10 Fakten zum neuen Album von Travis :  1. Seit „Ode To J. Smith“ (2008) benötigen Travis-Fans einen etwas dickeren Geduldsfaden, denn die W...

10 Fakten zum neuen Album von Travis

1. Seit „Ode To J. Smith“ (2008) benötigen Travis-Fans einen etwas dickeren Geduldsfaden, denn die Wartezeiten auf neue Alben wurden länger. Für „Where You Stand“ (2013) musste man sich 4 Jahre, 11 Monate und 20 Tage gedulden - Negativrekord des Quartetts. Auch die Veröffentlichung ihres letzten Albums „10 Songs“ (2020) erfolgte erst 4 Jahre, 5 Monate und 10 Tage nach „Everything At Once“ (2016). Diesmal sollte es nicht wieder mehr als 4 Jahre dauern: nach 3 Jahren, 9 Monaten und 3 Tagen hatte die Wartezeit ein Ende.

2. Apropos „Ode To J. Smith“: Dies ist das einzige Album von Travis, das es nicht in die UK Top 10 schaffte (#20). Bei zwei Nummer Eins-Alben („the Man Who“ und „The Invisible Band“) stehen die Schotten, die mit ihren letzten drei Alben auf die Plätze 3, 5 und nochmals 5 klettern konnten. In Deutschland wurden zuletzt zweimal die Top 20 verpasst, aber was soll man von einem Land erwarten, in dem „The Man Who“ auf Platz 34 strandete?  

3. „L.A. Times ist das zehnte Studioalbum von Travis, es bietet 10 Songs in 32:20 Minuten und unterbietet damit „Everything At Once“, das als kürzestes Album der Bandgeschichte lediglich auf 33:17 Minuten kam. 


4. Das Album wurde von Fran Healy in seinem Studio am Rande von Skid Row, Los Angeles, geschrieben, der Stadt, die er in den letzten zehn Jahren sein Zuhause genannt hat. Dies erklärt wohl auch den Albumtitel. Healy beschreibt es als das “most personal album since The Man Who”. 
Es ist die erste Zusammenarbeit von Travis mit dem Produzenten Tony Hoffer (Air, Beck, Metric, Belle & Sebastian, The Kooks, Turin Brakes).

5. Das Albumcover stammt vom Fotografen Stefan Ruiz, der die Band auch schon am Morgen für „The Man Who“, am Nachmittag für „The Invisible Band“ und zum Sonnenuntergang für „The Boy With No Name“ ablichtete. Das aktuelle Cover zeigt Travis nachts auf einer Straße in Downtown Los Angeles.


6. Am 21. März wurde mit „Gaslight“ die erste Single aus „L.A. Times“ ausgekoppelt. Es folgten noch „Raze The Bar“ am 10. Mai und „Bus am 10. Juni, bevor das Album am 12. Juli 2024 über BMG veröffentlicht wurde.

7. Das Album ist als CD und Deluxe CD im Hardcoverbook erhältlich, diese Version beinhaltet auf einem zweiten Silberling das komplette Album in „Stripped“ Versionen. Freunde der Schallplatte haben die Wahl zwischen black Vinyl, green marble Vinyl und yello lambo Vinyl.

8. Blood Records bot eine auf 750 Exemplare limitierte Auflage von „L.A. Times“ an: white and black splatter LP with exclusive stencil sleeve design. Ein Exemplar ging an mich.

The remarkable thing about L.A. Times, though, is that the album as a whole feels quintessentially American, and Southern Californian at that: it's a vibrant and lively intersection of styles and ideas, all heard through the prism of an expatriate who remains enamored and bewildered by his new home. Dig beneath the surface, and the lyrics make plain Healy's claim of the album being a personal record, but the trick that Travis pull off with L.A. Times is that it is engaging on the surface thanks to colorful melodies and shifting arrangements -- the very things that beg for subsequent listens, the ones where themes reveal themselves.

9. Bei Metacritic steht „L.A. Times“ aktuell bei 73/100 Punkten. Überraschenderweise ist dies der zweitbeste Wert für Travis, bei denen die ersten beiden Alben in der Auflistung jedoch fehlen: „The Invisible Band“ (71/100), „12 Memories“ (64/100), „The Boy With No Name“ (57/100), „Ode To J. Smith“ (66/100), „Where You Stand“ (70/100), „Everything At Once“ (60/100), „10 Songs“ (77/100) und „L.A. Times“ (73/100).

