The key to Flyte’s music is just how evocative it is, setting the scene perfectly and drawing you into their world. Few British acts seem to be taking the time to fully immerse their audience in the music, perhaps encumbered instead by the thought of viral TikTok moments and impatient radio pluggers. Thanks to its unhurried nature, though, this is an album that thrives on instinct – Taylor and Hill feeling their way through the songs together. How wonderful.

(The Independent)

Aber "Songs for Nina and Johanna" ist darüber hinaus auch das dritte Album in Folge, das Yorkston in Stockholm zusammen mit den Musiker*innen vom The Second Hand Orchestra aufgenommen hat. Das Ergebnis ist wieder fein arrangierter Kammer-Folk, abwechslungsreich instrumentiert, dabei aber nie überfrachtet. Anders als noch auf "The great white sea eagle" haben sich Yorkston und Co. dieses Mal zwar mehr Zeit gelassen und sind die Sache mit etwas mehr Struktur angegangen. Dem Ergebnis haftet aber dennoch der Eindruck des Flüchtigen und eine beiläufige Leichtigkeit an.

So greift auch "Love / Luck" nach dem flüchtigen Glück, versucht den besonderen Moment zu fassen, was natürlich vergeblich ist, aber auch nicht weiter schlimm, wenn dabei solche Melodien entstehen. Und schließlich will "Songs for Nina and Johanna" ja auch nicht mehr sein als eine Sammlung gelungener Momentaufnahmen, beiläufiger Schnappschüsse. Ohne großen Masterplan oder ausgeklügeltes Konzept dahinter, aber mit weiteren Höhepunkten wie der Ballade "Rabbit" oder "I spooked the neighbours", das kurz vor Sperrstunde nochmal über die Stränge schlagen darf. 

(Plattentests)

Das melancholischer gestimmte „Tune Out“ und das countryesk-poppige, fröhliche „Sneakers On The Telephone Line“ erhalten das Hörvergnügen. Das sympathische Storytelling zeichnet den Franzosen ebenso aus, wie der ironische Blick auf Lebensumstände.

So wundert es nicht, dass auch die Folk-Chanson-Ballade „Buffoon Of Love“ mit einem Augenzwinkern von der Sängerin Mayon und David-Ivar gemeinsam präsentiert wird. (…)

So hat „Odysseús“ zwar wenig Abenteuerliches an sich, aber auch David-Ivar hat allerhand Geschichten aus dem Leben parat. Zwar musste er keine Zyklopen austricksen oder Sirenen widerstehen, doch weiß auch er von Herzschmerz und den dunkleren Momenten im Dasein zu berichten.

Was bleibt ist stets die Heiterkeit, die seiner Stimme innewohnt und die den 12 Titeln eine prägende Leichtigkeit verleiht.

(MusikBlog)

Es gibt dann also den gewohnten Mix aus Müsli-Folk, Waldschrat-Americana, schnürsenkeliger Rhythmusarbeit und Porch-Song-Ästhetik – inklusive folkloristischer Fiedeln, Schukarton-Perkussion, Maultrommeln und anderen Hillybilly-Elementen. Die Songs wurden – und das ist nicht überraschend – live in einem (wie Dune sagt) chaotischen, schönen Prozess in seinem Haus eingespielt, was dann auch den bereits angesprochenen Porch-Song-Charakter erklärt.

Obwohl Dune hier gar nicht erst versucht, seinem ja gewiss erprobten Weird-Folkie-Stil grundsätzlich Neues hinzuzufügen, gelingen ihm doch einige veritable „potentielle Hits“ wie der Titeltrack, der Mitsing-Klassiker „Sneakers On The Telephone Line“ (der die unsterbliche Textzeile „Selling my shoes when I get the Blues“ enthält) oder die beiden Songs „Buffoon Of Love“ und „Head Agains The Wall“ – zwei Duette mit den Sängerinnen Mayon bzw. Odessa, die auch auf einigen anderen Tracks Harmonie-Vocals beisteuern. Obwohl es zuweilen auch mal nachdenklich zu geht, ist es vor allen Dingen der Humor des Songwriters und die gelöste Stimmung bei den Aufnahmen, die dieses Album zu den insgesamt lebenslustigsten und fröhlichsten Herman Dune-Werken überhaupt machten.

