Die Band präsentiert – wie schon immer eigentlich – handwerklich einwandfreie Popsongs. Das erwähnte "Sunseeker" macht durchaus Spaß, "Everybody knows" will ohne große Umwege in die Beine, was man auch gerne zulässt, und das vorab veröffentlichte "Come as you are" geht sogar trotz seiner nicht unbedingt leicht verdaulichen Stimmspielereien in Ordnung. Nur: In Erinnerung bleibt die Band mit diesen Songs nicht wirklich. Und wenn zur Halbzeit "Well rehearsed" vorstellig wird, merkt man erst, was möglich gewesen wäre. Hier verzichten Alisa Xayalith und Thom Powers auf überflüssige Spuren und Schnörkel, halten den Song über die volle Spielzeit vergleichsweise eng an der Leine und schaffen so Dinge, die der Rest von "Recover" schmerzlich vermissen lässt: Atmosphäre, Dynamik, Projektionsfläche. Auch schön: "The sound of my voice", das auf jedweden Kaugummi-Appeal verzichtet und sich einfach in melancholischer Schönheit gefällt.

(Plattentests)

Anstatt, wie auf „Simple Forms“, oftmals vergeblich der schillernden Grandezza ihres Einstands hinterher zu jagen, kommt das Duo auf „Recover“ immer wieder wunderbar auf den Punkt. Der insgesamt eine Spur ruhigere, ernste Ansatz bekommt den Neuseeländern gut und befreit sie endgültig vom überlebensgroßen Erbe ihrer Anfänge. Ehrliche, bewegende und häufig aufwühlende Songs, von der einen oder anderen Pop-Granate unterstützt, rücken die kreative Energie in den Mittelpunkt und klingen schlicht und ergreifend gut. The Naked And Famous haben endlich wieder festen Boden unter den Füßen und sind sie selbst geworden. Das verdient Applaus.

(Beatblogger)

From the full tilt title track, the echoing twang of The Buzz, the strutting rock reggae of Lightning Man, the swoonsome torch soul of You Can’t Hurt A Fool and swaggering rush of I Didn’t Know When to Stop, it is a Pretenders album that sounds like it could have been recorded in their first flush, a perfect blend of sensuous vocals and blazing guitars.

(The Telegraph)

There is chemistry here, making for tight songs that prance insouciantly from genre to genre, scattering wisdom and swagger in their wake. (…) But every song could be a single.

(The Observer)

The ability to successfully engage with a number of different styles and tones, pen lyrics that are both incredibly vulnerable and smartly robust, and frame it all within their own unique zeal makes Hate for Sale a worthy and welcome addition into the band’s historic discography.

(Consequence Of Sound)

Bedroom is a concept album of sorts that switches moods with every key, whether it be subtle instrumental opener “Momo” or its segue into the dizzy heights of “Push/Pull.” Sandwiched in the middle is the delirious couplet of “Gush” and “Happy,” which fall crushingly into “(The Silence),” another (this time) bleak instrumental that acts as a buffer for what comes next.

“If….” picks up the pace once more before Bedroom’s epic penultimate moment, “Is That What You Wanted To Hear?,” leads to one final crash and the album grinds to a halt. Its creators’ next chapter seems to be on a knife edge, leaving all things sundry hanging in suspense.

This is a confident and assured debut that demands a sequel.

(Under The Radar)

So, as the final crashing chord of “Happy” lands, we’re pitched into “The Silence”, an aural comedown before a mid-paced triptych of songs ending with “Is That What You Wanted to Hear?” Here, the album’s musical and emotional swell reaches its pinnacle, full of confidence and belligerent bravura, as frontman Ryan Smith sings: “Fine, you win/I never felt/What you felt/Is that what you wanted to hear?” The sense of release is palpable - urgent and real.

In navigating a route through the choppy waters of growing up and self-discovery to whatever lies beyond, bdrmm have crafted a hugely impressive debut - one you can really lose yourself in.  

(The Arts Desk)

Vulnerability seeps through ‘Bedroom’ at every turn, but it’s veiled in a relatable beauty that’s both meditative and cleansing. bdrmm have mastered that fine art of conveying emotion through their music with a deft intelligence, and their debut immerses you with each listen and says: “Hey, it’s okay to screw up now and again – but learn from it.” A glorious and human introduction, this is without doubt a modern-day shoegaze classic.

