Dabei ist Still Talks Pop-Punk so radiotauglich, dass er auch schon im Radio lief. Um Schein und Sein geht es in “Move To L.A.”, in dem Sängerin Kührer in den Strophen mit Spoken-Words spielt. Die Antwort auf die Heuchelei ist recht einfach: “But the only thing that really helps is watching Gilmore Girls”.

Die Radiotauglichkeit von “Jokes About Heroin“ könnte am Titel scheitern, aber auch am Geschrei in der Bridge. Zudem sorgen Still Talk mit Zeilen wie “From knowing no way out of this machinery that got me trapped inside/ My head, my ways, last exit, suicide” für einen Kloß im Hals. “Talk To Myself” ist eine waschechte Emo-Hymne, das simple Drumming und ebenso simple Riffs sind daran schuld. “Bad Dream” kommt da schon mit mehr Punk-Wumms.

Einen Kontrast zum Rest des Albums bietet “Up To Eleven” mit Kührers Stimmverzerrung und äußerst effektlastigen Gitarren. Für “Along The Lines“ packt die Band die Akustikgitarre aus und in “Sad For Fun“ holen sie sich Blackout Problems–Gitarrist Moritz Hammrich alias Emmerich ans Mikro. Still Talk bewegen sich mit “St. Banger” eingängig und lebhaft innerhalb eines nostalgischen Rahmens, der auch ältere Emos anspricht. 

(Visions)

Der Titeltrack ist, wenig überraschend, ein verdammter Banger. Kurios, verspielt, poppig und mit dem vermaledeiten Lars-Ulrich-Snare-Sample veredelt, macht der Song tierisch Spass. Mit «Headcheck» und dem überraschenden «Jokes About Heroin» folgen zwei weitere astreine Pop-Punk-Hits, die sofort ins Ohr gehen. Letzterer wartet sogar mit heftigen Screams auf, die kurz in Richtung Hardcore schielen. Still Talk vermögen es wundervoll, verschiedene Einflüsse zu ihrem eigenen Sound zusammenfliessen zu lassen. Hier etwas Press Club, da etwas Avril Lavigne, dazu eine Prise The Menzingers und zu guter Letzt vielleicht etwas Thrice obendrauf. (…)

Still Talk überzeugen mit ihrer aufrichtigen und eingängigen Musik. Weit entfernt davon, nur eine weitere Pop-Punk-Gruppe zu sein, gelingt es ihnen, dem Genre mit kreativen, abwechslungsreichen Songs, schonungslos ehrlichen Texten und jeglichem Schmerz trotzender Lebensfreude einen angenehm frischen Wind einzuhauchen. «St. Banger» ist ein grossartiges Debüt, auf das Still Talk zurecht stolz sein dürfen. Und wir können uns von dieser Band hoffentlich noch so auf einiges gefasst machen.

(Artnoir)

Ehrlichkeit heißt für Chris Carrabba zuzugeben, dass er gescheiterten Beziehungen hinterhertrauert („Burning Heart“), dass er einige Entscheidungen bereut, die er in der Vergangenheit getroffen hat (Titelsong), dass er seine Familie liebt („Me And Mine“), dass er findet, dass man das Leben leben soll („ Here’s To Moving On“), und dass er trotzdem ziemlich sentimental wird, wenn er daran zurückdenkt, wie es war, jung zu sein: „I was young/ And you were young/ And we had young ideas/ And they were brilliant“, verrät er in „Young“.

Carrabba ist 46 Jahre alt, auf dieser Platte klingt er aber wie ein viel älterer Mann, der wehmütig sein Leben Revue passieren lässt. Und das Ehrlichste an dem Album ist eigentlich die Schlichtheit der Arrangements, die oft nicht mehr zu bieten haben als schrammelnde Akustikgitarren.

