It’s a kaleidoscopic album, with each song almost a symphony in its own right; the music swirling through tempo changes and instruments cascading through the canopy of the rhythmic foliage, and the vocals drifting, seeping into the mind of the listener. It’s to the credit of both writer and producer that all these elements are controlled and the mash up of musical styles never becomes dissonant; it’s always perfectly together and cohesive. (…)

Bugland is an album that plays like the day in the life of chaotic, beautiful nature. It’s an all-enveloping music that swarms over you and embraces you in a cocoon of mesmerising swirling styles. Turn on, tune in, chill out with the bugs.

(Louder Than War)

White Gluz’s venture into trip-hop and drum machines on 2020’s Motherland is fully realized on Bugland. Serving as the lead single, the title track opens up with a sequence of punchy drums. Meanwhile, Bather in the Bloodcells employs a crisp and rewarding drum pattern throughout its duration. No Joy never gets stuck in the past; instead, White Gluz builds upon her past work, propelling the trip-hop influences forward. (…)

One thing is clear: No Joy’s effortless genre-hops are fantastic. Boundaries are meant to be broken, and Bugland is the product of their vision: bold, ethereal, and no less mesmerizing in its uncanniness.

(Northern Transmissions)

Trip-hop and Lee Hazlewood, for instance, are reimagined on “You (The Feral Human Thunderstorm).”

Led by Craig Dyer, the Berlin-based band mostly leaves behind their noise-heavy, psychedelic post-punk roots. The album is dark, but not heavy-hearted. “I Was There” hints at a touch of dark psych, but the overall tone remains airy and restrained.

“One Of The Dreamers” lives up to its name—dreamy and drifting. “Your Beloved Hollywood” leans into folk influences. The result is an atmospheric work, rich in references yet strikingly original.

(Reverb Is For Lovers)

Opener That’s Amazing Grace still booms through, still strikes a mixture of detached hopes and holding onto them. Dreams of a brighter future bring on a lush tone which Parallel is keen to pursue and defend. All of this hangs on Allison’s vocals. Her major shifts bring on a change, and Parallel drifts from hope to healing and back again. Crucial to these vocal performances, of which there are many great art-rock moments, is the instrumental sense Newcombe provides. A sincerely grand pairing between the two is heard on Kaleidoscope. Their lyrical works are adrift on a sea of constantly shifting instrumentals, the moving parts of cool and heavy guitar riffs, and the thud of deep percussion and rhythm. It all comes together like a perfect storm of emotional importance. Abject moments are softened by the acoustic additions, harsher instrumentals are buoyed by a sense of optimism in the face of raging storms. (…)

All Seeing Dolls is a fascinating project where the results, the actual sound and the emotive feel of the music are just as strong as the purpose, the suggestion of growth is as amazing as the act of it when Allison and Newcombe find the right tone.  

(Cult Following)

Breakbeats are also still in play, as on "The Moth," which opens with an undulating, siren-like (or insect-like) wail before establishing its bass-underpinned groove and eventual deluge of harmonic shimmer. Dottie's spectral vocals seem to ricochet off of surrounding atmosphere to push through to our ears, although only some syllables are fully decipherable, including the verse-ending line "You could be my universe." Everything but a residual hum drops out for a midpoint break that highlights lyrics like "Cleverness in your eyes/Guided by angels in disguise" before the strata and breakbeat drop back in. Simon Scott of Slowdive takes over on live drums for the relatively sludgier "Selene," whose aching melody yearns "to get back to you," as if crawling its way out of a mud flat. Catchier entry "The Drift" features a ringing, melodic guitar hook à la the Cure on its way to chasing an object of affection -- perhaps the Bronski Beat's "Smalltown Boy"-like distant yowl -- with the repeated phrase "Drift away from me." After the uber-ethereal, almost drumless "Where You Are," Aurelia reintroduces a breakbeat for parting song "Dream of Me" ("Do you still dream of me?"), a six-minute seduction that stretches and loosens its atmosphere like an astral taffy maker. Throughout, the band never break mood or character while exploring aural and emotional infinity for another impressive release. 

