Für alle, die erwarten, dass sie es den Leuten nun ein wenig einfacher machen würde, hat Beth einen Magenschlag parat: Der erste Track „Broken Rib“ ist Industrial-Metal wie aus den Neunzigern: manisches Flüstern, tonnenschwere Riffs, panikerzeugende Geräusche. Ein Song, so komfortabel wie eine Wanderung in kurzen Hosen durchs Distelfeld.

Und das ist erst der Anfang. Sie sei nicht gut für die Leute, stellt Jehnny Beth in einen Songintro fest, und belegt das mit „Obsession“, das TripHop im Tricky-Style mit Metal-Gitarren vermengt und kurz in einem Industrial-Inferno im Stil von Ministry aufflammt. In diesem Song taucht auch der Albumtitel auf: Jehnny Beth singt YOU HEARTBREAKER, YOU als kalter Rachengel. Wärme? Fehlanzeige. Stattdessen der Beinahe-Hardcore von „Stop Me Now“ oder „High Resolution Sadness“ – und am Ende ein Stück, das die Haltung des Albums perfekt zusammenfasst: „I See Your Pain“. Ein Album wie eine Zumutung.

(musikexpress)

Es ist nicht zuletzt die klare, transparente und am Livekonzert-Gefühl orientierte Produktion, die hier eine gewichtige Rolle spielt. Man merkt es einfach, wenn Musiker gemeinsam spielen, interagieren, aufeinander hören – und nicht nacheinander zu unterschiedlichen Zeiten oder an unterschiedlichen Orten ihre Tracks einspielen, auf dass sie später irgendwann im Studio mal schnell zusammengebastelt werden. Das hier ist Musik mit Herz und Hand, mit Anstand und Attitüde – schlicht und einfach eine unglaublich saubere Arbeit, die noch lange nach dem Hören nachhallt. Das freut uns nicht nur aus ganz egoistischen Motiven (denn dieses Album ist ein Dauerbrenner), sondern auch für Odell: Mit diesen Songs im Gepäck wird sich die folgende Mammut-Tournee im Handstreich bestreiten lassen.

(Plattentests)

The signature Slow Crush formula remains intact as they whip up a warmly-textured wall of sound, its shelter blissful yet melancholy. However, rather than coasting on their established identity, Thirst proves a repository for new ideas that swerve the generic. Covet opens with glitching acoustic guitar, blossoms into unusually catchy dreampop and then throws a saxophone into its conclusion, while Hollow’s floaty ambience gradually darkens, cutting out just as harsh vocals can be detected buried deep in the mix. (…)

The enveloping accessibility of Cherry and the title track seem designed to welcome more people into Slow Crush’s world, strengthening what the band have described as “the fragility of human connection.” Anyone seeking exquisite, emotional shoegaze will find their desires quenched by Thirst.

(Kerrang)

Weil sich das Südlondoner Quintett nicht nur mit intellektuell aufgeladener Prolligkeit an den Krisen der Zeit abarbeitet, sondern die beste und vielschichtigste Musik seit dem Debüt, „Songs Of Praise“ (2018), macht. Post-Punk-Brecher wie „Cowards Around“ muten da beinahe schon konventionell an.

Das Oasis-artige „Quiet Life“, das College-Rock, Primal Scream und Suede absorbierende „Spartak“ und das an Pavement vorbei in den Abgrund trudelnde „Packshot“ sind next level.

(Rolling Stone)

Shame wissen um die Bedeutung von Traditionen. So sind „Quiet Life“ und „Spartak“, die beiden besten Songs auf ihrem vierten Album, kernig ausgearbeitete Grußkarten an die verschiedensten Spielarten im weitesten Sinne agitatorischer Musik – von Bobby Fuller über Billy Bragg bis hin zur rüpeligeren Seite des Britpop. Shame wissen aber auch um die Bedeutung von Traditionsbruch.

