Geradezu verzweifelt versucht die Band aus Leeds in ihrem immer noch vor allem von Gitarren gestützten, gelegentlich Synthie-Pop-Sounds aus den Achtzigerjahren einsetzenden Indie-Rock jene jugendliche Euphorie wiederzubeleben, die ihre frühen Songs zu solch unwiderstehlichen Hits gemacht hat.
Aber nun, da die Kaiser Chiefs bald die Ära Merkel überlebt haben werden, schimmert – ersten grauen Haaren gleich – immer wieder die Melancholie durch den krampfhaften Uptempo-Optimismus.
(musikexpress)

Die Single "Record collection" zeigt, dass ein Midtempo-Hit über die Vorzüge physikalischer Tonträger auch mit elektronischer Grundierung und frechem Synthie-Gesprotze bestens funktioniert – Hauptsache, es klatscht und groovt. Und dass Kaiser Chiefs die letzten Jahre mitnichten in einer Kiste auf dem Dachboden verbracht haben, sollte spätestens bei "Wait" mit von Portugal. The Mans "Feel it still" stibitztem Bass und dem ähnlich gepolten Beziehungsdrama-Gerumpel "Don't just stand there do something" klar geworden sein.
Wer nun über weite Strecken den Tiefgang vermisst, hat zwar nicht Unrecht, aber auch das Thema verfehlt, denn vom ebenso sorglosen Erstling unterscheidet sich "Duck" lediglich durch nicht ganz so pointierte Songs und weniger frenetisches Machenwollen. Nicht umsonst ist die strahlende Halbballade "Lucky shirt" der schönste Moment dieses Albums und umarmt den Hörer genauso wie einst Little Man Tates "Joined by an iPod" – noch so ein paar alte Helden.
(Plattentests)

Musikalisch ist seine Band elektronischer unterwegs als Queens Of The Stone Age, aber patriarchalisch breitbeinig steht auch Shuman da, wenn er alte weiße Männerverse über „Bad Things (That Make You Feel Good)“ singt. Weil bei Mini Mansions die Keyboards häufig wie Gitarren klingen (und umgekehrt), erinnern viele Songs an teure Produktionen der 80er, als abenteuerlustige Tontechniker den Gitarrenrock in die Moderne bringen wollten und dabei vergaßen, dass die Grundlage für jedes Studioexperiment weiterhin solides Songwriting ist. GUY WALKS INTO A BAR wäre schon damals untergangen – und tut es auch heute.
(musikexpress)

Im Gesamten besteht das Album aus einer Vielzahl von kleine, aber ganz wunderbaren Folk-Songs wie dem fast akustischen Hotel Bars, dem banjolastigen My Dear, der Mundharmonika-Ballade There’s a Girl oder What I’ve Been Kicking Around, das mit schönem Fingerpicking a la Bob Dylan aufwartet.
Aber es gibt auch die fulminante Uptempo-Nummer I’m A Stranger Now bevor es mit Waiting for my Ghost wieder akustisch wird. Bei dem Song I’ll be a Sky vermisst man etwas die Richtung aber All I can keep is now ist dann wieder purer Folk mit einigem Herzschmerz und erkennbar fließender Grundmelodie.
Der finale Song und Titel-Track I love you. It’s a Fever Dream wird mit sanft eingesetzten Bläsern veredelt und ist ein würdiger Abschluss für das insgesamt grundsolide und gelungene Album.
(Pretty In Noise)

Verpackt hat Matsson seine zehn neuen Geschichten einmal mehr in melodiöse Indiefolk-Schmachtfetzen, die freilich immer noch vor allem von der grobkörnigen Stimme des Schweden leben. Die Dynamik wurde indes ein wenig reduziert, oft wirken die neuen Stücke getragener und ruhiger, gerade im Vergleich zum Frühwerk des Singer-Songwriters. (…)
Am besten wird The Tallest Man On Earth jedoch immer, wenn er wieder etwas dynamischer zu Werke geht, so wie im flotten Folkpop von "I'm a stranger now", einer frühlingsfrischen Hymne, die bei jedem guten Radiosender rauf und runter laufen sollte. Natürlich ist die Nummer durchwirkt von einer gewissen Melancholie, doch Aufbruch und Optimismus schimmern hell durch, geben Hoffnung und runden diesen wunderbaren Song letztlich ab.
(Plattentests)

