Das Albumdebüt der amerikanischen Indieband FAKE PROBLEMS präsentiert einen spannenden Mix aus Punk, Country und Folk. Die limitierte LP-Edition erscheint im Clear-Vinyl-Format! Die aus Naples, Florida stammende Band FAKE PROBLEMS spielt eine furiose Mischung aus Punk, Country und Folk und wurde aufgrund ihrer stilistischen Vorlieben bereits mit Acts wie AGAINST ME! und TWO GALLANTS verglichen. Auf ihrem Debütalbum 'How Far Our Bodies Go', das von ROB McGREGOR (HOT WATER MUSIC) produziert wurde, präsentiert sich das Quartett mal atemlos punkig, dann wieder folkig entspannt und gelegentlich blitzen einige
Country-Swing-Elemente durch. Mit ihrem Longplayer laufen FAKE PROBLEMS keinem Trend hinterher, sondern setzen sich ganz souverän neben die bereits erwähnten Genre-Größen.

“Plenty”, the result, is a record which is produced to the highest standards of slickness. It sounds completely polished; every note is perfectly played. It is also one of the most horrible records I have ever heard in my life. Firstly, this entire album is as sterile as a nuns piss. Secondly, an awful lot of the songs, while recorded and played incredibly well, sound exactly like Coldplay would sound if they had had their balls cut off. Yes, I know. Or like David Gray on too much Horlicks. Lyrically it is so bad – completely stuffed to the gills with worn-out clichés and the most irritatingly-obvious rhyming couplets – I can’t believe the other musicians involved were even able to take the songs seriously enough to get their parts down. They are that bad. Reader, I have listened to some shit over the years on your behalf, but this is literally the most despicably banal, mediocre and ball-less record I have ever heard, which is some achievement. It is intended for consumption by estate agents, middle managers, insurance salesmen, sports agents and other soulless cunts atoning for their sins in everything they do in their miserable lives; well I hope so, because that’s who will listen to it, as part of their punishment. The review will now stop because if I have to listen to another second of this I’m going to rip out my own spine, and if anyone ever plays me any Red Box ever again I will punch them and burn their children. Have I made myself clear?
(subba-cultcha.com)

The Walkmens Mitglieder stammen aus New York und Philadelphia. In den zehn Jahren seit der Gründung hat die Band mit ihren fünf Alben bereits einige Fans und wohlwollende Kritiker hinter sich versammelt, so dass im Vorfeld der Veröffentlichung zu “Lisbon” im September dieses Jahres durchaus eine gespannte Vorfreude in diesen Kreisen zu vernehmen war.

“Lisbon” widmet sich wenig überraschend Lissabon. Die grundsätzlich melancholische Grundstimmung des Albums wird durch eine unbeschwerte Offenheit beim Einsatz diverser Musikstile konterkariert. Das beginnt noch recht harmlos, um sich über Surf-/Indierocknummern zu “Stranded” zu steigern. Dieser Song läuft bei mir dem massiven Bläsereinsatz wegen unter dem Label “Indievolksmusik” und soll dadurch keinesfalls abschrecken.

Hier kein Video zu diesem Song:

Danach nimmt das Album noch einmal Fahrt auf, um mit zwei Balladen zu enden. Hamilton Leithausers charismatische Stimme bildet die Klammer um die musikalischen Experimente der Band. Ganze fünf Tage nahm man sich für die Aufnahmen Zeit. Nach einem Schnellschuss hört es sich aber definitiv nicht an. An den Reglern saß Chris Zane, der auch schon den Toyko Police Club, Les Savy Fav, The Rakes und Mumford & Sons zur Seite stand.

“Lisbon” vereint und versöhnt viele Stile und Ideen und bildet damit nicht nur wegen des Songs “While I shovel the snow” einen Soundtrack für einen mäßig gedämpften Jahresausklang. Das Album ist eher ein Liebhaberstück als ein Aspirant auf Top 10-Ränge in Jahresbestenlisten. Aber da in solchen Kanye West zu finden ist, kann diese Tatsache durchaus als Qualitätsmerkmal interpretiert werden.

