There’s a sense of an increasingly globe-spanning sensibility on Pierce’s part, whether it’s M’Boup’s kora anchoring the opener “Kupanda” or the Scandinavian shoegaze of “In Between Times.” The more guitar-centric “Mallo Cup,” “Recover,” and “Couches and Carpets” have a greater similarity, and in their relative simplicity manage an even greater resonance. Another thread that manifests itself here is one with a more pronounced ambient/drone influence, heard most strongly on “Pond” and the drifting sound collage at the heart of “Tokyo Late Night.”

For all of the debate about its structure, one shouldn’t get the wrong idea. The 13 songs on What It Means to Be Left-Handed are all, in their own way, enjoyable. the ideas and collaborations on display are impressive, as is the stylistic range. But there’s still a bit of cohesion missing there — something that makes What It Means to Be Left-Handed feel more like a collection of individually good ideas and less like a singular artistic statement.
(dustedmagazine.com)

Kürzlich streifte ich durch ein Fußgängerzone und wunderte mich über einen recht jungen Musiker, der Lagerfeuer- und Singer-/Songwriter-Klassiker mit seine Elektrogitarre vortrug. Der Strom für den Verstärker kam aus dem Friseurladen. Die zum Teil wirklich abgedroschenen Songs offenbarten auf diese Weise neue Facetten. Wie “unplugged”, nur eben umgekehrt.

Doch nicht von einem jungen wilden Musiker sondern von Urgestein Neil Young wird nun ein Album nach diesem Muster geboten. “Le noise” ist (ungefähr) das 34. Soloalbum des Kanadiers. Der direkte Vergleich mit dem Straßenmusiker hinkt natürlich, denn Young hatte den Produzenten Daniel Lanois hinter sich und vor allem an den Reglern und sonstigen technischen Hilfsmitteln. So wurde ohne sonstige Instrumente und Band eine “feedback wall of sound” kreiert, welche einen würdigen Hintergrund für Youngs Songwriterkunst darstellt.

Neil Young war mir häufig zu “jammerig”. Auf “Le noise” erinnern mich vor allem “Love and war” und “Peaceful valley boulevard” an diesen Eindruck. Doch gerade weil sie im Kontrast zu den weiteren Titeln des Albums stehen, gefallen sie mir. Weitere Höhepunkte? Das gesamte Werk! Wer auf verzehrte Gitarren steht, wird an “Le noise” viel Freud haben können.

Die Meinungen der Kritiker sind gespalten. Während Popmatters begeistert applaudiert:

[…] Thankfully, Le Noise solves that. It’s fantastic. It’s his best in decades, at least since Ragged Glory.

Stänkert man beim NME herum:

On what could have been his most fired-up album in years, Young ends up smothered by unconvincing soundscapes on all but two acoustic tunes that stand out by virtue of actually not sounding like a hurricane.

Man sollte sich sein eigenes Bild machen.

Das Video zum Opener “Walk with me”:

I'm confused. I think I like it overall. It's certainly improving with repeated listens. It has elements from all periods of their career, but it also covers new ground for them. There are some moments that beg to be skipped, but there are also some genius moments.

If this is an attempt for mass communication - to be embraced at a national consciousness level once more - then I'm far from convinced it's going to work. The twin albums of Everything Must Go and This Is My Truth Tell Me Yours caught the nation napping. They combined massive choruses with wide support for homegrown rock - the time was ripe for hiding anti-establishment, intelligent, philosophical lyrics in elegant choruses and have Chris Evans, Chris Moyles and Terry Wogan play them.

But those massive audiences have moved on; the two million people in the UK who bought those records will mostly be people who are unaware the band are still going. I'm not convinced that the songs on Postcards From A Young Man will lend themselves to massive radio play in today's pop world. It's a very interesting album, and certainly it's the younger, edgier sister of Send Away The Tigers, so it'll do all right. Any more than that? I remain to be convinced.
(bbc.co.uk)

That it sounds a little out of date in 2010 is by the by: they’re a group from a different era who feel no pressure to pretend otherwise.