L.A. Times is at times wistfully joyful, yet also menacing and dark. It could be their most personal and exposed record in years, and as a result its honesty really strikes a chord.

Short and to the point, ‘L.A. Times’ is a succinct example of Travis’ musicality. A mixed bag, it’s held together by feverish energy, and some of the band’s mainstays – the emotional curiosity, the willingness to think outside the box, and those empathetic vocals. A real charmer.

10. Travis werden für drei Konzerte auf der „Raze The Bar European Tour 2024“ in Deutschland gastieren und Hamish Hawk im Vorprogramm dabei haben. Das sind die Termine:
03.09.24 Köln, Live Music Hall
04.09.24 Berlin, Huxley’s Neue Welt
05.09.24 Hamburg, Docks 

Miriam Devora (Gesang, Gitarre, Keyboards) und ihr Partner Matheson Glass (Gitarre, Piano) gründeten 2015 die Band Queen Of Jeans , die im f...

Miriam Devora (Gesang, Gitarre, Keyboards) und ihr Partner Matheson Glass (Gitarre, Piano) gründeten 2015 die Band Queen Of Jeans, die im folgenden Jahr eine erste EP veröffentlichte und bei wechselnden musikalischen Mitstreitern mittlerweile bei ihrem dritten Studioalbum angekommen ist. „All Again“ entstand nun zusammen mit Andrew Nitz (Bass, Keyboards), Patrick Wall (Schlagzeug) und - wie bei den beiden Vorgängerplatten - dem Produzenten Will Yip (Nothing, Turnstile, Circa Survive, Panic! At The Disco). 

Bei „All Again“ handelt es sich um eine Art von Konzeptalbum über eine Beziehung und den Lauf der Zeit. Thematisch werden die Höhen und Tiefen einer turbulenten, fiktiven Liebesbeziehung verarbeitet, in die aber reale Erfahrungen des Paares einflossen. Dazu bietet das Quartett aus Philadelphia gefühlvollen, leicht nostalgischen, radiofreundlichen Indierock. Im Radio würden die Songs von Queen Of Jeans gut zwischen Lucy Dacus und Rilo Kiley passen. 

All Again“ ist als amber gold swirl Vinyl und als sea blue Vinyl erhältlich. 

All Again is resentful, nostalgic, frustrated, disoriented. Instead of chronicling a relationship from start to finish, the album is a nonlinear jumble of feelings and memories. The delirious finale “Do It All Again” is the ribbon tying it together as it echoes the melody of “All My Friends” and Devora sings, “If I got to do it all again/ I’d find you there like I did back then.” She sounds distant and earnest, repeating the words like an incantation, a spell in an attempt to manipulate fate. However, there’s no need for that; all of this surely will happen again, and again, and again.

This is the record where Queen Of Jeans have mastered both the banger-to-ballad ratio, and the banger-to-ballad transition. With the help of Grammy-nominated producer Will Yip, they’re covering more instrumental and aesthetic ground than they ever have before. Yip’s production lends cohesion to these sonically diverse tracks, magnifying the record’s more dramatic moments, sanding down odd edges without making Queen of Jeans’ sound too sanitized and roughing songs up when they’re on the verge of getting a little too pretty. 




10 Fakten zum neuen Album von Cigarettes After Sex :  1. Greg Gonzalez hat sich etwas Zeit gelassen für das dritte Album seiner Band Cigaret...

10 Fakten zum neuen Album von Cigarettes After Sex

1. Greg Gonzalez hat sich etwas Zeit gelassen für das dritte Album seiner Band Cigarettes After Sex: „X’s“ erscheint 4 Jahre 9 Monate und 18 Tage nach „Cry“. Damit hat sich die Wartezeit zwischen den Alben mehr als verdoppelt, denn zwischen dem selbstbetitelten Debüt und seinem Nachfolger waren noch 2 Jahre, 4 Monate und 16 Tage vergangen. 

2. Nicht verdoppelt hat sich die Spielzeit der Platte, denn „X’s“ kommt bei 10 Songs nur auf 38:13 Minuten , nachdem zuvor noch 40 bzw. 47 Minuten Musik von Cigarettes After Sex auf ein Album gepackt wurden. Tendenz also fallend.