Monsters and Critics:

Ihre Musik ist stets ein gleichermaßen talentvoller wie schwermütiger Balanceakt zwischen kaputtem Garagen-Krach, verkappten Balladen, hochanständigem Soul und mitreißenden Fetzen aus Country und Folk. Und auch auf 'Lisbon' wird alles wieder zusammengehalten durch Leithausers Stimme, die verstreuten Gitarren und eine feingeistige Rhythmusfraktion.

es scheint unvorstellbar, die musik von orenda und maria innerhalb der schalen grenzen des formatradions auftauchen zu hören. auch "drawing down the moon" wird dieses schicksal vorbehalten bleiben. gut so. denn dieses album könnte vorschnell abgeurteilt sein, als esoterisch verschusselt, larmoyant und innovationsfeige. dabei ist es feingliedrig, feinsinnig, anmutig. die emotionale tiefe und vor allem reife spricht aus jedem dieser zwölf tracks. ganz zu schweigen von der sorgsamen, bedachten und die protagonisten geradezu verehrenden produktion. mich entzückt die liebliche gitarre in "make your heart", die geschlagene rassel, das streichermeer, der verwobene background aus agiler perkussion und zwiegesang, das flehentlich versöhnende von "silver sorrow" (die melodie ist himmlisch) oder die an die ohrmuschel herangeführten stimmen in "signs in the leaves". und so geht es hinfort, dieses album. mit seinen vielfachen lauschigen plätzen, wie bäume mit großen kronen im sommer, unter denen sich kühler schatten finden läßt. und so dauert dieses album denn auch an. weil es sich breitet, ganz ohne hast note für note abspult. ich genieße den hingehauchten vortrag von "love and permanence", da der beat elektronisch das synthiewabern begleitet. ich tauche unter im forcierten ritt von "shouldn't have loved" aus stringbewehrter eleganz und schlagwerkelnder kühle. ich lasse mich an die hand nehmen von den schwestern im geiste, wenn sie "wake up, sleepyhead" sirenengleich zelebrieren. es bleibt zu konstatieren, dass das projekt azure ray in bewegung ist. kein schritt zu seite, einer nach vorn. modern und originär.
(das klienicum)

Lieber bewegt sich der Kanadier allein auf seinem Trip zwischen dumpfen Bässen, blubbernden Synthies und ganz viel Gebimmel, Geläute und Gegonge. Denn richtig: Wer so ein Schwindel verursachendes Cover wählt, der macht einfach keinen gemütlichen Wolldeckensound, der handelt eher nach dem Prinzip "einer geht noch".
Unerschrocken wuchtet Snaith Sound um Sound, trippelt vom Rave zum Räucherstäbchen, vom technoiden Free Jazz zum übergeschwappten Synthie-Dance. "Swim" ist das sechste Album des ehemaligen Mathematikstudenten, der zuvor als Manitoba seine kopfgesteuerten Soundformeln auf Platte gebannt hat. Und ja, diese "big messy psych record" ist so anstrengend, wie es klingt. Wer aber die Herausforderung und wilde Tapetenmuster liebt, der schwimmt bei so vielen Überraschungsmomenten oben.
(intro.de)

You could argue that This Is Happening lacks its predecessor's startling sense of mapping out new territories, but if it confines itself to doing what LCD Soundsystem do, it does it all incredibly well. At one end of the emotional spectrum there's the shouty indie-disco flavours of Drunk Girls and Pow Pow, the latter of which sets a stream of consciousness rant against a backdrop of twitchy guitars and flanged hi-hats. At the other there's All I Want's bruising confection of guitars and doo-wopping backing vocals that recall Brian Eno's Here Come the Warm Jets and what sounds like Murphy bitterly picking over a failed relationship, and there is I Can Change, on which the perky early 80s dance-pop setting conceals a mounting sense of hopelessness and desperation. "I can change," he keeps repeating, "if it will help you fall in love with me."

