record and its predecessor, however, is akin to the difference between a young athlete with plenty of potential but little nous or experience, and that same athlete after a couple of years of intensive self-improvement: everything is that much bigger, faster, smarter and stronger.

Their reference points may be unchanged, but this time around, the songs are a bit more worthy of them. ‘Here’s The Itch That Creeps Through My Skull’ boasts a guitar part that evokes the dark, melodic melancholy of Johnny Marr (the lyrics even reference ‘The World Won’t Listen’ for good measure), while ‘Drip’ pogos around with oikish, bovver-booted enthusiasm. Sure, there are less captivating moments - the title track sounds like something that didn’t make the cut for The Strokes’ third album, and final track ‘Aphorismic Wasteland Blues’ is a bit of a damp squib on - but they’re few enough (and fleeting enough) that they almost slip past unnoticed.

In the context of the wider debate about ‘that rock’n’roll’ and its place - or lack of it - in the current scheme of things, ‘World Of Joy’ could comfortably serve as an exhibit for both prosecution and defence. Shouldn’t it be trying to break new ground? Or is the old ground of the Ramones, The Stooges and The Modern Lovers still fertile enough to warrant planting their flag in? Howler know which side of that argument they’re on, and the dumb, youthful rush of songs like ‘Indictment’ make a pretty compelling case for their way of seeing things. If need be, they’re going down with the ship. 

Wye Oak - Shriek

Opener ‘Before’ sees Wye Oak’s new found growth come to fruition, not only instrumentally, but also vocally. Where previous albums If Children and The Knot branded the duo as indie-folk, 2011s Civilian pushed them towards the shoegaze direction. But with Shriek, Wye Oak seem to have the blend just right; delving in and out of both genres while dealing with loss and empowerment. Tracks 'The Tower', 'Sick Talk' and 'School of Eyes' showcase the bands ultimate development from gritty, atmospheric indie-rock by using loud and quiet dynamics that are elegant in timing.

Title track 'Shriek' is a dreamy soundscape that is mirrored by 'Glory', whose choruses are eloquently harmonised to the point that you cant help but sing along. They may not be anthemic in stature, but the somber tones and punchy, synthed beats from Stack are unavoidably infectious. What is striking about this album is its mood is almost in two parts; the first five tracks dark and ethereal, while the second half snaps back to the optimism of the records opener. Both 'Despicable Animal' and 'Paradise' host Haim-esc thumping drums that create an inescapable atmosphere, while the latter takes full advantage of Wasner’s dreamy vocals. Paired with some racing keyboard playing from Stack, 'Paradise' feels as though it’s about to explode at any moment, only to fall into an abyss of chorale dreaminess.

To close the album is echoing, 'Logic in Colour', its poetic lyrics as catchy as the lighthearted backing they're formed on, while Wasner’s soothing vocals match that of 1970s legend Karen Carpenter. For me, it’s the highlight of the record, and has been on repeat at least ten times a day since Shriek popped into my inbox.

Shriek could well be a befitting soundtrack to the start of this year’s summer, and will definitely take pride of place in my top albums of the year. Wye Oak has created something whose mood and mysterious beauty pushes past the hybrid label and comes into its own. While it’s steeped in ethereal dreaminess, it is also fun and jovial: a true delight for any hazy afternoon.
(altsounds)

Electric Ocean People - Foam

Immer an den Grenzen der Auflösung eines Songs hin zur subtilen Soundcollage, verbinden JULIA WEBER, CHRISTOPHER P. RADKE und MARIO SCHOENING mit traumwandlerischer Sicherheit elektronische Elemente mit behutsam eingesetzten analogen Instrumenten, schaffen Songs mit subtil-betörendem Unterton, die Weite, Melancholie, Eleganz und Schönheit atmen. In ihnen strahlt JULIA WEBERs Stimme wie ein Polarlicht, Beats wirken wie Fixsterne oder blitzen auf wie Satelliten oder Kometen. Mit viel Raffinesse schichtet die Band dezent hingetupfte Instrumente über Loops, Field Recordings und verspielte Rhythmuspatterns, Songs wie “Shields”, “Ulysse”, “Televangelist” oder die Vorabsingle “Squared” wirken frei fließend, ätherisch und auschweifend.

