Aber "Songs for Nina and Johanna" ist darüber hinaus auch das dritte Album in Folge, das Yorkston in Stockholm zusammen mit den Musiker*innen vom The Second Hand Orchestra aufgenommen hat. Das Ergebnis ist wieder fein arrangierter Kammer-Folk, abwechslungsreich instrumentiert, dabei aber nie überfrachtet. Anders als noch auf "The great white sea eagle" haben sich Yorkston und Co. dieses Mal zwar mehr Zeit gelassen und sind die Sache mit etwas mehr Struktur angegangen. Dem Ergebnis haftet aber dennoch der Eindruck des Flüchtigen und eine beiläufige Leichtigkeit an.

So greift auch "Love / Luck" nach dem flüchtigen Glück, versucht den besonderen Moment zu fassen, was natürlich vergeblich ist, aber auch nicht weiter schlimm, wenn dabei solche Melodien entstehen. Und schließlich will "Songs for Nina and Johanna" ja auch nicht mehr sein als eine Sammlung gelungener Momentaufnahmen, beiläufiger Schnappschüsse. Ohne großen Masterplan oder ausgeklügeltes Konzept dahinter, aber mit weiteren Höhepunkten wie der Ballade "Rabbit" oder "I spooked the neighbours", das kurz vor Sperrstunde nochmal über die Stränge schlagen darf. 

(Plattentests)

Das melancholischer gestimmte „Tune Out“ und das countryesk-poppige, fröhliche „Sneakers On The Telephone Line“ erhalten das Hörvergnügen. Das sympathische Storytelling zeichnet den Franzosen ebenso aus, wie der ironische Blick auf Lebensumstände.

So wundert es nicht, dass auch die Folk-Chanson-Ballade „Buffoon Of Love“ mit einem Augenzwinkern von der Sängerin Mayon und David-Ivar gemeinsam präsentiert wird. (…)

So hat „Odysseús“ zwar wenig Abenteuerliches an sich, aber auch David-Ivar hat allerhand Geschichten aus dem Leben parat. Zwar musste er keine Zyklopen austricksen oder Sirenen widerstehen, doch weiß auch er von Herzschmerz und den dunkleren Momenten im Dasein zu berichten.

Was bleibt ist stets die Heiterkeit, die seiner Stimme innewohnt und die den 12 Titeln eine prägende Leichtigkeit verleiht.

(MusikBlog)

Es gibt dann also den gewohnten Mix aus Müsli-Folk, Waldschrat-Americana, schnürsenkeliger Rhythmusarbeit und Porch-Song-Ästhetik – inklusive folkloristischer Fiedeln, Schukarton-Perkussion, Maultrommeln und anderen Hillybilly-Elementen. Die Songs wurden – und das ist nicht überraschend – live in einem (wie Dune sagt) chaotischen, schönen Prozess in seinem Haus eingespielt, was dann auch den bereits angesprochenen Porch-Song-Charakter erklärt.

Obwohl Dune hier gar nicht erst versucht, seinem ja gewiss erprobten Weird-Folkie-Stil grundsätzlich Neues hinzuzufügen, gelingen ihm doch einige veritable „potentielle Hits“ wie der Titeltrack, der Mitsing-Klassiker „Sneakers On The Telephone Line“ (der die unsterbliche Textzeile „Selling my shoes when I get the Blues“ enthält) oder die beiden Songs „Buffoon Of Love“ und „Head Agains The Wall“ – zwei Duette mit den Sängerinnen Mayon bzw. Odessa, die auch auf einigen anderen Tracks Harmonie-Vocals beisteuern. Obwohl es zuweilen auch mal nachdenklich zu geht, ist es vor allen Dingen der Humor des Songwriters und die gelöste Stimmung bei den Aufnahmen, die dieses Album zu den insgesamt lebenslustigsten und fröhlichsten Herman Dune-Werken überhaupt machten.