It ends with Home, its burbling synthesisers and clattering percussion simultaneously euphoric and subdued, with Murphy, as ever, plagued by doubts on the dancefloor, unable to decide whether music "can shut the door on terrible times" or only mask them partially: "Love and rock are fickle things … under lights we're all unsure." But he signs off with an unexpectedly positive flourish: "If you're afraid of what you need, it won't get any better." For once, he sounds like a man facing the future confidently. Given the records LCD Soundsystem leave behind, you can't really blame him.
(guardian.co.uk)

Crank up "Dance Yourself Clean," the opening track on LCD Soundsystem's third album, at your own peril: a pitter-pat of drums and main man James Murphy's muttering lead to a speaker-lacerating modular synth blast. "Everybody's getting younger / It's the end of an era, it's true," Murphy states, revisiting the hipster-crank persona that he's embodied ever since his epochal and encyclopedic debut single, "Losing My Edge."

But what keeps Murphy from being an insufferable know-it-all is how he folds deeper emotions into his references. "All My Friends" resonated not because of the Reichian piano and Pink Floyd reference but for its friendship lament. Happening's heart is "Change," which uses an early acid beat to detail a disintegrating relationship. Murphy's high register breaks at the refrain of "in love," and it's the most emotionally devastating dance-floor moment since New Order's heyday.

Recording at Rick Rubin's Los Angeles mansion rather than in hometown New York makes for slightly more languid and spacious grooves than on 2007's Sound of Silver. Only the new-wave shout-along "Drunk Girls" (yes, it's as annoyingly catchy as you might expect) is edited to pop specifications. On the driving "You Wanted a Hit," a beatless shimmer dovetails into an "Our Lips Are Sealed" backbeat over nine delectably uncommercial minutes. "We don't do hits," Murphy sneers. Older, snottier, his edge remains.
(spin.com)

“Grinderman 2” taucht in vielen Jahresbestenlisten auf. Bei den verwöhnten PvG-Richtern wird es vielleicht nicht für die Top 20 reichen!?

Grinderman ist das Bluesrock-affine Extrakt aus Nick Cave And The Bad Seeds. Mit “Grinderman 2” legte die Band nach dem Debüt im Jahr 2007 ihr zweites Album vor. Auch auf dem Nachfolgewerk werden keine Gefangenen oder Zugeständnisse gemacht. Bluesrock-Kracher treffen auf entschärfende  balladeske und psychedelische Momente und Einschläge anderer Spielarten des Rock. Der mit dem ersten Album skizzierte Weg wird so um ein paar Schleifen erweitert aber darüber hinaus konsequent weitergeführt. “Grinderman 2” klingt etwas polierter aber weiter zornig und direkt.

Der NME vergibt 8 von 10 Punkten:

Three years later, a continuing sexual impasse has twisted their snappy garage blues into testosterone-addled, thick-browed rock and lurching psychedelia.

Die Abgrenzung zur Hauptband macht in meinen Ohren Sinn. Ich mag die Energie, die in diesem Album steckt. Besonders intensiv finde ich “Bellringer blues” und “Worm tamer”.

Und noch ein paar Sätze von Musikreviews.de:

GRINDERMAN sind Garage Rock, wie er im Buche steht. Ruppig, manisch, krachig, ein wenig unkoordiniert und scheinbar improvisiert. Man hört die Lust am Lärmen, die Freiheit, sich keinerlei kompositorischen und klanglichen Zwängen unterwerfen zu müssen und einfach nur Spaß daran zu haben, zu schrammeln, zu experimentieren und mitunter durchgeknallte Songs zu kreieren.

Das Video zu “Heathen child”:

(...) just how good was that debut album going to be once it arrived?

