Archive for Dezember 2020

Bevor sich die Richter für die letzten Urteilsfindungen zurückziehen, müssen wir noch über das Debütalbum eines walisischen Soundtüftler namens Meilir sprechen. Während der Verhandlung werden wir sowohl etwas über „In Time“, das gerade noch rechtzeitig für den Bewertungszeitraum 2020 am 4. Dezember veröffentlicht wurde, erfahren, also auch lernen, was Eule auf Walisisch heißt und - noch viel wichtiger - wie es ausgesprochen wird.

„My records are very personal to me,” sagt Meilir Tomos, „one of the reasons they take so long for me to complete I think.“ Tatsächlich veröffentlicht der Singer/Songwriter bereits seit 2009 allein Musik, bis zu seinem ersten Album sollten jedoch weitere 11 Jahre vergehen. Über seine Bandcamp-Seite kann man sich über die gelegentlichen Veröffentlichungen informieren.

Für die 9 Songs von „In Time“ erschafft der Künstler hypnotische Klangwelten, für die er auf Piano, E-Gitarre und Synthesizer zurückgreift, aber auch ungewöhnliche Instrumente und Alltagsgegenstände wie ein eine Kalimba, Weingläser, ein Tablett mit Kieselsteinen oder eine antike Schreibmaschine verwendet. Das Album wurde von Charlie Francis (R.E.M., The High Llamas) in dessen Loft Studio in Cardiff produziert und benötigt vielleicht den ein oder anderen Hördurchlauf, um sich vollständig zu entfalten. Aber es lohnt sich! Wer Alben von Thom Yorke, Beirut, Low Roar und Bright Eyes im Plattenschrank stehen hat, sollte auch unbedingt Meilir eine Chance geben.

Das Video zur Single „It Begins“, die bereits vor über einem Jahr veröffentlicht wurde, hat erst 279 Aufrufe bei YouTube - kaum zu glauben:

Ach ja, die Eule: „In Time“ wurde via Gwdihŵ Records als CD oder LP veröffentlicht. Schallplattenfreunde haben noch die Wahl zwischen 12" Magenta Transparent Coloured Vinyl oder Black Heavyweight Vinyl (in full colour printed 300gsm card outer sleeve with spine). Beide Auflagen sind auf jeweils 100 Exemplare limitiert. Zurück zu den Strigidae: Gwdihŵ ist das walische Wort für Eule und wird - man konnte es bereits erahnen - Goo-dee-who ausgesprochen.

Die zweite Single heißt „Ydy'r Ffordd Yn Glir“ und kommt auf 69 Aufrufe:

The first song - It Begins - offers a ratcheting of tension and soon-to-be-met anticipation as a repeated, rolling piano motif is swept up by machine gun bursts of drumming, waves of synth and a precisely percussive typewriter.
From that opening composition until the unsettling digital majesty of the closing piece, This Moment, the album presents a continuous, compelling flow of exqusitely detailed emotional fragility and sonic magnificence. (…)
Ydy’r Ffordd Yn Glir showcases how Meilir has worked productively in tandem with long-term collaborator and producer Charlie Francis. Originally an a capella piece, the song's final edit sees plangent, pealing notes from a wind chime lead into a ghostly, cloistered vocal and tidal washes of keyboard, before the rush of energy from a pulsing beat drives the song into flight.
(From The Margins)

Ob diese drei Neonleuchten die Anzahl der Alben von The Luxembourg Signal darstellen sollen? Denn schließlich ist „The Long Now“ nach „The Luxembourg Signal“ (2014) und „Blue Field“ (2017) das dritte Album des Septetts.

Oder stehen sie für die drei Städte London, Los Angeles und San Diego, in denen die sieben Bandmitglieder - Beth Arzy und Betsy Moyer (Gesang), Johnny Joyner (Gitarre), Brian Espinosa (Schlagzeug), Ginny Pitchford (Keyboards), Daniel Kumiega (Bass) und Kelly Davis (Gitarre) - leben?

Es soll sicherlich keine Referenz an Paul McCartney Album „New“ sein und die drei Leuchtstäbe geben definitiv keinen Hinweis auf die Wertungen, die hier für „The Long Now“ zu erwarten sind, schließlich konnte bereits der Vorgänger vor drei Jahren unter unseren Top 50 landen (#48 mit 7,333 Punkten) und „The Long Now“ ist erneut ein Hochfest für alle Freunde des sensiblen Dream-/Indie-/Gitarrenpops mit engelhaftem Gesang und sei ausdrücklich Fans von Lush sowie The Field Mice ans Herz gelegt.