Deswegen verfolgen sie mit CUTTHROAT konsequent den bereits zuvor eingeschlagenen Weg der Erweiterung und öffnen sich komplexeren Klangtexturen – an einigen Stellen, etwa im irgendwo zwischen Lo-Fi und Depeche Mode oszilierenden Schlusstrack „Axis Of Evil“, schimmern sogar elektronische Strukturen durch.

(musikexpress)

The key to Flyte’s music is just how evocative it is, setting the scene perfectly and drawing you into their world. Few British acts seem to be taking the time to fully immerse their audience in the music, perhaps encumbered instead by the thought of viral TikTok moments and impatient radio pluggers. Thanks to its unhurried nature, though, this is an album that thrives on instinct – Taylor and Hill feeling their way through the songs together. How wonderful.

(The Independent)

Saint Etienne kreieren seit Anbeginn einen ganz eigenen Cocktail, der Bestandteile von Indie- und French-Pop, Sixties-Girl-Group und Soundtrack oder Downbeat und Dub zu einem süchtigmachenden Getränk zusammenmixt. Wer an der Bar der Musik einen 'Saint-Etienne' bestellt, bekommt immer ein edles wie exquisites Getränk, das den Alltag schimmern lässt.

Es passt also, dass "International" mit einem Opener namens "Glad" beginnt, ein Track, der davon handelt, sich an alltäglichen Dingen wie Natur zu erfreuen, auch wenn einen das Leben gerade herunterzieht. Und so sind auch die nachfolgenden Songs von einer tröstenden wie versöhnlichen Atmosphäre geprägt, durchbrochen von feiernden Sounds, die dazu gemacht sind, den Alltag glamouröser anzustreichen.

Dazu gehört "Dancing Heart", ein pulsierender glitzernder Disco-Track, der ein wenig an Kylie Minogue erinnert, oder auch "Save It For A Rainy Day", Synthpop in Perfektion in allerschönster Pet Shop Boys Manier. Dazu kommen Trade-Mark-Lieder wie beispielsweise "Sweet Melodies", das geheimnisvoll startet und in ein süßes Bonbon von Song mündet, den keine andere Band so zuckrig schreiben kann ohne in Kitsch zu verfallen: Sixties-Seligkeit und Sophisti-Pop schmelzen hier wunderbar ineinander.

Der letzte Song des Albums heißt passenderweise "The Last Time", eine herzliche wie herzergreifende Hymne mit zartschmelzender Melancholie und zärtlicher Wärme. Damit verabschiedet sich hier eine Indie-Pop-Legende auf eine erhabene und elegante Weise: Saint Etienne, wir trinken und tanzen mit Cocktails in der Hand und Coolness im Style auf euch!

(laut)

Antidepressants plugs into similar post-punk energies – Killing Joke, The Chameleons, The Cure – but as the PiL-like title track’s untethered jolt and jeer shows, Suede’s emotional safety catches and musical circuit breakers are very much off. Through a background chatter of mechanised voices, Brett Anderson cuts through sharper and stranger than ever, rallying damaged troops on Broken Music For Broken People, seeking connection on the euphoric fugue of Dancing With The Europeans, facing down the void on Life Is Endless, Life Is A Moment.

“You will never be blithe and careless,” he states on Disintegrate’s skull-shaped call-to-arms, but this defiant, death-defying record – as much joyride as memento mori – is the glorious reward.

(Mojo)

In the case of Adult Romantix, this simultaneously highlights frontwoman Samira Winter’s Brazilian background and brings listeners into the band’s world. Winter uses language as a tool to intimately connect with their listeners without ever having met them. Not only that, but like most other things hidden underneath Adult Romantix’s surface, the language barrier pushes listeners to further engage with the music, fighting against passive listening.

It doesn’t take much to tell that this isn’t the band’s first album. As their fifth release in ten years, Adult Romantix progresses with the suave confidence that can only be earned, not imitated. Winter moves from childlike yearning to fully bloomed adoration and ends with heartbroken acceptance, taking the listener on a skillfully crafted journey well worth the 45-minute playtime.