The answer is: very, very good indeed. Over the course of eleven tracks, the band release an album that not onnly features eleven amazing songs but hangs together extremely well as an album. It’s a brooding, majestic beautiful beast. It’s the perfect soundtrack to the Scottish autumn, which has well and truly arrived here, and is hinting that it’s about to get much, much nastier. From album opener ‘Gal Gal’ to the closing ‘Cogito’ the band just delievr an album that’s almost perfect, goddamit. The title tracks of those two aforementioned EPs are here, as well as one track ‘List Right’ which could be Stuart Staples fronting iLikeTrains. Yes. That Special.

I’ve played this album a lot over the last few weeks -and having born witness to them live, they’re pretty special in that field, too. This album will crop up in the end of year polls -and entirely on its’ own merits. With this release, Armellodie show themselves to be the equals of Chemikal Underground and The Scottish Enlightenment have both rewarded their listeners and delieverd on the promise they showed all those years ago.
(17seconds.co.uk)

In Sterogums Liste der Top 50-Alben des Jahres schaffte es “Ring” auf Platz 40. Gefühlt steht ihm in meiner Liste eine bessere Platzierung zu. Vielleicht haben die Richterkollegen im Jahresendspurt etwas Zeit, sich auch diesem Werk zu widmen.

Die Amerikanerin Cameron Mesirow hat bei der “Erfindung” des ungewöhnlichen Musikinstruments “Auerglass” mitgewirkt. Ich bin mir nicht sicher, ob es auf “Ring” zu hören ist, aber Cameron tritt in dem Auerglass-Video auf. Ihr Vater ist oder war ein Mitglied der Berliner Ausgabe der “Blue Man Group”, ihre Mutter war ein Mitglied der Band Human Sexual Response. Und Cameron Mesirow ist Glasser. Sie hat nicht nur mit zusammen mit Tauba Auerbach dieses einmalige Instrument erfunden, sondern auch ihr Debütalbum “Ring” vor ein paar Monaten herausgebracht.

Glasser klingt wie eine Mischung aus Fever Ray in gut gelaunt, einer zahmen Björk und Bat For Lashes. Der klare Gesang stand in der Frühphase der langwierigen Entstehung des Albums recht allein da. Die meist treibenden Rhythmen könnten auch von einem der frühen Peter Gabriel-Album stammen. Darüber hinaus versüßte Cameron Mesirow ihre Schätze noch mit einigen Schichten Synthiesounds. Als dies geschah mittels GarageBand. U. a. Fever Ray-Begleitmusiker unterstützen daher Glasser bei der Umsetzung ihrer Songs für die Bühne.

Wer Fever Ray eine sterile und kühle Atmosphäre vorwarf, kommt um Glasser nicht herum. Auch von Björks “Kreativität” überforderte Hörer könnten sich mit “Ring” ein nettes Weihnachtsgeschenk machen. Definitiv wird es Glasser in meine Top 5 der weiblichen Stimmen 2010 schaffen.

Crazywire zu dem Album:

Glassers Musik hat während des gesamten Album stets ein Moment der Bedächtigkeit, das vielleicht ungewohnt und gewöhnungsbedürftig ist, aber ihr ganz wunderbar steht. Wer aber Björk und Zola Jesus mit ihrer liebe zu stimmlichen Experimenten mag, der wird auch Glasser mögen. Ähnlich wie bei den beiden verschmelzen instrumentale Harmonien und Rhythmen auch bei ihr zu einer wohltuenden Einheit.

Das Video zum Opener “Apply”:

Nach zwei Minuten “Dokumentation” zur Live-Umsetzung startet der Song “Treasury of we”:

Den Song “Tremel” gibt es dort als Download.

Dramatische Szenen spielen sich in diesen elf Songs ab: Gitarren erklimmen die höchsten Höhen, durchstreifen die tiefsten Tiefen. Das Schlagzeug schlendert, ein paar elektronische Spielereien durchziehen weite Landschaften. Der große Trumpf ist die Stimme und Melodieführung von Mårten Rydell, der sich nicht nur so anhört wie Jason Lytle, sondern auch mit ebensolcher Traurigkeit tapfer diese bedrückten und elegischen Songs durchsteht. Man schaut dem Regen beim Regnen zu. Man fühlt sich prächtig unterhalten. Und verstanden.