Damon Albarn - Everyday Robots

The Lord Buckley quote which opens it – “they didn’t know where they was going, but they knew where they was wasn’t it” – reflects both Albarn’s restless musical imagination, and his youthful peregrination between Leytonstone and Essex. The journey swings between urban-cosmopolitan and rural-English, the divergent poles of a personality that enables him to stand alongside quintessentially English songwriters such as Ray Davies.

But rather than his cheery pop muse, the arrangements reveal the melancholy in his memories of swimming in a Leytonstone pond, travelling America on a tourbus or wandering through Notting Hill after the Carnival. Pastel melodies of simple piano figures are set to glitchy percussion loops, found sounds and poignant strings, with glimpses of wistful harmonium, flugelhorn or swirling synth, while Albarn revisits his childhood home to find the street he lived in now truncated by the M11 link road, or frets about the way that machines insert themselves between us: “We are everyday robots on our phones... looking like standing stones, out there on our own.”

The only moment of outright jollity arrives on “Mr Tembo”, a ukulele-driven song about  a baby elephant: fittingly, the gospel choir bringing uplift to its chorus is from the church at the end of his Leytonstone road. It’s a rare moment of extrovert cheer on an intimate, introspective album that takes tentative  steps to reveal the soul behind the star.

Albarn appears to be railing against the technological oppression of 21st century living, whether proclaiming that “it’s hard to be a lover when the TV’s on” on ‘The Selfish Giant’ (featuring Natasha Khan, aka Bat For Lashes) or exploring the idea that humans will evolve to the point where their hands only have strong scrolling thumbs.

Musically, the penchant for subtle melody that he has explored so well through The Good, The Bad & The Queen and some of the less chart-conquering Gorillaz material burns bright. The seven-minute sprawl of ‘You And Me’, another Eno collaboration, seems to be mooching along demurely before dropping down to a steel drum from which it rebuilds, sounding like the fuzzy early hours of a summer’s morning and topped with a fragile falsetto that provides the album’s highpoint.

The phrase ‘slow-burner’ is tossed around rather carelessly, but ‘Everyday Robots’ is a definite contender. Weeks on from the first listen, it feels like it’s always been there. It doesn’t burn out so much as creep up and these songs offer yet another new guise for a remarkable talent. 

Marcus Wiebusch - Konfetti

Aber: Schön ist das trotzdem nicht. Vor allem geht es immer so weiter auf dem Wiebusch’schen Solo-Debüt. Dass das jetzt ausgerechnet KONFETTI abkriegt, liegt wohl vor allem am unglücklichen Timing, aber: Dieser mit ein wenig „echtem“ Instrumentarium authentisch gemachte und gleichzeitig mit elektronischen Sounds aufgemotzte Breitwand-Rockpop, in dem es fortwährend brummt und donnert, Schlossgespenster im Chor huhuhen und das nächste Glockenspiel nie lange auf sich warten lässt, hat sich inzwischen zu einer richtigen Seuche ausgewachsen.

Solche Produktionen wollen in ihrem Bombast auch noch Feinsinn vortäuschen, aber es ist doch nur stumpfes Gebratze, was aus der anderen Seite der Kompressoren dröhnt. Dabei gibt es in Marcus Wiebuschs traditionell dringlichen Texten durchaus ein paar schöne Ideen, vor allem bleibt er in Songs wie „Haters gonna hate“ und „ Nur einmal rächen“ nicht immer nur im aufgeblähten Ungefähren stecken wie all die anderen Schicksalswindbeutel dort draußen, sondern nennt Deppen und Bedröppelte beim Namen. Der Mann war schließlich mal Punkrocker. Dass der jetzt auch noch rappen muss, vergessen wir aber am besten gleich wieder.

Architecture In Helsinki - NOW + 4EVA

However, Now +4Eva is more eloquent and unique than just a hash of bygone sounds.

The album is bursting with energy, and is consistently upbeat in tempo and emotion. ‘U Tell Me’ and ‘2 Time’ are wonderful soul-soothing tracks that contrast the first few songs, and together are enough to cure the worst lethargy.

That said, the group seem to have sacrificed lyrical impact to achieve this funky sugar pop; ‘Boom (4Eva)’, for example, is need of a singable punchline. Furthermore, songs that are very similar in tempo are grouped together across the album, such as ‘In The Future’ and ‘Echo’. Their vast electronic landscapes and short replicated melodies make it hard to link a distinct sound to a particular song.

