TripHop-Beats, vergessene R’n’B-Hits, Café-del-Mar-Kulissen. Sarah Cracknell singt dazu keine Lyrcis, sondern Catchphrases und Slogans, Zeug wie „here it comes again“ oder „a love like this again“ – sinnlose, unschuldige Zeilen.

(musikexpress)

Sängerin Sarah Cracknell nennt das zehnte Album des Trios „both dreamy and atmospheric“, und schon die ersten Takte des Eröffnungsstücks geben ihr recht, wenn man von einem in Hall getauchten Cembalo empfangen wird und sich im Weiteren ein fast pastoraler Klang entfaltet. „Pond House“ spielt mit einem Massive-Attack-artigen TripHop-Beat, während Natalie Imbruglia im Loop „Here it comes again“ singt. Der Ambient-Song „Little K“ wird von Vogelgezwitscher durchschwirrt, in „Blue Kite“ dämmert eine Fiedel und ihre vielstimmigen Echos. „Penlop“ evoziert Bilder vom Strand, ein bisschen wie in der Bacardi-Werbung, aber vor allem wie im Video zu Chris Isaaks „Wicked Game“.

(Soundmag)

Die Arrangements werden im weiteren Verlauf durch dezente Samplereinlagen mit den Stimmen und Sounds des betrachteten Zeitraums durchflutet, wird die Repetition in „Pond House“, in dem Cracknell zu einem hypnotischen Dub-Bass immer wieder mit „Here it comes again“ die Erinnerung triggert, Mittel zum Zweck.

Die Stimmung von „Fonteyn“ kommt Traumsequenzen aus David-Lynch-Filmen nahe, wird „Little K“ zu einem Stück Dream-Pop at its best, flattert der „Blue Kite“ instrumental durch melodiöse Schwerelosigkeit, schwelgt die Gitarrenlinie von „I Remember It Well“ in bittersüßer Melancholie wie „Penlop“ ein wenig Bristol-Trip-Hop transportiert.

(musikblog)

Harte Punkrock-Riff s treffen auf Bläsersätze und Twang-Gitarren. An anderer Stelle muss man an je nach Lesart Todd Rundgren oder die Buggles denken. Einige Songs verbinden all das dann noch mit Power Pop der Weezer-Schule. Klar, einige Songs, etwa die Vorab-Single „Alone Star“ mit ihrem schönen Gitarren-Hook, hätte man sich auch ganz gut in der Indie-Disco vorstellen können, einzwängt zwischen den coolsten Tracks von Maximo Park und sagen wir mal The Automatic. So richtig hängen bleibt aber nicht einmal die, und während des Hörens dieses Albums wundert man sich ausdauernd über diesen Kessel Buntes. Das muss man als Band auch erst mal hinbekommen.

(musikexpress)

Der zwingende, forsche Rocker „Peoples‘ Republic Of Desire“ brennt sich sofort ein, denn trotz synthetischer Untertöne gibt sich das Quintett forsch und verschwitzt. Stellenweise klopft man sogar bei Maximo Park an. Für „El Paso“ bemüht man sich hingegen um semi-technoide Lässigkeit und Wave-Elan, irgendwo zwischen den beiden neuesten Killers-Alben platziert. Das Spiel mit musikalischen Extremen und Widersprüchen bekommt den Vaccines prima und wirft Perlen wie das understatete, smoothe „Heart Land“, das zwingende und hibbelige „Alone Star“ oder das forsche, leicht angepunkte „XCT“ ab.

Zugegebenermaßen muss man sich zu einem gewissen Grad von den Erwartungen an The Vaccines verabschieden. Der klassische Retro-Rock zwischen Garage und Indie kommt zumeist nur mehr am Rande vor. Disco, Dancefloor, Smoothness und sogar ein wenig Americana rücken vermehrt in den Mittelpunkt des Geschehens, was aber keinesfalls stören soll. 

(Beatblogger)

Wie in den meisten künstlerischen Unternehmungen Dessners geht es ihm vordergründig um Emotionen und Verbindung durch Musik. Zum Beispiel verarbeitet er eine schwere Depression in Teenagerjahren und den damit zusammenhängenden Verlust von Freundschaften im Song „Bryce“, seinem Zwillingsbruder und damals einzigen Verbündeten gewidmet. Wenn einem auch die Hintergründe dieser 15 Lieder nahe gehen mögen, die Musik hinterlässt eher ein Gefühl von Gleichgültigkeit.

(musikexpress)

Dessner und Vernon legen zwar die Songs in ihren Grundzügen an, doch zum Leben erweckt werden sie erst im Zusammenspiel aller Beteiligten. Die Stücke haben diesmal weniger Jam-Charakter als auf dem Erstling und folgen klareren Songstrukturen. Melancholische Pianofiguren vereinen sich mit zurückhaltenden Drums, verschiedenen Saiten- und Blasinstrumenten sowie ein paar glitchigen Elektronikeinsprengseln, die an Bon Ivers Album „22, A Million“ erinnern, zu einem leicht nebligen Herbst-Sound.