3. Apropos „Tendenz fallend“: Bei Metacritic stehen die drei Alben der texanischen Band aktuell so dar: „Cigarettes After Sex“ (75/100 Punkte), „Cry“ (69/100) und „X’s“ (67/100).

Lyrically, the album plunges into some vulnerable and troubling places, but musically it lacks a similar emotional range, instead feeling static and one-note.

As with other Cigarettes After Sex albums though, there is a flaw, which is that it all becomes very one-note after a while. Admittedly, after three records nobody’s going to expect Gonzalez to embark on a radical new direction, but ten songs of a deeply narcotic, sleepy hue end up becoming a bit wearisome. (…)
While it may not break any new ground, there’s an oddly addictive ingredient to the Cigarettes After Sex formula, which this album has in spades. Just don’t let any ex-prime ministers listen to it.

You could argue that ‘X’s’ is Cigarette After Sex’s most consistent album of the three released so far. While the Texan band deliver their famed reverbed sound, similar lustful lyrics and reveal little desire to move the dial, the overall standard – more so when comparing each record’s weaker moments – is far raised.
Of course, the doubters will point to the lack of variation over their discography and find itchy feet here. But with a musical formula this pleasurable on the ears, Cigarettes After Sex will seduce you all over again third time round.

4. Zurück zur Spielzeit: Diese hätte Greg Gonzalez auch komplett anders gestalten können, aber offensichtlich ist der kreative Kopf von Cigarettes After Sex ein Freund der Non-Album Singles. „Affection“ war nicht auf dem Debütalbum enthalten, „Crush“ und „Neon Moon“ fehlten auf „Cry“ und auch vor „X’s“ waren einige Singles erschienen, die sich nun nicht auf dem Album wiederfinden: „You’re All I Want“ (2020), „Pistol“ (2022), „Bubblegum“ plus die B-Seite „Stop Waiting“ (2023). Zudem wurde im gleichen Jahr noch das Radiohead-Cover „Motion Picture Soundtrack“ herausgebracht.


5. Seit Februar 2024 wurden dann im 2-Monats-Rhythmus drei Singles aus „X’s“ veröffentlicht: „Tejano Blue“, „Dark Vacay“ und „Baby Blue Movie“. Die beiden letzten Songs sind auch als 12’’ Picture Disc erschienen.


6. Das Album wurde zwischen August 2020 und Februar 2022 in Los Angeles aufgenommen. Neben Greg Gonzales, der alle Songs komponierte, sang, Gitarre spielte und als Produzent fungierte, waren Randall Miller (Bass), Jacob Tomsky (Schlagzeug) und Jeff Kite (Keyboards) in die Aufnahmen involviert. Anthony „Rocky“ Gallo (Cat Power, Norah Jones, Yeasayer) und Greg Calbi (The National, Taylor Swift, Noel Gallagher, Arcade Fire) kümmerten sich ums Mixen bzw. Mastern. 

7. „X’s“ steht seit dem 12. Juli 2024 als CD, Kassette und LP (black Vinyl, Picture Disc, crystal clear Vinyl, white Vinyl) in den Plattenläden. Zudem gibt es eine Deluxe Version der LP (black Vinyl) im Gatefold Cover mit exklusivem Text- und Fotobuch.

8. Der in Seoul geborene Min Byung Hun studierte Musik und Ingenieurwesen, bevor er sich Anfang der 1980er Jahre im Studio des Künstlers Soon-Tae Hong der Fotografie zuwandte. Min entwickelt seine Bilder von Hand in der Dunkelkammer und hält seine Tonwerte oft in einem engen, verschwommenen Bereich, der als samtig beschrieben wird. Für das Cover von „X’s“ wurde ein Foto aus dem Jahr 2010 ausgewählt.


9. „X’s“ wird wie seine beiden Vorgänger über das Indie-Label Partisan Records veröffentlicht. Der ganz große Chart-Erfolg steht aber für Cigarettes After Sex noch aus: in Großbritannien, Deutschland und Frankreich gelang noch nicht der Sprung in die Top 25, in den USA stehen bisher sogar nur die Plätze 144 und 152 zu Buche.

