Tracks such as the electrifying single Mexican Dress – a thrilling critique of rampant and desperate narcissism pervading our society – highlight the development of Carter’s determination to speak her mind, demanding attention be paid to the sharp elegance of her songcraft. Others such as Find My Own Remorse offer Ansell a chance to explore the depth of troubles he has conquered and show a more thoughtful side to the haunting vocal range of both artists. (…)
Nothing about this album is ordinary and nothing can be taken for granted – least of all the artists themselves. Get Tragic is a powerful album, raw in its unflinching honesty, experimental in its lyrical and instrumental balances, and deeply moving in its frank exploration of all that Ansell and Carter have made it through to reach this point.
(The Skinny)

Get Tragic, quite candidly, is a virtually perfect record. There’s nothing about it that’s out of place. It draws on the best parts of the band’s past history, catchy choruses, glam-rock guitars, electronic riffs that don’t leave your mind for days, mind-blowing lyrics--all combined with a glamour that lurks at the edge of the hometown you escaped, as the sun slowly sets.
(Drowned In Sound)

Wir sind dankbar, dass uns nicht noch eine Band in holperigen Texten erklärt, wie schlimm unsere Zeiten sind. Die Türen setzen gegen gut gemeinte, mit Musik verkleidete politische Verlautbarungen ein künstlerisches Statement – und machen damit alles richtig.
(…) Traditionelle Songstrukturen gibt es nicht. Es klingelt, pluckert, gluckst, mäandert und schrabbelt eine Stunde und 53 Minuten immer im Kreis.
Ist das jetzt Krautrock, Sun Ra, Kraftwerk, Der Plan, Techno, Suicide, Psychedelia oder einfach nur Quatsch? Von allem etwas und noch mehr. Das Album ist übrigens nicht nur theoretisch gelungen, man kann die Musik auch sehr gut hören.
(musikexpress)

Pop-Songs sucht man hier tatsächlich nahezu vergeblich. Vorherrschend sind nun viel mehr elektronische Spielereien, rhythmische Verschrobenheiten, Wortfetzen, breit angelegte Soundcollagen. Einzig das vierte Stück „Abgehauen“ hat noch eine klare Punk-Attitüde („Ich bin eingebrochen, und ich bin ausgebrochen, tatütata, dann bin ich einfach abgehauen“) und hätte so auch auf dem Vorgänger vertreten sein können. (…)
Die Abkehr vom Song und die Hinwendung zur Collage kann, gesellschaftlich gedacht, auch als ein Zeichen der Zeit gedeutet werden. Klare Antworten, klare Strukturen gibt es nicht mehr, alles (so scheint es), was gerade noch neu ist, löst sich im nächsten Moment wieder auf. Was bleibt, ist ein großes Fragezeichen. Und, zumindest auf „Exoterik“: ein gutes Gefühl.
(Pretty in Noise)

Und Devoldere pfeift uns von Bläsern begleitet auf den Trip ins Blaxploitation-Cinema („Entertainment“). Balthazar legen diese ihre Wege mit der Lust an Melodie, mit einer klaren musikalischen Sprache (ein Paradies für Bassisten) und der Liebe für den Streicherpop der Vergangenheit hin. FEVER ist der perfekte Ort für eine Nachmittagsparty, die Bee-Gees-Fans für ihre Indie-Pop-Freunde ausgerichtet haben.
(musikexpress)

Die Opulenz und fremdartige Eleganz, die die Vorgängeralben zu einem dunklen Hörgenuss machten, tauchen nur noch vereinzelt auf. In "Phone number" ist beides ziemlich präsent. Im tanzbaren, aber langsamen Dreierrhythmus schiebt sich der Song voran wie das letzte auf der Tanzfläche verbliebene Pärchen um 3 Uhr morgens, das zwischen Glückseligkeit und Schwermut hin und her taumelt. "Roller coaster" kreiert mit dem schon vertrauten federnden Bass und orientalischen Skalen in den Streich- und Zupfinstrumenten eine wohlige Mischung aus Vertrautheit und Exotik. Dagegen wirken Songs wie "Changes" oder "Wrong vibrations" trotz eingängiger Melodien eher blass, wobei letzterer mit der Textzeile "Don't let your morality affect your imagination, girl" immerhin noch brauchbare Lebensweisheiten parat hält.
(Plattentests)