That accepted, they’re certainly not rehashing former glories – those expecting pummelling Hammonds and anthemic Lancashire hollering have come to the wrong place. The first surprise comes right at the start, as Love Is Ending erupts in a blank roar of noise. It’s a red herring, though, and soon enough a lithe guitar line cuts in and the whole thing suddenly sounds like some particularly muscular leftover from the C86 era. It’s melodic, energetic, humble and hummable, with Burgess’s vocals soft and impassioned.

Elsewhere, My Foolish Pride is a sweet, pastoral-bordering-on twee piano ballad. Your Pure Soul offers a lovely piece of woozy introspection, while Intimacy and Sincerity offer a pleasing electronic heart to the record, the former spooky and low-key, the latter a very game stab at Krautrock. These are warm, appealing tunes with no false bluster or crass anthemism, light years ahead of the bombastic drivel certain peers have offered up this year. The Charlatans are old fashioned, maybe even a little antiquated. But are they past it as songwriters? No way.
(bbc.co.uk)

Seit zehn Jahren gibt es das amerikanische Trio The Bad Plus. Während die ersten sechs Studioalben jeweils mit Coverversion angereichert bzw. verdaulich gemacht wurden, legt die Band mit “Never stop" nun ausschließlich Eigenkompositionen vor. Im Gegensatz zum Vorgängerwerk “For all I care” wurde auf Vocals verzichtet.

Bass, Drums und Piano in jazziger Stimmung vereint. Da bleibt nicht viel, an dem sich das ungewohnte Ohr orientieren kann. Die Improvisationen werden auf der Grundlage erkennbarer Strukturen ausgelebt. Den Pianomelodien kommen in dieser Beziehung große Bedeutung zu. Das Trio vereint Avantgarde-Jazz mit Blues- und Rock-/ Popanleihen und grenzt sich so vom anstrengenderen Free Jazz ab.

Wer meint, mit Jamie Cullum den Bereich “Jazz” bereits gänzlich abgedeckt zu haben, kann sich mit “Never stop” an der nächsten Stufe in dieser Richtung probieren.

Unglaublich fantastisch ist der Titelsong des Albums. Selten hat mich ein Instrumentalstück derart fesseln können.

Ab der Mitte des Albums wird es anspruchsvoller. Diese Lernkurve muss man mitmachen wollen. Aber es lohnt sich, finde ich. Jazz-Fan Volker wird damit natürlich wenig Probleme haben.

Auch “Pop & Hiss”, das Musikblog der L. A. Times hebt die “jazzigeren” Momente hervor:

But the album’s more spacious excursions such as “People Like You” and “Snowball” may offer the greatest treats, with Iverson and Anderson weaving around King’s feathered percussion for some of the trio’s warmest, most delicate moments yet. There may not be a familiar hook for rock fans to lean on, but odds are they won’t need one, either.

Ein wirklich brauchbares Musikvideo habe ich nicht finden können. Aber dieser Albumtrailer ist die ersten 90 Sekunden mit dem Titelsong unterlegt und daher gut:

´The Bad Plus besuchen auf ihrer Tour diese Städte:

• 30.09. Köln
• 02.10. Berlin
• 03.10. Hannover
• 10.10. Heidelberg

"...Knocks you flat on your ass... Mangan's career is clearly on the rise. Hop on board and enjoy the ride."
-Exclaim!

