Kein zartes Lämmchen möchte sie mehr sein, sondern eine Löwin, wie sie in der rustikalen Bossa-Nova-Variation „Lion/Lamb“ sogar ausdrücklich mitteilt. Das maunzt sie dem Geliebten allerdings so sanft ins Ohr, dass man ihr die Verwandlung in eine fauchende Raubkatze, die die Krallen ausfährt, doch nicht ganz abnimmt. Zwar schlägt Laura Gibson im Anschluss an den flotten Auftakt wieder leisere Töne an, etwa in dem verwunschenen „Skin, Warming Skin“ oder dem dünnhäutigen „Milk-Heavy, Pollen-Eyed“, das davon handelt, wie man immer wieder stolpernd und strauchelnd trotz aller Widrigkeiten zu einem geliebten Menschen zurückkehrt. Oft genug gelingt es ihr jedoch, dabei einen eigenwilligen Sound zu entwickeln, der sie etwas weg führt von den Konventionen des Alternative Folk. Sie traut sich, kann aber auch was. Ihr Album jedenfalls, das Stilelemente von Blues und Gospel aufgreift, lässt keine Sekunde lang die Zügel schleifen, bleibt stets hochkonzentriert, originell und spannend.

(faz.net)

Eher ist es die Produktion mit all den flirrenden Instrumenten, die sich um Gibsons charmante Stimme scharen, die wirklich wunderschön ist. Der Raum wird genutzt mit all der Kaminromantik und den Wohnküchengrundrissen. Für Gibson-Alben ist das Schlagzeug die Zukunft. Das hat den großen Wurf unterstützt. Munter gibt es Spielfreude vor, die Gibson nutzt, um sich noch mehr in ihre Songs zu legen. Flötengesäusel und Pedal-Steel-Pferdeäpfel sind nur kurze Wegbegleiter, doch immer wenn sie auftauchen wird Gibsons Musik zeitlos.

Gibson vertraut ihren Songs, die wie hingetupft wirken und doch bei näherer Betrachtung Kleinarbeit aufweisen können. Wirklich traumhaft arrangiert. Jedes Picking sitzt. Gibson hat es geschafft, ihre Stärken zu bündeln, etwas Wärme und Farbe in ihr Spiel zu lassen und das macht La Grande bemerkenswert. Die Stile werden miteinander verwoben, so dass ein kleines Ungetüm heranwächst, dass dieses Jahr wirklich auf die Country- und Folkprobe stellt. Da müssen die anderen Folkbarden und SingersongwriterInnen schon ganz tief in ihre Seelen horchen. La Grande ist schon eine 2 mit Sternchen.

Gibson wirft Holz nach, um den weiblichen Hintergrundchor Feuer unterm Arsch zu machen. Und dann gibt es noch Hawaii. Geh auf Entdeckungsreise! Es lohnt sich.

(jahrgangsgeraeusche.de)

Also das Musikjahr 2011 war bisher für jede Menge Enttäuschungen gut – eigentlich hat mich bisher kein Album rundum und komplett begeistern können. Das wird sich aber aller Voraussicht nach Ende November ändern, denn dann kommt «Save your season», das zweite Werk des Duos Mint Julep aus Portland. Legten die beiden 2008 schon ein sehr anständiges, vor allem verträumtes Shoegazealbum vor, scheinen sie sich nun selbst weit zu übertreffen. Jedenfalls legen die vier bisher vorab bekannt gewordenen Songs diesen Verdacht nahe. Eine gewisse Abkehr von den dreampoppigen Sounds ist unüberhörbar, nun wird mit deutlich mehr Schmackes nach vorne gespielt und auch verstärkt Elektronik eingesetzt.

Herausgekommen sind dabei so wunderbare Perlen wie «Why don’t we», das ich hiermit einfach mal zu meinem (vorläufigen?) Lieblingslied des Jahres küre. Wunderbarer Refrain, tolle Atmosphäre und ein mystisches Video, was will man mehr? Ja, wirklich, Mint Julep retten mir meine (Musik-)Saison.