Sind es mal Songs zum Träumen, dann sind es wieder auch Songs zum Nachdenken. Mit Klavier und Drums, seinem Spiel mit der Stimme (bis in die Kopfstimme) wird so ein perfekter Atmosphärensound präsentiert. Mit „Lofa Mér“ gibt es auch direkt einen fast 5 miütigen radiotauglichen Einstieg, welcher auch als erster Vorbote zum Album schon kräftig punkten konnte.
Mit „Intelligentle“ als Titeltrack gibt es zudem auch einen feinen und verspielten Song zu hören. Was ich mir aber immer wieder gerne an isländischen Künstlern lobe, dass sie keine Scheu haben in ihrer Muttersprache Tracks für den internationalen Markt zu performen. Mit der Ballade „Brudkaupslag“ gibt es so einen sehr gefühlvollen Song zu hören, der wirklich nur auf ein Minimum reduziert ist, aber so umso mehr im Text ausstrahlt. Einfach nur Helgi Jonsson und seine Gitarre. „Lyfta“ präsentiert sich dagegen schon wieder etwas tanzbarer und zeigt mehr Positivität. Ein Stück, was auch seine Individualität wiederspiegelt und Hoffnung macht, dass es bis zum nächsten Album nicht wieder 8 Jahre braucht.
(The Mellow Music)

Musikalisch kann dem Singer/Songwriter sowieso keiner was. Er baut seine Songs wunderschön auf, oft ist das Klavier beteiligt. Um den klassischen Radio-Popsong scherrt er sich nicht, wie bereits der Einstieg mit dem fünfminütigen “Lofa Mér” zeigt.
“Other Than You” hat eine herrliche Atmosphäre, ähnlich wie die Facebook-Videos, auf denen er und Tina Dico Musik machen, während ihr Neugeborenes auf dem Arm seiner Mutter friedlich schläft.
Zwischenzeitlich wechselt Jonsson in die Kopfstimme, was auf die Dauer eines ganzen Songs etwas anstregend werden kann. Die meiste Zeit über lässt sich das Album aber sehr angenehm durchhören.
Natürlich lässt sich Helgi Jonsson die Chance nicht nehmen, auch auf Isländisch zu singen. Und selbst das klingt wunderbar – “Brudkaupslag” sei jedem Hörer ans Herz gelegt. Der allerbeste Song von “Intelligentle” ist dann aber doch das sehr zerbrechliche und schöne “Hundred Miles”.
(Bleistiftrocker)

The hooks remain on ‘Reasons To Dream’ - there are bucketfuls of earworms - but there’s an added bite and emotional weight to their make-up. Lead single ‘Never Let Go’ is a gargantuan statement - both in message and sound - with swirling guitars and Aoife Power’s astonishing vocal range lifted above swathes of reverb as she delivers a hammerblow message to those suffering with their mental health, repeating the track’s title.
‘Future’ treads the same path, bravely detailing the suicide of a friend and the emotional recovery that followed. Team this heavy emotional resonance with the gorgeously catchy skips of ‘You’re Grand’ and ‘In My Dreams’, and ‘Reasons To Dream’ sees Whenyoung come good - better than good - at exactly the right time. On their debut, they’re a band to believe in.
(DIY)

Reasons To Dream features internal thoughts that are relatable and moving. The album opens with 'Pretty Pure', which is an energetic and anthemic slice of pop. The track is catchy and is home to a chorus that will draw you in instantly. 'Pretty Pure' is reminiscent of a feeling that crawls beyond the surface. This charged up opening presents the backdrop for the rest of the album. 'Never Let Go' is a gut-wrenching yet soaring number inspired by mental health. The track captures one's search for release amongst the darkness. 'You're Grand' is another example of their skill of crafting a song that is enwrapped in introspective lyrics, but is also catchy. Inspired by the loss of a friend, 'Future' explores the emotional aftermath. Appearing towards the end of the album 'Blank Walls' is another erupting song designed to be blasted aloud. Standout words include, "If you try, you might cry, you won't die, you might cry." Across many instances on Reasons To Dream, whenyoung are able to explore fragile moments and feelings and turn them into something that's utterly beautiful. (…)
Reasons To Dream is a release that will remain etched in your mind — whenyoung have poured everything they have into the album and the result is a listening experience that's unforgettable.
(Wickedd Childd)

