"Ever since the airborne toxic event, the sunsets had become almost unbearably beautiful."

The Airborne Toxic Event [haben] alles richtig gemacht. Sie wissen um die verführerische Kraft von Rockklischees und haben, obwohl ihre Aufmachung anderes vermuten ließ, mit dem in letzter Zeit wieder so gängigen informierten Kunststudentenrock nichts zu tun. Es ist, wie es ihre Heimatzeitung, die "Los Angeles Times", in hoffentlich aufrichtiger Bewunderung formulierte, "Poesie, zu der man tanzen kann". (faz.net)

Kein überstrapaziertes Klickerklacker, weniger beiläufiger Knisterkram und viel mehr von jedem Teil des Ganzen, diesem kreativen Gemeinschaftskosmos, in dem sich in den letzten zwei Jahren so viel gedreht hat. Man stelle sich vor, dass Feist die Schlechtwetterfront bei Delbo durchbricht oder Cat Power The Album Leaf wach küsst und in eine noch fantastischere Traumlandschaft schickt.

Als Schülerband gegründet, reichte die erste Energie nur für wenige Glanztaten, so dass das Projekt Voicst wieder auf Eis gelegt wurde. 2001 taten sich die drei Holländer Tjeerd Bomhof, Sven Woodside und Joppe Molenaar erneut zusammen und dank ihrer Live-Auftritte (u. a. als Support für The Bravery, Patrick Watson, Tenacious D und Nada Surf) und ihres ersten Albums “11-11” (keine Anspielung auf die Erfolge ihrer Fußball-Nationalmannschaft) machten sie sich vor allem in unserem sympathischen Nachbarland einen Namen. Dieser sorgte dafür, dass “A tale of two devils” dort durchaus achtbare Charterfolge erzielen konnte. Nun erscheint das Album auch in Deutschland.

Produziert wurde dieses u. a. von Peter Katis, der auch schon The National, Interpol und kürzlich Fanfarlo unter seinen Fittichen hatte. Nach diesen Bands klingt “A tale of two devils” aber weniger als nach einem College Rock- / Indie Pop-Versatz mit einigen Bläsern.

Der Hit des Albums ist “Everyday I work in the road” (auf der Website der Band als Download):

Das Video zu “A year and a bit”:

Und das zu “High an an Amsterdam tourist” (!):

Eigentlich wollte ich anmerken, dass man mit den drei Songs schon mehr oder weniger die Höhepunkte des Albums gehört hat. Dann fiel mir aber ein, dass ich schon zu viele Platten gibt, denen gar diese drei Songs fehlen. SFTLive meint:

Euphorischer Rock mit einer ordentlichen Portion Glückshormon. Damit's bei all der Gaudi nicht eintönig wird, verpassen Voicst ihren Songs bisweilen geschickte Wendungen, überraschende Riffs und feine Singalongs. Das funktioniert bei flotten Nummern wie dem Opener High As An Amsterdam Tourist vorzüglich - sie tönen catchy und kurzweilig.

Trotzdem bleibt das irritierende Gefühl, all das schon dutzendfach gehört zu haben. Voicst machen es sich in der Nische zwischen Maroon 5 und Gods Of Blitz gemütlich und verpennen den eigenen Schliff.

Alles in allem ist das wohl eher Unterhaltung als Kunst. Aber die wenn unsere westlichen Nachbarn ihre erste Garde losschicken, kann man ja mal hinhören und / oder hingehen:

Voicst als Support für Florence & The Machine
05.10.09 Hamburg
06.10.09 Köln
12.10.09 Berlin
14.10.09 Wien
15.10.09 München
17.10.09 Zürich

Headlinershow
14.11.09 Hamburg
15.11.09 Frankfurt
28.11.09 Stuttgart
29.11.09 München
30.11.09 Köln

Meine Vorfreude auf dieses Album hielt sich in Grenzen. Die letzten beiden Alben haben mich nicht mehr umgehauen, obwohl sie gut oder vielleicht sogar sehr gut waren. Irgendwie folgte die Band den Pfaden, die sie selbst ausgetreten hatte. Der erste Vorbote des neuen Albums (“United States of Eurasia”) trug zusätzlich zu meiner Ernüchterung bei.

Nun habe ich das Album mehrfach gehört und entgegen kritischer Stimmen muss ich sagen: Es gefällt mir. Der wohl spannendste Song des letzten Albums “Knights of Cydonia” lieferte die Blaupause für “The resistance”. Hinzu kommt u. a. ein Song (“Undisclosed desires”), der sich anhört wie eine Kollaboration zwischen Timbaland und Depeche Mode und trotzdem Spaß macht.