(coast-is-clear)

Die Songkollektion mit dem etwas zu marktschreierischen Titel Born To Die beendet den kurzen Siegeszug über die gerade gängigen Inszenierungen von Weiblichkeit im Pop mit einem Rutsch ins, sagen wir es doch, Normalmaß. Spielten der Charts-Hit „Video Games“ und „ Blue Jeans“, die beste Lee-Hazlewood-Ballade nach Lee Hazlewoods Tod, mit den großen Gefühlen aus der Ära der vordigitalen Unterhaltung, intoniert von einem gefallenen Retro-Girl, das sich vor der Welt mit seinen dunklen Geheimnissen zu entblättern wusste, geht der Rest des Albums einfach nur in Ordnung. Die Künstlerin ist erlöst vom frühen Hype, die Fans dürfen sich ihre Lana Del Rey jetzt eine Nummer kleiner malen: Sie muss sich mit den breiten Keyboardflächen der Ebenen abmühen, mit Tribal Beats, die aus dem Baukasten von ein paar Mainstreamproduzenten gekommen sind, die nichts Besseres zu tun haben, als Lana Del Reys exquisite Nancy-Sinatra-Stimme in einen Bombastpopkontext zu befördern („Off To The Races“ und „Dark Paradise“) oder gleich in den Dienst eines schlappen amerikanischen Mainstream-Radio-Songs („Summertime Sadness“). Es gibt diese Momente, in denen die Sängerin sich auf dem coolen Gitarrentwang der Rock’n’Roll-Gründerjahre mit der Eleganz einer Diva zu bewegen weiß, aber ohne das glamourös-heimelige Bilderwerk ihrer ersten beiden Songs verfliegt der Zauber des Morbiden und Mysteriösen sehr schnell. Lana Del Rey ist nach dem frühem Höhenflug wieder auf dem Boden gelandet. Nicht mehr und nicht weniger.

(musikexpress.de)

Zu hören bekam man melancholischen Indie-Pop, bei dem Sänger Trevor Power aus der Ferne singt, um seinen zerbrechlichen Stimmklang möglichst bescheiden auf einen Lo-Fi-Sound zu betten. Einen Sound, der mal verschwommen, mal klar und mal kraftvoll elektrisierend ist.

Youth Lagoon holt den Hörer aus dem Einschlafmodus im Schlafzimmer und führt ihn dann zum Küchenfenster, das einen bewölkten Sternenhimmel rahmt. Dann befiehlt er einen "Year of Hibernation"-langen Blick in die Ferne und lässt den Hörer dann ganz beruhigt schlafen gehen...

(musikexpress.de)

Erst nach mehrmaligem Hören erschließt sich einem die düstere Ebene dieses Albums. Zunächst bleibt einem der in Zuckerwatte gebettete Lo-Fi-Sound im Ohr kleben, doch keine Angst: Medizinische Tests belegen, dass im Gehörgang keine Kariesgefahr droht. Besonders nicht bei diesen Melodien, die zwar zuckersüß daherkommen, aber dennoch gewisse Spannungsbögen wie in "July" aufweisen. Genau im richtigen Moment setzen die elektronischen Drums ein, um dem weichgezeichneten Gesamtbild zumindest ein paar Konturen zu verleihen.

Oftmals schleicht sich das Gefühl ein, als blättere man durch vergilbte Fotoalben. Vor allem Songs wie "Posters" und "Seventeen" sind von einer solchen Nostalgie durchzogen, dass man denkt, Powers' Kindheit sei bereits etliche Jahrzehnte her. Dabei ist der Mann gerade mal 22 Jahre alt. Noch so jung, doch so gut. Ein Mario Götze des Dream Pop, der mit androgynem Gesang und Textzeilen wie "Don't stop imagining / The day that you do / Is the day that you die" zu begeistern weiß.