“From his unusual and razor-sharp phrasing to the sage poetry in his everyday-life observations, he’s in the ranks of geniuses such as Greg Brown, Nick Drake or Badly Drawn Boy.”
-The Province

“With some of his strongest work to date and an already large fan-base, Nice, Nice, Very Nice could very well be the album that solidifies Mangan as the standout artist he is.”
-Discorder

“It’s hard to believe that this new collection of stellar songs won’t help him leave each tour stop with countless new fans in his corner.”
-Herohill

Their first studio album in 14 years, and 11th overall, starts off with New Babies: New Toys which tries to place them back at this point, given that it sounds like a slightly electro-punk take on 1986’s If You Leave, the theme song to Pretty in Pink. What follows is, to put it politely, pretty much awful. The Future, The Past, and Forever After, from its unnecessary Oxford coma onwards, is just plain unacceptable. It’s obviously supposed to be a hymn to modernism which declares that the future is unstoppable, like an arrow or speeding train "on wheels of steel". Fair enough, but despite playing their ace card (dressing Kraftwerk up in smart new clothes and sending them down the disco) they fall flat on their faces. The electronically synthesised Doppler effect of cars rushing along the autobahn alone would have sounded cheesy in 1982. This album does nothing to alter the notion that OMD have only travelled in the wrong direction since Dazzle Ships and, post Atomic Kitten, Andy McCluskey’s songwriting ability seems to have slipped down to the standard of My Lovely Horse from Father Ted.

There is one redeeming moment here, and it comes right at the end. Perhaps unsurprisingly they’re at their best when behaving like it’s 1982, performing a respectful and TOTP-friendly tribute to their German masters. The Right Side? is a genuinely lovely track and bears many replays, even if it is a little too similar to Kraftwerk’s Europe Endless from Trans-Europe Express for it to go without comment.
(bbc.co.uk)

In The Woods ist eine Symbiose aus sanften aber bestimmenden Gitarrenklängen, einem fließenden Schlagzeug und einer perfekt passenden Stimme. FRANCIS INTERNATIONAL AIRPORT mischen das Typische mit Xylophonklängen und Chorstimmen im Hintergrund, die einzelnen Songs das gewisse Etwas verleihen.

Die Songs der Platte klingen im ersten Moment wie der Soundtrack eines neuen Independentfilmes. Im zweiten Moment wird einem klar: Es ist auch einer. In The Woods ist der Soundtrack des Sommers, von Füßen im taufrischen Gras und Marshmellows am Lagerfeuer.

Ein ganz besonderer Schatz der Platte ist der Einsteiger All Your Lines End in Me, ein einfühlsamer Song mit dahinfließenden Melodien, den man gerne mal live hören möchte. Ein weiterer Anspieltipp ist Celluloid, einer der soundtrackartigen Stücke des Albums.

Was dem Album allerdings fehlt, ist das Mitreißende und Antreibende. In The Woods treibt dahin, aber nicht an. Wer jedoch den Soundtrack für seinen Sommers noch sucht, wird bei dem Album bestimmt fündig.
(enemy.at)

With the risk of sounding like I just became a parent, or that I’m a member of Oasis, I’d like to say that “CURRENT AFFAIR MEDIUM RARE” is one of the best albums in a long time. It’s true, it’s true! I don’t want to describe the music in words or using references since I’d like the songs to get the chance to talk for themselves, but I can say as much as this: I’ve tried to sum up the album with the title. However, what I really hope for is, that the album will work as a friend, a consolation and a way out. Personally, that’s what I like to get out of listening to music. I’ve been trying all along to make an album that sounds big, lively and welcoming.

Bara en sån sak som att hon gör en låt "om något så ohippt som moral, vänlighet och solidaritet" ("Fredrik") visar hur unik Norlin är. Hur mycket världen behöver henne. Men om plattan inleds med ett styck moralkaka så fortsätter den med allt mellan olycklig kärlek ("Får jag") och Rotary (som används som en metafor för förening)!
Och där emellan rent av död ("När du dör" om trädet på graven som blir till pappersmassa). "Dansa, fastän" känns som en blivande livefavorit, medan den melodiösa "Isarna" låter som Kent lyssnar på Paul Simons "Graceland".
Och förstås den där ordlösa sången, nynnandet ("Riot", "Jag som blev kvar"). Det glunkas om en turné. Och nånstans där bakom nästa hörna väntar väl en ny med Hello Saferide. Säkert.
(expressen.se)