(Gästeliste)

Zum Beispiel die walzernde Folk-Miniatur „Breaking Into Acting“ über einen Hochstapler, der all seine Gefühle nur schauspielert. Oder „Nowhere Special“, in dem Berninger einen Wortschwall rezitiert wie ein resignierter Hörbuchsprecher. Es geht um unerfüllte Träume, um Drogen, Goldfische und das Weinen auf Autorücksitzen. Berningers Stärke ist das Szenische: Er macht Musik, die aufgrund ihrer Atmosphäre flirrt und weniger durch ausgefeilte Arrangements oder Melodien besticht.

Dabei gibt es hier durchaus Melodisches. Das Klavier in „Frozen Oranges“ etwa, das so erfrischend tröpfelt wie ein Regenschauer im Sommer. Oder die melancholische Americana von „Little By Little“, wo Maracas rauschen, die akustische Gitarre schrubbt und eine staubige Orgel röhrt. Und je tiefer man taucht, desto mehr Anrührendes offenbart sich. Dort unten wird man dann vom behäbigen Shufe „Silver Jeep“ empfangen – und von Matt Berningers allumarmendem Gesang. Fast so, als wollte er einen vor dem Ertrinken bewahren.

(Rolling Stone)

Stattdessen lässt er sich mit einer Gästeliste, die von Hand Habits über Kyle Resnick bis Booker T. Jones reicht, durch ein musikalisches Sumpfgebiet treiben, das den Furor seiner Hauptband etwas eintrübt, stilistisch jetzt aber nicht die großen Abenteuer auslotet. Bisweilen flackern kleine Kerzen, etwa die bezaubernden Background-Vocals von Julia Laws in „Bonnets Of Pins“ oder das eigenartige Flirren im Beinahe-Walzer „Breaking Into Acting“. Vieles ist aber verschwommen, unscharf, beinahe unbenennbar, aber nicht reizlos. Denn wohnt man lange genug in diesen Liedern, begreift man sie anders, vielleicht als: Skizzenbuch.

(musikexpress)

Umso erfreulicher, dass sie nun mit einem geschärften Blick für das zurückkehren, was sie auszeichnet: warme Folksongs mit hymnischen Melodien und literarischen Texten, mit einfallsreichen Arrangements, Mariachi-Trompeten, Glocken, Flöten, Akkordeons.

In „The Rea­pers“, einem rumpelnden Walzer, betrachtet Meloy seufzend das Mähen der Sensenmänner; auf „Long White Veil“ begräbt er seine Braut am Tag der Trauung; „All I Want Is You“ ist ein liebenswertes Liebeslied. Das Album kulminiert in einem 19‐minütigen Epos über ­Jeanne ­d’Arc. „As It Ever Was, So It Will Be ­Again“ ist das Album einer Band, die ihre Virilität beweisen will. Das kann nach hinten losgehen. Hier nicht.

(Rolling Stone)

In die Sprache der Musik umgesetzt bedeutet dies einen filigranen Einstieg mit dem Opener „Mourning Each Day Away“, ehe das nachfolgende „Oh, Rosalie“ Tempo aufnimmt und ein wenig geheimnisvoll daherkommt. Dank „Silver Rain“ steht mitreißender Indie-Pop-Rock auf dem Programm, während „Lose My Love“ mit dezentem Noise im Ohr groovt und das mystische „Red Velvet Fruit“ mit dramatischen Klavierakkorden und dunklem Gesang einhergeht. Deutlich entspannter präsentiert sich das smoothe „Horses“, wohingegen „Run“ in die temperamentvollen Vollen geht und „I Miss The Soft Touch of Rain“ mit flirrendem Indie-Folk gefällt. „Tuesday“ übernimmt mit wabernden Klangkaskaden, die eine düstere Stimmung aufbauen, die sich mit dem zarten „Season Without Light“ in Wohlgefallen auflöst. „The Good“ wirkt ähnlich ätherisch, überhaupt zeigt sich die 36-jährige auf der Zielgeraden, die mit dem hochenergetischen „Phoenix Rise“ schließt, von ihrer sanften Seite.