(plattentests.de)

"Man merkt, dass man altert", sagt der Sänger Max Richard Leßmann. "Wir sind jetzt 20, haben Abi gemacht und sind mit dem entsprechenden Wissen ausgestattet. Aber man fragt sich, wie viel man wirklich von dem, was man gelernt hat, braucht, um sich dann von den ganzen Dingen freizumachen." Es gehe ihm nämlich nicht darum, dem Leben einen Sinn zu geben, sondern die Dinge auf sich zukommen zu lassen, so dass das Leben einem irgendwann einen Sinn gibt. "Das Album ist ein Plädoyer dafür, die Dinge einfach passieren zu lassen." Im "Le Châtelet" in Hamburg-Altona nahmen Vierkanttretlager gemeinsam mit dem Produzenten Gregor Henning (Die Sterne, Bernd Begemann) "Die Natur greift an" auf. Ein gesprochenes Stück und elf Songs, die klingen, als habe man die Hamburger Schule ihrer Überintellektualität beraubt und sich gleichzeitig musikalisch von den Indie-Rockbands der zweiten Generation emanzipiert. (rollingstone.de)

[Wir] haben uns schon früh, als wir begannen Musik zu machen, viel mit deutschsprachigen Künstlern wie Element of Crime oder Erdmöbel beschäftigt und das hat halt auf die eigenen Songs abgefärbt. (alternativmusik.de)

Natürlich wirkt das ganze Gerüst etwas altbacken, doch die lupenreine Produktion mit den urtypischsten Instrumenten, die über Berg und Tal reiten, lässt einen wohlig erzittern. Die Stimmen der beiden Schwestern sind jung, dynamisch und doch voller Brüche. Traurigkeit durchströmt die dicken Wollpullover. Sie meinen es ernst. Sie machen nicht auf Freakfolk, benötigen keine Nerdbrillen und schrullige Hampelleien. Traumwandlerische Melodien, die natürlich nie Töne in Erwägung ziehen, die es nicht schon mal gegeben hätte, versetzen die Girls fast in Trance. Da gibt es nur ein Mittel, um dagegen anzuspielen. Ein Glockenspiel. Das Glockenspielgeklimper weckt die Mädchen, da tröpfelt fast ein wenig Pop in den Poncho. Immer dann wird es interessant, wenn man spürt, dass man auch etwas anderes versuchen könnte.

(jahrgangsgeraeusche.de)

The echo of pedal steel and mariachi horns on King of the World is a far cry from First Aid Kit's cover of Fleet Foxes’ Tiger Mountain Peasant Song, which first appeared on YouTube in 2008. The full band which appears on The Lion's Roar enjoys the rare achievement of being saccharine-free, and serves to highlight the sisters' brilliant captured-on-tape chemistry.

As consolation anthems go, it's difficult to imagine anyone topping this collection in 2012. Sat neatly between Laura Marling's trauma, Alessi's Ark's florid scenes and Joni Mitchell's spot-lit thoughts, First Aid Kit's second album lines them up as the band most likely to cross over into the big time.

(bbc.co.uk)

Those who get it will get it, and they now can enjoy the band without an endless stream of idiots – spying the Converse and the fact they’re on Rough Trade – writing Howler off as being derivative or quite a lot like The Strokes. True or not, the story about how Rough Trade got on a plane to Howler’s native Minneapolis the minute they heard the demos is a fantastic one. That’s exactly how the rock’n’roll business should be done.

As Howler themselves put it on the title track of ‘This One’s Different’: “When the feeling is there, then it’s there”. You should just know. And, given a singer who is so obviously a star, plus a debut album called ‘America Give Up’ whose artwork rips off a Lucky Strike cig packet and which opens with a song called ‘Beach Sluts’ that sounds like The Modern Lovers and peaks with such a joyous, sped-up ending, how can you not? Just in case: there’s another called ‘Wailing (Making Out)’ that features the lines “I wanna get dressed, make a scene” and then “I wanna girl and a new car/I need a drink and a guitar”.