(Gästeliste)

Popsongs gibt es dennoch so einige. „Jungle Of Abundance“, „Mirror“ und „Open The Door“ überraschen sogar mit einer bislang eher ungewohnten Lebendigkeit und ungezwungenen Spielfreude. Dabei hat CATT als Songwriterin und Performerin inzwischen eine ganz eigene und eigenwillige Art der Harmonie- und Melodie-Führung mit hohem Wiedererkennungswert entwickelt, die aufgrund ihrer ungewöhnlichen und unberechenbaren Haken, Schlenker und Richtungswechsel zwar ihre Musiker zuweilen vor gewisse Herausforderungen stellt, wenn sie ihrer Chefin folgen wollen, aber andererseits beim Hörer immer wieder für Aha-Momente sorgt und CATTs Musik letztlich immens variantenreich und spannend machen.

(Musikreviews)

"Strawberries" geht nämlich behutsam tastend den einen oder anderen neuen Weg, ohne das musikalische Erbe von Forster und McLennan zu verleugnen.

Natürlich finden sich auf diesem Album auch die Töne, die man von Forster erwartet. Immer dann, wenn er zu sparsam und sorgfältig instrumentierten Songs allerlei Melancholisches erzählt und singt, bestenfalls mit dieser stets etwas müden Stimme, als wäre er soeben erst unsanft geweckt worden. "Breakfast on a train" ist nachgerade ein Paradebeispiel: Fast acht Minuten lang schichtet Forster Strophe um Strophe, Refrain um Refrain aufeinander; trotzdem klebt man wie die Fliege am Honiglöffel dieser Musik, weil sie so schön geraten und komponiert ist. Auch "Such a shame" ist so eine Nummer, die strahlt. (…)

Doch dann wären da eben auch die anderen, teils neuen Seiten, die Forster aufschlägt: So zeigt er sich insbesondere im Opener "Tell it back to me" ungewohnt fit, energetisch, ja fast schon groovig-verspielt. Das geht mit Schmackes nach vorne, da verzeiht man sogar die reichlich unerwartet einsetzende Mundharmonika. "Good to cry" wiederum heißt ausgerechnet das bestgelaunte, wenn nicht etwas alberne Stück, welches hier und da schon in Richtung Country und Squaredance driftet. 

(Plattentests)

The beauty of the new Hickox is in music on a grand scale. A record that earns its worth as both ear candy of the most opulent variety yet fully deserving of a deeper dive. The film composer in Hickox pops a head above the parapet and finds some common ground.

(At The Barrier)

Von Cowboy-Klamauk ist dieses weit entfernt – dafür sorgt neben der Stilsicherheit der beiden Frauen allein schon das inhaltliche Grundgerüst, das unter anderem ihr geteiltes Schicksal als in den konservativen US-amerikanischen Südstaaten großgewordene queere Personen verarbeitet. Dennoch ist den beiden ihr Spaß hörbar anzumerken, "Send a prayer my way" klingt beschwingter, befreiter und lockerer als speziell Bakers Solo-Output.

(Plattentests)

Doyle und ihre (handverlesenen und wenigen) Mitmusiker spielen Celli und Melotron, Geige und Klavier, hin und wieder kommen analoge Synthesizer und Flöten zum Einsatz, erzeugen betörende Kammermusik, die sich wie in „I Used To Fly“, „Heaven In Disguise“ oder „Lighthouse“ ins Hymnische öffnet. Doyles irischer Akzent sorgt für die nötige Erdung, so dass das Album nie ins allzu Ätherische entschwebt – jedenfalls fast nie: Der auf deutsch gehauchte Schlusstrack „Hinter den Wolken“ wirkt so luzid, als ob er nur vom Klavieranschlag auf Erden gehalten würde. Musik wie Balsam für gemarterte Seelen, also für uns alle.

(musikexpress)

In wenig mehr als 30 Minuten Spielzeit gelingt es ihr, echtes ‚Albumfeeling‘ aufkommen zu lassen und ein in sich geschlossenes, stimmiges Ganzes vorzulegen, das um die Geschichte von Echo (im Albumtitel in der norwegischen Schreibweise „Ekko“ zu finden) und Narziss kreist. Beiden Figuren sind nahezu instrumentale Tracks gewidmet, welche die A- und B-Seite der Platte eröffnen. Passend zu ihrer mythischen Vorlage klingen auch die insgesamt zehn Tracks entrückt und geheimnisvoll, mitunter gar meditativ. 