(All Music)

Merseyside has produced many talented, creative and prodigious musical artists over the years and She Drew The Gun must be considered in this elite echelon. Howl is their fourth studio album, with ten tracks for your delectation.

The title track opens the album with a hefty thwack of glam rock meets electropop. Shine On offers pounding drumbeats supplemented by Louisa Roach’s vocals which claw at your senses. An 80s Yazoo vibe wafts throughout Nothing Lasts, whilst Washed In Blue brings a feel of Cyndi Lauper melded with a determined driving rhythm. The chorus of Ritual will be your newest earworm.

An album which alternates between a velvet glove and an iron fist in its approach, you will certainly feel its effects.

(Narc)

Propagandas Grundidee, Kraftwerk und Wagner zu fusionieren, wurde mittlerweile enorm erweitert: Mertens schichtet gut abgehangene Sounds aus Klassik und Krautrock, Ambient und New Wave übereinander, mischt Orchester-Instrumente mit aufgepumpten Beats und flottiert zwischen Minimalismus und maximaler Opulenz. Es tönt düster und erhaben. Die unterschiedlichen Elemente verschmelzen zu einer klaren, fließenden Soundstruktur, deren Melodien schnell in den Gehörgängen kleben bleiben.

Sein Partner ist weniger verschmust. Eher ein klinisch kalter Diagnostiker privater und politischer Prozesse. Dörpers Großstadtpoesie kündet von Gesellschaftskritik („Tipping Point“), Nabelschau („Distant“) oder Sex und Sünde („Purveyor Of Pleasure“). Das obligatorische Gitarrensolo stammt nicht von David Gilmour, sondern vom wohl besten heimischen Saitenvirtuosen Marcus Wienstroer. Wie überhaupt alles an dieser Platte „Made in Düsseldorf“ ist: Artwork, Videos, Fotos (im Nordpark), Mastering (Kai Blankenberg) etc.

Gastsängerin Thunder Bae verpasst den betagten Herren eine gehörige Frischzellenkur. Sie ist mit einer so wandelbaren wie ausdrucksvollen Stimme gesegnet. (…)

(Rheinische Post)

Doch was noch mehr als die selbstbewusste inhaltliche Inszenierung oder der (vermeintliche) Kontrast von Intimität und Bombast zu faszinieren weiß, ist die Perfektion des Hook-lastigen, klassischen Pop-Kinos in Songs wie „You And I“, „Ordinary Life“, „Rescue“ oder „LA“, wobei sich letztgenannter harmonisch in ähnlich ätherische Dimensionen wie Chris Isaaks „Wicked Game“ schwingt (welches London Grammar ohnehin schon gecovert haben). Sollte es irgendwann doch noch mal zu einer neuen Auftrittsreihe im Lynch’schen Roadhouse kommen, könnten London Grammar mit (ihrer) Leichtigkeit durch- aus die Nachfolge der Chromatics antreten.

(musikexpress)

Time Is A Flower opens with the smokey song ‘The Wallpaper’, immediately ushering listeners into Telenova’s grandiose world, before swiftly launching into previous releases ‘Teardrops’ and ‘Power’.

‘Teardrops’ is a hypnotically moody disco track with lyrics that teeter on the precipice of light and dark: “a teardrop on the fire of sunshine”. Telenova’s slick blend of chiaroscuro-esque composition sees crystalline choruses contrasted against the distorted closing refrain “throwing all my words like a weapon / was not my intention”. (…)

The gorgeously rich ‘Power’ brims with melodramatic strings and undeniable disco influence while its lyrics explore the oh-so-human desire for connection and community. (…)

As the album unfurls, we’re brought further into Telenova’s increasingly cinematic world. ‘Margot’ is one of the highlights of the album with its rapid fire verse and vivid storytelling - an absolute gem of dark romanticism and alt pop. (…)

It almost feels obvious that Telenova are on their way to Big Things, with Time Is A Flower as another signpost in their well-deserved ascent. 