Musikalisch ist vieles anders als auf dem Vorgänger „Ozcy Mlody„. Zu Rock und Psychedelia gesellen sich auf den neuen Songs auch viele wolkige Elemente. Und das tut dem Sound der Band richtig gut. Das etwas überpathetische „The Sparrow“ mag noch Restzweifel lassen. Aber spätestens mit dem gigantischen „Giant Baby“, dem spacigen „Electric Fire“ und der Überhymne „All For The Life Of The City“ (in dem der barmherzige König sein Leben opfert, um seine Bevölkerung vor einer nahenden Schneelawine zu retten) wird klar, dass Wayne Coyne & Co. hier einen echten Hochkaräter geschaffen haben. Der „Yoshimi“-Vibe ist zurück. Und die Querverweise ebenfalls: „Funeral Parade“ ist nahe an Pink Floyd. „Mouth Of The King“ zitiert den Post 60s-Donovan und „How Can A Head“ liegt irgendwo zwischen den Byrds und The Cure.
(Sounds and Books)

Was einen dort erwartet, ist ebenso unvorhersehbar wie das Wetter in den Tiroler Bergen: Einmal tragen einen die Klänge wunderschönsten Dream-Pops (»All That Ever Could Have Been«) bis ins nächste Tal, ein anderes Mal wird man von der Sounddecke des 15-minütigen Post-Rock-Epos »Coming Of Age« aufgefangen.
Textlich sind die beiden etwas mehr am Boden geblieben: Krisen des Erwachsenwerdens, Vergänglichkeit und Zeit bilden den thematischen Rahmen. Obwohl man sich hier definitiv in höheren Sphären bewegt, klingt das Ganze alles andere als abgehoben, sondern ganz einfach nach einem guten Angebot, sich hin und wieder in die höchsten Höhen zu begeben, vielleicht den einen oder anderen Blick zurück zu wagen und sich dann von Geräuschnebel und Klangwolken der Band davontragen zu lassen.
(The Gap)

This is an album where quiet is key, they have a propensity towards ‘the hush’, using the space between sounds as instrumentation in very much the same wayas Talk Talk did on their final two albums, However, they can also switch from skeletal sounds to highly nuanced electronica with ease, or ditch the percussion altogether. On the yearning "Slowly", they simply use guitars and atmospherics, creating a beautiful, barely-there piece which is equal parts Pygmalion-era Slowdive, and long-lost Jeff Buckley B-side.
In these times of instant gratification and short albums making a double could be seen as an act of short sightedness, steely eyed confidence of your brilliance, or misguided arrogance. All That Ever Could Have Been is a double simply because it has no choice: this wonderful music takes time to get to its conclusion.
(The Line Of Best Fit)

Sonic touchstones like Slowdive and Sigur Rós come to mind and when Andersson dips into his falsetto on songs like "The Fountain of Youth" and "Weep, Gently Weep," the duo leans even more heavily into the latter's influence. Molly have a fine ear for small details and some of the album's more striking moments involve gentle scatterings of birdsong (the pastoral "Vogelnest"), distant cowbells (the title track), running water ("As Years Go By"), and other natural elements native to their locale. In terms of its approachability, the LP is familiar in tone, though somewhat of a grower. While its charms might take a few spins to unpack themselves, Andersson and Dornauer have applied their own unique set of filters and experiences to the dreamier side of post-rock on this solid debut.
(All Music)

Der Titeltrack wird von perlenden Gitarren-Arpeggios angetrieben, zudem verstärken Streicher Wyndhams sehnsüchtige Lyrics: „She’s watching from heaven, she’s always beside you.“ „Heaven Up There“ wiederum ist mit sieben Minuten so etwas wie das Epos des Albums, mit drängenden Spitzen und langen ruhigen Passagen.
Dazwischen gibt es allerlei elaborierte Arrangements, clever gesetzte Brakes und ansprechenden Songaufbauten zu hören. Manchmal sind die Engländer allerdings zu sehr verliebt in den eigenen melancholischen Schönklang und vergessen darüber die notwendige Dynamik, um die Spannung in den Stücken zu erhalten. Dennoch ist „Life After“ eine gute Platte geworden, die selten etwas mehr Tiefe vortäuscht, als tatsächlich vorhanden ist.
(SoundMag)