(Rolling Stone)

Das knallt hier und da echt gut, die Schrammelgitarren sägen ein paar Bäume um, Frontmann Dylan Baldis Gesang überzeugt mit einer gelungenen Mischung aus Rotz, Rage und, äh, Relaxation. (…)

Da rast "Am I something" mit viel Druck durchs Haus und haut mal eben den Putz von den Wänden, poltert "Open rain" in bester Neunzigerjahre-College-Komödien-Manier und mit verschmitztem Lächeln drauf los, als wäre Baldi selbst wieder 18 Jahre alt, oder zelebriert "It's love" mit 180 km/h eine schnelle, hektische, stürmische Liebe mit vielen Knutschflecken am Hals und noch mehr Herzklopfen. Wer hier wirklich auf die große Veränderung hofft, wartet ehrlicherweise vergeblich. Stattdessen empfiehlt es sich, das Album als genau das anzunehmen, was es ist: Nämlich ein Lebenszeichen von einer Band, die immer mindestens gut ist. Und solche Hausnummern braucht's eben auch.

(Plattentests)

Every song on this album is strong, starting from the compelling opener, “Satellite,” which firmly establishes the return to the classic Get Up Kids style which is as strong of an opener as “Holiday” or “Man of Conviction.” “The Problem is Me” is one of the bounciest, catchiest pop songs that The Get Up Kids have ever put out. “Lou Barlow” starts and ends as a tribute to the Dinosaur Jr. bassist, and in the middle it fills in as one of Matt Pryor’s classicly angsty emo songs. “Fairweather Friends” succeeds thanks to perhaps drummer Ryan Pope’s best performance to date, giving an absolutely electrifying performance. “The Advocate” is a welcome return to the experimental style of On a Wire rather than the over-experimentation of There are Rules. And, while the first three Get Up Kids albums were notable for their excellent closing tracks, that sort of ended with Guilt Show’s mediocre closing track, “Conversation.” On Problems, they return with another strong ballad of a closer in “Your Ghost is Gone” and, while it may not be on par with “I’ll Catch You,” it’s certainly on par with “Michele with One L” and “Hannah Hold On.”
(Punk News)

Problems opens with "Satellites," a headbanger that opens with soft acoustic guitar before kicking into an anthemic chorus that's reminiscent of '90s pop punk. Lyrics about feeling anxious and isolated even in a crowded room are instantly relatable.
 "Salina" and "Fairweather Friends" are absolute standouts; the guitar work is flawless, a fuzzy bass line is warm and inviting and pairs perfectly with the bright guitar riffs — the interlude is utterly magnificent. (…)
The Get Up Kids have a talent for writing catchy and infectious hooks and choruses and it's what has kept them on the map for over two decades. Both old and newer fans will find songs they enjoy and hopefully never stop listening to on Problems.
(Exclaim)

Most of the record jabs and punches like a heavyweight on the comeback trail with tracks like "The Problem Is Me" or "Fairweather Friends" sounding like the work of a band with lots to prove and little time to do it. They charge through the verses with purpose and blast into the verses with a feverish glow that cuts through the noise of the day and forces the listener to take notice. The songs that dial down the energy still have a tightly wound emotional core that comes through in the aching vocal harmonies, the swell of the keys, guitar solos that threaten to tear up speakers, and Pryor's intimate, everyman tone. The band at its best never relied on speed or noise alone to get the point across, and songs like the lovely midtempo melancholy ballad "Salina" or the tightly wound "The Advocate" have the same kick as the faster songs and maybe a little more emotional impact.
(All Music)

Bei aller Toleranz für die Glorifizierung des Rauschs ist es aber doch etwas wunderlich, einen 40-Jährigen davon künden zu hören, dass er und die seinigen „misfit kids“ mit „a pretty clean heart but a dirty mind“ sind, die sich zu viel Zeit, aber zu wenig Drogen nehmen […] (musikexpress)

Hymnen, wie geschnitzt für den "Endlich Wochenende!"-Schrei, für die ausgelassene, in Biersuff und Zigarettendunst mündende Nacht. Für den Punkrock-Pogo zu den furiosen "Young & alive" und "Ride the wild haze". Für die Luftgitarren-Einlage, wenn "I break guitars" zum unendlichen Refrain-Riff bläst. Für das beinahe sinnlich-himmlische Sich-im-Arm-liegen zu "Porno love", wenn der Morgen graut. Richtig, der geballte Hedonismus ist nach wie vor Antrieb für dieses zwischen feucht-fröhlich und melancholisch-nachdenklich gelagerte Rock'n'Roll-Paket. Er manifestiert sich in nahezu jedem Song, da genügt schon der Blick auf die Tracklist. (plattentests.de)