10. Um so erstaunlicher, dass für die anstehende Europa-Tour nur die größten Hallen gebucht wurden. Größtenteils sind sie bereits ausverkauft und wurden sogar Zusatzshows hinzugefügt. Das sind die beiden Termine in Deutschland:
07.11.24 Berlin, Uber Arena
10.11.24 Köln, Lanxess Arena (ausverkauft)

Ach, würden Coldplay doch noch einmal einen so schönen Song aufnehmen wie „What Would You Call Yourself“!     In den letzten Jahren arbeitet...

Ach, würden Coldplay doch noch einmal einen so schönen Song aufnehmen wie „What Would You Call Yourself“!  


In den letzten Jahren arbeitet Fin Greenall verstärkt im Bereich Filmmusik, wodurch zu erklären ist, dass sein letztes Album unter dem Namen Fink („Bloom Innocent“) bereits fünf Jahre zurück liegt. Für „Beauty In Your Wake“ kehrte der seit 8 Jahren in Berlin lebende Musiker in seine Heimat zurück und nahm mit seinen Mitstreitern (Bassist Guy Whittaker und Schlagzeuger Tim Thornton) in einer Kirche in Cornwall das neunte Album von Fink auf. Als Co-Produzent fungierte dabei Sam O’Kell, der sich einen Namen durch das Remastering des gesamten Beatles-Katalogs in den Abbey Road Studios gemacht hat. 

Die Vergleiche mit Coldplay lösen sich auf „Beauty In Your Wake“ schnell auf, denn Fink durchtränken ihren intimen, gefühlvollen Folk mit einer gehörigen Portion Blues. Bei so viel Behaglichkeit ist es sehr willkommen, wenn das Album, wie etwa bei „Be Forever Like A Curse“ oder „I Don’t See You As The Others Do“, etwas an Dramatik und Dringlichkeit gewinnt oder das Tempo anzieht und dezent elektronische Elementen einbaut („One Last Gift“).

Fink in Deutschland:
13.10.24 Dresden, Alter Schlachthof
18.10.24 München, Backstage (Werk)
04.11.24 Mannheim, Alte Feuerwache
05.11.24 Köln, Stadthalle
06.11.24 Hamburg, Fabrik
07.11.24 Berlin, Astra Kulturhaus

Denn “Beauty In Your Wake” ist in seiner ganzen wehmütigen Mono-Melancholie maximal unspektakulär. Alles klingt ziemlich schön instrumentiert und Greenalls Stimmfarbe ist so herbstlich-warm wie eh und je. An Melodien oder Songwriting-Ideen wurde dafür massig gespart.
Zum Meditieren/Einschlafen ist diese Platte, die das ‘Wake’ im Titel trägt, jedenfalls besser geeignet als zum Erwachen.


Für „Beauty In Your Wake“ hat der Wahlberliner (…) zehn Songs aufzunehmen, die auf Zehenspitzen gehen, ohne Stand einzubüßen.
Nicht immer finden Form und Inhalt einander so schön wie in „Fol­low You Down“ oder im vernebelten „When I Turn This Cor­ner“. Aber für ein paar Merksätze im Küchenkalender reicht’s immer: „The only thing that mat­ters is the beau­ty in your way.“

28 Minuten? Ist das ernst gemeint? Das beste Album von Kasabian , „West Ryder Pauper Lunatic Asylum“ (2009), läuft knapp 52 Minuten, und „Ve...

28 Minuten? Ist das ernst gemeint? Das beste Album von Kasabian, „West Ryder Pauper Lunatic Asylum“ (2009), läuft knapp 52 Minuten, und „Velociraptor!“ - immerhin 2011 Album des Jahres bei Platten vor Gericht - kommt auch auf über 50 Minuten Spielzeit. Und nun speist uns Serge Pizzorno, Songschreiber, Produzent, Gitarrist und neuerdings auch Sänger in Personalunion, mit weniger als einer halben Stunde Musik ab. 
Zumindest gibt es eine hübsche Version der Schallplatte bei Blood Records. Zudem ist „Happenings“ als Deluxe Picture Disc sowie auf black Vinyl, turquoise Vinyl, red transparent Vinyl, maroon Vinyl und clear transparent Vinyl erhältlich.

