Der Titeltrack zum Auftakt schleicht sich in eineinhalb Minuten auf kosmischen Synthesizern in Raum, Zeit und Album hinein. Ein bischen Flaming Lips-Alike.
Wenn er im darauffolgenden „Uneventful Days“ dann im gechillten R’n’B-Modus von eben jenen ereignislosen Tagen und Nächten singt, die Vocoder auf Autotune-Anschlag, dann hat das zunächst den Anschein, als würde sich „Hyperspace“ als eine ruhigere Reaktion auf „Colors“ veranlagen, so wie damals „Sea Change“ auf „Midnight Vultures“, nur eben im Hyperspace statt der Singer/Songwriter-Position.
Und prompt danach kommt er dann wieder, der Bruch mit der gerade aufgebauten Erwartungshaltung. „Saw Lightning“ könnte mit seinen akustischen Slide-Gitarren und Becks Sprechgesang aus „Odelay“ Zeiten stammen, oder gar ein Outtake von „Loser“ sein  (…).
Der siebenfache Grammy-Gewinner hat für das Stück mit Pharrell Williams zusammengewirkt, der auch sonst an vielen Stellen der Platte seine Spuren im Beckschen Kosmos hinterlassen hat. „See Through“ etwa ist ein Song, der auf jeder Williams-Platte untergekommen wäre.
„Chemical“ dreht dann wieder etwas runter, und ist eine wundersam schöne Synth-meets-Akustikgitarren-Ballade. Die omnipräsenten Autotune-Anteile in Becks Gesang verleiden hier und an vielen anderen Stellen aber leider auch manches Mal die geschmackvollen Arrangements.
(Musikblog)

"Church" is where the pulse quickens and undulating synths creep upward, it all feels like the world waking, and this is ultimately the message that Everyday Life delivers. The pieces that make up the puzzle. The most explosive of which, "Arabesque" rife with horn-laden crescendos erupt with a rattling battalion of noise.
One of the most emotionally drawing moments; digging deep into the psyche of the trauma that can come from an absent parent, the dry, piano-led "Daddy", a ballad of a child yearning for its father.
And then they bust out "When I Need A Friend" which goes full choral, aided by atmospheric rain as the apt Sunrise closer. (…)
Sunset is where things fall to a quieter timbre, but the humanitarian exploration is far from flat. On "Champion Of The World"; a vast sounding, nineties drawn-out cut, Coldplay touches upon romance. (…)
Coldplay are a band who explore. Be it the origins of their emotional landscape, or the shallow depths of the mainstream world or even the actual vibrancy; every effort has been made to create an audible spectacle. And gaze on as a band who've evolved into an unstoppable entity carry on their organic exploration.
(The Line Of Best Fit)

Trophy is much more than a humble re-introduction to the unending layers of tone and texture Kate Davis can achieve as a musician with years of experience paying close attention to the language of sound. This is a masterclass in waking up on fire after a deep sleep — this is Kate looking back and looking towards, ready to take on the world after realizing she’s already been doing exactly that for years. Trophy is a feat of sonic wonder, leaving us quiet and contemplative as we go back, hungry for more, itching for Kate to make sense of the exhausted mess she’s made of our minds with an album so stirring, so gritty, so entirely itself.
(The Music Mermaid)

Davis’s songs often start languorously, wading into gentle, lapping folk before plunging into noisier grunge-rock. She has a pleasant, lilting voice to listen to while resting your head against a window. But these slow-moving repetitions—a few plucked strings, a murmured confession—leave you hungry for grittier self-scrutiny. Romantic metaphors of open heart surgery and stars aligning can come off saccharine, as do melodramatic declarations to a lover to “meet me in the morning, indigo skyline twilight.”
(Pitchfork)

It will make you want to sail the ocean at sunset, go stargazing from a city rooftop, or embark upon a long walk on a foggy morning. Low Roar has always maintained those very natural, earthy undercurrents in their music, and it’s a motif that continues in plenty on their fourth full-length endeavor. If Low Roar is a product of life’s most beautiful moments, then each album they've created is a series of snapshots taken along the way. With ross., prepare to have your breath taken away - again.
(Sputnikmusic)

With eleven songs and no obvious filler, this is a very confident record, especially for a band so far into their career. Often with a push and pull between uplifting tunes and world weary lyrics, ‘Better Being Lucky’ has all the hallmarks of the Stuffies’ past, but still feels totally relevant to the time of its release. A near perfect adult pop-rock disc that shows absolutely no signs of a band merely coasting along, ‘Better Being Lucky’ is the strongest addition to The Wonder Stuff catalogue since ‘Construction For The Modern Idiot’ all the way back in 1993.
(Real Gone)