Muse haben einen mutigen Weg aus der Sackgasse der ausgetrampelten Pfade gewählt und für dieses Album funktioniert die Flucht in den Bombast. Natürlich klingt das zum Teil nach Queen oder ähnlichen Sünden vergangener Zeiten. Aber in Kombination mit den wahnsinnigen Muse-Gitarren (“Unnatural selection”, “MK ultra”), der liebe-oder-hasse-sie-Stimme von Matt Bellamy und den druckvollen Drum-Parts funktioniert das fast durchgehend. Wirklich enttäuschend ist nur das oben bereits erwähnte “United States of Eurasia” und von der “Exogenesis-Symphony” hätte ich mindestens eine Steigerung zu “Knights of Cydonia” erwartet, die aber leider ausblieb.

Muse bauen Sphären auf und spielen unfassbar eingängige Riffs - fangen sich aber da, wo andere Bands übers Ziel hinaus schießen. Sie verschachteln gerne mehrere Songs zu einem epischen Stück und klingen bei allem Bombast doch sauber und geordnet. Denn ohne penible Arbeit funktioniert diese Opulenz nicht.

Bei all den großen Tönen geht zum Glück das Wichtigste nie verloren: Der emotionale Moment - Muse berühren musikalisch und lyrisch in nahezu jedem Song. Sie erfüllen den Hörer mit einer beglückenden Schwere, einer emotionalen Fülle, mit Gänsehaut-Atmosphäre. www.laut.de

Nach den Vorgängern 'Absolution' (2003) und 'Black Holes And Revelation (2006)' ist 'Resistance' ein weiterer Schritt der Band, eine ehemals gefühlte Nähe zum Alternative Rock hinter sich zu lassen. Oder anders ausgedrückt: Muse machen opernhafte Musik für Menschen, die keine Opern mögen. www.Monstersandcritics.de

Den Fans ein Opus, vielen Kritikern ein gefundenes Fressen - für dieses Album und wahrscheinlich auch für diese Tour hat die Band einen Weg aus der Sackgasse gefunden, aber viel weiter wird sie dieser (hoffentlich) nicht führen. Eigentlich kann nun nur noch eine trockenes und rohes nächstes Album (gerne wieder in Richtung Alternative Rock) kommen… oder die Jungs müssen eine echte Überraschung aus dem Hut zaubern… oder lange pausieren.

There is a good reason for all the hype behind A Place to Bury Strangers. The trio has perfectly melded droning distortion with a rock and roll beat. With little '80s space rock moments mixed in amongst the shoegaze, the new breed and batch of distortion-driven rock is done best by this New York City trio. As good as their self-titled debut may have been, Exploding Heads is a declaration of war on the eardrums. The enemy isn't APTBS, but your own well-being. Losing your hearing has never been so beautiful or necessary in life, so give in to the distorted pleasure that is Exploding Hearts and let the trio do what it came to do.
(redefinemag.com)

Warum allerdings "Heavy Cross" mit seiner offensichtlichen Nähe zu "Standing In The Way Of Control" als erste Single ausgewählt wurde, ist unverständlich bei all den Knüllern dieses Albums. Da hätten sich doch diverse andere angeboten, die nicht so eine abgeschmackte Geste setzen. Beispielsweise gleich das erste Stück "2012", das richtig schön Sturm und Drang sagt, das kühle "Dimestore Diamond", das so was wie die Hymne zur Band ist mit seiner Cinderella-Geschichte, der Überhit "For Keeps", dessen Gitarren so kurz und prägnant gecuttet sind, dass nun wirklich jeder im Rhythmus mitkann, das mit Kuhglocken eintaktende "Pop Goes The World", das cool abgehangene "Vertical Rhythm" oder auch ..., ach, es sind zu viele. Was ein Album! Atemlos wird man. Beim Schreiben wie beim Hören. Geht jetzt schon seit vier Wochen so. Hört nicht auf.
(intro.de)

Da wird stellenweise ordentlich gequietscht, gepiepst und gerumpelt. Die elektronische Komponente bleibt jedoch immer dezent im Soundbild. Gut möglich, dass im Tourbus der Berliner irgendwo zwischen Bier und Gitarren Notwists Neon Golden oder das Postal Service-Debüt rumliegt.

Zum Plagiat verkommen Mikroboy deshalb nicht. Eigentlich haben sie sich nur die richtigen Einflüsse gesucht. Mit der ersten Single "Raus mit der schlechten Luft, rein mit der guten", deren umständlich langer Titel auf Anhieb an die Hamburger Schule erinnert, ist der Band unter Einsatz all ihrer Qualitäten einer der bislang schönsten deutschsprachigen Pop-Songs des Jahres gelungen. In wenigen Liedern der Platte steckt so viel Potenzial, den Gesamteindruck schmälert das aber kaum.

