Und auch der erste Track dieser Platte lässt Schlimmes vermuten: „Time To Give“ dauert siebeneinhalb Minuten. Was Harry McVeigh und seine beiden Mitstreiter uns geben, füllt jedoch nicht einmal die Hälfte der Zeit. Das Überraschende: Im weiteren Verlauf der Platte gestattet man sich leichte Variationen auf der bisherigen Instrumentierung, „Finish Line“ beginnt mit einer Akustik-Gitarre, die im Zusammenspiel mit McVeighs voluminöser Stimme und kristallinen Synthies den soliden Grundstock für eine ordentliche Powerballade gibt. Auch im folgenden „Kick Me“ kommt die Akustische zum Einsatz, hier wird sie im Sinne eines sehr klaren Popentwurfs genutzt. „Tokyo“ mit seiner Tears-For–Fears-Gedächtnishook könnte man hingegen problemlos in jedem 80er-Jahre-Highschool-Film platzieren.
(musikexpress)

Was „Silver Lining“ so spannend macht, ist sein Facettenreichtum. Da wäre beispielsweise das herrlich reduzierte „Heaven“, eine leichtfüßige und doch so nachdrückliche Abhandlung über das Leben nach dem Leben, falls es denn ein solches geben sollte. Dass es direkt danach mit „Redeem The Day“ richtig schön laut, stellenweise sogar schrill wird, passt ins Bild. Als Herzstück dieses Albums erweist sich jedoch „Noplace“, nicht nur aufgrund der ausladenden Spielzeit. In knapp sieben Minuten treffen düstere TripHop-Vibes auf feinsinnigen Electro-Pop und schroffe, aufbrausende Blechbläser. In Zeitlupe eskaliert der Track, die singende Gitarre trägt ihr Übriges dazu bei.
Keine einfache, wohl aber eine lohnenswerte Platte: „Silver Lining“ türmt Schicht auf Schicht und entwickelt sich damit zur Grenzerfahrung. Bis sich die einzelnen Elemente einigermaßen ‚häuten‘ lassen, vergeht schon der eine oder andere Durchlauf. Lingby erobern auf Raten – zuerst greifen die bewegenden Texte, dann die beklemmende Stimmung, dann die faszinierende Melange aus Elektronik, Indie-Handarbeit und entfremdeter Blasmusik. Hat das Album erst einmal zugepackt, lässt es nicht mehr los; schon wäre die nächste Lieblingsband entdeckt.
(Beatblogger)

In „Sally Lee“ torkelt die Gitarre in den Raum wie ein betrunkener Choleriker, sonst bleibt der Sound reduziert und schlank genug, um Altstötter viel Raum für seine Performance zu geben.
Und wie die Songs hat auch sein Auftritt Format: Altstötter singt mit werwölfischer, blasierter Eleganz, singt wie einer, der den Deal mit dem Teufel noch vor sich hat, der allein mit seinem Leid im dunkelsten Zimmer die Stunden zählt. Und nicht mehr weiß, ob er dort auf jemanden gewartet hat.
(musikexpress)

Romantik schwingt durchaus noch mit in den oft traurig sinnierten Stücken, aber getaucht in Düsternis und Schmerz, vorgetragen mit großer Geste. Nicht ohne Grund heißt ein Lied "The Wound Wrapped In Song".
Subtil mag hier zwar oft das Instrumentarium sein, der Gesang ist es sicher nicht. Altstötter trägt dick auf, anfangs wirkt seine Stimme in ihrer bedeutungsschwangeren Dramatik beinahe penetrant, etwas prätentiös, Nick Cave strahlt bisweilen Ähnliches aus. Diesen Stil zieht der 27-Jährige konsequent durch, scheint sich immer in Zeitlupe zu bewegen und bald erliegt man der innewohnenden Eleganz. Statt wegzustoßen, saugt seine samtene Stimme dann immer weiter in die bodenlosen Klangräume der Musik. (…)
Jungstötter bahnt sich keinen neuen Pfad durchs Dickicht der Musikgeschichte, aber er sucht sich auf bestehenden Wegen selbstbewusst seine eigene Route. Darin steckt tatsächlich das Potenzial, mit der Zeit zu den eingangs erwähnten Meistern aufzuschließen. Qualitativ steht er ihnen auf "Love Is" in Nichts nach.
(laut)