(When The Horn Blows)

Es geht um Begierde (zum Teil aus Sicht der männlichen Briefschreiber), Liebe und weibliche Selbstbestimmung im letzten Jahrhundert. Stilistisch oszilliert die isländische Musikerin mit italienischen Roots zwischen Gitarren- und Synthie-Pop mit Spoken Words, sowie zwischen an karibische Steeldrums erinnernden Beats („Let‘s Keep Dancing“) und Piano-Klassik mit Field Recordings („A Dream Through The Floorboards“).

Der Reiz der Platte liegt nicht nur in der musikalischen Vielschichtigkeit, die nie erzwungen wirkt, sondern auch in der Ambivalenz der Texte: Einige Stücke sind sinnlich und erzählen bildreich von realen Orten oder Straßen wie etwa „Black Lion Lane“ in London. Andere Songs sind kryptischer und wären verständlicher, wenn wir einen Blick in die Briefe werfen dürften. Dass das nicht geht, macht die Musik wiederum geheimnisvoller.

(musikexpress)

Zumal die zehn Songs die Reduktion des Vorgängers keineswegs fortführen, sondern sich dicht mit einer Vielzahl von Produktions- und Arrangementdetails behängen. Wenn "Everything turns blue" seinen von Gitarrenschleiern und kaputten Strobolichtern begleiteten Höhenflug plötzlich abdreht, klingt das, als würde jeder Ton von der Erde verschwinden. Es ist nicht der einzige Track mit einer erschütternden Laut-Leise-Dynamik: Der derangierte TripHop von "Tunnel lights" bricht zu Piano-Stottern zusammen, nur um den Puls mit erhöhter Magnitude wieder aufzunehmen, ehe das um die eingängigste Hook des Albums gebaute "The liminal" am Ende die Feedback-Maschine anschmeißt. Im Kontrast dazu bezieht "Eyes like nightshade" seine Genialität aus einem von Anfang an komplett lichtundurchlässigen Percussion-Dschungel. Zerhackte Beats, Schellenkränze und Blasinstrumente verschlingen sich gegenseitig, als hätte Wolfe Björks Pilznetzwerk gehackt. (…)

"Place in the sun" täuscht eine Pianoballade an, bevor Synth-Streicher und Hyperpop-Glitches an den Rändern zerren und eine geometrisch nicht messbare Wohlklangsskulptur daraus formen. Das abschließende "Dusk" drückt mit zunehmender Laufzeit immer tiefer ins Fleisch, um im transzendentalen Finale nicht nur den Griff zu lockern, sondern gleich alle Körpergrenzen aufzulösen. Dass Musik so eigenständig, so bewusstseinserweiternd, so auf jeder Ebene phänomenal sein kann, ist genau wie Chelsea Wolfe selbst: mehr als nur ein Mythos.

(Plattentests)

Große Werke benötigen Abstand. Ich nutze diese Aussage mal als Begründung dafür, dass ich Dirk diese Vorstellung schon eine Weile "schuldig" bin. Vielleicht wird diese Album am Ende des Jahres nicht ganz oben in der Wertung der schönsten Albumcover stehen, aber die vorrangigen Themen der Platte Romantik und Liebe sind zweifellos annähernd perfekt dargestellt. 

Sowohl mit The Knife als auch mit Fever Ray hat Karin Dreijer schon äußert vielfältige Musik in die Welt gebracht. Dabei gab es mindestens zwei Konstanten: Irgendwie war das immer "Electro" und Dreijer hat über die gesamte Zeit (und seit der Gründung von The Knife sprechen wir über einen Zeitraum von fast 25 Jahren) eine geheimnisvolle Aura um sich und ihre Musik erschaffen und erhalten, die einerseits eine aus ihrer Sicht (vemutlich) gesunde Distanz zur Hörerschaft garantiert und andererseits selbige zu binden weiß. 