As their titles suggest, the two complement each other, but they also convey two different moods: in contrast to its predecessor's more upbeat, brash excitement, The Morning After features slower, quieter tracks of introspective contemplation in the cold light of day. These eight low-key songs about the fragility of life and relationships, with their stripped down sound, may seem a bit depressing but their muted beauty lingers in the mind.
(musicomh.com)

Opener Got the Shakes is a shimmering, almost bluesy slow-burn, while the ensuing Dust Motes is a tender caress; Larry Gott’s slide guitar and Tim Booth’s aerated falsetto vocal achieving luminous synergy over a simple piano figure; the lyrics nonetheless offering liberal doses of 5am existential angst ("There’s a vulture at the end of my bed / It thinks I’m dead"). While Rabbit Hole and Lookaway offer typically Jamesian mellifluousness, the nearest thing to an anthem here is Tell Her I Said So, an initially restrained disquisition on mortality built on icy, tremolo synths, basic indie-rock drums and Booth’s almost casual vocal that cedes to a Another Brick In the Wall-style kids’ choir intoning the mantra, "Here’s to a long life". It is, like much of The Morning After, unexpectedly poignant.
(bbc.co.uk)

José González sorgte 2003 für Aufsehen, als er sein Debüt-Album 700.000 mal verkaufte. Das lag u. a. an seiner Version des The Knife-Songs “Heartbeats”. Auch auf seinem zweiten Album “In our nature” blieb er seinem relaxten Gitarrenspiel mit dunklen Schatten und einigen Streiflichtern seiner südamerikanischen Abstammung treu. Neben seinen Singer-/Songwriterbestrebungen veröffentlichte er “zwischendurch” 2005 mit seiner Band Junip deren Debüt-EP “Black refuge”.

Nun endlich erscheint das erste komplette Album dieses Trios. Da José González Solo-Alben zwar stark aber auch recht “eindimensional” waren, freute ich mich schon lange auf dieses Werk. Und nun wurde es ziemlich genau das, was ich mir wünschte: “Fields” ist nicht mehr und nicht weniger als die Umsetzung von González’ Stärken in einem Bandgefüge.

Vergleicht man z. B. den aktuellen Song “Robe & summit” mit “Down the line” auf “In our nature”, werden die Ähnlichkeiten offensichtlich. Die Unterschiede sind die umfangreichere Instrumentierung, mehr Drive und mehr Pop-Appeal. Seine Stimme bleibt allgegenwärtig und sein Songwriting ebenfalls. “Fields” ist toller “Indiefolkpop”: Nie aufdringlich, nie langweilig.

Was meint das “Allschools network”?

Das postmoderne Bienenstockbetriebsamkeitsleben benötigt ab und an Anker der Entspannung. Inseln der fließenden, entspannten Linearität. In der Ruhe liegt die Kraft, liegt die Kraft, pulsiert das Gegenteil von hektisch. JUNIP sind der Soundtrack dazu.

“Robe & summit” erschien schon mit der gleichnamigen EP vor ein paar Monaten und auch auf dem Album ist das bisher mein Lieblingssong. Weitere Highlights konnte ich bislang nicht erkennen, da dieses leise Album auf hohem Niveau so homogen ist, dass man gar keinen Song “heraustrennen” möchte.

Bis zum 14.09. kann man sich das Album dort als Stream anhören. 

