This album is the stylish and streetwise mash-up of genres that you’d hear on an UNKLE or Gorillaz record. It never really blasts off, but this time it’s more about the journey than how fast you get there.

Ganz anders dagegen die leisen "I'll keep it inside" und "Another day, another night", die von nicht viel mehr als einer Gitarre und den Stimmen von Sarah Martin und Stuart Murdoch zehren. Die zarte Fragilität wird noch dadurch unterstrichen, dass beide Songs zusammengenommen auf gerade einmal dreieinhalb Minuten kommen und ihnen aufgrund ihrer Kürze etwas Skizzenhaftes, Unfertiges anhaftet. Da glimmt er für einen Augenblick wieder auf, der Zauber der vergangenen Zeiten. (…)
"Days of the Bagnold summer" verzichtet auf den ganz großen Pomp und knüpft an die frühe und mittlere Phase der Band an. Einziger Ausreißer ist die erste Single, "Sister Buddha", die mit ihrem breiten Sound, dem treibenden Schlagzeug und den perlenden Gitarren locker "Girls in peacetime want to dance"" entsprungen sein könnte. Zur Wahrheit gehört aber auch, dass Belle & Sebastian heuer nicht mehr diese prickelnde Begeisterung entfachen wie zu ihren Anfangszeiten. Müssen sie aber auch nicht. So lang ist man nun schon miteinander gegangen, so vertraut ist man mittlerweile, da bereitet jedes Wiederhören einfach Freude.
(Plattentests)

Sänger Wesley Schultz wechselt zwischen zartem und angerautem Säuseln, während die Gitarrensaiten ihr Bestes geben. Sanftes Klirren, emotionales Saitenhauen oder rhythmisches Klopfen auf dem Korpus spielen musikalisch die Hauptrolle auf „III“.
Gleichzeitig leidet das Album an fehlender Instrumentenvielfalt: Jede, dahererzählte Melodie, jeder Ton, ja sogar jede spannende Erhebung auf „III“ gehen von Song zu Song sehr nah ineinander über. Zwar entsteht so eine glaubwürdig-flüssige Geschichte, aber leider zu wenig Spannung.
Die Etablierung weiter weg vom Mainstream und hin zu konzentrierterem Songwriting bleibt den Lumineers. Und das ist vielleicht auch mehr wert.
(musikblog)

Die Musik, die er dazu zusammen mit seinem neuen Produzenten Philipp Steinke (unter anderem Boy, Revolverheld) fand, treibt auf wuchtigen Drums voran wie ein Zug, der wieder Fahrt aufnimmt oder jener "laufende Motor", der die Songs des Albums mit Prelude und Schlussdrama zusammentackert. Die zarten Streicher vergangener Alben sind fast verschwunden, stattdessen dominieren beherzt angeschlagene Klavierakkorde und kraftvolle Gitarren.
"Putzlicht" ist somit ein sehr gediegenes, fast zu gefälliges Rockalbum klassisch US-amerikanischer Prägung, dessen musikalischer Gestus manchmal an Springsteen erinnert, manchmal ("Leguane") auch an Blumfeld. Aber es ist keine Rückkehr zu Nostalgie und Neunzigern für Frevert, es wirkt vielmehr wie eine Ankunft, auch wenn die Dinge im Rückspiegel näher scheinen, als sie sind, wie er einmal singt.
(Spiegel)

 

• "Musikalisch je 33 % Okkervil River, Dan Mangan und vielleicht Frank Turner"
• "Canadiana - der dunkle, kühle, nordische Cousin des warmen, lebensfrohen Americana"

• 09.10. Berlin
• 10.10. Bremen
• 11.10. Bremerhaven
• 15.10. Oberhausen
• 16.10. Dortmund

Like Razorlight’s return last year, Powers feels fresh, raw and concise, showcasing what made us fall in love with The Futureheads in the first place while adding invaluable new ingredients.
For example, standout song Electric Shock is one of the most intriguing entries to their back catalogue, built around sparse snares, sprinkling synths and glacial guitars before erupting into an infectious chorus and those irrepressible harmonies. Likewise, the nuanced, melodic Don’t Look Now shows their has been welcomed maturity since the days of their debut, while the jagged gut-punch opening of Jekyll almost cuts through the speakers with its bludgeoning riff.
(Louder Than War)