(Terrorverlag)

„The Cycle“ erweist sich als das vielseitigste und vielleicht auch herausforderndste Album von Laura Carbone bisher. Das 13 Lieder umfassende Doppelalbum ist ein verschwenderischer Trip durch musikalische Höhen und Tiefen, der sich in abwechslungsreicher Stilistik von Folkpop über Country- und Gospelrock bis hin zu experimentellen Noise-Kaskaden entwickelt. Ein thematisch und musikalisch ausgereiftes Pop-Meisterwerk, welches zum guten Schluss noch von dem amerikanischen Tonmischer Collin Dupuis veredelt wurde, der auch schon Platten von Lana Del Rey und St. Vincent abgemischt hat.

(Oldenburg Eins)

Und die Songs fahren wieder durch die Dunkelheit, erzählen davon, wie die Liebe im Rückspiegel verschwindet. Aber dieses Mal tritt sie dabei das Gaspedal ein bisschen weiter durch. (…)

Lenderman, der vor zwei Jahren das sehr gute Slacker-Country-Rock-Album „Boat Songs“ veröffentlicht hat, ist ein belebendes Element auf „Tigers Blood“, gibt den Songs durch seine Gitarrenparts und Harmonien die Energie und Größe, die sie verdienen.

Und wenn die Band mal einen Gang zurückschaltet, wie im anrührenden Song über eine alte Flamme „Right Back To It“ oder im bittersüßen „Burns Out At Midnight“, scheint sie Crutchfields mit wenigen Strichen gezeichneten, wunderbar nuanciert gesungenen melancholischen Geschichten zu lauschen, um sie dann mit kräftigen Farben – Dobro, Mundharmonika – auszumalen.

(Rolling Stone)

Nein, eine amtliche Countryplatte hat Grandaddy Jason Lytle hier doch nicht aufgenommen, aber die Pedal-Steel-Gitarre nimmt auf BLU WAV eine überragende Rolle ein. Sie färbt den Himmel über diesen Liedern in den schönsten Grau- und Blautönen, sie funkt zwischen die Stimme und schafft jede Menge Raum. Auf dass wir uns zwischen den Tönen verlieren, zwischen den Orten, die es nur in den großen Soundoasen der Americana gibt.

(musikexpress)

Im Grunde würde jeder Song für sich einem Grandaddy-Album der bewährten Machart gut zu Gesicht stehen. In dieser Aneinanderreihung von Ruhepolen indes fehlt das, was diese Musik eigentlich immer ausmachte: die Abwechslung. Das ist schade, denn wirklich schlecht ist hier tatsächlich nichts. Nur lenkt das Nachdenken über das Abwesende doch oft vom uneingeschränkten Genuss ab. Ein Album mit einer durchgängigen Atmosphäre habe er schaffen wollen, so Lytle. Und so ist "Blu wav" wohl auch davon abhängig, in welcher Stimmung man sich beim Hören selbst befindet. Es passt durchaus ordentlich zu nachdenklich-verträumten Tagen, allerdings auch nur zu solchen. 

(Plattentests)

In ihrem Stammbaum kann Danielle Aykroyd etwa auch auf den berühmten Revolverhelden und Wyatt-Earp-Haberer Bat Masterson und dessen gern gebrauchten Colt "Peacemaker" sowie um drei Ecken auch auf Dolly Parton verweisen. Klapperten auf ihrem Debüt Shades tatsächlich noch diverse Knochen den Rhythmus in den Songs, klirrte Glas und quietschten die Saloontüren, während Vera Sola mit dunklem Vibrato ihre Balladen von Sehnsucht, glückloser Liebe, Betrug und Rache sang, geht es nun opulenter zu. Die Songs von Peacemaker machen auf Cinemascope. Eine mexikanische Trompete spielt den Andachtsjodler von Calexico, eine Gitarre geistert durch die amerikanische Nacht, eine Orgel wimmert leise vor sich hin, die Geigen greinen. So schön niedergeschmettert war man heuer noch selten. 