“The Long Now” (a phrase coined by Brian Eno) refers to a long-term way of perceiving time. As an alternative to the accelerated way that we experience our lives, it allows us to make sense of our brief, but tumultuous time here, by understanding our place in a much larger timeline as history plays out.
The LP echoes these concepts in tracks like the jangly and upbeat, yet vocally reflective “The Morning After,” which evokes the optimism of sunrise at dawn, while the dynamically spiraling and restless “2:22” conveys the paralysis of being confined in a digital world.
Celestially airy “Lost Hearts” and shadowy, guitar-chiming “Mourning Moon” swirl with vague lyrics that bring up memories that are anything but vaporous —from miscommunication in a relationship to the very moment of the loss of a loved one.
Heightened synths flow through “Take It Back,” contrasting with the snappy percussive claps and emphatically smacked drum beat. “Rambling Rodriguez” romps with skipping drum hits that belie its bleak lyrics that “nothing matters”, while LP-ender “When All That We Hold Decays” resounds with reverberating guitars, expansive synths, a low bass undertow, and sighing vocals about “moving on”.
(The Big Takeover)

Kein Skandal wie bei Peel Dream Magazine, aber dennoch legt uns Kerstin noch „Introduction, Presence“ von Nation Of Language nahe.

Ultra-Eighties-Revival mit ultra traurigen Texten: Nation Of Language sind ein Trio aus Brooklyn, dessen Debüt-Album irgendwo zwischen OMD, Kraftwerk und Human League schillert. Keine Kopie, sondern kompromisslos gut.

Mit dieser Begründung landete „Introduction, Presence“ bei Tonspion auf Platz 4 der Mai Alben - da hatte sich Kerstin für eines ihrer liebsten Alben des Jahres wohl noch nicht stark genug gemacht.

Nation Of Language veröffentlichten sind 2015 immer wieder einmal digitale Singles. Erst im letzten Jahr folgten mit den beiden 7’’ Singles „On Division St / Indignites“ und „The Motorist / Sacred Tongue“ zwei physische Veröffentlichungen. Alle vier Lieder finden sich auch unter den zehn Titeln des Debütalbums, welches zunächst nur digital erhältlich war, von dem es jedoch mittlerweile zwei Auflagen auf LP gibt : Translucent Sand Vinyl ist limitiert auf 300 Exemplare, von der schwarzen Schallplatte gibt es 500 Stück. „Introduction, Presence“ bietet melancholischen Synthpop / New Wave, bei dessen oben genannten Referenzen noch die frühen New Order und Tears For Fears ergänzt werden müssen. Freunden von Coverversionen sei noch diese hier ans Herz gelegt.

While many of their contemporaries are hellbent on 1980s homages, Nation of Language’s songwriting recalls 2000s bands like Arcade Fire and The National just as much as those golden era groups. You can hear Matt Berninger-like tone and pacing on “Tournament,” James Murphy’s warmth and exhilaration on “Rush & Fever,” the zest and pomp of Cut Copy’s Dan Whitford on “Indignities” and Arcade Fire-sized elation on “The Wall & I.” But Devaney’s influences never overwhelm his songs—they blend and fade in and out of focus as his own personality and energy shines through. (…)
There are subtle post-punk passages (“The Motorist”), mid-tempo dance-punk moments (“Friend Machine”) and spacious pop sequences (“Automobile”), but you’re never far from a life-affirming chorus or punchy rhythm. Right from the jump, lead track “Tournament” is an instant dancefloor-filler. (…)
Nation of Language might not be a household name yet, but let’s hope this line from “Tournament” is prophetic: “By the second day, the mystery was gone / And ten thousand lights would shine on.”
(Paste Magazine)

Oops, she did it again.

Erneut überrascht Taylor Swift mit einer Albumveröffentlichung, die nur einen Tag zuvor angekündigt worden war. Und das nur 141 Tage nach „folklore“!

Erneut werden Album- sowie Songtitel konsequent klein geschrieben.