(NME)

Gerade in ihrem ungekünstelten, nachdrücklichen Gesangsgestus kratzt sie so mit Nachdruck wunde Stellen auf. Bestes Beispiel: “Don’t Tell Me To Smile”, in dem sie ihre Außenseiterrolle und tief verwurzelte Depressionen thematisiert. Doch trotz einiger recht deftiger Themen ist Sokos drittes Album kein verzweifeltes, sondern ein mutiges. Eines, das sich der großen Probleme bewusst ist, sie jedoch mit viel Willenskraft neben die Sonnenseiten des Lebens porträtiert. So können auch Texte wie “I have never been anyone’s favourite person” reflektiert und verdaut werden. Für die lauen Sommernächte pinselt “Feel Feelings” so eine nahezu magisch funkelnde Kulisse an die Wände von verlassenen Innenhöfen, einsamen WG-Zimmern und tiefsinnige Gesprächsrunden. Eine verträumte Reinkarnation einer Rebellin, die sich zwischen Sonnen- und Schattenseiten ein eigenes Reich erschaffen hat.

(minutenmusik)

Ihr drittes Album liefert nun verträumt-nebulöse Soundscapes. FEEL FEELINGS klingt verschwommen, verführerisch, manchmal regelrecht sexy, man höre nur „Oh To Be A Rainbow“. Musikalisch erinnert das Ganze an Indie-Acts wie King Krule („Don’t Tell Me To Smile“) und Mac DeMarco („Quiet Storm“), aber auch mal an Serge Gainsbourg, besonders in „Blasphémie“ – Sokos erstem französischsprachigen Song.

Der Schlüsselsong aber ist „Being Sad Is Not A Crime“, in dem Soko Selbstliebe und gesellschaftlichen Druck thematisiert: „I am a threat to myself and I understand you are just trying to help“, singt sie und spricht von einem „needless suffering“, welches sie sich selbst aufgebrummt habe. Der Refrain („You make me feel like a child“) ist ein Hinweis auf ihren 2018 geborenen Sohn Indigo, der auch im dazugehörigen Musikvideo auftaucht.

(musikexpress)

Noch immer heißen die Referenzbands Oasis, Stone Roses und Manic Street Preachers. Doch ist der DMA’s-Sound noch größer, noch opulenter, noch stadiontauglicher geworden. Als perfektes Beispiel dient das vorab veröffentlichte „Silver“, eine mächtige, die Welt umarmende, feierlich-pathetische Breitwand-Rock-Hymne. U2 sind da gar nicht mehr so weit entfernt.

Nicht minder schwelgerisch, jedoch wesentlich mehr für den Indie-Club-Tanzboden konzipiert, gerät „Life Is A Game Of Changing“, ein weiterer Vorabtrack des ursprünglich für April geplanten Albums, den Noel Gallagher auch nicht besser hinbekommen hätte. Mit feinem Psychedelic-Rave-Pop-Rock („Never Before“) beginnen DMA’s „The Glow“, während der nachfolgende Titeltrack munter in die Offensive prescht. Weitere Anspieltipps sind das mysteriöse „Strangers“, das hitverdächtige und überschwängliche „Hello Girlfriend“, das entfesselte und Mauern zum Einsturz bringende „Round & Around“, sowie das sehnsüchtige „Appointment“. Das Album ist produktions-, sound- und songtechnisch wie gemacht für eine Top-Ten-Platzierung in den Charts.

(Sounds & Books)

Der Opener "Never before" verdichtet akustische und elektrische Gitarrenschwaden samt verspielter Percussion zu einem hypnotisch groovenden Strudel, der an die Stone Roses oder Primal Scream auf "Screamadelica" erinnert. Leider plantschen DMA's in diesem psychedelischen Pool nur noch im späteren "Strangers". Ansonsten bedienen sie sich auf "The glow" häufiger bei den balladeskeren Epigonen britischer Stadion-Musik wie etwa Keane oder gar Snow Patrol. Das ist nichts grundsätzlich Schlimmes, doch balancieren die Australier auf dem schmalen Grat zwischen hymnischem Pathos und schmalzigem Kitsch etwas zu wacklig. Dass Sänger Tommy O'Dell, seinem Engelsstimmchen nach zu urteilen, gerne mit Daunenfedern gurgelt, schleift die kantenlose Musik nur noch resoluter ab.

(Plattentests)