Wenn im großen Moment der Platte, bei Minute eins von "Archaeopteryx", dieser Engelschor, dieser unschuldige Frauengesang die gespenstische Stimmung des Songs in die Ewigkeit schickt, dann erspielen sich Surrounded Dantes "Paradiso". Licht, immer mehr Licht. Surrounded besingen die Bürde des Lebens mit solcher Klarheit, dass "Oppenheimer & Woodstock" plötzlich ganz leicht wird, sich von all seiner Schwere löst und schwerelos durch Zeit und Raum schwebt. Tusch! Die Winterdepression ist diesmal nicht alleine. Sie hat sich Musik mitgebracht.
(plattentests.de)

Tame Impala inhalieren diese romantische Einöde und Abgeschiedenheit und wandeln sie um in herrliche, psychedelische Klanglandschaften, die den Bezug zur klaren Songstruktur und der Hookline aber nie verlieren. Sie sind zum Glück nicht im Progressive-Rock versoffen, sondern raffen sich immer wieder auf, dem Hörer Anhaltspunkte zu geben für ein ausserordentliches Hövergnügen, alles rund herum die ausufernde Fünfminutengrenze und frei von affektiertem Akkord-Gewichse.
(78s.ch)

ihr debütalbum ist eine mischung aus synthetischem rausch, abenteuerlich-pastellfarbenen träumen, beatleesker färbung sowie stoner geprägter rhythmus- und gitarrenriffs. manches mag vielleicht rein theoretisch gegensätzlich klingen, aber die umgesetzte musikalische symbiose lässt jegliche skepsis an sich abprallen. mit einer durchschnittslänge von fünf minuten haben die elf titel eine faire chance sich entsprechend ihrer mitgegebenen eigenschaften zu entwickeln und ihre eindringlichkeit durch länge zu unterstreichen. wie in ekstase versetzte, kreist die melodie um das, was die musik im innersten zusammenhält und drängt stetig vorwärts. die textlich einfachgehaltenen songs prägen sich durch markante refrains ein und unterstützen das gefühl teil eines ganzen schwebeaktes zu sein. man kann den jungs einfach nur glauben was sie singen.
(roteraupe.de)

Der enorme Erfolg ihres Debüts hat Duffy nervlich so unter Druck gesetzt, dass sie am liebsten alles hinschmeißen wollte. Stattdessen hat der Shootingstar die Reißleine gezogen, eine kleine Pause eingelegt, um sich dann in entspannter Atmosphäre an neue Songs zu machen. Dabei hatte sie mit den Roots als Backing Band und Songwriterlegende Albert Hammond ein Team an ihrer Seite, mit dem kaum etwas schief gehen konnte.

Albert Hammond, der vor allem für Oldiehits wie "The Air That I Breathe" bekannt ist, hat Duffy fabelhaft bluesige Schmachtsongs auf den Leib geschrieben. Mit "Well Well Well" oder "Girl" sind es aber gerade die schnelleren Songs, bei denen sich Duffys Stimme, Hammonds Songwriting und der typische Sound der Roots perfekt ergänzen

"Endlessly" klingt ein bisschen rauer und reduzierter als das Debüt Rockferry, ihre Richtung hat Duffy aber nicht geändert. Die 26-Jährige erinnert äußerlich und stimmlich an Nancy Sinatra und Brigitte Bardot, ihre Songs pendeln konstant zwischen 60's Retro und knackigem Soulpop hin und her. Duffy bleibt damit eine Künstlerin für die ganze Familie, entspannt genug für Mutti, fetzig genug für die Kids.
(fritz.de)

Die Band Admiral Fallow nannte sich früher Brother Louis Collective. Die Namensänderung macht Sinn, könnte man doch ein Singer-/Songwriter-Album als Ergebnis erwarten. Über weite Strecken der Spielzeit von "Boots met my face" läge man damit auch nicht falsch. Unterbrochen wird diese romantische Idee durch einige Indierock-Songs und Indiepop, welcher durch die Wahl einiger Instrumente zum Kammerpop wurde.