„Sequence One“ heißt das Auftaktstück, die blasse Gesangsmelodie liegt verhuscht über einem synkopischen Beat, das Schlagzeug spielt kraftlos, die Gitarreneffekte sind eindimensional.
Wenn das Neo-Psychedelia sein soll, dann müssen die Drogen die Arbeit alleine verrichten, damit es für den Trip reicht. Wo ist nur die Wucht geblieben, die Toy auf den früheren Platten dann und wann auszeichnete? Ein Stück heißt „Energy“, die Band aus Brighton spielt sehr zügig, jemand spricht, jemand singt, so richtig passt das nicht zusammen.
Das gilt auch für „Mechanism“: Bass und Drums imitieren ein Uhrwerk, doch darüber liegen Gitarren, die ziellos durch den Raum strömen wie eine Motte, die sich nicht zwischen zwei Lichtquellen entscheiden kann. Nach drei Minuten und 20 Sekunden blendet die Band den Song lieblos aus, als ertrage sie das Stück selbst nicht eine Sekunde länger.
(musikexpress)

„Happy In The Hollow” zeichnet mit metronymischen Rhythmen, verzerrten Gitarren und elektronischen Dissonanzen, geisterhafte Skizzen, in denen Tom Dougalls warmer Gesang wie eine vertraute Person und Orientierungspunkt erscheint. Die Reichweite des Sounds geht von düster über repetitiv-beruhigend bis hin zu nervenzerreißend (“Energy”).
Toy haben die große Gabe mit ihrer Musik Stimmungen zu transportieren. “Last Warmth Of The Day” spiegelt z.B. genau den Titel wieder. Betörend weicht die letzte Tageswärme und wird von flirrenden Keyboards in die Kälte begleitet. Tom Dougall schafft es dabei immer wieder in den bedrohlichen Soundscapes Gesangsmelodien zu packen, die sich festhaken (“The Wilo”).
Die kalte Vintage-Electronic und der karge Beat orientieren sich oftmals (“Strangulation Day”) an den Frühwerken der UK-Pioniere dieses Genres (Human League, Heaven 17), die in den späten Siebzigern, von Kraftwerk inspiriert, Maschinensounds in ihre Klangbilder integrierten.
TOY gelingt es, unter dem Einfluss der oben genannten Stilelemente, eingängige Quasi-Popnummern, wie das hellstrahlende “Mechanism” oder auch Folknoten wie “Charlie’s House” unter einen Hut zu bringen. “Move Though The Dark” erinnert mit seinen jangelnden Gitarren als Rausschmeißer gar an die legendären Rain Parade.
(Triggerfish)

Future Ruins benefits from the band not wanting to make another reunion record. They pushed for more experimental moments, something Lose had almost none of. And while Future Ruins will be tough to fit into their catalogue, it’s still a worthy effort from the veteran band and marks a crossroads for them. If they can continue to push the boundaries of their sound, their next album could be genre-defining. As it stands though, Future Ruins is pretty safe overall. Outside of the sporadic second half, the album keeps all the necessary riffs and harmonies that fans of Swervedriver have come to expect and adore.
(Soundblab)

"Everybody's Going Somewhere & No-One's Going Anywhere" takes the form of a dystopian lullaby while "Drone Lover" uses wordplay about technological warfare interspersed with sludge driven riffs to hammer home its sentiment. Elsewhere, "The Lonely Crowd Fades in the Air" provides the axis for a meeting point between The Clash and The Supremes alongside "Spiked Flower" and "Good Times Are So Hard to Follow," two straight up pop bangers that would be certainties for primetime radio airplay in a parallel universe.
Not only is Future Ruins a welcome addition to the Swervedriver canon. It also fully confirms their reunion was anything but a nostalgia trip.
(Under The Radar)