Die Arbeiten an „Happenings“ begannen bereits auf der Tournee zu „The Alchemist's Euphoria“, dem ersten Album der Band ohne ihren ehemaligen Sänger Tom Meighan und hinsichtlich der Laufzeit (38 Minuten) und Qualität (7,333 Punkte und Platz 74 bei Platten vor Gericht) ebenfalls bereits kein ganz großer Wurf. 
Das Album soll inspiriert sein von den Auftritten der psychedelischen Bands der 1960er Jahre - da stellen sich die Fragen, ob deren Lieder auch nur zwei bis drei Minuten dauerten und woher der hohe Dance- („Call“, „Darkest Lullaby“, „Italian Horror“) und Disco-Anteil („Coming Back To Me Good“) hier stammt. Aber zwischendurch gibt es auch Elektropunk-Krawall („How Far Will You Go“) und Mitgröhl-Indierock („Passengers“) und Britpop-Hymnen für die britischen Arena („Algorithms“).

Die Plattenkritik geht nicht gerade zimperlich mit „Happenings“ um und so kommt Metacritic auf einen Metascore von 66/100:

Darkest Lullaby and Call make for an especially strong start to the album. However, with Meighan gone, Happenings does at times sound like the work of a band struggling with an identity crisis and consequently cosplaying some of their peers. Most notably, Passengers starts like some sort of Red Hot Chili Peppers tribute act; elsewhere there are nods to Foals and early Arctic Monkeys too.

Most of the second half of the album is a forgettable mishmash of styles that fails to stamp its own identity on the listener. Hell Of It starts off sounding like first album Arctic Monkeys before spiralling into a shapeless mishmash of electronic noise and squalled vocal fragments; Bird In A Cage is a tuneless splodge of sub-Lady Gaga electro pop. Even closing track Algorithms, which boasts by far the warmest, catchiest melody on offer here, can’t resist the temptation to spoil a perfectly pleasant chorus by pumping it up into an over-egged football chant. 


The Rifles veröffentlichten 2016 als letztes großes Aufbäumen mit „Big Life“ gleich ein Doppelalbum. Als danach eine Singles Collection, ei...

The Rifles veröffentlichten 2016 als letztes großes Aufbäumen mit „Big Life“ gleich ein Doppelalbum. Als danach eine Singles Collection, ein Unplugged Album, ein Live Album und viele Jahre Stille folgten, konnte man davon ausgehen, dass es sich mit der Londoner Band erledigt haben würde. 

Weit gefehlt! 8 Jahre nach ihrem vierten Studioalbum veröffentlichen The Rifles nun - aufgrund von Problemen mit dem Mastering etwas später als ursprünglich geplant -  „Love Your Neighbour“ auf CD und LP (white Vinyl, blue Vinyl). Zahlreiche Varianten der Schallplatte gibt es diesmal nicht, dafür ein alternatives Cover.  

Joel Stoker (Gesang, Gitarre), Lucas Crowther (Gitarre), Rob Pyne (Bass), Grant Marsh (Schlagzeug) und Deano Mumford (Tasteninstrumente) erfinden das britische Gitarren-Rock-Rad nicht neu und bleiben nahe bei ihren Vorbildern, egal, ob man diese nun als The Beatles, Small Faces oder The Jam benennen möchte.

Das sonnige „Days Of Our Lives“ klingt verdächting nach einer Symbiose aus Madness und Dodgy. Ähnlich beschwingt und fröhlich kommt das anschließende und den Albumtitel liefernde „Mr. Sunflower“ daher. Hier strömen gute Laune und Optimismus aus allen Poren und dies wäre in einer Playliste nur zu toppen, wenn sich „It’s Alright“ von Supergrass anschließen würde. Zwischen die zahlreichen ebenso flotten wie nostalgischen Dreiminüter schleichen sich auch eine Ballade („Fall Apart“) und ein reduzierter Folksong („Venus“) ein.

They say abstinence makes the heart fonder, well, for The Rifles as a writing new music band, it has. The album is steeped in the kind of love and hope George Harrison would look upon fondly. It marks a new era for the band. The need to produce chaos has faded into wry takes on that era, and their most mainstream rock classic sound to date. Let’s hope it’s not another eight years. 



Vor zehn Jahren veröffentlichten der Isländer Ólafur Arnalds und der Färinger Janus Rasmussen als Kiasmos ihr selbstbetiteltes Debütalbum üb...