Die Band nennt u. a. Tom Waits, Elbow, Low, Midlake und Bruce Springsteen als Einflüsse. Mir scheint auch die Produktion durch den ehemaligen Delgados-Drummer Paul Savage ebenfalls nicht ohne Wirkung zu sein. Dieser ist offensichtlich bei Aufnahmen schottischer Bands stets willkommen, wirkte er doch u. a. für Arab Strap, Malcolm Middleton, Franz Ferdinand und The Twilight Sad.

Shout4music stellt einen Vergleich mit Snow Patrol an:

At times, the sound is sometimes reminiscent of Snow Patrol, but the material here is stronger and more original, and even when it is at its simplest it has more punch.

Die im Gesang zelebrierte schottische Herkunft des Sängers Louis Abbott macht den Charme des Albums aus. Darüber hinaus erfreuen die Duette mit Sarah Hayes.

Leider fehlt den meisten Songs auf “Boots met my face” Dynamik, so dass mich das Album nicht wirklich fesseln konnte. Schottland-Fans können sich aber bestimmt für das Album begeistern. Ich greife erst mal wieder zu einem The Twilight Sad-Werk.

"Old balloons" erscheint mir als der beste Song des Albums:

Hört man sich die Musik an, so ist man dann im Endeffekt schon wieder bei Robbie Williams. The Flood eröffnet als Vorab-Single den Reigen und klingt wie die tanzbareren Momente der Solo-Scheiben von Robbie Williams. Etwas mehr Disko-Einschlag, etwas weniger die Gitarreneinlagen aus Songs wie Strong, aber auch keine Musik im Stil von Take That-Hits wie Babe oder Back For Good. Was dennoch bleibt: Ein Massenappeal durch eingängigen Rhythmus und die gewisse Catchiness. Hin und wieder schimmern die alten Take That zwar durch, wie zum Beispiel im beatlastigen What Do You Want From Me?, aber offenbar hat man selbst gemerkt, dass die Schüchterne-Jungs-Nummer bei Mittdreißigern bis Anfang-Vierzigern nicht mehr funktionieren kann.

Als Take That-Album auf Basis der Geschichte der Band betrachtet, ist der Klang am Ende dann nur logisch. Die Zeiten als Boygroup der jungen Mädchenherzen sind nun einmal vorbei, Robbie Williams hat einen eigenen Sound entwickelt, aber doch hängt man nun wiedervereint wieder am gemeinsamen Produkt. Somit fahren am Ende alle richtig. Der Robbie Williams-Hörer dürfte hiermit wenige Probleme haben, die Take That-Fans haben sich im Idealfall auch weiterentwickelt und der Massenappeal ist nach wie vor vorhanden. Natürlich: Es ist glatt und kantenlos. Das war zu erwarten. Und doch ist es ein erfreulich schwungvolles Album geworden, bei dem die Dunkelziffer der heimlichen Hörer, die um ihre Credibility fürchten, sehr hoch sein dürfte.
(alternativmusik.de)

Die Band Menomena aus Portland, Oregan beschert uns mit “Mines” bereits ihr viertes Album. Während der Vorgänger “Friend and foe” mich nicht komplett (und einige andere Richter noch weniger) überzeugte, erscheint mir das aktuelle Werk wesentlich schlüssiger.

Dazu “BBC Music”:

This time Menomena take aim for the heart as well as the head.

Auch diese Kritik von “Sputnik Music” ist positiv zu verstehen:

This album is almost as fun to listen to as it is to say the band's name ten times fast. Menomenamenamenomenamenamenomenamenaetc.