Doch egal ob grau mit latentem Hörschaden oder Punkrock-Frischling, just geflasht vom ersten Livekonzert, – man verzeiht Beach Slang diese kollossale Unvernunft allzu gern. (plattentests.de)

‘Boysetsfire’ achieves exactly what it intends to. It breathes more life into the fully functioning machine that the band are these days, while also managing to ruffle feathers and preach change with enough pent up angst and soaring emotional melody to make the majority sit up and take notice. Though it may overstay its welcome a little by the time its frenzied conclusion roles round, this is Boysetsfire at their most free flowing and fearless and being able to achieve that after so long in the game is something to be applauded.

• 05.10. Münster
• 06.10. Wiesbaden
• 07.10. Nürnberg
• 10.10. Lindau
• 11.10. Leipzig
• 12.10. Berlin

Mit Wut im Bauch und sehr viel Hingabe singt Conor Oberst Post-Hardcore-Rocksongs, die zu keiner Zeit wirklich böse sind, aber unbedingt ernst genommen werden wollen. Anders als die meisten Emo-Kollegen vermittelt Oberst jedoch hauptsächlich politische Inhalte. „The Left Is Right“ gibt die Richtung vor, die Band schlägt sich auf die Seite von Hackern und der Occupy-Bewegung, wettert gegen rechte Ideologen und leicht zu Radikalisierende, womit ausdrücklich auch diejenigen gemeint sind, die daheim via Facebook aus der Anonymität heraus dümmliches Gedankengut verbreiten. Die Texte sind gut, wichtig und richtig. Aber was nützt’s, wenn’s nicht rockt? Doch die Desaparecidos lassen nichts anbrennen. Songs wie „Radicalized“, „Underground Man“ oder „Te Amo Camila Vallejo“ atmen den Geist von Hüsker Dü und erinnern an die Zeit, als man noch glauben durfte, dass alternative Rockmusik die Welt verändert. Vielleicht keine Platte für die Ewigkeit, aber genau die Portion Polit-Emo-Core, die der Sommer 2015 nötig hat.

(Musikexpress)

Die Desaparecidos stellen sich auf die Seite der Occupy Bewegung und singen gegen Ungerechtigkeiten an. Lange hat man es einer Band nicht so sehr abgenommen, dass sie mit ihrer Musik tatsächlich was ändern könnten. Musikalisch wird nicht bei einem der 14 Songs auf die Bremse getreten, sie verstärken die unzufriedenen Texte, die zu den dringlichsten seit langem gehören. Einzig allein “10 Steps Behind” scheint zuerst etwas ruhiger zu werden, doch erübrigt sich dieser Gedanke auch nach der Hälfte des Songs schon wieder.

Mit unruhigen Gitarren, die zwischen simplen Akkordprogressionen, abgedämpften Rhythmuspatterns und melodischer Finesse wechseln, treibenden Drums und der kratzigen Stimme von Conor Oberst erklingen 14 Stücke, die alle einem Grundsound folgen und keiner total aus der Reihe fällt. Dennoch gibt es in jedem Song das eine Element, das auffällt und hängen bleibt. 

(Radio Q)

„Payola“ liefert die battle hymns für alle, die sich schon einmal an Geldautomaten gekettet, Regierungsgebäude gestürmt, Häuser oder Bankenviertel besetzt haben. Verkleidet als knuffiger Punkrocker verleiht Conor Oberst den 99 Prozent eine Stimme – er wütet charmant gegen Unterdrückung und Ungerechtigkeit, als ob er nie etwas anderes getan hätte. (...) Unverschämt lässig verwendet er klassische Punkrock- und Powerpop-Muster („Golden Parachutes“, „Search The Searches“), mischt etwas Hardcore unter („Radicalized“, „Backsell“), macht den Thermals Konkurrenz („City On The Hill“), spielt mal nicht den Introvertierten, sondern das Zoon politikon.

(Rolling Stone)