Hier das aktuelle Video “Always”:

Da die “Limited Deluxe”-Edition zusätzlich die beiden EPs (und somit zehn Bonussongs) enthält, sollte man sich nicht auf die Standard-Edition beschränken. Dann bekommt man auch den Song “Black refuge” mitgeliefert:

Live kann man die Band bei diesen Gelegenheiten bewundern:

• 24.09. Hamburg
• 25.09. Leipzip
• 26.09. Wien
• 27.09. München
• 28.09. Zürich
• 29.09. Stuttgart
• 12.10. Köln

Sein Debut „Learning“ enthält mit „Mr. Peterson“, „Lookout“ und „Write To Your Brother“ mindestens drei große Songs für die Ewigkeit. Sie haben die Dichte von Pergamentpapier; nur ein hölzernes Piano und Hadreas’s fragiler Sufjan Steven-esker Gesang. Er hat ihn durchs Headset seiner Mutter eingesungen. Im Hintergrund kann man ihre Hunde durchs Haus tapsen hören.
(musikexpress.de)

Fragile Arrangements mit einer hohen Intimität sind es, die ihn ausmachen. Die zehn Songs des Albums sind allesamt Balladen, die von Piano und/oder Keyboard leben, in denen der Genius sein Innerstes nach außen kehrt. Ein ziemlicher Minimalismus ist es, den er in seinen Stücken auslebt – zwar arbeitet er mit sphärischen Klängen, die auch flächig wirken, dennoch aber sind es immer wenige Instrumente, die er dabei hat, jedoch viel Gefühl. Liebe, Sex, Tot – Hadreas hat dabei eine große Themenbandbreite und nimmt wohl auch nicht so gerne Blätter vor den Mund.

Dass das begeistert, ist schon nachvollziehbar. Ihn jedoch damit unbedingt gleich in die Nähe von Acts wie Cat Power, Elliott Smith oder auch Sufjan Stevens zu rücken – wie das Label es in der dazugehörigen Info macht – ist schon ein ziemlicher Schnellschuss. Man braucht schon eine gewisse Ader für diese Art von Musik, sonst weicht die Begeisterung schnell der Langeweile. Dass mit nicht einmal einer halben Stunde das Album etwas dürftig ausgefallen ist, ist wiederum schade – denn Potenzial ist wirklich eine Menge da. Und wenn das ausgeschöpft wird, ist der Perfume Genius auch richtig stark! Dass es beim Debüt bleibt, ist auf jeden Fall gänzlich ausgeschlossen.
(alternativmusik.de)

"Flamingo" ist ein äußerst farbenfrohes, schwüles Las-Vegas-Album. Es ist Musik für die große Bühne, die Vermählung von Grandezza und Kitsch. Blinkende Lichter und andere Offenbarungen formuliert in zehn Songs, von denen mindestens die Hälfte wirklich gelungen ist. Das macht Mut für ein neues Killers-Album. In einem Interview vermutete Flowers gar, dass "Flamingo" auch seiner Hauptband auf die Sprünge helfen könne. Thematisch handelt "Flamingo" natürlich von nichts anderem als den ganz großen Gefühlen: Vergebung, Reue, Liebe und Leiden. Ganz so, als würde Flowers um Verzeihung für vergangene Fehltritte bitten, wähnt er sich im Kreuzfeuer und sucht nach Schutz. Dabei offenbart er in Ansätzen, dass er durchaus das Zeug zu hat, sich zu einer 2.0er-Version von Glam-Pionieren wie Freddie Mercury oder David Bowie zu entwickeln. Immerhin: Auch die haben keineswegs nur Meisterwerke veröffentlicht.
(plattentests.de)

Interpol und die Editors wurden immer wieder gerne verglichen. Und obwohl man inzwischen sogar gleiche Songtitel (“Lights”) wählt, liegen die mit den aktuellen Alben manifestierten Ausrichtungen der beiden Bands weiter auseinander als jemals zuvor. Während die Editors mit “In this light and on this evening” eine kleine oder mittelgroße Richtungsänderung vornahmen (die beim Publikum mit äußerst gemischten Gefühlen aufgenommen wurde), bleiben Interpol sich auf ihrem vierten Album “Interpol” treu.

Während das Debütalbum “Turn on the bright lights” vor allem von dessen düsterer Grundstimmung zehrte, traten auf “Antics” die Rhythmen in den Vordergrund, was zum bislang “tanzbarsten” Output der Band führte. Mit “Our love to admire” kam die bis dahin unnahbare Band den Sphären üblicher Musik etwas näher. Vielleicht lag das einfach einfach an dem wiederholten Einsatz der erprobten Stärken oder an der etwas “opulenteren” Wahl der Mittel. Trotzdem war bislang jede Platte der Band eindeutig der Marke Interpol zuzuordnen.