In diesem Sinne bleibt sich Dreijer auch mit ihrem dritten Solo-Album als Fever Ray treu. Vielseitiger als das Debüt und sortierter als das Zweitwerk "Plunge" stellt "Radical romantics" eine zeitgemäße Weiterentwicklung dar. Durch die Themen Beziehung und Liebe im Mittelpunkt des Albums wirkt es thematisch geerdeter als die Vorgänger, aber die oben beschriebene Distanz wird nicht durchbrochen. 

Mit ihrem Bruder Olof Dreijer kehrte eine Konstante der The Knife Vergangenheit in ihre Musik zurück. Die mit seiner Beteiligung entstandenen Songs zeigen wieder die Chemie, welche die beiden Geschwister offensichtlich verbindet. Das für weitere Songs Trenz Reznor und Atticus Ross von den Nine Inch Nails als Unterstützer gewonnen werden konnten zeigt den Stellenwert der Künstlerin. 

Letzten Endes bleiben zwischen Gefühl, Verschrobenheit, Unbekümmertheit und Sinnlichkeit keine weiteren Wünsche offen. "Radical Romantics" stellt wie auch "Plunge" ein buntes Potpourri verschiedenster Einflüsse und Sounds dar. Jedoch findet Fever Ray klanglich und songwriterisch wieder zu den Stärken des Debüts zurück, so dass die Musik endlich wieder Hand und Fuß besitzt, was man dem Projekt nach dem enttäuschenden Vorgänger nicht unbedingt zugetraut hätte. Chapeau! (laut.de)

Das Video zu "What they call us":

Hier ist alles dystopisch verdreht, psychedelisch getweakt, nebelig verhallt und abrasiv aufgebohrt. Insbesondere die wegen ihrer Stop & Go Thematik als Disco-Tracks vollkommen ungeeigneten Club-, Techno- und HipHop-Elemente entfalten in Kombination mit unschuldig anmutenden Retro-Pop-Versatzstücken und Dreampop-Klangwolken mit David-Lynch-Flair eine geradezu bewusstseinserweiternde Wirkung. Im zweiten Teil des Projektes kommen dann verstärkt gleichermaßen abenteuerlich behandelte Kaputnik-Blues- und Indie-Rock-Experimente zum Tragen - gerne auch mal mit Zirkus-Appeal und Dub-Ästhetik angereichert - oder eben mit Gainsbourg 60s-Referenzen bzw. verstolpertem Girl-Group-Nachtmahren. 

(Gästeliste)

17 Songs, die das Beste sind, was Archive nach einer längeren kreativen Pause geschrieben und aus einer weitaus größeren Menge von Liedern ausgewählt haben. 17 Stücke, die allesamt stark genug sind, dass sie ihre Präsenz auf diesem Werk und gleichzeitig dessen Länge von gut 100 Minuten rechtfertigen. 17 Stücke, die abgesehen von Hip Hop alles repräsentieren, was Archive stilistisch jemals angefasst haben. 17 Stücke, die fast genauso vielfältig sind, wie das vor drei Jahre erschienene “25”. Durch das sie umfassende thematische Konzept und dessen Dynamik jedoch um Längen geschlossener wirken. Und wenn der ein oder andere Song auf sich alleine gestellt vielleicht nicht zu den stärksten im Kosmos von Archive gehört, so wachsen sie doch im dramaturgischen Albumkontext über sich hinaus.

(Betreutes Proggen)

Epische Weiten aus Streichern und Klavier tun sich auf, die Lyrics “There’s A War” schneiden direkt unter die Haut. In wunderschönster Melancholie schwelen die Soundkomplexe um die sanfte Stimme zu fein orchestrierten Gletschern heran. Ein elegischer Einstieg in ein Album, das auch ganz andere Töne einstimmen kann.