In mid-November, Howler promised to make “a dirty rock’n’roll” album, which is exactly what they’ve done, without any fluff. All 11 songs are full of energy, wit, fun, fuzz, fizz, sugar, spice and all things nice. The two songs from ‘This One’s Different’ (the title track and the still glorious ‘I Told You Once’) have been re-recorded and made even more high-octane; there’s another superlative pop song, complete with “woo-woo-woo-woooo”s, in the shape of ‘Back Of Your Neck’. ‘Back To The Grave’ swaggers rather than skips, propelled by deliciously sludgy guitars. There are ‘Too Much Blood’ and ‘Free Drunk’, which demonstrate that Howler can do romantic slowies. ‘Black Lagoon’ finds Jordan spelling out the title, but doing it as “B-L-A-C-K-L-A-G Oooooooh... Oooooooh... N!”

Hell, they’ve even managed to write a song called ‘America’ and not make it a load of self-righteous, preachy shit. Which, to my knowledge, is a first. ‘America Give Up’ is, quite simply, an effortlessly brilliant debut. Maybe it isn’t the wider world’s time to fall in love with a straight-up guitar band, but I couldn’t give a monkey’s, and neither should you.

Grime versus glam. Grunge against gloss. A perfect ‘Aladdin Sane’ flashbolt smeared with grisly Pixies gore. Pulp’s shiniest synth hits dipped in diesel. Dissect Tribes’ filthy/sweet dichotomy – that delicious clash of bright melody and dank garage noise – whichever way you like, it’s as ravishing as a pack of supermodel she-wolves. (...)

f anything Tribes try to out-grunge Pixies, which is why the anthemic ‘We Were Children’ feels like being sucked into a supermassive black hole at the centre of ‘Where Is My Mind?’. But the archaic Yankisms are offset by Johnny Lloyd’s Ziggy Stardust bawl and the scarf-rocking refrain of “We were children in the mid-’90s”, an era so synonymous with Britpop, lad culture, ‘Three Lions’ and lagery nationalism that the gravelly choir chanting the chorus drenches the song in all the glory and grace of This Is England ’94. Even though, for Tribes at the time, it was less ‘Cigarettes & Alcohol’, more Scalextric and Calpol.

Yet just there is the other dichotomy that adds depth and dynamic to ‘Baby’. Tribes are not just filth versus flash, they’re innocence versus experience. A reflective Killers epic such as ‘Corner Of An English Field’, with its suggestions of a lonely war vet reminiscing over his carefree youth, rubs up against the fleeting teenage kicks of ‘Halfway Home’. A luscious ‘Starman’ lullaby to a broken drunk driving to oblivion through a godless universe, ‘Nightdriving’, gives way to the brilliantly vivacious ‘When My Day Comes’, a gleeful gawp at The Future that is essentially a rampaging street gang made up of Bowie, The Jam, The Boo Radleys, ‘River Euphrates’, The Undertones and ‘When You Were Young’.

It’s about making the familiar sound fresh, the weary wonderful. Tribes peer out at Britain – its lawless youth and its hopeless adulthoods – and rouse it to former glories. Not least with its newer, more ponderous tracks. A spectacular pop tune named after an ancient Greek poet about a mum absconding from her family for a new life of labial adventure was always going to be the lynchpin of ‘Baby’, but even ‘Sappho’ is over-shadowed by the stratospheric Black Mountain stomp and bluster of ‘Himalaya’, the Beatledelic ballad ‘Bad Apple’ or the psych-country wonder ‘Alone Or With Friends’, a carnival funeral march in which the hearse lifts off like halfway through Chitty Chitty Bang Bang.

It’s this added meat and might that makes ‘Baby’ not only an early contender for album of 2012 but a formidable salvo in the guitar rock fightback, packing the power punch of prime Oasis, the pop preen of peak Suede and the sweet serrations of ‘Surfer Rosa’. Congratulations, Tribes, it’s a monster.