(mxdwn)

Automatic feels like Jim Bob at his story-telling best, ‘Balloon Release For Arthur’ is exactly the tale of what you think it would be, but despite the usually troubling subject matters, there’s a lightness of touch, almost lounge-like at times, the reflective rock vibe of his band allowing the space for the songs to really breathe. (…)

He’s not lost his immaculate turn of phrase either, “Wars don’t end baby, like boybands they just go on hiatus.”, and on the glorious, almost 6-minute centrepiece Frank Bought A Drone, “If your children are lost, Frank probably knows where they are/Throwing stones at a mosque, setting fire to a car.” The sparse ‘Buckaroo‘ is full of fear but that end-of-the-world fug is superseded by the closer, which features duetting vocals from guitarist Jen Macro, the lovely ‘Our Forever Home’.

(God Is In The TV)

Stick is equally as bleak in subject matter, but easier to shake your head to whilst dreading the future. (…)

The second of the albums, with its tempo increase, is probably the one that people will compare alongside his earliest Carter USM work, and there’s hints of where songs would fit into the back catalogue, the juddering, guitar-based love-story of ‘Lovers Rock’ is as close to a 30-Something track but only in a way that it serves to remind that no-one writes them like this anymore.

The fierceness reaches a peak on the magnificently grungy, feedback-laden chorus on ‘Walk The Dog Start A War’ and ‘The Last Night Of The Tour’, before another catchy closer, in the form of the mellower ‘There’s Not Enough Space In The Hall’.

(God Is In The TV)

Zusammen mit ihrem Partner, dem Produzenten Oli Deakin, entstand dieses Werk in einer Zeit persönlicher Turbulenzen – und zwar anstelle einer angedachten Auszeit zur Re-Evaluierung, die aufgrund einiger Schicksalsschläge und persönlicher Verluste indes nicht zustande kam. Das verleiht den Songs dann jene Dringlichkeit, die CMAT insbesondere auch auf der Bühne mit Verve und Inbrunst auslebt. Tatsächlich gelingt es CMAT und Deakin aber bei dieser Produktion, diese Art von systemimmanenter Energie auch im Studio einzufangen. Das auch deshalb, weil sich CMAT songwriterisch keinem musikalischen Sophismus hingibt, sondern konsequent und ohne Umschweife die Extreme umarmt. Das reicht dann vom wirklich hemmungslosen, persönlich gefärbten Glam- bzw. Chamber-Pop-Songs wie z.B. dem Titeltrack, „Take A Sexy Picture Of Me“ oder „Running / Planning“ über die bereits erwähnten „Euro-Country“-Tracks bis hin zu fast schon abstrakten Konzept-Stücken mit eigenartigen Referenzen wie „Billy Byrne From Ballybrack, The Leader Of The Pigeon Convoy“, „The Jamie Oliver Petrol Station“ oder dem abschließenden „Janis Joplining“.

(Gästeliste)

There is no mistaking that ‘Hickey’ is Royel Otis at their most self-assured. Their time playing live over the past two years has allowed them to find the recipe for building back-to-back summer anthems, guaranteed to bring a feel-good vibe to any occasion. And while there is an admirable quality to focusing solely on their biggest strengths and bringing their laid-back Aussie charm to the forefront, we can’t help but question if slightly more hunger to push the boundaries would add a greater sense of depth to an otherwise satisfying album.

(NME)

So, the challenge I guess for record number five, was whether they could keep their intensity, are they still crazy after all these years?

Well, any doubts about that are declared null and void within seconds of the opener ‘The Fall Of Cashline’, which roars into life as Derrick rails against the world, and there’s a glowing familiarity about it, the passing of time has not seen them mellow, if anything there’s an extra steeliness about them, the shuddering riff building to a crescendo which heralds their return perfectly. There was nothing to worry about. (…)

God, it’s so good to have this unique entity back. No-one does it quite like Prolapse do it.

(God Is In the TV)