However, the sometimes-repetitive musical textures are rectified by the switch up of vocalists, a factor that helps to keep the songs fresh. The singers wisely adapt to suit what is needed at the time: ‘April’ evokes r n’ b with drawn out utterances and a mellow pace, which drapes itself atop a syncopated rhythm. Conversely, ‘Dream A Little Crazy’ is an anthemic crowd pleaser, soaring with attention-grabbing vocal harmonies and an uplifting melody.

Despite the well-crafted array of sounds, this album may be hard for casual listeners to engage with. Unlike the dance-pop of an artist like Flume, Now +4Eva requires immersion in its multitude of synths and effects to be appreciated.
(tonedeaf)

Comprised of saccharine dance numbers with wiggly synths and mechanized vocal harmonies, much of the album sounds almost cartoonish. And while the stylized production value speaks to the band’s evolutionary process, it also makes them less interesting. This is epitomized in opening track “In the Future”, an upbeat, syrupy number tugged by peppy synths and sprightly keyboards. While the track isn’t necessarily unpleasant, it’s largely bland, rendering much of the sound puerile and unfledged. That tepid formula is shepherded in “I Might Survive”, a sticky dance song infused with high trombones and candied vocals.

Parts of Now + 4EVA are digestible once you’ve accepted the album for what it is and proceed under the assumption that the group aren’t taking themselves too seriously. “Echo” features Kellie Sutherland’s sedate vocals over a simple drum loop and jazzy synths, while “U Tell Me” elicits frontman Cameron Bird’s fascination with ’80s new wave pop and delivers it with percussive, mid-tempo beats.
(Consequence Of Sound)

Should - The Great Pretend

Don’t Send Me Your Regrets opens the album and is a sort of foreword, largely a verse without a chorus.  To me, it’s more of a song fragment that sets a mood, much like some of F. M. Cornog’s East River Pipe songs like Wholesale Lies from The Gasoline Age.  The one cover on the album (and it’s a great one) is Loveless Devotion by Over The Atlantic’s Nik Brinkman and Bevan Smith (from their album Dimensions) and it’s a softer interpretation with staggered harmonies from Marc Ostermeier and Tanya Maus accompanied by crisp guitar and bass.  The rougher edges of the original version appear towards the end of the song.

What’s a bit different on this album compared to Should’s last is that rhythms seem more energetic (dare I say danceable?) as in Mistakes Are Mine, Everybody Knows (with drum machine and statement-response lyrics) and Dalliance, yet there are moments (like In Monotone) that are more contemplative with gentle keyboards, light electric guitar and drums; it’s a Shoegaze One Note Samba.

Down A Notch is an excellent first single for the album, another example of an upbeat song with paradoxical lyrics. A Lonely Place is a duet reminiscent of some of Brian Wilson’s songs from the romantic yet melancholic Pet Sounds era, it reminds me of Caroline No.  Amends explores a darker mood and sound.  Gold Stars is like a gentle sonic waterfall, similar to Turned Tables from Like A Fire Without Sound.

The album closes with the curiously upbeat yet shy introspection of Don’t Get To Know Me, and there it is again, the complexities of relationships and emotions—songs that often express feelings better when one is at a loss for words.
(wajobu)

Eels - The cautionary tales of Mark Oliver Everett

• 24.06. Berlin
• 22.07. Hamburg

Chet Faker - Built On Glass

Jetzt wagt er sich an das Album – und macht eine gute Figur. Weil das Dutzend Songs, das er in einem alten Kühlhaus auf dem Melbourner Fleischmarkt aufgenommen hat, klassisch und doch modern, experimentierfreudig und arty, aber auch kommerziell anmutet.

Murphy schafft den Brückenschlag zwischen den Underground-Clubs, in denen er sein Hauptpublikum sieht, und dem Mainstream. Indem er einfach ganz er selbst ist. Das deutet sich im Opener „Release Your Problems“ an, der einen warmen Fender-Rhodes-Sound mit kratziger Raucherstimme garniert. Anschließend greift er auf Saxofon, Orgel, Handklat- schen und Gitarre zurück. Gleichzeitig aber auch auf verspielte Samples, Loops und Beats, die dieses Debüt um Klassen besser machen als das gehypte Werk von The Weeknd.