(Der Standard)

Die künstlerische Visionen ihrerseits sind nun mal so prägnant und präzise, dass eigentlich nur sie selbst diese entsprechend realisieren kann. Das Ergebnis ist ein monumentales, von vornherein filmisch konzipiertes, orchestral anmutendes und dezidiert mit einer gewissen Körperlichkeit organisch angelegtes Sound-Design, das dann als dramatische Basis für ihre fiebrigen Noir-Phantasien dient. Stilistisch agiert sie hierbei fließend zwischen Chamber-Folk, Kaputnik- und Polter-Blues, orchestraler Psychedelia, Retro-Pop, Alt-Country und Wüstenrock-Elementen. Eine große Rolle spielen solche Kategorisierungsversuche aber nicht, denn VERA SOLA hat ihre Findungsphase mit Gewinn absolviert und präsentiert sich heutzutage als betont eigenständige Künstlerin mit einem letztlich ureigenen Stil, die sich mit traumwandlerischer Sicherheit durch die verschiedenen musikalischen Ebenen zu bewegen versteht.

(Musikreviews)

The album kicks off with a quite stunning track called ‘The Fall’, based on the risks of a trapeze artist falling during his act, only to get up again and repeat the act,  but a metaphor for the fall that any one of us could experience and the need to bounce back “We’re still holding our breath We all break a little We all break a little We all break a little when we fall And everybody keeps saying, “Get up, get up” The fall, the fall, the fall”, There is a semi-spoken lyric, there are captivating harmonies, it is all driven by Isakov’s piano, banjo and acoustic guitar. The song has a spiritual and visual feel, which happens again and again throughout the album.

‘Before the Sun’, a banjo-driven song with a lovely chorus, speaks to one’s independence with the repeated refrain “I’m going on my own”. (…) ‘The Watchman’ is a quite lovely lilting song (drawn from Isakov watching out for the sheep on his farm) with great harmonies again. ‘One day’ is about climate change, but, as in every song, Isakov leaves the listener to interpret it in his/her own way. (…)

Lay back with a bevy and imbibe this glorious album – you’ll get to the end, and just want to play it again.

(Americana UK)

In dem stampfenden "See the world by night" erzählt er davon, wie man die nächtliche Welt aus einem Van betrachtet und verzückt im Refrain mit einem unerwarteten Stimmenaufschlag. Das schwelgerische "Tacoma" handelt dagegen von der möglichen Rückkehr in die alte Heimat, dem "only place that makes me feel alive". Reinen Gitarren-Folk bieten dann "Waking up in Los Angeles" und "We used to live here", die beide mit der Zeit wachsen.

Mit "It all comes back" wartet dann der wohl wichtigste Song dieses Albums. Die mythische Atmosphäre darin lässt sich leicht auf die Nach-Corona-Zeit übertragen ("We lost our way, we lost our sense of place, I don't even know where I am today, but it all comes back"), das Stück fesselt einen augenblicklich mit seinen mantra-artigen Wiederholungen und ist dabei einfach fantastisch gesungen. Das übernächste "The deep well" schmeichelt sich dann noch einmal in überraschend hoher Stimmlage angenehm an, ehe in "Jesus tap dancing Christ" das Hohelied auf das eigene Zuhause gesungen wird.

The songs “Psychos”, “Apples and Oranges”, “Essence of Life”, “Cherry Baby” and “Chain of Tears” work the best. They are mostly slower songs, which hold a more satisfying balance of joy and melancholy. Based on her distinctive acoustic guitar, they are able to manoeuvre wordy lyrics while still being melody driven. The common denominator being that they’re the most reminiscent of the old sound. Joy'All ends up being a bit of everything and never establishing a clear enough character. The injection of joy is refreshing yet contrived, and all the simultaneous changes seem too big of an undertaking for her collaborators, who are not able to cultivate her sound.