It’s not long into this album before you realise how little has changed sonically for the band in the intervening years. If the guitar sound doesn’t do it (original guitarist Malcolm Treece back in the fold), the plaintive violin will. It’s not Martin “Fiddly” Bell at the bow these days, of course, it’s Hunt’s long term collaborator and partner Erica Nockalls, but its place in the musical palette is the same – folking up the jangly indie guitar. (…)
Hunt, it seems, still knows how to craft a pop song and tracklist an album. What would be side two’s opener, Bound also plays to the band’s strengths, with its martial beat, fast strummed chorus, and wistful middle eight. (…)
The band’s moodier side is represented here by Lay Down Your Cards, recalling some of the uglier, darker moments on pre-split album Construction For The Modern Idiot. No Thieves Among Us is a chuggy rocker in the mould of the Stereophonics and is a weak spot. It’s The Little Things also crunches a bit harder than your normal Stuffies track, but more in the vein of New Model Army. Nockalls’ sky-rocketing violin solo is its main selling point.
(The Wee Review)

Zum träumerischen Gesang von Sängerin Box von Dü gesellen sich immer wieder tieftraurige, sphärische Klanggebilde von Klangmagier Mike, die zum Teil – wie bei der ersten Single The First Dream – an frühere Zeiten der Altehrwürdigen The Cure erinnern. Und eine Premiere gibt es ebenfalls zu feiern, denn mit Dein Herz Schlägt Noch haben die Kölner ihren ersten deutschsprachigen Song veröffentlicht, der zu keinem Zeitpunkt peinlich oder kitschig klingt, sondern sich vielmehr bestens ins Gesamtkonzept einfügt. Noch mehr als beim Debüt sollte man sich die Zeit nehmen, das Album ganz auf sich wirken zu lassen, denn es ist noch atmosphärischer und verträumter geworden, beschwört sogar ein ums andere Mal den Geist alter 4AD-Zeiten und besitzt im Titeltrack ein weiteres Highlight.
(Monkeypress)

Dancefloor Highlight dürfte das düster, minimal arrangierte „ashes“ sein, das obendrein eine bestechende Gesangsmelodie hat. „frozen in time“ vermischt einen Flangerbass mit einer „Slowdive“-Leadgitarre und einmal Minimal-Pling-Pling-Keyboard – eine Mischung, die ausgesprochen gut funktioniert. Es geht weiter mit geschichtetem Gesang, einer Art Indie Pop Song in dreamy und dann der Titelsong: Düster, anklagend und kalt baut er sich langsam auf und scheint sich in kreisendem Gesang zu verlieren.
mit „zerfall“ haben uns „box and the twins“ einen wirklich hervorragenden Zweitling beschert, der sicher eines DER Alben des Jahres sein dürfte!
(Outeredspace)

Die wütende antirassistische Vorabsingle „Das Boot ist voll“ zum Beispiel ist auch ohne die nachträglich rausgestrichene Vergewaltigungsfantasie viel zu (d)oller Holzhammer. Während Stücke wie „Generation YouPorn“ oder „Das Leben sei nur eine Zahl“ das (junge) Verlorengehen in dieser digital-globalen Welt so deutlich begreifbar machen, dass sie noch lange in einem nachhallen.
Bleibt die Musik: Es gibt wieder viel balkaneskes Zeltfestival-Gewirbel hier, feurig gespielt, sind diese alten Schuhe aber eben doch durchtanzt. Vielleicht braucht man das aber ja zum Ausgleich, denn wenn Faber sich auch noch zum weinenden Orchester selbstentflammt wie in „Sag mir wie du heißt (Pt.2)“, ist das Melodrama kaum noch auszuhalten.
(musikexpress)

"I fucking love my life" ist ein unbequemes Album voll bitterem Humor geworden. Viele Textzeilen erschließen sich erst beim erneuten Hördurchgang, zumal sich Faber gleich an mehreren Stellen auf Album Nummer Eins bezieht. Überhaupt weiß der Kerl schon lange, sich zu stilisieren: Auf dem Cover ist er abgebildet wie auf einem Paparazzi-Schnappschuss, weiß-goldener Stoff, Goldkettchen und Kippchen in der Hand, die Album-Lettern gleichen der Typographie einer Boulevard-Zeitschrift. Sarkasmus und Überhöhung lautet die Devise. Man muss ihn nicht mögen, aber sein neues Album ist ein gewaltiger Arschtritt für den Gefälligkeits-Pop, der hierzulande produziert wird.
(laut)