Und er glänzt nicht nur mit einem tollen Organ, das wirkt wie ein doppelter Espresso, sondern auch mit Texten der Marke „my happiness is some fucking kind of mess“ (aus „Melt“). Chet Baker wäre stolz auf ihn!
(Musikexpress)

Dabei schafft Murphy auch auf Built On Glass eine elegante Brücke zwischen seinem eigenständigen, cremig verrührten Fender Rhodes-Soul mit elektronischer Schlafzimmer-Produktion und einer gesunden Prise an Pop-Tendenzen. Der Opener Release Your Problems zeigt beispielhaft, inwiefern sich Murphy mit seinem Alias der einstigen Jazz-Legende Chet Baker und dessen damals neuartiger, sehr intimer und nah erscheinender Stimme widmete. Back-Up Vocals, Drum-Computer und eine saftige Bassline lassen die gefühlvoll vorgetragenen Zeilen in gedimmtem Rampenlicht angenehm ihren Lauf nehmen. Zusammen mit der jungen amerikanischen Sängerin Kilo Kish wandelt er bei Melt den wohlbekannten Fender-Rhodes leicht ab, fügt knackige Synthies und eine digitale Flöte der Klasse Black Moth Super Rainbow hinzu. Auf To Me fällt der Rhodes dann ganz weg, dafür bereiten griffige Bass-Riffs neben sporadisch vorbeiziehenden Bläsern und nebeligen Synthesizern den Weg. Ab diesem Punkt geleitet der Track / den Hörer unter Vinylknistern in die zweite Hälfte mit den Worten: "This was the other side of the record. Now relax even more and drift a little deeper as you listen". Und hier wird das Album erst richtig interessant. Murphy bereitet den Hörer ganz bewusst vor und unterteilt Built On Glass in die erste, seichte und leicht bekömmliche Hälfte und die zweite, weitaus experimentierfreudigere Hälfte. Auf Blush erlebt man einen Chet Faker mit Filtern, mit großen Effekten und feingeschnittenen Vocal-Samples.
(Zolin sagt)

Fear Of Men - Loom

‘Loom’ is a record of stifled urgency, as if witnessing the album through a glass ceiling, there’s an apprehension that Fear of Men portray that makes you want to edge closer into the band’s inner circle. Confessional wordplay pops up to make a striking statement just when you wouldn’t expect, ‘Seer’ is the prime example of the Brighton three piece marrying a pleasant aural calm with something more macabre. Weiss throws up the juxtaposed lyrics of “I can help you when you’re down and out” firstly, as if extending a charitable olive branch, swiftly followed by “you make no sense at all with my hands around your neck”, the lyrical equivalent of throttling this unnamed soul with said branch. ‘Luna’ again has Weiss sweetly declaring “I tried my best to destroy you” – there’s the impression that if ‘Loom’ was a person it would be smiling on the outside but falling apart on the inside or a cheerful, personable individual by day and a knife wielding psycho by night.

Melancholy and bi-polar shifts in mood work as an undercurrent throughout ‘Loom’; ‘Green Sea’ commences to the sound of tense, taught strings being strummed, wrapping themselves around Weiss’ wistful voice which swells into sumptuous yet understated harmonies, all these factors invoke a relaxing but uneasy silhouette that’s cast across Fear of Men’s work. ‘Vitrine’ is the epitome of where ‘Loom’ has been spawned from “tell me that you’re perfect still on the surface/but it’s happening underneath/perfect still on the surface/tell me you need me/say that you need me/ideal daydreams show me what I’ve lost” This lyrical baring of the soul is what makes the seasider’s debut such an emotive, enthralling listen.

‘Loom’ triumphs in being vulnerable but with an air of unsettling malice attributing to Fear of Men producing a brave album that is embellished with untold depth and human fragility. <
(Northern Transmission)

Amatorski - From Clay To Figures

Bergketten, fallende Schneeflocken, ein Cover, gehalten in unterkühlten Blautönen und magischen Weißschattierungen. Zu klischeehaft? Vielleicht. Dennoch hätten Amatorski ihr Schaffen kaum treffender visualisieren können. Während die Natur sich von der kalten Jahreszeit befreit, veröffentlichen Inne Eysermans und Sebastiaan Van den Branden ein aus zeitloser Eleganz, ausdrucksstarker Reduziertheit und ergreifender Frostigkeit aufgeschichtetes Kleinod elektronischer Arrangements, die in kein Genre passen wollen. Eine hoffnungsfrohe Endzeitstimmung liegt in der sakral anmutenden Traumwelt der Belgier. Eine, die von einer abgeschiedenen Heimlichkeit lebt. Und diese zu genießen weiß.
(westzeit)

James Walsh - Turning Point

Revealing that he has lost none of his charm at all, it opens with the title track, which has a 1970 George Harrison flow while his vocals remain solid. 'Better Part of Me' is stripped right down, and, a beautiful love song to a wife or partner, is very believable, which is what attracted me to Starsailor originally.