Swervedriver have always connected with devoted music heads -- Grammy winner and Future Ruins engineer TJ Dougherty first came to the attention of the band years ago when he was a fan in the front row at every show they played in New York -- but the potential to reach a wider audience was always there, too. To that end, the instantly hummable "Drone Lover" and "Spiked Flower" of the album's mid-tempo middle could be a sign that the desire to give the postman something to whistle might finally be catching up with them. Whether or not Future Ruins is the record that finally breaks Swervedriver through to the masses, it shows the band are still making their own breakthroughs.
(PopMatters)

Die Sounddekonstruktionen sind weniger offensichtlich, sie spielen sich im Hintergrund der Instrumentierungen ab, Manipulationen der Stimme bleiben rar, der Einsatz von Auto-Tune dezent. Wir hören verschleppte HipHop-Beats, Anklänge an Dancehall und die typisch ätherischen Piano-Balladen. Nach elf Tracks, die den Minimalismus so weit ausreizen, dass er gerade noch so genannt werden darf, zieht das finale „Lullaby For My Insomniac“ vorbei wie ein flüchtiges Gas, die Strukturen lösen sich auf, Ende, aus. ASSUME FORM gibt ein ähnliches Bild ab, wie das Frank-Ocean-Album BLONDE aus dem Jahr 2016: Es ist eigentlich ein ultra-heterogener Stilmix, der aber von einer sehr einheitlichen Sound­ästhetik zusammengehalten wird.
(musikexpress)

"Wide Awake" and "All Along" bookend the sequence, respectfully, by introducing the beneficially empty and ethereal side of Late Riser. Modest percussion, keyboards, and sundry evocative trappings do add some heft, but they are showcases for Cone's multilayered angelic wisps, as they are beautifully chilling in their abandonment and urgency. Afterward, "Unraveling" is warmer and more folksy, with great use of male/female vocal duality, while "Arizona" keeps the pair's earthly singing at the forefront and places rustic guitarwork and reverberated percussion beneath its evolution. As for the ballad "Easy Love", it easily ranks as the best of the ten songs due to how Cone radiates accessible devastation above her scant yet painful and dissonant soundscape.
Of course, the busier selections on Late Riser are on par with their quieter counterparts. For instance, "Failure" evokes Great Northern and the Great Depression as it bustles along with touches of Americana and '60s pop surrealism—strings, harps, and the like—and the title track digs up rebellious self-esteem in its dusty duet. The stilted electronica within the downtrodden "All for the Best" certainly works, too, as does the off-kilter collage of instruments and effects surrounding the heavenly core of "Waterline". That said, the penultimate "Over Now" is perhaps the greatest display of gradual dynamic shifts on the whole thing, as it builds smoothly from near a cappella to chaotic catharsis.
(Pop Matters)

This oddly tender aggression is mirrored in Savage Messiah, a track that feels wrenched from the depths of Roberts and launched into the world with the same righteous dynamism that powered his days in WU LYF. LUH have always been respected by fans for their unflinching honesty about how they view the world around them and Love Hates retains that crucial element of their chemistry.
From the delicate The Breath of Light to the demanding For the Wild, an anthem to the pursuit of freedom and revolution, LUH deliver consistently haunting instrumental melodies and deeply impassioned lyrics that serve as an opulent tonic to the cultural apathy they rebel against.
(The Skinny)

In turn this also largely benefits the record's duets, as now Roberts' and Hoorn's musical chemistry has never sounded better; the best example being the album title track. A beautiful and stripped back acoustic expression of struggle and infatuation, 'Love Hates What You Become' shows real artistic progression.
This progression can also be felt on the duo's conscious construction towards their song writing. Songs like 'The Breath Of Light' are strikingly poignant, whilst the twisted and claustrophobic 'Savage Messiah' chronicles the journey of a sanctimonious narcissist; in a cut that sounds like Nick Cave meets Swans. And as for 'Post Millennial Tension', a frustrated analysis of the impending future, its brusque lyrics cut through any suggestion of pretentiousness bullshit with complete sincerity and passion.
Closing on 'For The Wild', Lost Under Heaven rise and eclipse all that came before. Roberts' vocals soar over vast exquisite synths and shimmering guitars, as he screams into the great unknown. Colossal, stirring and with a great sense of purpose, 'For The Wild' might just be the best song Roberts and Hoorn have ever recorded.
(Clash)