Stray greift auf sein perlendes Klavierspiel, Bläsersätze, Chöre, Streicher, Gitarren und ein rhythmisches Arsenal des Bunten zurück, eine Melodie jagt die nächste, überraschende Brüche, die den extrovertierteren Songs neue Wendungen geben inklusive. Aber da ist noch eine introvertiertere Seite, die mit den Mitteln des wallenden, sich aus der Stille erhebenden Postrocks hantiert und auch mal rein instrumental dem Peak in Gestalt eines Lärmausbruchs entgegensteuert, um dann im Schnee zu versinken. (flight 13)

Daneben möchte man allerdings immer wieder Post Rock-Bands wie Mogwai oder Explosions In The Sky als Einfluss erkennen, so etwa wenn im einleitenden Titeltrack oder bei „We Were The Core Seeds" mit dem Lautstärkepegel gespielt wird und sich mitunter meterhohe Gitarrenwände auftürmen. Dieses Album klingt vielschichtig und opulent, ohne es dabei zu übertreiben. Chorgesang, Streicher und zahlreiche Blasinstrumente sind genau richtig platziert und machen „Chiaroscuro" zu einem raumfüllenden Erlebnis. (crazewire)

Dass die neuen Songs von Big Pink aus Beats und Samples gebaut wurden, bevor man sie mit Gitarren und Gesang und Keyboards bis zum Rand auffüllte, ist Future This kaum anzuhören. Ja, auf herkömmliche Drums wurde bei der Produktion ganz und gar verzichtet. Am Ende haben sich die beiden Briten mit ihren zehn Songs aber weder aus den Texturen noch aus den Strukturen des Indie-Rock Bauart Late Eighties verabschiedet. The Big Pink setzen Elektronik als Zierleisten ein, mehr nicht. Songs wie „Hit The Ground (Superman)“ und „The Palace So Cool“ besitzen etwas unverschämt Hymnisches, sie baden im Glück der vielen Chor stimmen, der sich auftürmenden Gitarrenschleifen; damit überschreiten The Big Pink aber immer nur knapp die Grenze der Coolness, die mehr Distanz, mehr Sophistication, vielleicht mehr Raffinesse verlangen würde. Robbie Furze singt davon, wie es ist, ganz oben angekommen zu sein, mit der Angst im Nacken, wieder ganz nach unten zu fallen. Seine Stimme, die ein paar Sekunden zu lang im Hall verbleibt und die großen Hooks mit hellen Klanglinien überfährt, markiert den Beginn einer Entwicklung: weg von der reinen Lehre des Shoegazing, angezogen von den wilden Geistern des Stadionrock, den sich U2 auf ihre Fahnen geschrieben haben.

(musikexpress.de)

Da ist zwar Folk ebenso wie eine große Kugel Pop drin, aber eigentlich ist es viel zu verwoben und verschachtelt hierfür. Folk-Pop versetzt mit psychodelischen Momenten. Einfühlsam aber auch fordernd. Und doch ist es so eingängig, dass man das Album kaum aus dem Player bekommt. „Black Light“ entfaltet gelinde gesagt eine fast schon hypnotisierende Wirkung. Dies liegt zum einen an den schon beschriebenen Merkmalen Genders: der Stimme und dem Songwriting. Aber auch die Umsetzung tut einiges hierfür. An den richtigen Stellen sind Bläser zu vernehmen, dann wieder Streichinstrumente und wenn es sein darf ist die Gitarre auch am werkeln. Oder die von ihm aus früheren Zeiten bekannten elektronischen Zutaten. Immer stets an den richtigen Punkten untergebracht und genaustens dosiert. Dies zusammengesetzt mit diesen funkig und groovig überzogenen Melodien… Fertig ist ein Klasse-Album zwischen Sufjan Stevens, Hot Chip, Metronomy und dem guten alten Peter Gabriel, welches ein Lächeln beim Hörer hervorrufen wird und die trübe Jahreszeit in den Hintergrund drängt. Ein Album, bei welchem das Herz aufblüht!

(hurricanebar.de)

Taking aim at a three-dimensional sound on their debut and nailing it, Pallers have managed to create an ambient dreamscape at once nocturnal yet luminescent and futuristic yet anciently mystical. With serene beats, warm vocals and iridescent synths, the single Come Rain, Come Sunshine foreshadows a debut well worth the wait.