Mit dem Klavier im Gepäck begegnet Charlotte Brandi der Liebe mit all ihren Facetten. Das klingt mal üppiger und opulenter, und mal reduziert und leise.
Den Anfang macht „Veins“, ein mit Streichern unterlegtes Chanson-Pop-Drama, gefolgt von klassischem Pianobar-Liedgut („Defenseless“) und groovigem Tarantino-light-Pop („My Days In The Cell“).
Das klare Timbre ihrer Stimme schwebt stets in geordneten Bahnen über die sich nach Liebe, Zweisamkeit und Zärtlichkeit verzehrenden Tracks, die vor allem in ihrer Grundstimmung etwas „Magisches“ transportieren.
Charlotte Brandi bricht nicht aus. Mal in höheren, mal in tieferen Lagen umgarnt die Berlinerin die größte Kraft des Lebens, ohne dabei in triefender Melancholie zu versinken.
(musikblog)

„The Magician“ ist wie eine Enthüllung. Nackt, zerbrechlich und nah präsentiert die Musik sich analog im Musikvideo von „Two Rows“, dem zweiten Titel des Albums. Dabei bleibt die Textzeile „your words cutting“ festgenagelt im Kopf. Sowohl gesanglich als auch instrumental führt Charlotte Brandi uns in eine Welt von Stärke und Schwäche. Ähnlich zeitlos klingt der achte Track „A Sting“, der uns in eine intime Atmosphäre eintauchen lässt. Unvergessliche Gitarren im Hintergrund in Kombination mit ihrem geliebten Piano erinnern manchmal an 70s-Produktionen.
(Spiesser)

Es hallt und orgelt, es swingt und echot, darüber dirigiert die talentierte Britin ihre Stimme und psychedelische Mädchenchöre und spielt ihre Gitarren so liebevoll, dass sie Herzen zum Schmelzen, Blumen zum Wachsen und Gespenster zum Boppen bringt. (…)
Ein Outro wie bei „Drea­ming Is Easy“ lässt Billy ­Strange von den Toten auferstehen – und Gemma fragen, ob er mitspielen darf. Ja, wird sie sagen, solange du dein Tremolo benutzt! „Psychogeology“, das wieder in Gemmas Wahlheimat Berlin entstand, ist gleichzeitig schüchtern und einschüchternd. Und ­absolut ­bezaubernd.
(Rolling Stone)

Gemma Ray zeigt auf ihrem achten Album einen schwer zu fassenden Mix aus bittersüßem Pop, belanglosem Country und Noire-artiger Demut, die in experimentierfreudiger Naivität mit-, gegen- und aneinander spielt.
Zusammengehalten wird dieses Geflecht von Elementen der Filmmusik: Hier die verzerrte Klarinette, da der überbrodelnde Chor. Es bleibt zu hoffen, dass Gemma Rays Lebensgeschichte nicht ganz so chaotisch ist wie diese Platte.
(musikexpress)

Gleich das Eröffnungsstück mit seinem sanften Klavierspiel, dem Vogelgezwitscher und spielenden Kindern führt nach „Tempelhof“, „Usal Road“ nach Kalifornien, wo Yann Tiersen vor einigen Jahren die Bekanntschaft mit einem Berglöwen machte, als er seinen Violenspiel open air aufnehmen wollte Auf „Koad“ („Wood“) geht die Reise zusammen mit Anna von Hausswolff nach England in die südwestliche Grafschaft Devon, wo beeindruckende Mammutbaum-Wälder stehen.
Der Soundtrack zu diesen und weiteren Orten, zu denen sich Yann Tiersen hingezogen fühlt, wird von engelsgleichen Chören, getragenem Piano-Spiel, vielen Keyboards (aber wenigen Gitarren)  und Streichern geprägt. Ach ja, die Erde könnte ein so schöner Ort sein…
(musikexpress)