(soundmag)

An einigen Stellen treiben Dessner und Vernon wieder in über fünfminütigen Klangsphären ohne strukturelle Höhepunkte, füllen diese aber mit genug Produktionsdetails und subtilen Verschiebungen, um dem mehr als positiven Gesamteindruck keinen Schaden zuzufügen. Vor allem das von Rapper Naeem unterstützte "Easy to sabotage" pumpt, zittert, klappert so an allen Ecken und Enden, dass man jeden Moment den Kurzschluss erwartet. In dieser Freiförmigkeit entwickelt das Album einen klaren Fluss, den höchstens "Renegade" ein wenig stört: einer von zwei Songs mit Swift und eine an sich hochwertige Folk-Pop-Nummer, die in ihrer Direktheit nur etwas herausfällt und deren Lyrics um ambige Zeilen wie "Get your shit together / So I can love you" einen sensibleren Vortrag erfordert hätten.

(Plattentests)

„All I Need“ begrüßt einen mit fußstampfendem, handklatschendem Stadion-Gospel-Pop. Sehr zeitgeistig, aber durchaus auch mitreißend. Näher an seinen Wurzeln ist der Country-Blues-Stampfer „Kiss Like The Sun“ – eine Dampflok in ICE-Geschwindigkeit. Und Lokführer Bugg donnert weiter – von der „Mad World“-ähnlichen Klavierballade zur House-Nummer, von der Synthie-Power-Pop-Hymne zum Wall-of-Sound-Schmachtfetzen.

Buggs fünftes Album hat durchaus gute Hooks und packende Momente. Es ist aber auch ohne Fokus, kitschig und zu offensichtlich auf Hit getrimmt. 

(musikexpress)

„Rabbit Hole“, „Lonely Hours“ und „Lost“ driften dann völlig in Richtung vermeintlichen tanzbaren Pop. Schlecht gealterte und daher längst nicht mehr verwendete Elektro-Beats treffen auf die tiefen Gitarrentöne von Jake Bugg.

Sie finden natürlich auch auf „Saturday Night, Sunday Morning“ ihren Platz. Allerdings reißen weder sie noch sein Gesang bei allen Songs das Ruder rum. Die Ausflüge in den Pop sind zu erzwungen und damit leider auch zu hektisch.

Songwriter-Kunst, die spannende Melodien oder den charmanten Stilmix von Bugg betonen, gibt es auf seinem fünften Alben nur selten. Und weil er seine Power schon am Anfang verfeuert und die beiden Singles „All I Need“ und „Kiss Like The Sun“ in typischer Bugg-Manier dort platziert, sind es die ruhigen Momente, die auch die packenden sind.

(musikblog)

“Take me home to the place where I’m from,” the pair sing in lockstep unison on one of several songs where guitars strum against swelling pools of reverb while they call and respond like two kids in bunk beds losing the fight against sleep. “Take me back,” they plead half a dozen tunes later, “to when things were easier… To a place where I belong … To a place that feels like home… When was that?”

Well, surely it was just now. And it will be again, thanks to the miracle of time-rewind that keeps us addicted to computer games and pop records like this one. It won’t blast you sideways to the next level like Doom or Halo, but that’s kind of the point. “I’ll be wandering,” is the Stones’ reassuring promise in the gentle tumble and tinkle of From A Dream. “Just keep me wandering”.

(The Sydney Morning Herald)

Im Verlauf des Albums singt die Irin, die nun in London lebt, von Copy-Paste-Persönlichkeiten, Traurigkeitsheuchler*innen („all of my heroes are way more sad than me“) und – beinahe atemlos – von Zombies, die keine komplett bösen Typen sein mögen, aber in Gestalt von Testosteron-Monstern dauernd blödsinniges Zeug machen: „I hate it, I hate it, I hate it, I hate it!“ Orla Gartland, Mitte 20, überführt den Furor von Fiona Apple und die Klugheit von Regina Spektor in Modern Pop, wobei bestimmte Stücke poltern und krachen dürfen oder ihre folkige Grundstruktur behalten.

(musikexpress)

Aber wer ist denn nun diese Frau im Internet? Gartland selbst schreckt zwar nicht vor TikToks & Insta-Stories zurück, meint damit aber wohl vor allem die graue Masse an perfekten Körpern, perfekten Leben, perfekten Stimmungen bei den Influencer:innen. “I heard it from a woman on the internet, she told me to eat well and try to love myself” heißt es so noch in “More Like You”, worauf das lyrische Ich nur kleinlaut darum bittet, mehr so zu sein wie die anderen. Struggle, die wohl die meisten aus den sozialen Netzwerken kennen. Aber: Gartland gesteht sich zwar Schwächen und Zweifel ein, setzt der ganzen Shitshow in “Pretending” aber auch ein Ende. Auch hier tritt die Frau aus dem Internet wieder als heuchlerisches Gegenüber auf. Als Partner in Crime darf das Patriarchat in “Zombie!” auch noch eine Klatsche abbekommen. Der Sound ist natürlich auch hier: sehr tanzbar.

Ob im ruhigen Stück vom Ende einer Liebe (“Do You Mind?”), einem straighten Rock-Sound gegen unangenehme Familienbande (“Bloodline Difficult Things”) oder der akustischen Hilfesuche nach einer helfenden Hand (“Madison”) – Gartlands Stimme wie Songwriting sind auf einem immens hohen Niveau.

(minutenmusik)