(The Line Of Best Fit)

‘Puppy And A Truck’ is a wonderful, carefree blast of storytelling, the innocence of the delivery hiding the sting in the tail: “I was infatuated with an older man / And then I dated a psychopath…” ‘Apples And Oranges’ drops the tempo a little, before easing into the bucolic sunset songwriting of ‘Essence Of Life’. Heartbroken and yearning, it’s a real highlight.

‘Giddy Up’ pivots back towards pop, and truly few do it better. If ‘Cherry Baby’ wonders why “life’s a mystery” then ‘Love Feel’ has the answers, with Jenny Lewis certain in her emotions. An album that is succinct yet also broad in its scope, ‘Joy’All’ closes on a classic feel – the countrified strum of ‘Chain Of Tears’ could easily find its place on Neil Young’s ‘Harvest’ for example.

Her first since 2019’s ‘On The Line’, ‘Joy’All’ finds Jenny Lewis chasing her instincts, working with light and energy. On the closer, she warns “if it ain’t right it’s wrong…” – on ‘Joy’All’ everything feel’s right.

(Clash Music)

Sentimental-romantisch kommt dann die Ballade „Strawberry Woman“ daher, ehe es mit „Middle In The Morning“ wieder um die eigenen Dämonen und dem Kampf gegen sie geht. „Save The World“ setzt bei einer leider mittlerweile fast schon uramerikanischen Tragödie an: Dem Amoklauf in einem Klassenraum. Der Sänger hat Angst um seine Kinder, fragt sich wie er sie heil durch diese Welt der Gewalt und hofft, dass der geliebte Mensch die Welt retten kann. „Cast Iron Skillet“ ist dann eine dunkel-poetische Reflektion über Gewalt und Rassismus im Süden. Und auch die weiteren Songs wie „Volunteer“ oder „White Beretta“ zeigen mit ungeschminkten Worten den verstörenden amerikanischen Albtraum auf. (…)

Musikalisch ist dies alles vom Feinsten. Von der Stimmung her nachdenklich und bitter, wird das Tempo nie wirklich schnell. Aber dennoch mitreißend, die Melodien bleiben im Ohr. Isbell kann einfach starke Songs schreiben. 

(Country.de)

Jason Isbell schreibt Countrysongs, die funktionieren wie Liebesfilme. Traurig sind sie und dabei wenig subtil, oft sentimental und darin ultradirekt. Darauf hat natürlich nicht jeder Bock, zumal Isbell in einem rauchig-knödeligen Südstaatentwang singt, der ebenso gewöhnungsbedürftig ist wie jene stilvollen Gitarrensoli, die er mit zugekniffenen Augen und fest in der Unterlippe verbissenen Schneidezähnen spielt. (…) 

Death Wish heißt der erste Song auf Weathervanes, er handelt von einer Frau, die mit bereits tot erscheinenden Augen auf dem Dach ihres Hauses steht. In Save the World (natürlich musste ein Song so heißen) geht es um ein Elternpaar, das sich wegen der zahlreichen Amokläufe an US-amerikanischen Schulen um seine Kinder sorgt. Cast Iron Skillet erzählt die Geschichte eines rassistischen Mannes, der den Kontakt zu seiner Tochter abbricht, weil deren Schwarzer Freund nicht in die väterlichen Vorstellungen von Familie passt. Isbells Songs machen diese Figuren und ihre Geschichten lebendig. Sie bringen Themen auf eine berührbare und auch berührende Ebene, die zu häufig an verhärteten Frontlinien entlang verhandelt werden.

(Zeit Online)

„Save The World“ (School Shootings) bleibt generisch, anders als „Cast Iron Skillet“ (Southern-Erbe). Dazu spielt die 400 Unit groß auf, vom streicherumwogten „Death Wish“ (mit einem tricky Beat) über den Akustik-Zauber „Strawberry Woman“ und das Keef-beseelte „This Ain’t It“ bis hin zur Schlusssuite „Miles“. Und Shires mischt auch mit, natürlich.