Auf Gitarre, Gesang und Schlagzeug wurde massenhaft Hall gelegt – als wären die klanglichen Grundfarben mit zu viel Weiß vermischt, was zu einem schwammigen, auf Dauer faden, spannungslosen Sound führt.
Nein, ein Meisterwerk ist "Life After", das zweite Palace-Album nicht, trotzdem verheißt es Großes. Einige Songs ragen hervor aus dem Einerlei: Das in einem umsichtigen Sechs-Achtel tänzelnde "Bones" etwa, das mit Cello und Geige aufwartet. Oder "Heaven Up There", der Schluss-Titel – eine zerbrechliche Hymne, die mit rückwärts eingespielten Gitarrentönen beginnt und ungewohnte Klangfarben ins Spiel bringt.
(BR)

Palace spielen das Spiel der Sehnsucht, das jedoch viel zu schnell auserzählt ist und ab der Mitte des Albums zunehmend langweilt. Über die gesamte Spielzeit mangelt es den Songstrukturen und Melodieführungen schlichtweg an Abwechslung. Zu gleich klingen die einzelnen Stücke des Londoner Trios, es fehlen wahre Highlights. Mit der Zeit stechen jedoch Tracks wie „Martyr“ und „Running Wild“ aus der Gleichheit heraus und erscheinen gleicher als die Gleichen.
(musikexpress)

Die vielfältigere Instrumentierung sorgt für eine hohe atmosphärische Dichte, Cunninghams ätherisch-intensive Jungenstimme für emotionale Wirksamkeit. In dieser Weise erinnern „Don’t Go Far“, „Sink In“, „Bite“ und „Force Of Habit“ an José González bzw. dessen Band Junip. (…)
Das Titelstück lässt mit seinen Synthesizer-Motiven und treibendem Schlagzeug an Snow Patrol denken, das hymnische Gitarrenriff von „Different Spaces“ an die frühen Coldplay. Gerade diese Vergleiche zeigen, dass sich Charlie Cunningham auf „Permanent Way“ auch vor poppigen (Mainstream-)Ansätzen nicht fürchtet.
(SoundMag)

Wohin die Reise geht, fasst der eröffnende Titelsong „Permanent Way“ prima zusammen. Diese gut vier Minuten hätten auch prima auf das Debüt gepasst. Feines Fingerpicking, butterweicher Gesang und dezent wabernder Elektronik-Unterbau – man fühlt sich entfernt an die große Post-Dubstep-Welle vor einigen Jahren erinnert – setzen große Gefühle frei und bohren sich, gerade im instrumentalen Teil, immer tiefer ins Kleinhirn. Dort landet auch „Bite“ ohne Umwege. Während der beateske Unterbau mit warmen Synthis immer wärmer schimmert, singt sich Cunningham frei und drückt dem eigensinnigen Melodieteppich seinen Stempel auf.
Überhaupt wirkt dieses zweite Album noch eine Spur souveräner und breiter aufgestellt. „Different Spaces“ hat etwas herrlich Schwelgerisches an sich und zeigt, wohin die Reise von Coldplay hätte gehen können – reduziert, eigensinnig, dennoch poppig angehaucht. Aus „Stuck“ wird nach und nach eine große Halb-Ballade, „Sink In“ entfaltet beinahe meditative Qualitäten und „Hundred Times“ geht mit seinen beklemmenden Untertönen unter die Haut. Das geschickt anschwellende, nach und nach von filigranen Beats überrannte „Force Of Habit“ entpuppt sich als Urgewalt.
(Beatblogger)

 

Widow’s Weeds thus grants us backstage access to the band at its most vulnerable and personal, but also its most clear-eyed and intrepid. After years of lackluster reviews and a string of personal struggles, the Silversun Pickups were perfectly poised for renewal and, as Aubert croons on “Don’t Know Yet,” the band has worked hard to “reboot the machine.” Under Vig’s steady hand, they’ve stripped away the stylistic accretions of their previous albums and come up with a much tighter, more identifiably rock sound.