“Interpol” interpretiere ich als eine Verknüpfung der auf den vorherigen Alben noch jeweils recht eindeutigen Ausrichtungen. Ich höre etwas mehr "Turn on the bright lights” als “Our love to admire” heraus und leider werden die “Antics”-Stärken am wenigsten gewürdigt. Neuigkeiten fallen mir nicht auf.  Die Mitte des Albums mit den Songs “Summer well”, “Lights”, “Barricade” und “Always malaise” gefällt mir bislang am besten.

Der nach Fertigstellung des Albums erfolgte Weggang des Bassisten Carlos Dengler (eigentlich ungewöhnlich, dass Bassisten überhaupt Erwähnung finden) könnte durchaus eine gewisse Neuausrichtung der Band führen. Ich bin schon jetzt gespannt.

Bis dahin erfreue ich mich an “Interpol”. Das Album ist kein neuer Höhepunkt aber der Marke würdig. Fans werden es kaufen und nicht wirklich enttäuscht sein. Einsteiger können zu diesem oder zu jedem Vorgängerwerk greifen.

Vielleicht können diese Einsteiger auch durch die Beschreibung der Berliner Zeitung neugierig gemacht werden:

Wer tanzen will, muss traurig sein. Sonst zappelt man nur, sonst verrenkt man sich, sonst fliegt das Haar ohne Sinn. Wer lächeln will, muss Zähne putzen. Wer küssen will, muss freundlich sein. Wer weinen will, muss lieben. Und wer das alles mal schnell fühlen will, der sollte das neue Album von Interpol hören.

Das Video zu “Barricade”

und das zu “Lights”

Was waren die charmant und euphorisierend, diese Allo Darlin'! Dauergrinsen von der ersten bis zur letzten Minute war angesagt, denn die quitschfidele Sängerin und Ukulelespielerin Elizabeth Morris versprühte soviel natürlichen Charme und unbändige Freude am Musizieren, daß die Sonne im Herzen aufging.

Was hat uns von Belle & Sebastian einst noch mal so abhängig gemacht? Am ehesten die wunderschön inszenierte Harmlosigkeit. Liebliche Songs, denen Unvorhergesehenes fremd war. Die nur einlullen wollten, sodass selbst die gar nicht wenigen schnelleren Stücke wie die Superzeitlupe eines Hugh-Grant-Films wirkten. Mit Allo Darlin’ gibt es nun reichlich unverhoffte Erben jenes Kuschel-Gestus’. (...)

My Heart Is A Drummer“ oder „Dreaming“ untermauern nun das Kapital des mehrstimmigen, multiinstrumentalen Schmacht-Pop – die britischen Medien haben natürlich eh schon angebissen. Und dass es bei und auf „Allo Darlin’“ textlich oft banal zugeht? Etwa kontextlos Verse aus Johnny Cashs „Walk The Line“ oder das offenbar unvermeidliche „Qué Será, Será“ angesungen werden? Nur kleine Schönheitsfehler. Wer herausgefordert werden will, hört sowieso etwas anderes. Hier spielt die Shuffle-Jukebox geschmackvolle Indie-Seifenoper-Soundtracks.
(intro.de)

Die Pariser Elektro Popband Karaokake spielte dort und zeigte ein wundervolles Set voller dreampoppiger Sahnebonbons.