(myoldkentuckyblog.com)

(...) the two make new wave pop that’s similar to other duos, including Erasure, Pet Shop Boys, and The Postal Service. That said, the music found on The Sea of Memories doesn’t sound too terribly different from Angergård’s other current projects. The music is club music, but it’s a rather dour club that would provide their clubbers with the lovely but melancholy “Another Heaven,” “Years Go, Days Pass,” or “Wicked.” Furthermore, “Come Rain, Come Sunshine” is perhaps this year’s most perfectly perfect pop song; beats that enrapture and get your feet moving are enhanced by Angergård’s sad crooning. Still, in spite of the clouds, The Sea of Memories, there’s plenty to enjoy; after all, a cloudy day can still be a beautiful day.

(bigtakeover.com)

The Sea of Memories is largely characterized by bright, subtle synthetics and the duo’s soothing vocals--better fit for soundtracking summer roadtrips than inspiring navel-gazing. It’s easy to see where atmospherics influenced Pallers’ songwriting, but their work--although pleasant--is far from genre-defining.

That’s probably why some of the most successful songs on The Sea of Memories are those that maintain a pop feel. “Come Rain, Come Sunshine” (the album’s first single), “Humdrum” and “The Kiss” are full of buoyant synth leads and dancey beats, the latter featuring some truly catchy oriental chord progressions. Pallers demonstrate equal finesse with their down-tempo tracks. “Wired” flows along serenely, backed by robo-angelic harmonies, while “Nights” closes the album with somber elegance, wistful vocals and dreamy piano keys.

The Sea of Memories is completed by a couple of redundant instrumental tracks (“Tropical Fishbowl”, “Sound of Silence”) and a club-worthy misfire. “Wicked,” the only song on the album to guest-feature female vocals, is a little too house-synthy for its own good. It breaks the spell of an otherwise enjoyable first outing.

Genre-bending isn’t necessarily a bad thing, but Pallers could probably benefit from playing extremes. With atmospherics lacking organic undertones and thin, slow electropop lacking real exuberance, it might be helpful for the duo to push their aesthetic limits. The Sea of Memories isn’t without its gems; they just need a little extra polish.

(inyourspeakers.com)

Album opener and previous single “You Tend to Forget” shares a consistency seen throughout much of The Embassy’s small discography. Breathy female moans and a favoritism of African sounds are unlikely elements of a catchy pop song, but complement each other graciously, setting a unique tone to the album.

Following tracks key in on sensibilities that most fans of Jens Lekman or Studio will find familiar. Bouncy bass lines and crystalline synths are mixed with a lo-fi production that adds character rather than acting as a cliché.

Life in the Trenches achieves what other compilations can only attempt to do. It’s cohesive enough to stand alone, while simultaneously fitting in with The Embassy’s previous work like a piece to a pop-puzzle. By providing outstanding gems of overlooked tracks, Life in the Trenches serves as a solid connection point between full-lengths albums and the Swedish pop scene.

(thespartanchronicle.com)

'As Young As Yesterday' begins the proceedings with the bubbling sounds of water, flute, and synths entering before those distinctive vocals, gauzy and dreamlike set the tone for the following hour or so. The layerings of arrangements from the outset are complex and well constructed, not an easy thing to pull off despite the ease of which it comes across. The Balearic sounds continue into 'Sa Sa Samoa', its soft beats, layering of synths and choir-like backing gorgeous, with Julianna Barwick on vocals makeing this track a standout on the album.

'The Truest Faith' another highlight, is a track fans of the band and this website will know well, a fresh listen and in context of the LP giving it new legs. The in-and-out-of-focus vocals at their best here. 'Keep Your Eyes Shut' is sweet and affecting, beginning with a spoken overdub and lyrics repeating mantra-like, 'a dream within a dream'. The track builds up nicely and is another example of the way Korallreven create deceptively simple soundscapes out of careful craftsmanship. 'Loved Up' drives forward, devoid of vocals up front, leaving them be, washed away back in the mix, out to sea, in that way the Swedish do so well. 'Comin' Closer' has a twinge of 80s electro to it, stabbing synths hitting the mark every time.