Zum Abschluss des Albums begrüßen sie noch Get Well Soon-Mastermind Konstantin Gropper, den man musikalisch vielleicht weniger erwartet hätte. Umso positivier die Überraschung, wie viel Sinn dieses Zusammenspiel doch macht.
(laut.de)

Aber was ist nun Kammer-Pop? Ganz einfach: drei Franzosen ohne Kontrabass, dafür mit zwei Gitarren und einem Cello. Was sie nicht davon abhält, im Laufe des Albums auch den ein oder anderen Bläser oder Pianisten zu Wort respektive Ton kommen zu lassen. (...)
... und das anfängliche Gruseln geht in eine wohlige Wärme über, weil man nach und nach vor seinem inneren Auge Art Garfunkel und Paul Simon zusammen mit sämtlichen Beatles in Sgt. Pepper-Uniform zu Bob Dylans Gitarre singen sieht. Und das ist ja nicht unbedingt das allerschlechteste. Die Texte sind anpruchsvoll, da Revovlver sich unter anderem als Ziel gesetzt haben, intellektuelle Musik zu machen. Auch damit stehen sie in bester Tradition ihrer Vorbilder.

'Music For A While' ist kein Album, mit dem man gleich beim ersten Hören Freundschaft schließt. Man braucht definitiv etwas Zeit, um sich an die besondere Atmosphäre und musikalische Umsetzung heran zu tasten. Wenn man es aber einmal ins Herz geschlossen hat, ist es eines der Alben, die einen ein Leben lang begleiten und immer dann zum Vorschein kommen, wenn man jemanden braucht, der einem ein wenig die Welt erklärt, das Herz wärmt und bestätigt, dass man Recht hat, wenn man seinen Kopf zum Denken benutzt.
(whiskey-soda.de)

Wie passend der Titel “The first days of spring” in Anbetracht der aktuell gefühlten Jahreszeit ist, sei dahingestellt. Aber die Songs des Albums sind zeit- und jahreszeitenlos schön. Trotzdem finde ich es schade, dass dieses hervorragende Album nicht schon im Frühjahr erschienen ist. So muss es in den nächsten Wochen mit den anstehenden Platten anderer Anwärter (Editors, Muse, Alice In Chains, Pearl Jam) auf meine “Platte des Jahres” um einen Stammplatz in meinem CD-Player bzw. auf meiner Speicherkarte buhlen. Aber die Voraussetzungen für einen dauerhaften Platz dort sind mehr als gut.

Noah And The Whale stammen aus Twickenham und mit “The first days of spring” veröffentlichen sie ihr zweites Album und ihren ersten Film. Beide erzählen vom Ende einer Beziehung.

9/10 Punkten im NME wollen begründet werden:

As concept albums go, a trudge through the aftermath of a break-up hardly makes for a tale as fantastical as ‘Tommy’ or ‘The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars’, but even so, ‘The First Days Of Spring’ is a story we could listen to again and again. […] The band have changed their tune to that of a sunny swoon, filled with regret, pain, poignant optimism and fewer zany instruments.

Die Entwicklung der Band seit ihrem Debüt “Peaceful, the world lays me down” wird sicher auch durch den “Verlust” der damals beteiligten Emmy the Great und Laura Marling begünstigt (@Oliver R: Anscheinend hat sich die Band Deinen Hinweis auf meine Vorlieben zu Herzen genommen). Gerade die etwas nachdenklicheren Töne und Stimmungen auf “The first days of spring” betrachte ich als positive Entwicklung. Das hört sich für mich so an, als hätte man einen begabten Singer/Songwriter mit Indie-Wurzeln und einen Folk-Musiker zusammen eingesperrt und ihnen lange Sigur Ros vorgespielt. Ich bin gefesselt von diesem Album.

Die den Titelsong gibt es auf der Website der Band als kostenlosen Download (“Free mp3” im Main Menu). Und im Film (aka die DVD der CD/DVD-Edition) sieht das alles so aus wie im Video zur zweiten Single “Blue skies”:

Mehr gibt es auf Noah And The Whales YouTube-Channel.

There is one thing about this album that makes it difficult to make up an opinion. Diversity. The 13 songs on "Tree House Whispers" somehow don't seem to fit on this album. On the other hand it is the diversity that makes this album even more interesting to my ears. You get handclapping popsongs that make you sing along, folky tunes that have been added up with some electronic bits and pieces and sometimes there is a noisy atmosphere and experimental glitch hidden in between some bedroom-folk that comes along with lovely instruments like strings, trumpets, glockenspiel and other kling-klang stuff.