“Mines” ist ein Versatzstück diverser Stilrichtungen. Grundsätzlich sollte man es wohl “Indierock” zurechnen, doch dann unterschlägt man die Electro-, Lo-Fi- und Folk-Ideen. Versuchen wir es mal mit Künstlerreferenzen: Während der Opener nach Blur oder einem anderen Damon Albarn-Projekt klingt, könnte bei “TAOS” Kele am Mikro stehen. “Tithe” würde einen guten Babybird-Song abgeben. Auch die Flaming Lips kamen mir immer mal wieder in den Sinn.

Als Gesamtwerk ist “Mines” die Brücke zwischen “echten” Songs und dem “TV On The Radio”-Phänomen. Hier wird mit Loops und Co. gespielt, aber der Song steht weiter im Vordergrund. Damit dürfte “Mines” Anhängern beider Lager gefallen. Man muss sich etwas reinhören, aber es lohnt sich. Das Album wird in einigen Jahresbestenlisten auftauchen. Auch hier?

“Killemal” und “Tithe” sind aktuell meine Lieblingssongs auf “Mines”.

Hier der Song “Killemal” aufgenommen während einer Radio-Session:

Der Song “Five little rooms” lässt sich über dieses Widget als Download ergattern.

Der Opener “When were are King” geht ungemein eingängig und flott zur Sache, traut sich aber auf halber Strecke leider nicht zur geboteten Härte. Das zweite Highlight zügiger Gangart ist “Sirens”. Im weiteren Verlauf geht es allerdings mehr als besinnlich zu. Fast lautlos, schenken uns die Briten mit “Hope Is Not Enough” den vielleicht besten Song des Albums. Eine leise und gemächlich dahintickende, geflüsterte Ode von schlichter Schönheit. Ansonsten ruhige glatte See, kaum Wellengang.

Sänger Dave Martins kann zwar immer noch nicht singen, aber sein sonorer, tiefgestimmter Sprechgesang zieht durchaus in den Bann. Und so klingen I Like Trains auf “He Who Saw The Deep” gefälliger und glatter als ja zuvor. Schönklang a`la Sigur Rós herrscht vor. Soweit, so gut. Artverwandte wie Her Name is Calla allerdings loten Grenzen eher aus, Interpol sind kraftvoller oder haben wie The Twilight Sad Eier (sic).

Und damit komme ich zu dem klitzekleinen Problemchen, das ich mit dem ansonsten gelungen Zweitling “He Who Saw The Deep” habe. I Like Trains standen zwar noch nie für flottere Töne, aber bei dieser stillen See und dem leise Auf und Ab stellen sich bei mir gewisse Ermüdungserscheinungen ein. Ein wenig zu schön, lullen mich die ruhigen Songs und der brummende Bass auf Dauer ein. Konsequenterweise ist für mich “Sirens” einer der Highlight auf dem Album. Allerdings hege ich die Hoffnung, das “He Who Saw The Deep” zu den Alben gehört, die mit der Zeit wachsen.
(schallgrenzen.de)

Stilistisch lassen sich Holmes nur schwer in gängige Kategorien einordnen, was wie fast immer ein gutes Zeichen ist. Die Schweden haben zweifellos klassische Stilrichtungen wie Blues und Folk im Blut, ein gewisser poppiger Indie-Appeal haftet 'Have I Told You Lately That I Loathe You' aber ebenso an. So klingt die Band in manchen Momenten wie das deutsche Projekt Get Well Soon in noch melancholischer. [...] Wenn Holmes den ganz großen, wunderschönen Melodien frönen, wie in 'Voices And Vices' könnte man sogar denken, Snow Patrol hätten plötzlich Geschmack entwickelt. (whiskey-soda.de)

Holmes - "Voices And Vices" from Häleri on Vimeo.

Morgens nach Hause kommen, ein Croissant mit Honig, im Sommerregen stehen, die ersten Blätter fallen sehen, einen sehr guten Freund treffen – das sind nur einige schöne Momente, die so sind, wie die Musik von Holmes. (Mixtapebabe)