Musikalisch bleibt meist alles beim Alten. Fabers Begleitband, die Goran Koč y Vocalist Orkestar Band, verleiht dem Folk-Pop-Balkan-Chanson den nötigen Druck, um dem Hörer Fabers Auslassungen und Phantasmagorien regelrecht aufzudrängen. Wie schon auf "Sei ein Faber im Wind" begeistern vor allem die Bläser-Einwürfe und treibenden Stücke ("Vivaldi"), während es dem Sänger mit seiner bassigen, kratzigen Stimme in den ruhigen Songs wie "Sag mir wie du heisst (Pt. 2)" gelingt, den Hörer zur Aufmerksamkeit zu disziplinieren. Der vermeintliche Pomp und die scheinbare Arroganz, der die Aufmachung des Albums durchzieht, blitzt auch in der Trackliste durch. Ganz wie bei einer Oper gönnt sich Faber eine Ouvertüre, ein Intermezzo und eine Coda. Und ganz wie bei einer Oper ist die Musik nur eine Komponente des Gesamtkunstwerkes. Wer sich bisher von Zeilen wie "Wem du's heute kannst besorgen, dem besorgst du's morgen auch" hat abschrecken lassen, dem sei noch mal in aller Deutlichkeit gesagt: Der Mann hat viel zu sagen – und Zuhören lohnt sich.
(Plattentests)

Faber zeigt auf seinem, nach „Ein Faber im Wind“ zweiten Album „I Fucking Love My Life“ Haltung und Kante, schlüpft in Rollenprosa und entpuppt sich nicht nur als politischer Provokateur, sondern auch als genauer und kluger Beobachter unserer Zeit. Vor dem Faber ist niemand sicher, besonders nicht die „Generation YouPorn“, die im gleichnamigen Song die volle Breitseite abbekommt („Und mit dem Auto ins Fitnessstudio, um da Rad zu fahren / Mit dem Auto im Bioladen kaufst du regional“). Faber macht nicht mal vor sich selbst Halt und zeigt selbstironische Züge in der sonst bitterbösen Schwulen-Sex-Affären-Abrechnung „Vivaldi“. (…)
Manche mögen ihn auf seine provokanten Texte reduzieren, aber Faber ist halt auch ein ziemlich guter Liedermacher und das beweist er mit seinem neuen Album.
(Sounds and Books)

Every song on ‘Are You from The Future?’ is a melodious pop delight: wry observations on politics, love, longing and loss wrapped in glorious cloak of strings and rhythm. Spearmint are a revelation and an institution. I have a sense of regret that I have only now come across this band, and yet a sense of excitement and anticipation at the prospect of discovering their back catalog.
(Backseat Mafia)

So sure, they still seem to be a (frustratingly) well kept secret. But as someone who receives more albums to review than can possibly be heard or written about, this is one that got played frequently in the runup to writing the review. I’m likely to continue doing so, as it’s one of the best albums of the year…
(God is in the TV)

This is an album that thematically takes in middle age worries, as late stage concerns permeate the no-getting-away-from-fate accompli of ‘It won’t happen to me’ and ‘I don’t sleep well without you’ love songs with a twist.
Wry, spry and arch in all the right ways, always ahead of the curve when it comes to touching a nerve, forever top of the game when amour is the name. Spearmint are back to reclaim the present.
(music-news)

Fortune Teller may not be the band’s intended second album proper, but it’s a very strong statement and a powerful document of where Night Flowers are right now.
(God Is In The TV)

Perhaps the one criticism for the album is that it is not one that takes many risks. It is easy listening; there is nothing experimental about it. But there’s no mistaking the band’s hazy signature sound, made even better with its distinctive nod to 80s rock. And the sweet, delicate vocals of Pettit, which come through raw and emotionally charged, ensure that the band never lose their authenticity.
(the wee review)

Der orchestrale Klangraum erinnert an ein europäisches Konservatorium, dennoch ist ALL MIRRORS eine sehr amerikanische Platte geworden.  (…)
Olsen schwebt manchmal in den Streicherauftrieben, einmal stürzen die Streicher auch krachend über ihr ein, aus ihrem Kopf kommt sie scheinbar nicht raus („Impasse“). In „Tonight“ vernehmen wir die Flüsterstimme der Angel Olsen, so nah und doch fern dieser Welt, Violinen und Celli ziehen eine kräftig gefärbte Leinwand hinter ihr auf.
(musikexpress)