'Empire' is a soul-searching number that will be enjoyeed by his regular audience and shows that the muse hasn't left him at all. 'That Man', is toe-tapping fun, while 'Firing Line' is acoustic-based, again bare to its naked bones, and soulful, reminiscent of Sarsailor's original mentor Tim Buckley.

'Broken You' opens with stunning acoustic guitar, and is heartfelt and warm as a father sings to a sick child. 'We Could Try' is anthemic, and recalls Starsailor in all their brilliance.

'Fading Grace' is gentler, and, finding James backed by just guitar and strings, is absolutely heart melting. 'If I Had the Words' is scratchy, with something of a Crazy Horse vibe.

'Isabel' is backed by piano with soaring vocals which increases his vocal range, and creates a melting point of great ideas. The soulfullness of 'Better Luck Next Time' ends a great debut solo album.
(pennyblackmusic)

Walsh wastes no time reminding us what we have been missing with his unmistakable voice in full flow by the time the title track hits the chorus in the album opener. ‘Turning Point’  has a very catchy chorus – I am instantly hooked and find myself humming and singing along despite it being only my first play of the album.  ‘Better Part of Me’, ‘Empire’ and ‘That Man’ follow and four tracks into the album I think to myself “this album could be getting some serious air-play in my car and house over the coming months”.
The album also features a couple of duets (provided you manage to get copy with the Bonus Track – ‘Better Part of Me’ featuring Carice van Houten) and ‘Firing Line’, featuring Suzanne Vega of ‘Luka’ fame, sounds delicately beautiful with her voice complementing Mr Walsh perfectly in this track.
‘We Could Try’ and ‘If I Had The Words’ remind me somewhat of earlier Starsailor material and both sound great. Granted I have always enjoyed James Walsh’s voice and the material Starsailor released but these are some fantastic songs in their own right. ‘Fading Grace’ hits the mark again and whilst Walsh has been compared to Chris Martin in the past, in this song I am thinking more Bono and loving it!
(gigslutz)

Tom Hickox - War, Peace And Diplomacy

Besonders spektakulär ist die Stimme von TOM HICKOX auf seinem Debüt "War, Peace And Diplomacy" (Fierce Panda/Cargo): Ein warmer, in den neun Liedern spürbar unterforderter Bariton, der durch sinfonisch-schwermütige Arrangements gleitet. Diese Musik kann man sich ebenso gut in einem plüschigen Club vorstellen wie in Londons Royal Albert Hall mit großer Orchester-Begleitung.

Der Apfel fällt ja auch nicht weit vom Stamm: Toms Vater Richard Hickox war einer der renommiertesten britischen Klassik-Dirigenten - daher wohl die Vorliebe des Sohnes für üppige Streichersätze und Cinemascope-Stimmungen. Ohne gute Songs wäre das nur hohles Pathos, aber an guten Songs mangelt es Tom Hickox zum Glück nicht.

Ob mit der Sehnsuchts-Ballade "Let Me Be Your Lover", dem Polit-Drama "A Normal Boy" oder dem traurigen "The Lisbon Maru" - dieser Pianist, Sänger und Songwriter aus dem Londoner Stadtteil Camden versteht sein Handwerk. Dass es Hickox im abschließenden "Good Night" mit dem Bombast etwas übertreibt - geschenkt. Von diesem Britpop-Crooner ist noch einiges zu erwarten.
(süddeutsche)

Let Me Be Your Lover is a song which features lines every love-stricken human being wishes they could pen, if only to tell their love these lines: “Let us share a tombstone in a graveyard by the sea/ then let us hear the crushing in immortality/ let me be your lover, let me be your friend/ let me be beside you whenever it’s the… end.” Muted horns moan in the background with the orchestra, a great swell of sadness moving around the listener. The Pretty Bride Of Russia has Hickox singing from the perspective of a young girl looking to go to London: “I’ll learn to act and sing and make my father proud.” A small orchestra moves the emotion along, undertowing that voice.