Erneut entstanden die meisten Songs in Zusammenarbeit mit Aaron Dessner von The National. Auch Jack Antonoff (Bleachers), Justin Vernon (Bon Iver), Bryce Dessner (ebenfalls The National) und Swifts Freund William Bowery werden als Mitkomponisten genannt.

Erneut führte Taylor Swift Regie beim Video zur Single:

Erneut hat man einen Hörgenuss von einer Stunde.

Erneut gibt es ein Duett mit Bon Iver („evermore“).

Erneut fungieren Aaron Dessner und Jack Antonoff gemeinsam mit Taylor Swift als Produzenten.

Erneut wird die Trackliste auf der Deluxe Version des Albums verlängert. Diesmal sogar um zwei Titel: „right were you left me“ und „it’s time to go“.

Erneut sind die Plattenkritiken hervorragend: Sowohl „folklore“ als auch „evermore“ stehen aktuell bei Metacritic bei 88/100 Punkten.

Natürlich hätten „Dorothea“ oder „Champagne Problems“ auch auf den Vorgänger gepasst. EVERMORE ist aber deutlich variabler geraten als FOLKLORE. Einige Songs, etwa „Gold Rush“ sind nur wenig verhuscht, stehen im munteren Dialog mit den kontemporären Pop-Elementen, die die Alben der mittleren Swift-Phase ausgemacht haben. An anderer Stelle wiederum sucht Swift gemeinsam mit Aaron Dessner, der abermals für den Großteil der Produktion verantwortlich zeichnet, wieder nach neuen Wegen, lässt es klackern, fiepsen, stolpern. Eine gewichtige Rolle spielen dabei Bryce Dessner, der für viele Songs die Streicher arrangierte und Justin Vernon, der nicht nur als Duettpartner im Titeltrack zu hören ist, sondern auch (unter anderem) Banjo, Gitarre und Synthies spielt.
(musikexpress)

Erneut ist die Liste der Gastmusiker lang: Neben den bereits Jack Antonoff, Justin Vernon und Aaron Dessner sind auch die übrigen Mitglieder von The National zu hören, dazu kommen u.a. Marcus Mumford, Haim, Josh Kaufman oder Thomas Bartlett.

Erneut wird es neben der Deluxe CD (ab 18.12.20) und Deluxe Kassette (ab 21.02.21) auch zahlreiche Deluxe Vinyl Versionen (ab 28.05.21) mit unterschiedlichen Covern geben.

Mit „Night Network“ riss für die drei Jarmans eine Serie von vier Top Ten Album im Vereinigten Königreich. Nur Platz 19 konnte das achte Album von The Cribs in ihrer Heimat erreichen, jenseits der Insel war die Band sowieso nie ein Thema für die Charts.

Vor den Aufnahmen stand das Fortbestehen des Trios auf Messers Schneide, da sich die Band vom Managment trennte, erstmals seit 2002 für über ein Jahr keine Konzerte spielte und keine neue Musik aufnahm. Erst ein Auftritt im Vorprogramm der Foo Fighters in Manchester und das Angebot von Dave Grohl in seinem Studio in Los Angeles ohne Druck neue Songs aufzunehmen, brachte neuen Schwung ins Bandgefüge.

Im Frühjahr und Sommer 2019 nahmen The Cribs, die erstmals ein Album selbst produzierten, im Studio 606 zwölf neue Titel auf und konnten für „I Don’t Know Who I Am“ Lee Ranaldo von Sonic Youth als Gastgitarristen gewinnen. Lärm-Orgien oder Experimente darf hier aber niemand erwarten. Eher gediegenen Indierock, durch dessen triste britische Wolkendecke gelegentlich die kalifornische Sonne hindurch bricht. Die gebeutelten Fans von Weezer wären sicherlich mit einem solchen Album von Rivers Cuomo & Co. sehr zufrieden.

„Night Network“ ist als CD, Kassette und LP (Swimming Pool Blue Vinyl) erhältlich und hat (im Gegensatz zu den enttäuschenden Chart Platzierungen) sehr gute Kritiken erhalten: Bei Metacritic steht „Night Network“ bei 83/100 Punkten und toppt damit die bisherige Höchstwertung für ein Album von The Cribs um 8 Punkte.