L’esprit lo-fi DIY est un état d’esprit chez Karaocake. Les mélodies sont à la fois espiègles, chaleureuses et intimes. Les comptines synthétiques faites de bric et de broc ont un pouvoir émotionnel dévastateur sur quiconque pénétrant dans l’univers de Camille. On passe des ambiances mélancoliques (Brooklyn Bridge) aux ambiances sixties cher à Phil Spector (Eeeeerie) via des hits-singles comme It Doesn’t Take A Whole Week ou Medication. C’est un peu comme si Broadcast avait cousiné le temps d’un album avec Au Revoir Simone. Karaocake est en quelques sortes notre Casiotone For The Painfully Alone à nous. L’album séduit à la fois par sa diversité grâce à ses douze épopées electro lo-fi et par son artisanat spontané. Une vraie bulle d’oxygène.
(indiepop.groups.vox.com)

“St. Vincent decor” ist das zweite Album der Band Blackmarket aus Arizona. Produziert wurde dieses von Pete Min, der auch schon Dinosaur Jr., Weezer und Hole im Studio unterstützte. Seinen Zielgruppen bleibt er anscheinend treu.

Die grobe Einordnung des Ergebnisses überlasse ich der anerkannten Quelle für alle Musikfreunde “Kabel Deutschland”:

Auf dem kurzweiligen Album lässt sich eine Balance zwischen kraftvollem Indie-Rock und mitreißendem Power-Pop ausmachen. Dazwischen fahren die Jungs auch schon einmal die Lautstärke runter, zugunsten von Gitarrenpicking-Einlagen und melodiösen Gesangsintermezzi.

Einige Songs klingen, als hätte sich Liam Gallagher eine College-Rock / Emo-light Band im Stile von Jimmy Eat World oder Weezer gesucht und so deren Stil etwas Britpop-Attitüde beigemischt. “St. Vincent decor” ist eine Reminiszenz an die golden Zeiten des entspannten Indierocks und dürfte daher Menschen gefallen, deren musikalischer Geschmack in den 90er Jahren geprägt wurde.

Auf der Website der Band wird das Album als Stream kostenlos und gegen vernünftige Bezahlung ($ 7 Download, $ 10 CD + Download) für den Offline-Gebrauch angeboten. Dort gibt es auch den Song “Tongue twister typo” also Download gegen eine E-Mail Adresse.

Das Video zu dem Song schaut so aus:

Dieser Song stellt m. E. den frühen Höhepunkt des Albums dar. Auch “The one I know you’re not” fiel mir bei jedem Durchgang positiv auf.

Auf "Happiness" warten elf gloriose Schmachtfetzen, die nach Videos von Anton Corbijn schreien. Schon das eröffnende "Silver lining" deutet erst kühles Puckern an, um dann mit Glockenklängen gen Himmel zu fahren. "Blood, tears & gold" übt sich in jener Disziplin, die in den Achtzigern zur großen Melancholie-Kunst wurde: dem Hadern. "I never thought I could forget you / I never thought I'd be the man I am now / Just 20 seconds since I left you." Warum warten, wenn man auch spontane Gefühle gigantisch aufblasen kann?

Hurts wissen, dass Melancholie im langsamen Tempobereich am Besten zur Geltung kommt. Zwei Drittel von "Happiness" lassen den Kopf im Takt nach unten hängen. Der Regen, das Unglück, die Tränen - wie passend! Es geht aber auch anders: "Sunday" pirscht verwegen in Richtung Italo-Disco, und "Better than love" erlaubt sich mit wuchtigen Blitzlichtern und Bollerbass gar beinahe so viel Schwung, dass das maßgeschneiderte Hemd Schweißflecken bekommt. Doch auch wenn die Beats sich mal ein Herz fassen, denkt man bei all der schwermütigen Stilsicherheit kaum an Hedonismus, sondern eher an Operetten. Und dann singt bei "Devotion" ausgerechnet Kylie Minogue mit. Einmal mehr geht es um Unglück, Zerbrechlichkeit und Verlust. Hurts brauchen keine Anleitung zum Unglücklichsein, sie beherrschen sie perfekt. Und doch könnte kaum ein Albumtitel treffender sein als "Happiness". Denn der wahre Romantiker findet sein Glück im Leiden.