Ärgerlicher sind die Schwächen im Songwriting: Elektro-Pop-Stücke wie „Never Be Without You“ gehen gerade mal als nett durch, „Only In Dreams“ versucht sich an Beach-Boys-Harmonien, versandet aber im Hall, bei „Careless Sun“ versuchen es die beiden am Ende mit Breitbandkrach, erreichen aber nur die emotionale Dichte von Lärm-Handwerkern wie Archive. „Passerby“ zeigt einen Ansatz für die Zukunft: Cembalo-Elektro, der klingt wie Musik aus einem französischen Film, gänzlich ohne die ohnehin öden Beats.
(musikexpress)

Wären Coldplay nicht auf Stadiontour gegangen, sondern hätten einen Bauernhof in Cornwall gekauft und dort einen Biohonig-Markt eröffnet – dann würden sie heute so klingen wie diese englischen Debütanten. Rachel Goswell, Mitglied bei Slowdive, ist das bekannte Gesicht bei The Soft Cavalry. Im Vordergrund steht ihr Ehemann Steve Clarke, der als katzenpfötiger Sänger und Autor die Songs verantwortet, zwischen elektrischem Landhausfolk und sphärischem Klingklang. Angenehm, aber wenig zwingend.
(Radio Eins)

What follows is an album that sounds like we were wakened in the era of Nightrider, The A-Team, Garbage Pail Kids, and Rubik’s Cube. With the shimmery, glittery synthesizer sound of the ’80s, Goodnight Paradise sounds like it could be the soundtrack to any of the retro-period dramas that have become popular as of late. (…)
What makes this album stand out are catchy rhythms in songs like “Red Roses,” “William,” and “Birdie.” They are clean, tight, and show the obvious professional attitude of the band. And although this reviewer enjoys the faster songs, Graveyard Club offers slower ballads like “Cassandra,” “Maureen,” and “Miles and Miles” for those who need a song so they can lean into their partner. (Think date night, at home, dancing in a living room lit by candles.) In these quieter songs, Matthew Schuman and Amanda Zimmerman vocals work like they were born to sing together.
(Alt Review)

It’s immersive and ardent, the music often a brooding soundscape, which requires a little tearing to see beyond that, towards the magic. The band, Reuben, Fraser, Robyn, Jayson and Callum, all hit all the right chords, backing the daunting vocals of Neil’s rather wonderfully, concluding the set with no encore, the album has been played and Meursault once again remind us of their worthy place within Edinburgh’s thriving musical scene.
(The Fountain)

Not to say there isn’t a familiar sound at heart. There’s banjos, guitar, strings, a gossamer-light overlay of glitch and whirr. Pennycook retains his skill of eking emotion and loveliness out of the most economical and pared back of melodies. But those melodies are more scuffed – Strong Armed Son sets out a stall, seeing them harshened up and given a real bass propulsion before decending into an end of discordant descants. Elsewhere songs have been given a fuller and more foreboding tone. Nakhla Dog for instance has grown from Watersons-like folk into something more complex. Where other Meursault songs have swelled into almost euphoric heartbursts, these songs still swell, but into something more reined in and pensive, until finally Jenifer bursts into a thunderous rage.
(Backseat Mafia)

Across songs such as Hounds, Nervous Riders, Easy Pleasure, Shoot To Forget, First You Leave and the album title track, Flamingo, Olympia’s Flamingo flies in the face of fear and takes your hand gently but with daydream fervour held in belief that makes the listener understand they too can embrace the magnetic dance which unfolds as the flamingo delicately steps through the flame coloured water and sees the reflection in the once rippling tide, now still, and careful of the desire to shun society; to flock together with others and avoid the icy stare of predators who hunt for the decorative plumage that some will wear to show solidarity and the yearning to be free.
A wonderfully envisioned album, songs that remind what it means to hold on tight as the winds of change threaten to shift your viewpoint, but also one that adepts to the gentle twist when required. Flamingo stands firms and proud.
(Liverpool Sound and Vision)

Von Demos zu reden, wird der Sache aber nicht gerecht: Es ist eher so, als würde ein Meisterkoch geniale Menüs erfinden, diese hinter den Kulissen für einen exklusiven Kreis vorkochen, um das Essen dann von Kollegen servieren zu lassen. Dank ORIGINALS sitzen wir jetzt alle mit Prince am Tisch. „Nothing Compares 2 U“ steht am Ende dieser Sammlung, geschrieben hatte Prince das Stück ursprünglich 1985 für The Family. Anders als später Sinéad O’Connor bietet der Songwriter keinen tieftraurigen keltischen Trotz, sondern Blues-Drama, bei Prince ist das Stück ein solider Schleicher, erst O’Connor lässt es ins Übermenschliche wachsen.
Die bessere Ballade ist „Love… Thy Will Be Done“, gesungen von Martika, Anfang der 90er-Jahre einer Pop-Königin mit kurzer Regierungszeit. Die Grundspur des Prince-Originals wurde auch für die Version auf MARTIKA’S KITCHEN verwendet, dazu noch etwas Mainstream-Make-up und Martikas klarer Gesang – fertig ist ein brillantes Stück zwischen Pop und Soul. Es würde nicht wundern, wenn Justin Vernon auf der nächsten Bon-Iver-Platte mit ähnlicher Musik um die Ecke kommt. (…)
„Make-Up“ ist ein rasend gutes Future-R’n’B-Stück aus dem Jahr 1981, die Funk’n’Rap-Sause „Holly Rock“ und das kreuzbrave „The Glamorous Life“ repräsentieren seine Songwriter-Arbeit für Sheila E., die wie auch Jill Jones, Taja Sevelle oder The Time Teil der Prince-Organisation war. Der Chef belieferte diese Acts mit Songs, baute damit an seinem Pop-Imperium, war halb gönnerhaftes Genie, halb kreativer Diktator.
(musikexpress)