Der Garage-Rock, den The Cribs auch auf „Night Network“ kanalisieren, um sich auf alltagspoetische Art und Weise die eigenen Sorgen und Laster von der Seele zu schrammeln, lebt noch, nur fühlt er sich komisch an. (…)
The Cribs‘ „Night Network“ klingt nach England, nach ewiger Schulband und zugequalmter Studentenbude und nach einer Menge Gefühlen, die man auch immer noch fühlen darf.
(musikblog)

Nirvanas NEVERMIND bedeutete damals in Wakefield für die Jarmans der Urknall, es schließt sich ein Kreis, wenn jemand wie Dave Grohl die Band aus der Krise befördert.
Was die Cribs bei ihm lernten: Erstens, Managements sind überwertet, die Band macht nun vieles selbst. Zweitens, druckvoller Indie- Rock lässt sich auch so produzieren, dass er nicht an allen Ecken ausfranst. NIGHT NETWORK klingt kompakter als die Platten aus der Albini-Zeit. Aber eben auch: souverän, gebremst – und dann und wann langweilig.
(musikexpress)

Vor zwei Jahren stand Brookln Dekker hier gleich doppelt vor Gericht: Zusammen mit dem Pianisten Lambert konnte der Sänger für „We Share Phenomena“ 7,500 Punkte und Rang 39 abräumen, mit der Band Rue Royale, die er gemeinsam mit seiner Frau Ruth betreibt, und dem Album „In Parallel“ konnten 7,000 Punkte und Rang 103 erreicht werden.

Seit dem Sommer 2019 tauchten immer wieder einmal Solo-Songs des US-Amerikaners auf, eine Anfrage von ihm für ein Wohnzimmerkonzert bei uns konnten wir leider terminlich nicht umsetzen, dann kam eine Pandemie. Diese nutzte Dekker aber kreativ zur Fertigstellung seines ersten Albums namens „Slow Reveal: Chapter One“. Der Titel deutet darauf hin, das weitere folgen werden, so wie hoffentlich auch eine physische Veröffentlichung dieser Platte.

Dekker allein zeigt sich deutlich folkiger und singt mehr mit Kopfstimme als bei Rue Royale, die Lieder sind schlicht bis karg instrumentiert, zeigen sich nur auf „Unwavering Routine“ von ihrer kratzbürstigen Seite und liefern mit „This Here Island“ auch einen Song ab, der in einer gerechten Welt zum Hit würde.

Persönlich, auf ihr Wesentliches herunter gebrochen und verletzlich klingen die Songs von Slow Reveal zunächst. The Love beginnt mit akustischen Gitarren und gibt sich ganz einer schwelgend-sentimentalen Euphorie hin. Während die Stimme Dekkers immer über allem schwebt, erden die akustischen Harmonien doch und ziehen den Song in eine Gefühlswelt hinein, in welcher die Versöhnlichkeit immer am Ende steht – mag der empfundene Schmerz noch so groß sein. This Here Island findet sich in den gleichen Bahnen wieder: Irgendwo zwischen dem frühen Ben Howard, Charlie Cunningham und Nick Mulvey bricht Dekker durch die Schwaden seiner Verletzlichkeit und schafft nicht selten Momente voller Hoffnung und Licht. Doch so selig sich die wohlklingende akustische Erleuchtung auch anfühlt, spätestens ab dem fünften Song No Standing Still ist das Muster etwas verbraucht und wirkt phasenweise eintönig. Da kann auch das wundersame Tethered Wrapped Around, eines der Highlights des Albums, kaum gegen ankämpfen. Ein wenig mehr Vielfalt abseits akustisch subtiler Arrangements hätte der Platte merklich gut getan. So etwa wie auf dem folgenden, etwas experimentellen Unwavering Routine, was aber leider etwas beliebig wirkt, ein elektrisierender Ausreißer auf einem sonst harmonischen Werk voller zärtlicher Momente.
(Bedroomdisco)

Letzte Kommentare

Beliebte Vorstellungen

Claudia Brücken - Night Mirror

Haim - I Quit

J Mahon - Begin Again, Again

Big Special - National average

Loch Lomond / Completions - Split

Neue Gerichtstermine: Juli / August

Lorde - Virgin

Kent - Då Som Nu För Alltid

Alexis Taylor - Piano

Steve Queralt - Swallow

Gerichtsakten durchsuchen

Labels

Besucher

Empfohlene Vorstellung

Endstand 2024

Über Platten vor Gericht

Kontakt

Seiten