„All Mirrors“ drückt einem ihre Ambitionen sofort in die Gehörgänge. Damit gar nicht erst Zweifel daran aufkommen, dass sich diese Künstlerin auf dem Zenit ihrer Kunst befindet. „Lark“, das erste und längste Stück der Platte, stellt die Weichen auf Bombast. Olsen hat ihre Hausaufgaben in avantgardistischer Pop-Kunst gemacht, die Lerche scheint direkt aus Julia Holters Voliere entflogen zu sein. (…)
Das Titelstück zündet ein hymnisches Feuer irgendwo zwischen U2, ­Tame Impala und Arcade Fire. „Too Easy“ bringt nach diesen beiden Brocken etwas Entspannung. Die Intensität bleibt hoch. Das magisch schwebende „New Love Cas­sette“ erinnert an Sharon Van Ettens Synth-Pop-Werdung auf „Remind Me Tomorrow“. „Spring“ steigt mit einem Ringo-Starr-Gedächtnis-­Break ein, dämmert zu Unterwasser­piano, Olsen taumelt zwischen Apathie und Wehleid.
(Rolling Stone)

“Kristín Anna is an artist like no other. Kristín roams the earth weaving a thread of her life, her loves, her dreams into this confessional gem of an album. The music is a reflection of life lived away from the norms, banging old pianos and celebrating a conflicted lust for life. This is a big record full of deep truths, suffering, irony and beauty. Unique songs by a unique artist. Yes this is real, this is good old mysterious talent. The record was produced and financed by her friends in the music and visual art scene. She is an artist’s artist.”

„Altid Sammen“ ist ein sehr intimes Werk, auf dem die Musiker viel Nähe zulassen und sich nicht verstecken. Songs werden behutsam entwickelt und nie überfrachtet. Clausen erreicht mitunter eine sakrale Ernsthaftigkeit und Erhabenheit („Hænder Der Åbner Sig“). Während man früher teils noch mit der Tür ins Haus fiel und munter Ideen übereinander stapelte, werden „I Dine Øjne“ oder „Under Broen Der Ligger Du“ konsequent und stetig aufgebaut. „Supertanker“ oder „Uden Ansigt“ kommen dem gewohnten Band-Sound noch am Nächsten, „Supertanker“ gar mit einem Anflug von Pink-Floyd-haftiger Spacigkeit. Lediglich in diesen Stücken finden sich direkt zu Beginn rhythmische Drums, wo sonst Ruhe herrscht. Über die gesamte Albumlänge wird nie der Versuchung nachgegeben, zeitgenössischen Trends hinterzulaufen. In der Schlichtheit der Instrumentierung glänzt hingegen zeitloses Songwriting und wunderschöne Melodien bekommen den Raum, der ihnen zusteht.
(éclat-mag)

Clausen, Mads Brauer und Rasmus Stolberg gehen auch bei weitem nicht ambitionslos zu Werke. Mit Synth-Arpeggios und sprödem Disco-Glanz würdigt etwa "I dine øyne" das skandinavische Electropop-Vermächtnis, ohne die Intimität und Wärme der restlichen Platte zu missen. Auch die beiden Sieben-Minüter funktionieren: Die Klimax von "Under broen der ligger du" mündet in eine verspielte zweite Hälfte mit vertrackter Rhythmik und markanter Trompete, die sich letztlich im choralen Äther auflöst. "Hold mine hænder" ergeht sich fast fünf Minuten lang in ergreifender instrumentaler Harmonie, bis Clausen und Chor den Deckel auf den besten Efterklang-Closer bisher setzen.
(Plattentests)

Allerdings wirkt das Art-Pop-Konzept der Dänen nach sieben Jahren Pause nicht mehr mutig und erst recht nicht innovativ, sondern ALTID SAMMEN eher wie der weitgehend untaugliche Versuch, sehr verspätet die Ehre des Alan Parsons Project retten zu wollen.
Das alles ist immer noch wahnsinnig schön orchestriert, geschmackvoll arrangiert und spielt ganz versiert mit Stimmungen im Spektrum von weihevoll bis pathetisch. Nur leider Charme hat das keinen mehr.
(musikexpress)

Das Rückbesinnen auf alte Stärken, auf Quintessenzen, die einen als Kollektiv ausgemacht haben, ist schön und ehrenvoll.
Aber die hier, gefühlt einmal aller drei Songs, leise plätschernden Akzente, mal eine unendlich weit zurückgedrängte E-Gitarre, mal zart pluckernde Synthie-Beats, erheben die Stücke nicht mehr in große Gefühlswelten.
Dominant bleibt die verschlafene Gesangsarbeit von Casper Clausen und die ist auf „Altid Sammen“ einfach nicht einnehmend und überzeugend genug, dass man hier die großen zeitlosen Gefühlsmomente erleben würde.
Efterklang im Jahre 2019 klingen leider mehr und mehr nach einer Band, die sich überlebt hat.
(Musikblog)