“Mr. Daisy” etwa erinnert gleichermaßen an Electric Light Orchestra wie auch an Steven Wilson, in “Numbers” scheint hingegen der Trip-Hop der Archive-Anfangstage durch.

Im 14:35 Minuten langen “Daytime Coma” zeigt die Platte dann seine ganze Imposanz, wählt hier im Kontrast zu den anderen Songs der ersten Hälfte jedoch einen sanfteren, sorgfältig drapierten Grundton.

Überhaupt stehen einige Songs ganz im Zeichen der gefühlvollen Instrospektive, die in “Enemy” mit Kopfstimme und unheilvollem Rumoren direkt in die Gänsehaut-Skala spaziert.

(Musikblog)

Da sind sie also wieder, die sich hochschaukelnden Longtracks, die imposante Wolkenkratzer aus progressiven und synthetischen Stimmungen errichten und wegen denen manche Fans Archive-Platten überhaupt erst kaufen. Der erste heißt "Daytime coma" und führt in einer Viertelstunde von waidwundem Intro über stacheligen Elektro-Rock in ein tosendes Gitarren-Finale – nicht so kunstvoll verschlungen wie das unfassbare "Lights", dennoch nicht weniger als ein Monument. Auch "Enemy" beginnt betont defensiv, nervt dann jedoch mit Vocal-Shots und dunklen Flächen im Stil des "Axiom"-Highlights "Baptism", Dave Pen sprechsingt sich in Rage, und zum Schluss fliegt einem der angestochene Track förmlich um die Ohren. Fantastisch – und keine Sekunde zu lang.

(Plattentests)

Tricky ist eine Wundertüte. Nunmehr 15 Alben, viele Kollaborationen und durchaus in der Qualität zwischen zwischen richtig gut (z. B. "Maxinquaye") und geht so. Nur ein richtig schlechtes Werk hat er gemäß meiner Erinnerung nicht verbrochen.

Die aktuelle Platte "Lonely guest" läuft unter einem Projekt gleichen Namens. Aber es muss nicht Tricky darauf stehen, dass man seinen Einfluss eindeutig hört. Es folgt auf "Falling to pieces" aus dem letzten Jahr. Wenig überraschend setzt er auf Trip Hop-Rhythmen und tolle Gäste, denen Genres offensichtlich egal sind. Joe Talbot der Idles ist ebenso dabei wie Maxïmo Parks Paul Smith. Der Jamaikaner Lee „Scratch“ Perry verewigte sich mit einem seiner letzten Songs. Besonders prägt Marta Zlakowskas Stimme einige der Titel. Mit ihr hat Tricky aus gutem Grund bereits in der Vergangenheit zusammengearbeitet. Highlights sind "Pre war tension", "Under", "Move me" und "Christmas tree".

Offensichtlich hat Tricky mit "Falling to pieces" eine starke Phase seiner Karriere eingeläutet. "Lonely guest" überzeugt mich und macht Lust auf Nachschub. Egal unter welchem Namen. 

"Pre war tension" mit gleich zwei tollen Gesangsgästen:

"Move me":

Fazemag vergleicht mit einem Jubiläumsalbum:

"Mobile home" ist das elfte Album der von mir geschätzten Band GusGus und mit "Simply Tuesday" liefert die Isländer darauf einen der Hits, die ich mir immer wieder von ihnen erhoffte:

Die Besetzung wurden neben dem Gründungsmitglied Birgir Þórarinsson und dessen langjährigem musikalischen Partner Daniel Ágúst Haraldsson um Margrét Rán Magnúsdóttir ergänzt. Es lohnt sich, dass sie von ihrem Hauptprojekt Vök ausgeliegen wurde, denn so entstand z. B. "Higher":

Als Gast tritt übrigens John Grant (aktuell: "Boy from Michigan") auf. Mit ihm entstand der ebenfalls starke Titel "Love is alone":

GusGus stellt gerne ein Gesamtkunstwerk dar. Die Videos der beiden Regisseure "Arni und Kinski" leisten ihren Beitrag. Sie haben in der Vergangenheit bereits die visuelle Aufbereitung für Musiker wie Ólafur Arnalds, Of Monsters And Men, Damien Rice, Snow Patrol ("Chasing cars"!) und Sigur Rós übernommen.