(Westzeit)

Es geht um eine verlorene Liebe, der Sound ist nach Genreausflügen ins Experimentelle, Chamber Pop und Postrock wieder auf das Wesentliche reduziert wie im hypnotisch schönen „Awards Season“. Aber ein gebrochenes Herz war nur die halbe Geschichte, wie sich jetzt herausstellt, denn wir erfahren, wie es nach dem Komma im Titel weitergeht: voller Liebe, ja, sogar Hoffnung und Heilung.

So klingt es zumindest auf dem strahlenden „Everything is Peaceful Love“, das allein die Ehrenrettung des Soft-Rock-Genres darstellte – wenn da nicht die anderen Songs wären: „Walk Home“ mit seinen verzerrten Vocals, das verträumte Duett „If Only I Could Wait“ mit Danielle Haim oder das zarte „There’s A Rhythm“. Während seit 2007 alle Indieboys der Welt versuchen, Bon Iver zu kopieren, hat Justin Vernon mittlerweile völlig andere Sphären erreicht. Wie gut, dass er zurück ist.

(musikexpress)

Da ist viel hymnischer Folk im Fleet-Foxes-Modus zu hören, wie man ihn von Bon Iver seit dem bahnbrechenden Debüt For Emma, Forever Ago (2007) eine Zeitlang gewohnt war, aber auch warmer, umarmender Neo-Soul wie im herrlichen Everything Is Peaceful Love (man möchte angesichts der Weltlage gern dran glauben…), einem der stärksten Vernon-Songs überhaupt, oder in der an Prince erinnernden Ballade Walk Home. Mit Day One (featuring Dijon/Flock Of Dimes) und If Only I Could Wait (featuring Danielle Haim) hat der mit einem dicken Szene-Telefonbuch ausgestattete Vernon auch wieder zwei sehr gelungene Duette im Angebot. (…)

Nach dem krönenden Fünfminüter There’s A Rhythm, einer lupenreinen Country-Soul-Ballade inklusiver prächtig schluchzender Pedal-Steel-Gitarre und ergreifender Lead- und Harmony-Vocals, sagen Bon Iver mit dem sanften Ambient-Track Au Revoir genaus dies – „Auf Wiedersehen“. Sehr gern, Justin – du hast uns wieder! Tolles Album.

(Bedroomdisco)

‘No Thorns’ is a mellow yet incredibly transporting ballad, both reflective and conversational in nature. With the musician’s buttery-smooth voice and the warmth of the song’s arrangements, ‘No Thorns’ makes for a poignant and terribly exciting new number from the Irish musician and actor. 

(Extra)

The Irish actor/musician has been around the same block a few times; as a musician in bands such as Hail the Ghost, and as an actor in Love/Hate, Vikings (and a forthcoming US show, El Turco). Under the name of Kopium, O’Reilly delivers his debut album, The Weeping Willow, and it’s as steady and smooth a piece of work as you’ll hear all year.

As implied by the album title, the mellow music hints towards the sombre and reflective; the song narratives, too, outline a rare poignancy that occasionally nods to the melancholy yields of Nick Cave and Richard Hawley, and the spooky spirit of Roy Orbison.

(Irish Post)

Auch stilistisch zeigt sich Lucy Dacus offener denn je: Limerence ist ein verträumter Chanson mit Cocktailbar-Klavier, 60er-Charme und jazzigen Wasserfall-Arpeggio, dessen orchestrale Wärme durch Grammophon-artige Streicher gebrochen wird. Best Guess dagegen ist eine leise queere Hymne über Unsicherheit und Nähe, mit einer fast zerbrechlichen Klarheit vorgetragen.

“Man kann nichts wirklich für immer festhalten“, sagt Dacus. Und doch versucht sie es. Forever Is A Feeling ist ein Album über genau diesen Versuch: das Flüchtige in Songs zu gießen, das Unaussprechliche mit Musik zu umarmen. Dabei helfen Freund*innen wie Phoebe Bridgers, Julien Baker oder Hozier, der auf Bullseye mit Dacus im Duett durch ein aufgeladenes Klangbild aus Folk und Cinemascope-Gitarren wandert. In Talk, Modigliani oder dem Titeltrack Forever Is A Feeling verdichten sich intime Gedanken über Verlust und Sehnsucht zu kunstvoll arrangierten Indie-Hymnen mit orchestraler Tiefe.

Besonders der Closer Lost Time ist ein würdiger Abschluss für ein Album, das sich mit Erinnerung, Verwandlung und den Ruinen vergangener Leben beschäftigt.

(Bedroom Disco)