(Rolling Stone)

Die Country- und Folk-Rock-Meditationen erreichen nicht immer die Meisterschaft früher Platten dieser Band. Und doch: „Flood“ entwickelt einen unwahrscheinlichen Sog. „Watching the the water rise/ Should I follow it down/ To where the river meets the sea/ Or let it devour me?“, singt Margo Timmins mit einer Stimme, die noch das größte Leid in Anmut verwandelt. Aber nichts bringt einen so nah an den Rand der Tränen wie die Suche nach den „Blue Skies“. Die Cowboy Junkies entlassen uns mit der Gewissheit: Keine Schönheit ohne den Schmerz der Vergänglichkeit.

(Rolling Stone)

Manchmal muss man (wieder) an die nicht minder wunderbaren Walkabouts denken, denen ein überdauernder Zusammenhalt leider nicht vergönnt war, und auch die gelegentliche Gegenwart von Leonard Cohen lässt sich nicht verleugnen. Wie es Sängerin Margo Timmins mit ihrem ätherischem Folk-Flüster-Organ allerdings schaft, einen Song wie „What I Lost“, den Bruder, Gitarrist und Songschreiber Michael über die Folgen der Demenz-Erkrankung ihres Vaters verfasst hat, mit der Motivation und dem Duktus einer Nick-Cave-zertifzierten Murder-Ballad-Moritat in Szene zu setzen, sucht indes seinesgleichen.

(musikexpress)

„Map Of Japan“, der erste Song, ist der beste, mit einer einfachen Akkordfolge und einem schönen Arrangement, zaghaften Doo-Wop-Backings, einer wunderbaren, mächtig verhallten E-­Gitarre und Fenne Lilys zittriger Stimme. Auch „In My Own Time“, ein wehmütiger Walzer, ist schön. Von den übrigen Liedern bleiben vorallem die Eigenheiten der Backing-Band hängen, die hell verhallte Gitarrenfigur nach dem Refrain von „Lights Light Up“ zum Beispiel oder überhaupt die warme Dichte der Arrangements.

(Rolling Stone)

Gilt der lonesome Herumtreiber als eines der Hauptmotive der Country-Musik, setzt sich McEntire damit in der inneren Isolation ihres häuslichen Alltags auseinander. „Every Acre“ ist demnach nicht nur die Vermessung der äußeren Welt, sondern ein Versuch, die innere Landkarte zu erschließen. Lyrisch wechselt McEntire zwischen Zuversicht („New View“) und Behaglichkeit („Turpentine“), Verzweiflung („Soft Crook“) und Kontemplation („Gospel of a certain Kind“). Und stets findet sie einen unaufdringlichen wie virtuosen Sound, der vom 70ies-Folkrock der Westküste über den Bluestwang der Südstaaten bis hin zum Appalachenfolk reicht. Grandios!

(Kulturnews)

As its title suggests, Something More Than Love pulls deep from her emotional self. Both “Illusion” and “Black River” deal with the euphoria of finding meaningful connection, the latter’s acceptance of fate finding a metaphor in the ceaseless roll of the current it describes.

Lynn ponders sharing her body with a new presence on “Conflict Of Interest” (“Can we both exist/Inside of this new skin/What is your name?”), before declaring her utter devotion on the self-sacrificial title track, her protective genes kicking in: “How could I deny you?/Formula of stardust/You’re a perfect figure”. The full weight and terror of responsibility threatens to drag her under on “Eye In The Sky”, but, ultimately, there’s renewed strength on “Golden Sun” and “I’m Your Kamikaze”.

On a musical level, Lynn imparts these songs with an unhurried grace. And while there’s an agreeable twang to “Black River” and folk-country steel on “In A Moment”, synths form the album’s bedrock. “Illusion” carries echoes of Kacey Musgraves’ transition to propulsive pop (Lombardo is a recent contributor of hers, as are fellow band members Ian Fitchuk and Daniel Tashian), while the exquisite “What Is This Body?” and “Cog In The Machine” present a more abstract and experimental side of Lynn, crowned by her cool, effortlessly agile vocals.

(UNCUT)