Denn Adam Green wandelt mit seinem lakonischen Bariton wieder verstärkt auf den Spuren von Scott Walker und Serge Gainsbourg.
Mit ein bisschen Alkohol im Blut („Wines And Champagnes“), anatolischem Bezirze („Gather Round“), lieblichen Streichern („Escape From My Brain“) und in Hall gebetteter Melancholie („Rather Have No Thing“) lässt sich jeder Abend ausklingen als gäbe es kein Morgen.
Adam Green liefert den perfekten Soundtrack für das Candlelight-Dinner mit Tiefgang. Darauf ein Glas Schaumwein. Cheers!
(musikblog)

Wo andere Songwriter ganze Litaneien auf die Hörer loslassen, beschränkt sich der New Yorker auf wenige Verse. "Wer zu viel sagt, hat nichts zu sagen", lautet sein Credo. Leider vergisst Green bei aller Prägnanz die Punchlines. Die meisten Songs plätschern dahin und enden viel zu früh. Eine alte Marotte von ihm, schon klar. Ein bisschen ausgearbeiteter hätten Tracks wie "Escape from the brain" oder "Freeze my love" aber schon sein können.
Dabei deutet er durchaus an, was er kann, wenn er denn Lust hat. Das opulent arrangierte "Reasonable man" überzeugt beispielsweise mit einer tollen Refrainmelodie. Auch "Rather have no thing", ein melancholischer Blick hinter die Kulissen des Materialismus, gefällt. Doch die Magie von früher will sich einfach nicht einstellen.
(Plattentests)

Der sensible Künstler gehört zu der Majorität der an der schlechten Welt leidenden Pop-Menschen, und er hat jetzt einfach mal rausgehauen: Rock’n’ Roll-Gestotter auf reichlich Hall mit einer Art „Sympathy For The Devil“-Uuuh-Uuuh („Calm Down Aka I Should Not Be Alone“), einen schwer kratzigen Rock-Donner („Trauma“), die kleine Ballade „I Wanna Be Your Girlfriend“. Der 56-sekündige Wahnsinn namens „Blown“, der kaputt macht, was uns kaputt macht.
(musikexpress)

"Calm down aka I should not be alone" ist eine amtliche Meckerei, die Stimmbänder Furmans werden ordentlich drangsaliert und doch geistert aufgrund des Rhythmus etwas Spielerisches durch diese garstige Nummer. Mit welcher Inbrunst dann jedoch der "Evening prayer aka Justice" angegangen wird, lässt keine relativierenden Zwischentöne zu. Die Akustikgitarre wird herzlich geschreddert, der Gesang verwurschtelt sakrale Wut in einen Hochdruck-Hymne, die Traurigkeit in grimmige Verzweiflung übersetzt. Furman kommt auf "Twelve nudes" über wackelige Brücken und schwer gangbare Pfade erstaunlich direkt auf den Punkt. Man will mitgrölen, mit ausrasten, Kleider und Glaubenssätze verbrennen.
(Plattentests)

Von Online-Pornos erzählt Iggy, „trying to infiltrate desires that are not my desires“, und von einem weiblichen James Bond. „Loves Missing“ klingt am ehesten wie business as usual, es gibt einen Beat und verlorene Gitarren, es könnte ein Hit werden, ein kleiner, schiefer, dessen Riffs (von Weitem) fast von Josh Homme, Pops Partner auf „Post Punk Depression“ (2016), eingespielt sein könnten. (…)
So sind die strukturfreien, poetischen, dunklen Stücke/Gedichte allesamt Hits, auf diesem ungewöhnlichsten aller Rock-and-Roll-Hall-of-Fame-Mitglieder-Alben. Iggy ist wirklich „Free“. Dass sich nach dem Hören ein ähnliches Gefühl im Bauch einfindet wie nach einem von Jack Kerouacs Beat-Poetry-Alben, ist wunderbar.
(Rolling Stone)

Iggy Pops Fragen lauten stattdessen: Steht irgendwo im Salon ein Blumenkübel, in den ich noch nicht gepinkelt habe? Gibt es im Museum eine teure neue Skulptur, die ich mit dem Hintern umstoßen kann? Und läuft hier vielleicht noch ein Anzugträger herum, der an seine kunstbeflissene Armseligkeit erinnert werden muss?
Free findet darauf Antworten, die es nicht bis auf den Grabstein von Iggy Pop schaffen werden. Es ist ein kurzes und vergleichsweise kleines Album, und das darauf bekundete Interesse an Ambient und Jazz erscheint weniger aufrecht empfunden als zuvor der abgewetzte Lederjackensound von Post Pop Depression. Wer glaubt, dass es deshalb auch weniger bedeutsam sei, hat jedoch weder Iggy noch Pop verstanden.
Erst als Einzelkämpfer, der oberhalb seiner eigentlichen Gewichtsklasse boxt, läuft der Künstler zur Höchstform auf. In der Beschäftigung mit dem Schmuddeligen, Geschmacksverirrten und potenziell Blutigen stößt er vor bis an die Grenzen der von ihm gewählten und gelebten Kunstform.
(Zeit)