This is definitely an album with a lot to discover. Enjoy your journey!
(phlow-magazine.com)

Ab sofort wird die Heimfahrt spannender als der Clubbesuch selbst: The XX liefern nämlich den perfekten Soundtrack für Nachtfahrten mit dem öffentlichen Nahverkehr - erschöpft, melancholisch, restalkoholisiert. Zwar holen sich auch die vier 19-Jährigen ihre Inspirationen aus den 80ern, indem sie die nackten und lange im Raum hängenden Gitarrenklänge von Bands wie The Cure und Joy Division aufgreifen. Doch sie kombinieren die zuletzt arg überstrapazierten Referenzen fast schon revolutionär, ganz besonders für eine Londoner Band: The XX akzentuieren mit R'n'B-Elementen, ohne dabei den fragmentarischen, kühlen Charakter ihrer Songs zu zerstören. Da ist es nur scheinbar ein Widerspruch, dass Oliver Sim und Romy Madly Croft hochemotionale Befindlichkeitstexte vortragen. Sie singen im Wechsel, doch aneinander vorbei, und selbst wenn sie gemeinsame Einsätze haben, kann es passieren, dass jeder seinem eigenen Text folgt. Bleibt nur noch abzuwarten, ob die Clubs in diesem Sommer eine Gegendroge finden. Vielleicht sollten sie möglichst schnell Remixe von XX-Hits wie "Crystalised" und "Island" in Auftrag geben.
(kulturnews.de)

Perhaps it's the beautifully petal-soft vocal of keyboardist Kim Moore that is responsible for invoking these connotations, but combined with the hypnotic strum of guitar and the tip-toeing of the keys, Zoey van Goey make it incredibly easy for the listener to get dragged into a world of peace, love and a manner of similar things that I don't normally have the patience for. Undeniably likeable from start to finish, The Cage Was Unlocked All Along wisely refrains from sticking to the beaten path of lullaby music with meaningful lyrics and as a result, blossoms into a varied record on the whole. (...)
If you're prepared to let the delicate, emotional side of your character shine, then Zoey Van Goey are definitely a worthy band that will not disappoint with this fantastically mature debut long-player.
(glasswrerk.co.uk)

Bedenkt man, dass es in den USA tatsächlich einen Konflikt zwischen Darwinisten und bibeltreuen Anhängern der Schöpfungslehre gibt, verdient schon allein der Titel dieses Albums Aufmerksamkeit. Darüber hinaus machten mich Vergleiche mit den Fleet Foxes neugierig.

2006 taten sich der Folk-Musiker Ben Knox Miller und der Jazz-Bassist Jeff Prystowsky zusammen und gründeten The Low Anthem. Ein Bluesmusiker war ebenfalls an Bord, er wurde aber später durch den Komponisten klassischer Musik und NASA-Techniker Jocie Adams ersetzt. Entsprechend abwechslungsreich (aber nicht verfrickelt) ist der Output der Band. Zu diesem Reigen an musikalischen Ideen passt der Gesang:

Noch größer ist die Bandbreite, die Millers Stimme zu bieten hat und die sich von Song zu Song neu auszuprobieren und zu finden scheint. Ist man bei dem Falsett-Gesang des Openers noch skeptisch, ob man sich das jetzt wirklich eine dreiviertel Stunde lang anhören will, wird es schon beim nächsten Song ganz gegensätzlich, nämlich bodenständig, bleibt aber genauso eindringlich. Gänzlich überzeugen kann der Sänger bereits mit 'The Horizon is a Beltway', einer absolut würdigen Hommage an Tom Waits.

In all diesen Facetten und zusätzlich angereichert durch den Einsatz einer Spieluhr und das Rauschen der Meeresluft durchlebt dieses fabelhafte Album seine ganz eigene Evolution, vor der der gute Herr Darwin seinen Hut gezogen hätte. www.whiskey-soda.de

“Oh my god, Charlie Darwin” ist das zweite Album der Band. Im Vergleich zu den Fleet Foxes finden sich darauf weitaus weniger mehrstimmige Gesänge aber dafür mehr Gitarren und viele andere Instrumente. Der Folk-Anteil ist absolut erträglich und über die Spielzeit nimmt es nach den folgenden Songs durchaus noch Fahrt auf.

Das Video zu “To Ohio”

und der Song “Charlie Darwin”

Blühende Landschaften ist ein zuweilen mondänes, imposantes Werk geworden. Es wird dick aufgetragen, Songarrangements und Texte sollen anscheinend immer wieder zum Gefühlsfeuerwerk führen. Doch genau da liegt der Haken, das macht es zäh. Anfangs noch schön, wirkt die Hommage an die Liebe ab einem gewissen Punkt breiig, viel zu süß und schmierig. Gerade die einfachen Lieder wie Selbstbehauptungen und Grenzen oder Mein Herz ist keine Wohnung, die auf den Vorgänger-Alben die kleinen Überraschungsmomente lieferten, fehlen vollkommen. Stattdessen wird geschmachtet und geliebt und geseufzt und das immer auf höchstem Niveau. Dadurch wird selbst der größte Ohrwurm irgendwann zum netten Nebenbei-Lied und von den anderen Stücken in die klebrige Masse seiner schlageresken Freunde hineingezogen.
(alternativmusik.de)