Und doch haben die Achtziger mit Theo und Adam irgendetwas angestellt. Sie haben sie so sehr geprägt, dass nun jeder, der auch nur einen Takt dieser Band gehört hat, mit erhobenem Zeigefinger "Retro! Retro!" schreit. Stimmt! Auf dem Album findet sich wirklich genau kein einziger Song, der auch nur ein leises Rumpeln von Innovation in sich bergen würde. "Silver Lining" - klingt wie schon mal gehört. "Evelyn" - klingt wie schon mal gehört. "Stay" - klingt wie schon mal gehört. Nur besser! So, dass man es immer wieder hören will!

Jemand hat mir kürzlich in den höchsten Tönen vorgeschwärmt, er hätte "Wonderful Life" 1985 immer mit seiner Mutter gehört. Kann aber nicht sein, weil es den Song damals gar nicht gab. Das ist schon ziemlich verrückt. Aber Sänger Theo findet genau das richtig toll! "Für mich als Fan ist ein Song dann gut, wenn es sich so anfühlt, als hätte man ihn schon eine Million Mal gehört. Paul McCartney ging es so, als er 'Yesterday' geschrieben hatte. Er war sicher, dass es den Song schon gibt, so vertraut fühlte er sich an." Genau so funktioniert Pop. Dank Hurts auch heute noch.
(einslive.de)

Einige Alben muss ich sehr häufig hören, um mir eine Meinung bilden zu können. “Wer bist Du?” der Alin Coen Band begleitete mich sehr lange, weil die ersten Durchläufe wirklich einfach “durchliefen”. Erst spät erkannte ich die Anmut, die in einigen Songs steckt und nun lassen mich einige Songs kaum noch los.

Alien Coen wurde in Hamburg geboren und bereiste einige Länder, bevor sie sich in Deutschland ihrem Studium und intensiv der Musik zuwandte. Drei Mitstreiter wurden schnell gefunden und auf einer Tour durch Kanada und im Vorprogramm von Künstlern wie Starsailor, Regina Spector und Jacob Dylan Erfahrung gesammelt.

Das Debüt-Album “Wer bist Du?” besteht ca. zur Hälfte aus deutschen und englischen Titeln. Die deutschen Songs klingen etwas melancholischer als ihre in englischer Sprache dargebotenen Pendants. Letztere erinnern an eine entspannte Alanis Morissette.

Die leichte Pop-/Folk-Instrumentierung lässt Alin Coens schmeichelnder Stimme genug Raum. Das Album klingt im positiven und im negativen Sinne “nett”. Die Songs kann man an sich vorbeischleichen lassen oder mit etwas Geduld einige Schönheiten unter ihnen entdecken. Die Alien Coen Band macht “feine” Musik und kommt durch die Hintertür. Aber selbst dort wird höflich angeklopft und um Einlass gebeten.

Der “Popwolf”:

Eine Stimme wie eine Kuscheldecke: Alin Coen wird man so schnell nicht mehr los, wenn man sie erstmal im Ohr hat. und ihr Debütalbum Wer bist du? sollte man auf dem Zettel haben.

Als meine Lieblinge haben sich “Festhalten” (hier als Download) und “Same boat” herausgestellt.

Ein Live-Video zu “Ich war hier”:

In dieser oder ähnlicher Form lassen sich die Songs auf der recht ausgiebigen Tour der Band erleben:

• 02.09.10  Chemnitz
• 05.09.10  Ulm 
• 06.09.10  Tübingen
• 07.09.10  Stuttgart
• 08.09.10  Freiburg
• 09.09.10  Karlsruhe
• 11.09.10  Stuttgart 
• 14.09.10  Frankfurt (a.M.)
• 16.09.10  Bonn
• 17.09.10  Aachen
• 27.09.10  Berlin
• 28.09.10  Hamburg
• 29.09.10  Köln
• 30.09.10  München
• 15.10.10  Halle
• 16.10.10  Weimar
• 18.10.10  Jena