Some moments recall the later records that the first incarnation of the group made in the 90s, but the lyrics and performances are imbued with much more desperation and wisdom. It wouldn't be Comet Gain without those two factors present in heaping doses, and almost every song here -- barring the hilarious Fall-inspired "Threads!" -- sandblasts the soul with wild emotional impulses, tears hearts asunder with bloody melancholy, and serves as a call to arms to the true believers. All the fancy arrangements and instrumental flourishes can't distract from the brilliance of David Christian's lyrics and the way he and Rachel Evans sing like every song is the last one they will ever do. They do add something special though, and the overall approach proves a resounding success. 

(All Music)

Their first album in six years, Letters to Ordinary Outsiders, might be the most Comet Gain title ever. It features songs originally released on Bandcamp, now spiffed up alongside a few new ones. The album was conceived as a series of postcards to those “ordinary outsiders,” and this batch of open-hearted janglepop anthems—dressed up perfectly with gang choruses, brass, vintage organs, and references to like-minded fellow cult heroes like Julian Cope and Robyn Hitchcock—doesn’t require membership in a secret club to enjoy.

Adding to the charm are interstitial spoken word missives—almost like reading postcards—between Feck and his bandmates. “Do you know what the fifth Golden Rule of Underground Rock is?” asks producer Sean Read. “Never stop.” Thank goodness Comet Gain have been following this one all along.

(Brooklyn Vegan)

Zum Beispiel die walzernde Folk-Miniatur „Breaking Into Acting“ über einen Hochstapler, der all seine Gefühle nur schauspielert. Oder „Nowhere Special“, in dem Berninger einen Wortschwall rezitiert wie ein resignierter Hörbuchsprecher. Es geht um unerfüllte Träume, um Drogen, Goldfische und das Weinen auf Autorücksitzen. Berningers Stärke ist das Szenische: Er macht Musik, die aufgrund ihrer Atmosphäre flirrt und weniger durch ausgefeilte Arrangements oder Melodien besticht.

Dabei gibt es hier durchaus Melodisches. Das Klavier in „Frozen Oranges“ etwa, das so erfrischend tröpfelt wie ein Regenschauer im Sommer. Oder die melancholische Americana von „Little By Little“, wo Maracas rauschen, die akustische Gitarre schrubbt und eine staubige Orgel röhrt. Und je tiefer man taucht, desto mehr Anrührendes offenbart sich. Dort unten wird man dann vom behäbigen Shufe „Silver Jeep“ empfangen – und von Matt Berningers allumarmendem Gesang. Fast so, als wollte er einen vor dem Ertrinken bewahren.

(Rolling Stone)

Stattdessen lässt er sich mit einer Gästeliste, die von Hand Habits über Kyle Resnick bis Booker T. Jones reicht, durch ein musikalisches Sumpfgebiet treiben, das den Furor seiner Hauptband etwas eintrübt, stilistisch jetzt aber nicht die großen Abenteuer auslotet. Bisweilen flackern kleine Kerzen, etwa die bezaubernden Background-Vocals von Julia Laws in „Bonnets Of Pins“ oder das eigenartige Flirren im Beinahe-Walzer „Breaking Into Acting“. Vieles ist aber verschwommen, unscharf, beinahe unbenennbar, aber nicht reizlos. Denn wohnt man lange genug in diesen Liedern, begreift man sie anders, vielleicht als: Skizzenbuch.

(musikexpress)

Throughout I Went to Find You, Millan avoids big gestures. These songs aren’t about transformation or closure—they’re about staying with the feeling, even when it’s unresolved. The melodies are subtle, the lyrics unforced, and the arrangements are designed to serve the voice rather than embellish it. Rather than chasing grand statements, Millan focuses on what’s right in front of her: memory, distance, and the strange weight of time. The result is a quiet, focused record that earns its depth through patience.

(Glide Magazin)

This isn’t music for immediate gratification. These songs reveal themselves gradually, rewards becoming apparent only through repeated listening. Millan and McCarrol have created something that demands to be experienced as a complete work. The seamless transitions between tracks, the way themes echo and develop across songs, and the careful arc from “Untethered” to “Lost River Diamonds “all suggest artists who still believe in the album as an art form.