Mit dem peitschenden Opener "Until The Fire" nimmt einen der typische Ladytron-Sound, der zwischen warmem Gesang und kühlem Synthiepop schillert, sofort wieder gefangen, um mit der ersten Single "The Island" die unwiderstehliche Bitter-Süße der Band endgültig die Catchiness-Falle aufzustellen, in die man sich nur allzu gerne fallen lässt.
(…) Wie dem auch sei, "Ladytron" wurde durch die Fans ermöglicht und sie werden belohnt mit 13 Songs, die schillernd und scharf zugleich, den Synthpop sezieren: Mal klinisch rein, dann wieder knarzend technoid oder auch wärmend retrohaft – Ladytrons Sound oszilliert stets zwischen minimalistischen Strukturen und maximaler Umarmung des Hörers.
Besonders spannend wird es dann, wenn Helen Marnies und Mira Aroyos Stimmen in einem Song aufeinandertreffen oder wenn Ladytron wie in "The Animals" auf einer scheinbaren Ballade einen schwindlig machenden Gesang legen. Zuweilen klingt die Band dann wie eine musikalisch faszinierende Mischung aus ABBA, Human League und M83 mit hochpolitischem Gesang (…). Und spätestens dann weiß man, was man sieben Jahre lang vermisst hat und in diesem Augenblick des Hörens zurückbekommt: Cleverer Pop, der schneidend kalt ist und herzerwärmend catchy zugleich.
(Tonspion)

Selbstverständlich klingt so einiges nach Mercury Rev. Die vielschichtigen, gerne ins Psychedelische abdriftenden Arrangements erinnern an frühere Großtaten der Band. Vor allem "All is dream" eignet sich als Referenzpunkt. Im Mittelpunkt der Neueinspielungen stehen jedoch die Gastvokalistinnen. (…) Die Befürchtungen, dass Mercury Rev aus purer Verlegenheit ein Album mit Fremdmaterial eingespielt haben, verflüchtigen sich allerspätestens hier. Die Zeiten haben sich vielleicht geändert, die Musik bleibt.
(Plattentests)

Diesem sehr schönen, sanft orchestriertem und breit gefächertem Werk zwischen sumpfigen Blues, Country, Soul und Pop, zwischen starken Südstaaten-Einflüssen, Nashville-Flair und Las-Vegas-Tauglichkeit, wollen die US-Indierocker Mercury Rev nun mit BOBBIE GENTRY’S THE DELTA SWEETE REVISITED ein Denkmal setzten, es zumindest ins Gedächtnis zurück rufen. (…) Überhaupt stellt sich einmal mehr die Frage, welchen Sinn Alben mit dem Untertitel Tribute / Revisited / Coverversion überhaupt machen, ob sie dem Ausgangswerk etwas Besonderes hinzufügen.  Immerhin klammern sich Mercury Rev nicht an das Original, sie greifen („revisited“) den Klassiker wieder auf und holen ihn einige Male so tief in die eigenwillige Welt ihres Breitwand-Rocks, dass er kaum wieder zu erkennen ist. Dort liegen neben gescheiterten Interpretationsversuchen und lauwarmen Aufgüssen  die Stärken von BOBBIE GENTRY’S THE DELTA SWEETE REVISITED.
(musikexpress)

Die besten Momente sind jedoch nicht die lautesten: "The Final Years" kommt doch noch einmal zum Thema Ende des Lebens zurück und integriert eine melancholische Keyboardmelodie zu wehmütigen Streichern. Das akustische "Camp Sunshine" dagegen feiert den Augenblick, und Mould empfiehlt, was jeder von uns im hektischen Alltag oft übersieht: "Just enjoy the moments we have".
Seine Stimme wirkt präsenter und dringlicher als zuletzt, was Emo-Brechern wie "Irrational Poison" und allen voran "Lost Faith" zugute kommt, seinem vielleicht besten Song der letzten Jahre. Formidable Power-Knüppler wie "I Fought" gehen angesichts des wieder entdeckten Melodien-Overkills in Bombast-Hymnen wie "Sin King" schon beinahe unter. (…)
"Sunshine Rock" sollte man als Alternative-Rock-Fan auf alle Fälle gehört haben, auch jene, die Moulds Sugar-Album "Copper Blue" von 1992 für unübertrefflich halten.
(laut)