"Mobile home" liefert die nordische Kühle, die man von GusGus erwarten darf und Pop-Elemente, welche das Album sehr gefällig machen. 

Gar nicht kühl hingegen ist die Begeisterung von WaterDomeMusic:

GusGus präsentiert uns mit “Mobile Home” ein enorm faszinierendes Electronic Album – Nachdenklichkeit, Tanzbarkeit und geniale Arrangements verschmelzen zu einem Gesamtkunstwerk. Mittlerweile dürfte ich “Mobile Home” mehr als 100 Mal angehört haben, und es nutzt sich nichts ab, gar nichts.
In einem längeren Gespräch mit einer guten Freundin habe ich heute gesagt, dass “Mobile Home” zum Besten gehört, was ich in den letzten zehn Jahren gehört habe. Und da ist was dran. Das stimmt. Irgendwie. GusGus is more Flexible. Then others.

Wobei man natürlich merkt, warum “The Wrong Place”, dieses herrlich morbide Stück über einen miesen One-Night-Stand, der Song geworden ist, der für Rotterdam ausgewählt wurde. Er baut sich auf, er hat Ausstrahlung und er erzählt eine ungewöhnliche Geschichte.

Verstecken muss sich dahinter allerdings keines der anderen Stücke. “Belgium In The Rain” nimmt dabei sogar Bezug auf die Herkunft der Band und ist ein zugleich warmes und vergiftetes Kompliment, mit dem das Gegenüber bedacht wird. “You’re like Belgium in the rain. A little strange”, heißt es darin unter anderem.

Tracks wie “Thinking About You” oder “One Big Lie” sind einfach wunderbar aufgebaut und halten die Spannung, auch dank der bereits gelobten Geike Arnaert. Und auch mit coolem Sound wie bei “Circus” können Hooverphonic punkten.

Ein spätes Highlight auf “Hidden Stories” ist “Full Moon Duel”, das tatsächlich nach einem staubigen Western-Duell klingt. “How did you get under my skin?”, fragt eine Zeile darin und das fragt man sich beim Hören das Albums unweigerlich auch. Denn der Sound von Hooverphonic geht unter die Haut und macht einfach sehr viel her – ganz egal ob auf der ESC-Bühne, im Radio oder alleine daheim am Plattenspieler.

(Bleistiftrocker)

Kennedy lässt ihren Songs mehr Raum für Improvisationen, die Musik wirkt psychedelisch entgrenzt, manche Töne sind absichtlich schräg und schief, ab und zu furzt ein elektronisches Modul tolldreist irgendwo hinein, »Seventeen« tuckert auf dem ganz billigen Bossa-Preset einer Heimorgel dahin. Dann wieder wird das Schwebende, mitternächtlich Surreale plötzlich von echten, handfesten Drums geerdet wie in »Chestnut Avenue« oder »I'm Looking Up«, das wohl vom Tod ihres Vaters vor zwei Jahren handelt.

Es geht um Transzendenz im Angesicht von Trauer, Verlust und Apokalypse. Oft gleitet die Protagonistin dieser durch den Äther rauschenden Tracks über alles Irdische hinweg, im Limbo zwischen Leben und Sterben, bis das Gefühl für oben und unten erlösend verloren geht wie im Jazzfunk-Trip »Up« – neben »I Can See You« der vielleicht eindeutigste Hit dieses Albums.

(Spiegel)