Der Opener Amend ist ein langsames nahezu pastorales Klavierstück, das während der 3-minütigen Laufzeit nur durch Bläser, Streicher, Chor und Schlagzeug unterstützt wird. Es gehört schon ganz viel Selbstvertrauen dazu solch ein Stück an den Beginn des Albums zu stellen. Eye to Eye beginnt dann gleich mit der sonderbar tiefen Stimme Goodwins, die man im Anfangsstück vermisst hat. Es geht ganz tief rein in die verwundete Seele und gleitet wie durch die dunkle Nacht. Ein zweiteiliges Gitarrensolo trägt hier das Licht in den Song und leitet das lange Outro ein.
Es folgt Hard to Hide, die erste Single-Auskopplung des Albums. Eine gute Wahl, der Song zählt zum Besten, was die Band bisher produziert hat.
Mit St. Louis gibt es dann einen fast schon fröhlich-beschwingten Song mit schönem Refrain, der sich hier wohltuend in das Album einfügt. Loser’s Game ist der nächste Höhepunkt, der – wie der Titel schon sagt – die Geschichte eines Verlustes erzählt. Mit viel Streichern und Orchester ist das ganz großes Sehnsucht-Kino und geht fast nahtlos in das akustische 1-minütige Breath Air über.
Die Tracks The Fall und Vagabond fließen schön ineinander und sind eine enge musikalische Einheit. Tolle Arrangements mit einem wunderbaren Trompeten-Solo und eingängigen Lyrics. Es folgt mit Sharp Scratch die zweite Vorab-Auskopplung des Albums, die leider nicht an Tempo und Tiefe gewinnt und trotz der orchestralen Aufrüstung im Mittelteil doch etwas enttäuscht. Exit Wounds ist ein Duettgesang, der schnell in Schwung kommt, dann aber nicht mehr zusetzen kann und leider der schwächste Song auf dem Album bleibt.
(Pretty In Noise)

Mit „Everything All The Time Forever“ erscheint das erste Solo-Album des gebürtigen Stuttgarters, das den Hörer wie ein hypnotischer Sog nach unten zieht und einmal umgekrempelt wieder ausspuckt.
Nichts auf „Everything All The Time Forever” lässt sich leicht einordnen. Ist das jetzt Elektro, Singer/Songwriter oder sperriger Pop? Wo ist hier der Refrain beziehungsweise gibt es überhaupt einen? Eins ist sicher: Like Lovers macht keine Musik zum Mitsingen.
Und trotzdem zieht der durchdringende Gesang von Kerscher einen bereits in den ersten Sekunden in seinen Bann. Man braucht ein bisschen Zeit, um sich mit „Everything All The Time Forever“ anzufreunden, aber dafür geht die Freundschaft anschließend umso tiefer.
(musikblog)

Zwischen veritablen Kopfnickern wie People Shaped Mirrors, I Float On Your Love und Health, bittersüßen, fast zerbrechlichen Songs wie Infinite und Gone und sphärischen Midtempo-Groove-Monstern wie dem Titeltrack, Am I Still Here und Something Else sitzt als vorletzter Track das akustische Finale: Fall. Langsam, fast schwerelos baut sich da über fast sechs Minuten ein Druck und eine Größe auf, wie man sie aus Angel von Massive Attack oder Love is not enough von Nine Inch Nails kennt.
Zwischen Industrial, Trip Hop, Indiepop und Disco mäandert und zuckt Everything All The Time Forever mühelos hin und her. Und bei aller elektronischen Klangfärberei ist das Album trotzdem so organisch, so dynamisch, dass man große Lust auf das Live-Erlebnis bekommt. Ohne plump zu kopieren, sind die Referenzen überdeutlich, zaubern aber in ihrer Raffinesse beim Zuhören immer wieder ein Schmunzeln auf die Lippen.
(Pretty In Noise)