'Honey Mine' introduces the beautiful vocals of Victoria Bergsman in a track that stands out as more energetic and upbeat than others on offer here. 'A Surf On Endorphins' is the shortest cut on the album, complete with howling wolves and chock full of atmospherics. 'Comin' Down' completes the trip in style, nine minutes long and a beautiful way to finish and return to reality. It makes sense that Korallreven is both Swedish for 'coral reef' and similar sounding to the Samoan word for spirituality. The care and love put into the production of this LP is clear to see, and will no doubt be the soundtrack to many dream holidays, taken in reality, or out of it. Where's my mojito?

(indie30.com)

Murray haucht mehr, als dass sie singt – mit hoher, erotischer Stimme. Die Musik darunter oszilliert zwischen psychedelischem Georgel und tranciger Electronica sowie Doors-Gitarren und Folk-Gezupfe. Dazu kann man sich wunderschön wegträumen, ohne sich gleich einer Weltflucht schämen zu müssen.

(intro.de)

Und somit ist ‘Creatures of an Hour’ vor allem eins: düster bzw. atmosphärisch, jedoch nicht erdrückend oder schwer, sondern vielmehr auf seine Art leichtfüßig…oder um es mit dem Begriff auszudrücken, den die Band selbst geprägt hat: Pop Noir. Dieser funktioniert dann auch am besten direkt im Opener ‘Cuckoo‘, einem schleichendem Ohrwurm, mit hallender Orgel, einem einfachen Drum-Beat und dem wundervoll schwebendem und dahin gehauchten Gesang von Tessa Murray. ‘Circulus‘ funktioniert dann mit ähnlichen Zutaten, nur etwas treibender. Dabei sorgt das Orgel-Gedudel für den richtigen Tick ‘Scary Movie’, hat es doch diese unheilstiftende Schiefe, die einen sonst häufiger im Kinosessel unruhig umher rutschen lässt. ‘I Wrote in Blood‘ lässt dann die Western-Einflüsse Revue passieren – eine einfache Gitarren-Grundmelodie, darüber ein paar wabernde Akkorde. Erst mit dem Einsatz der Orgel, verschwindet der Wüstensand und man ist wieder zurück im Still Corners-Universum.

(bedroomdisco.de)

If 'Waiting There' and 'When You Come' set out Northern Sky's stall - slow carefully orchestrated build ups erupting into crushing maelstroms of white noise - then 'As Bright As The Sky' reveals a more subtle side to 93MillionMilesFromTheSun's make-up. Noble and Hogg's deft harmonies hark back to the days of Andy Bell and Mark Gardener, adding an ethereal touch to the drone-laden crescendo which guides them. Similarly, the pulsating loops that echo throughout 'Before You Leave' offer an insight into what Can and their ilk may have sounded like if conceived 40 years on.

Although comparisons to the likes of Spacemen 3 (circa Sound Of Confusion) or the Bravery, Repetition & Noise-era Brian Jonestown Massacre are inevitable, 93MillionMilesFromTheSun aren't averse to bending the rules slightly. Take the instrumental mid-point 'Tall Buildings In Large Cities'. Here Noble and Hogg employ a simple chord progression that builds then peaks into a kaleidoscopic wall of noise like Explosions In The Sky's 'Six Days At The Bottom Of The Ocean'. It's a brief diversion but one that settles the nerves for the heavily distorted couplet of 'All You've Found You've Left Behind' and 'Time Lasts Forever'. Both rise, soar and explode in equal measures, the latter erupting furiously before the soothing 'Echoes' offers another brief respite.

By the time 'Sonic Assault' brings Northern Sky to a close, its title self-explanatory as surging guitars collide with watery synths, 93MillionMilesFromTheSun's mission is accomplished in devastating fashion. Inspired by such nondescript surroundings, Northern Sky is a colossal statement that might not make Doncaster the epicentre of fashion just yet, but is certain to open a few eyes and ears to a part of the world generally dismissed by all but its inhabitants.

(drownedinsound.com)