Vor zehn Jahren veröffentlichten der Isländer Ólafur Arnalds und der Färinger Janus Rasmussen als Kiasmos ihr selbstbetiteltes Debütalbum über das Label Erased Tapes. Das Duo, das erstmals 2009 zusammen arbeitete, brachte davor und danach noch einige EPs heraus, zu einem zweiten Album sollte es aber nicht kommen. 

Bis jetzt, denn nach 7 Jahren Stille gibt es nun „II“ zu hören, mit dem Kiasmos auch die Welt bereisen werden. Arnalds und Rasmussen fanden aufgrund der Pandemie wieder zusammen und widmen sich gemeinsam weniger ihren eigentlichen Metiers (Elektropopmusik bzw. Klaviermusik mit Streicherklängen an der Grenze zu Zeitgenössischer Klassik) sondern wollen dafür sorgen, das sich die Menschen zu ihren zwischen Electronica und Elektro pulsierenden Instrumentalstücken auf den Tanzflächen tummeln und zwischendurch zu Ambient-Klängen ein wenig durchpusten können. So ganz ohne Klavier und Streicher geht es bei Ólafur Arnalds dann aber doch nicht.

II“ ist als CD und Doppel-LP (black bio Vinyl, clear Vinyl, translucent orange Vinyl) erhältlich.

Kiasmos in Deutschland:
20.09.24 Köln, Stadthalle
21.09.24 Hamburg, Reeperbahn Festival
26.09.24 Berlin, Columbiahalle

Es pluckert eher als dass es pumpt, die Bässe agieren viel lieber unter der Oberfläche. Man legt die Prioritäten gänzlich auf das Wohlbefinden aller Beteiligten, weshalb “II” schon eher in Richtung Trip geht und einer Seelenmassage gleichkommt. Das Album besitzt dann auch so ungefähr das Hypnotische eines Pantha de Prince.


Auch wenn es aufgrund der klanglichen Homogenität des Albums schwerfällt, einzelne Tracks hervorzuheben, verdienen einige dennoch eine ausführliche Beschreibung: Zunächst ist da "Burst" zu nennen, das mühelos den Spagat zwischen Tanzfläche und Traumreise hinbekommt. Ebenfalls grandios gerät "Bound", das klar in zwei Hälften geteilt ist: Zunächst dominiert ein schneidender Synth-Bass das Geschehen, während sich aus dem Hintergrund langsam die Streicher nach vorne tasten. Was dann passiert, ist schlicht spektakulär: Die Musik verstummt für einen Augenblick, ehe ein mächtiger Drop den zweiten Part einleitet. Der Bass grummelt zwei Etagen tiefer, die Geigen kratzen im Obergeschoss an den Wolken.

„Vandreviser“ besteht aus zwölf auf norwegisch gesungene Folklore Songs, bei denen der Eindruck eines a capella Vortrags entsteht, da ihnen ...

„Vandreviser“ besteht aus zwölf auf norwegisch gesungene Folklore Songs, bei denen der Eindruck eines a capella Vortrags entsteht, da ihnen höchst minimalistisch im Hintergrund einige wenige Instrumente oder Field-Recordings (Regentropfen, Kirchenglocken, Vögelzwitschern) beigemischt sind: Kirchenorgel („Før morgon gryr (salme 364)“), Akustikgitarre („Savne deg“), knarzende Orgel und Maultrommel („Vandrevise“), Streichinstrumente und Mundharmonika („Sommarregn“). Neben großen Arrangements verzichtet Pål Moddi Lue auf seinem siebten Studioalbum auch auf besondere Wiedererkennungseffekte der Refrains.

Etwas heraus stechen das in diesem Umfeld opulent arrangierte (Chor, Trompete, Rhythmusinstrumente) und eingängige „Midt iblant oss“ sowie das abschließende „Veien eg må gå“, in dem sich eine Trompete am Gesang vorbei in den Vordergrund mogelt. 

Grundlage des Albums ist eine 37-tägige Wanderung Moddis durch die norwegische Natur. Diese Pilgerreise führte ihn im Sommer 2021über 643 Kilometer von Oslo nach Trondheim, allein mit seiner Gitarre. Unterwegs schrieb er Lieder, die von der Landschaft, den Menschen, der Stille und den Spuren der tausendjährigen Geschichte des Christentums in seiner Heimat inspiriert sind. „Vandreviser“ ist als CD und LP erhältlich.