Die ganze Platte klingt wie eine Alternativ-Version der Jahrtausendwende. Auf den Indie-Dancefloors der westlichen Welt wären die haarigen Fraggels ausgerastet. (…) Die Pictures aus (halbwegs) Berlin (zwei wohnen sonstwo) gönnen sich die Musik, die sie selbst glücklich macht – und weil das rüberkommt und weil britisch geprägte Popmusik mit der Faust in der Luft nicht die schlechteste ist, macht Hysteria auch dem Hörer Spaß. Ganz normale Kettenreaktion.
(Musikexpress)

„Hysteria“ heißt: Zuträglicher Indie-Pop mit Gitarrenfundament, der die Melodiosität fast so verschwenderisch, aber doch mindestens so großspurig stapelt wie die goldenen Jubeljahre des Britpop.
„Fake a world for me/ I can live here for another year“. Locker. Noch zehn, wenn es sein darf. Und die Streicher kommen mit.
(Musikblog)

Mal geht es melodisch mehr in Richtung Beatles („Can’t Stop Loving You“), dann äußerst lässig in Richtung knackigen Rocks („Love’s A Shooting Star“). Sperrige Misstöne gibt es keine. Der Gesang klingt äußerst selbstbewusst und vor allem in den leiseren Momenten ist er warm und einnehmend. Dass man aber auch hier bissig sein kann, zeigt die Nummer „After All These Years“.
Mit dem melodischen „Don’t Take Your Love Away“ endet in allen Belangen recht angenehmes Album das nebenbei ein paar kleine Hits abwirft.
(handwritten-mag)

Diese 14 neuen Songs sind zwar viel zugänglicher als die kratzige Girlpool-Frühphase, aber dennoch zu sperrig und zu schlau für das Stadion: Im Titeltrack schmiegen sich Streicher, Synthesizer und verhallte Drummaschinen an Tividads himmelhohe Stimme, Dream-Pop in Reinform. Mit seinem Mix aus Beatles-Akkorden und Selbsthass wirkt „Hire“ wie aus der Feder von Elliott Smith. Und die brutzelnden Drone-Gitarren von „Roses“ klingen wie der überwältigende Höhepunkt eines My-Blood-Valentine-Songs. (…)
Die vielen verschiedenen Genre-Exkursionen auf „What Chaos Is Imaginary“ funktionieren zwar nicht immer – doch die beiden Menschen im Zentrum von Girlpool ergänzen sich so wunderbar, dass man nicht anders kann, als ihnen in jede neue Richtung zu folgen.
(byte.fm)

„What Chaos Is Imaginary“ ist abwechslungsreich und macht Spaß, erlebt mehrere Transformationen vom mystifizierten Tagebucheintrag hin zum harmonischen Rundumschlag in Richtung anderer Bands, die mit mehr (alten) Männern an mehr Gitarren weniger zustandebringen.
Und wenn das nicht schon genug wäre, klingt der titelgebende Song des Albums auch noch ganz nach der Ordnung und Struktur, die sich Girlpool erfolgreich abgesprochen haben.
(Musikblog)

Wie auch das letzte Album POWERPLANT aus dem Jahr 2017 setzt WHAT CHAOS IS IMAGINARY auf 90s-Gitarrenmusik zwischen fuzzigem Grunge, Anti-Folk und College-Rock für die Lichtscheuen, öffnet sich aber auch ganz neuen Einflüssen; im ausschweifenden Titelstück, in dem Tividad ihre psychischen Probleme der jüngsten Vergangenheit verarbeitet, verdichten sich Streicher zum orchestralen Finale.
Der bewegendste Moment aber ist das traurigschöne Powerpopstück „Hire“: Hier strahlt Tuckers im Wandel begriffene Stimme in all ihrer Rauheit und Verletzlichkeit, klingt manchmal, als könne sie jeden Moment brechen. Und doch ganz stark.
(musikexpress)