Immer, wenn man glaubt, kleine Lichtstrahlen auf “Broken” zu vernehmen – und seien es nur musikalische – wird man schnell wieder in einen deprimierenden Strudel gezogen. “I don’t think that I will ever move on”, heißt es dann auch im letzten Song “Not The Same”. Dieser lässt den Zuhörer, der selbstverständlich auf ein Happy End hofft, doch etwas unbefriedigt zurück. Man kann nur hoffen, dass Joakim dieses Album aus dem schlimmsten Tief befreit hat.
(Bleistiftrocker)

Ansonsten herrschen die leisen Töne. Vorbei ist es mit den Bläsern und Trommeln, Ukulele und Mundharmonika – „Regrets“, vielleicht der Höhepunkt des Albums, wird von einem gedankenversunkenen Piano unterlegt, und während man den Sänger dazu seufzen hört, sieht man ihn am Klavier sitzend seiner Verflossenen hinterher trauern.
Die „Ahah“-Chöre, die früher das Konzertpublikum zum Mitsingen animierten, sind in „Lights Out“ eher Wehklage als Singalong. (…)
Statt daran kaputt zu gehen, ist die Band an dieser Zeit eher gewachsen. Mit „Broken“ leistet die Band dem Subgenre des Trennungsalbums einen spannenden neuen Beitrag – und verlassen die, auf sechs Alben zuvor recht ausgetrampelten Pfade.
Künftig dürfen sie das auch gern ohne vorangegangene Sinnkrise tun.
(musikblog)

Middleton is a master, and he’s back with another chapter containing songs that stand beside his best.
(The Arts Desk)

It’s possible you might not like this record.  I do.  Dwelling on the lyrics can hurt, in a way I’ve not experienced since Josh T. Pearson released Last of the Country Gentlemen.  The subjects of debt, isolation and having to cope for the sake of others are bloody raw for some and hard for anyone to take in.  It can be a hard listen if the mood is wrong, but that’s the same for anything if you think about it, it’s just that this wears its heart on its sleeve more than most.  The sheer humanity and the love of what Malcolm Middleton doing with Bananas here is something that, if it catches you in the right frame of mind at the right time, will feel like the friend you never knew you had.
(Echoes And Dust)

These elements combine to make Bananas the equal of his finest work to date, and it deserves a listen and an admiring glance from all for whom life can be a struggle. It may not break new ground in a musical sense, but this is pop music with the strongest possible connection to everyday life.
(musicOMH)

… sind von 2017, wurden aber erst 2018 auf Vinyl veröffentlicht. Wie jeder weiß zählt ein Album erst dann als wirklich veröffentlicht.
(Felix)

If you view this as more of a mixtape rather than a plotted out, thoughtfully arranged album, it feels better. Among the sixteen album tracks and sixteen bonus tracks (more detritus from both this year and 2015’s Dial-A-Song) you’ve got a small collection of rock solid tracks not only worth checking out, but worth repeat listens.
Standouts include the high-energy, paranoid anthem “I’ve Been Seeing Things”, “Applause Applause Applause” which reveals the secret mantra at the heart of every single performer throughout history, whether they admit it or not, the frantic, tail-chasing “The Neck Rolls Aren’t Working”, “I Haven’t Been Right Yet”, the synthy, uneasy “The Bullies”, “Tractor”, “Tick Tick Tick”, “Last Wave (alt version)”* , and finally, the perfect exemplar of a clever, dynamic, fun song that is pure They Might Be Giants in the album’s opener, “The Communists Have The Music”.
(soundblab)