To describe Hickox’s voice is an exercise in image comparison. Utterly unique, it fluctuates, croaks, and croons in an unmistakable North London accent, conjuring up smoky pubs and music halls alike, as if Josh Groban has been hanging out with Tom Waits and is splitting the difference. In White Roses Red, swooping strings in minor keys move forcefully across a wall of sound while Hickox gives an intense vocal performance, all screams and utterings in the same sentence. It is here his diction, phrasing, and talent in singing really shine.

In politics, Hickox wisely avoids tackling divisive topics head-on, and instead centers on the human element. No sloganeering here. A Normal Boy is a heartbreaking portrayal of a young man falling into the lure of terrorism. “I want to do what’s right/ I want to carry the fight/ ‘cause I’ve seen a light,” he repeats over and over as the music grows more chaotic, successively showing the aggression and chaos within. Out Of The Warzone describes death in vivid terms, to a tune more more appropriate for romance. This choice isn’t mere irony or satire. When he sings, “My soul is floating away out of the warzone,” no trace of detachment is found, just sweet release.

As Hickox himself says, “I am a great believer in the listener finding their own way. I have failed as a writer if there’s only one interpretation of the lyrics.” For music that moves the soul, you can surely do no better. War Peace And Democracy is a masterwork, demanding repeated listens and sure to spark endless musings and study. And why not? Containing both sobriety and humour, beauty and the grave, Tom Hickox has created a modern classic, a must-have for all those who wish to feel.
(music omh)

The Faint - Doom Abuse

The result is a jittery patchwork of synthpunk pogos (“Evil Voices,” the Devo-esque “Dress Code”), industrial-icy electronica (“Animal Needs,” “Unseen Hand”), metallic punk zaps (“Salt My Doom”) and zany dance-pop (“Scapegoat”).
By the end of Doom Abuse, this frantic energy winds down and culminates in a grinding closer, “Damage Control,” whose grayscale synthpop recalls The Human League’s early days. But even this outlier resonates, thanks to the cloud of regret and sorrow that permeates its lyrics. Whether agitated or brooding, Doom Abuse is a pointed reminder that The Faint is most comfortable when things are slightly askew.
(A.V.Club)

Having jerk-danced their way off the Ultra New Wave map in 2008 they now return with album seven, their goth-tinged electro-rock undimmed, their melodies unsettlingly wonky and their heads filled with scary voices ('Help In The Head', 'Evil Voices', 'Mental Radio'). A good seven years out of date, 'Doom Abuse' is pure synth-pop mania, frequently teetering between unadulterated Trent Reznor pop brilliance ('Unseen Hand', 'Lesson From The Darkness') and impressions of Skrillex driving a monster truck through a Savages gig in a video arcade ('Animal Needs', 'Dress Code'). Does it abuse you? Oh yeah… 
(NME)

Des Königs Goldene - Und Los

Scraps Of Tape - Sjätte Vansinnet

Album No.5 beginnt direkt mit vollem Schub nach Vorne. Eine majestätische Melodie, filigrane Breaks. Dann wird das Tempo rausgenommen und ‘We the Leftheaded’ wandelt traumwandlerisch zwischen Indie- und Postrock mit einem leicht progressiven Einschlag und einem herzzereißendem Gesang im Finale. (prettyinnoise.de)

Was SCRAPS OF TAPE […] veranstalten, ist beängstigend stark: "Hands In Hands" beispielsweise kann mit unterschwelligem OCEANSIZE-Flair und dezenter Indie-Rock-Schlagseite überzeugen (Wunderbar auch: die energischen Anschläge der Akustik-Klampfe im treibenden Mittelteil). Aber auch das wiegende "Teardrop Fucking Dropkick" und das intensive "Vultures With High Heels", das von brachialer Epik bis hin zu tänzerischer Leichtigkeit die gesamte Spannweite des Genres abdeckt, reißen mit. (metal.de)

Sjätte Vansinnet bietet eine ausgewogene Balance zwischen instrumentalem Können, dem unglaublich verbessertem Gesang eines Johan G. Winther, sowie dem Schlagzeugspiel des Ausnahmedrummers Frederik Gillhagen. Um die Hörerschaft noch mehr zu motivieren: Leser, die dies hörten, mögen auch Low, At the Drive-in, Mogwai etc… (prettyinnoise.de)

Seahaven - Reverie Lagoon: Music for escapism only

• 13.04. Hamburg
• 14.04. Köln
• 15.04. Berlin