“I Went To Find You” succeeds because it trusts its instincts. Millan doesn’t try to compete with contemporary trends or recapture past glories. Instead, she and McCarrol have created a record that occupies its own unique time and space, encouraging listeners to slow down and focus. In a musical landscape often dominated by algorithmic thinking and viral moments, this kind of patient, considered work feels almost radical.

(Montreal Rocks.)

"Vatertag" beginnt zunächst mit den dramatischen Tönen des Orchesters, entwickelt sich aber zu einer Nummer, in der die Sängerin, Komponistin und Texterin zu trippigen, urbanen Sounds über den plötzlichen Tod ihres Vaters reflektiert, zu dem sie jedoch ein problematisches Verhältnis hatte. (…)

"Zwischen 2 Welten" fällt zu Beginn etwas ruhiger und getragener und ebenso persönlich aus, wenn Balbina darüber singt, wie es sich angefühlt hat, als polnische Familie in Berlin aufzuwachsen und welche Entbehrungen sie als Kind in Kauf nehmen musste. Zum Schluss schwingt sich ihre Stimme zu filmischen Streicherklängen soulig und verletzlich in die Höhe. In "Im Mai" steht sie "im Leben wie 'ne Wand aus Stahl", um später zu entschleunigt balladesken Tönen "wie Porzellan" zu zerbrechen. Eine Ambivalenz, die sich auch durch das restliche Werk zieht, das zwar recht nachdenklich gerät, aber auch luftige Momente bereithält.

"Samtvorhangstille" baut mit minimalistischen Beats, etwas Piano, langgezogenen Streichersounds und hauchigen Vocals eine nächtlich melancholische Atmosphäre auf, während "Alles Liebe und viel Glück!", in dem die Berlinerin die Vergangenheit hinter sich lässt, überraschend viel Schwung und Tempo besitzt. Vor allem das Filmorchester zeigt in der Nummer, was es alles drauf hat. In "Das Gefühl Ist Tot." verlässt sich Balbina aber zu sehr auf gewöhnungsbedürftige Wortspielereien und einen Mischmasch aus deutsch- und englischsprachigen Passagen. Diese gezwungene Seite stand ihr aber noch nie gut. Vergleiche mit Björk oder Kate Bush sind da sicherlich um Einiges zu hoch gegriffen.

(laut)

More feels richly lived-in yet remarkably contemporary, lifted by Richard Jones’ lush, cinematic string arrangements – they're particularly striking on Partial Eclipse, whose outro drifts into a moody, Giacchino-esque beauty, reminiscent of the title card score from Lost.

Album opener Spike Island instantly charms with producer James Ford’s recognisable percussion riding aside Jarvis Cocker, all shimmer and gossamer, its rhythmic flourishes crafting an inviting sonic warmth that makes familiarity thrilling rather than stale.

The album's emotional anchor, Grown Ups, is a sprawling meditation whose string-laden melancholy distills decades of mundane experience into something surprisingly transcendent. It's vintage Pulp: charmingly cynical yet quietly profound, showcasing their enduring capacity to tap into life's bittersweet mundanity. But it’s Got to Have Love that truly ignites, its Latin disco exuberance colliding spectacularly with Cocker’s visceral declarations on the necessity of love, capturing a moment of genuine emotional clarity and wall-of-sound scale that tilts the listener backward.

(The Skinny)

Pulp often seemed older and somewhat wiser than their Britpop peers in the 1990s, so new, reflective investigations on the drawbacks of adult responsibility (Grown Ups, a terrific cousin to New Order’s Sub-Culture) still feel of a piece with their classics. Critically, though, More is also a musical match for those records, with Jarvis Cocker’s excellent Jarv Is band fleshing out the Pulp line-up, and producer James Ford discreetly refreshing the kitchen-sink showstoppers and art-disco come-hithers.

Plenty of Easter eggs for the fans – Background Noise is reminiscent of Bad Cover Version, and features Cocker musing “Don’t remember the first time” – but More is that rarest of reunion records: one that transcends nostalgia to actually enhance a band’s legacy.

(Mojo)