Es gehört schon eine Menge Talent dazu, einen Song wie die ebenfalls gehypte Single "Someone you loved" zu schreiben: unerwartete Brüche in der Melodie, eine schlichte, aber nicht beliebige Klaviermelodie und eine schnelle, emotionale Entwicklung, die bei Capaldis wirkt wie ein stimmlicher Kraftakt. So ergreifend das Stück ist, so abrupt endet es auch: kein vorbereitendes, emotionales Absacken, kein Mikrofon, das langsam abgedreht wird. (…)
Der Fokus von "Divinely uninspired to a hellisch extent" liegt dennoch auf balladesken Lovesongs, so wie beim anmutig langsamen "Lost on you" oder in "Fade", wo in Capaldis Stimme auch bluesiges Brummen zum Vorschein kommt. Und stellt man einen Vergleich an, wird auch ein weiterer Unterschied zu Ed Sheeran und Co. deutlich: Die Stücke klingen nicht durchkonstruiert oder darauf angelegt, möglichst viele Menschen zu erreichen. Das Gefühl, dass Capaldi seine Songs nur für explizit angesprochene Personen geschrieben hat, bewahrt er sich auch in ihnen. Zwar sind einige ausgeschmückter als andere, im Kern basieren sie aber alle auf sehr rohen und dennoch charmanten Songwriter-Künsten. Und irgendwo muss ein Hype ja auch herkommen.
(Plattentests)

Die durchweg subtil und zurückhaltend inszenierte Instrumentierung hebt sich schon mal positiv hervor. Gitarre und Klavier beherrschen beinahe durchgehend das musikalische Geschehen. Kein Song wirkt unnötig überladen. Die Stimme Capaldis entfaltet sich gut, insbesondere bei Balladen wie dem sehr intimen "Bruises" oder dem elegischen "Lost On You". Auf der lyrischen Seite dominiert adoleszenter Herzschmerz mit all seinen Facetten: toxische sowie zu Ende gehende Beziehungen, Verlustängste, die große Liebe, Sehnsucht, die Leiden des jungen L. Lediglich "Hollywood" handelt von der inneren Unsicherheit, wenn man zum ersten Mal weit weg von Zuhause ist - übrigens der einzige, etwas fröhlichere Uptempo-Song. (…)
"Divinely Uninspired To A Hellish Extent" ist ein sanftes Stück Musik, das den Hörer in den Arm nimmt und Verständnis für schwierige Angelegenheiten zeigt. Es sind berührende Songs, die jeder versteht. Darin liegt auch das Problem: Das unerbittliche Pop-Konstrukt verschenkt das unverkennbare Talent des Lewis Capaldi ein wenig. Sein Erfolg tröstet ihn darüber hinweg.
(laut)

House-Dekonstruktionen („Traffic“), Ambient („Dawn Chorus“), IDM („Not The News“), Psych („The Axe“), Kraut („Runawayaway“) als Orientierungspunkte in einer musikalischen Landschaft, die auf den ersten Blick nicht unbedingt zum Wellness-Urlaub einlädt.
Auffällig ist, dass die Stimme auf ANIMA mehr und mehr zu einer weiteren Klangfarbe wird in diesem immer leicht „unsauberen“, verschmierten Soundbild; Gesang und Musik sind zumindest gleichberechtigt. Die Tracks des Albums hat Thom Yorke live und im Studio zusammen mit Produzent Nigel Godrich erarbeitet, der aus Skizzen kurze Samples gebaut hat, die wiederum die Basis für die Musik auf ANIMA wurden.
(musikexpress)