Jeder Song kommt einer Liebeserklärung an rot lackierte Fingernägel und plüschige Schlafanzüge gleich. „In Our Space Hero Suits“ ist eine 40-minütige Reise durch Bonbon-Land. Mit gelegentlicher Gefahr der Überzuckerung für ungeübte Schleckermäuler.
(motor.de)

Nachdem David Byrne und Brian Eno für die Aufnahmen des Talking Heads-Album "Fear of Music" 1979 zusammengearbeitet hatten, taten sie sich auch für "My Life in the Bush of Ghosts" zusammen. Das Ergebnis erschien 1981 und wurde von vielen Kritikern freudig aufgenommen. Aus heutiger Sicht stellt dieses Album einen Glanzpunkt in den Diskographien beider Musiker dar.

Im Ruhestand sind beide Künstler aber noch lange nicht: David Byrnes markante Stimme taucht immer wieder in diversen Produktionen auf, Brian Eno hatte er kürzlich bei Coldplays "Viva la vida" seine Finger im Spiel.

Trotzdem begab es sich, dass Brian Eno anscheinend ein paar Instrumental-Tracks auf Halde liegen hatte und David Byrne sich diese über den Zeitraum von einem Jahr vornahm, um Texte und Gesang beizusteuern. Das Ergebnis klang laut Byrne nach "Gospel-Folk-Electronic" und diese "Saat" ging im Album "Everything that happens will happen today" auf.

Dazu meint der Rolling Stone:

With their new album, Everything That Happens Will Happen Today, the pair rejoin the rock conversation as if they'd never left. The last record Byrne and Eno made together was the groundbreaking 1981 dance-rock tape collage project, My Life in the Bush of Ghosts, but the duo go back further — Everything recalls the three Talking Heads records that Eno produced, played on and/or wrote: 1978's More Songs About Buildings and Food, 1979's Fear of Music and 1980's Remain in Light. For those records, Eno was essentially a band member, bringing a darker, more layered and atmospheric sound to the group.

Everything sounds more like a Heads record than anything Byrne's done since the band split in 1991.

[...] Ultimately, Everything That Happens Will Happen Today is about how music heals even if it can't cure. On "The River," amid clapboard-church vocal harmonies, Byrne declares, "A change is gonna come/Like Sam Cooke sang in '63." Maybe it will. But what seems important here is the collective hope for it, channeled in song by a couple of old visionaries whose music should continue to inspire young bands and the rest of us.

Offiziell veröffentlicht wird das Album Ende November. Schon jetzt kann man es aber auf dieser Seite in digitaler Form (320 kbps mp3s  und auf Wunsch zusätzlich als FLAC-Files) erwerben oder die physischen Ausgaben (CD oder Deluxe Edition) vorbestellen und ebenfalls direkt die Files herunterladen. Den Song "Strange overtones" gibt es auf der o. a. Seite auch als kostenlosen Download, das komplette Album als Stream. 

Hier noch ein paar Bilder der aktuellen Tour. 

So believe it: this is the real thing, no-one’s crying wolf, not even Alan McGee. There’s not enough hype in the world for Glasvegas. They are an important, amazing, real band that won’t let you down. Not because they play real instruments and sing real songs about real people (they’d be just as genuine if they wrote noise collages about interstellar seahorses on MacBooks); they’re real because they put their entire hearts and souls and brains into it. And that is rock’n’roll.
(NME)

Für das Leben braucht man keinen Führerschein - auch wenn es vielleicht ganz gut wäre, die Bedeutung mancher Schilder zu kennen und einen Fahrlehrer mit zweiter Bremse neben sich zu haben, der Unfälle verhindert. Aber jeder fährt auf seinen eigenen Straßen, durch sein eigenes Dasein, bei Sonnenschein oder bei Nebel. Die einen haben mehr PS unter der Haube, die anderen weniger. Man kommt anderen gefährlich nah oder ist ganz allein. Mal hat man das Lenkrad fest umschlossen, mal zittern die Hände. Vielleicht hat man grüne Welle, vielleicht sind plötzlich alle Ampeln auf Rot. Und doch geht es immer weiter. Meter für Meter ändern sich die Aussichten, vor allem, wenn man immer wieder leicht den Rückspiegel dreht. The Gaslight Anthem haben viele, viele Meilen hinter sich und keine einzige davon vergessen.
Brian Fallon singt von Frauen und den mehr oder minder innigen Beziehungen zu ihnen, von Sally, Jane, Gayle, Maria, Janey, Sandy, Matilda, Virginia, July, Nana, Mutter und Großmutter. Oder er erinnert sich an Städte, an Plätze, die ihm auch wie Frauen erscheinen, weil er sich auch zu ihnen hingezogen fühlt, ein kleines bisschen von sich darin verloren und gewonnen hat. Jersey, Kalifornien, Hollywood, Santa Anna. Derartige Augenblicke hat der Hörer zwar noch nicht mit Sandy, Virginia oder Janey in Kalifornien oder New Jersey erlebt. Aber doch zumindest mit Julia, Steffi oder Tante Erna in Berlin oder Castrop-Rauxel. So steht Fallon etwa im Regen, fühlt sich seltsamer denn je und überlegt, sich selbst einen Krankenwagen zu rufen. Er sucht auf dem Rücksitz eines ausgebrannten Autos nach Trost und nach Platz für seine Knie.
Oder er will die Nacht zu Architektur durchtanzen. Hauptsache irgendwas. Wir sind jung und brauchen die Welt. "Young boys, young girls / Ain't supposed to die on a Saturday night."
"The '59 sound" ist das zweite Album der fantastischen Vier aus New Brunswick, New Jersey. Trotz des beachtlichen Debüts "Sink or swim" wurden The Gaslight Anthem bislang kaum wahrgenommen, haben noch nicht geschafft, was ihnen jetzt gelingen könnte: für viele das Wesentliche in die Musikwelt zurückzuzaubern, die übergegenwärtige Coolness wegzuwischen, stattdessen wieder Sekunden in drei Minuten Musik zu verewigen, die Jahre halten.
The Gaslight Anthem schaffen es, dass plötzlich keiner mehr die aufgelösten Hot Water Music vermisst, die jahrelang als Nonplusultra einer Szene galten. "The '59 sound" hat ähnlichen Punkrock getankt, aber auch Folk und die großen Geschichtenerzähler wie Bruce Springsteen fließen mit, verleihen The Gaslight Anthem Kraft und Ausdauer. Sie fahren nicht nur mit drei, vier Akkorden, sondern stoppen immer wieder, schnappen nach Luft, greifen nach der nächsten Gedankenblase, sehen nach vorn und nach hinten. So mancher Song fängt klein an, wie etwa "Meet me by the river's edge", wächst bis zum Refrain hin behutsam und wird, oft nach dem zweiten Refrain, überlebensgroß, wenn das Navi im Kopf zur Standortbestimmung ansetzt. "And I'm not sure if we belong here / If I ever really left / Or If I can go home."
Sie kommt immer wieder, die Auto-Metapher, wie im herausragenden "Old white Lincoln". Fallon schmeißt den Wagen an, scheint der Zündkerze ein Dankeschön zuzurufen und braust durch die Straßen. An der Parkuhr zündet er eine Zigarette an, fünf Minuten Stillstand, dann geht das Leben weiter. Stop and go. "I always dreamed of classic cars and movie screens / Trying to find some way to be redeemed." Der Blick durch die Frontscheibe und in den Rückspiegel, seine eigene Auto-Biographie, scheint ihn wahnsinnig zu machen. Doch aus dem Leben auszusteigen, ist nun mal nicht möglich, höchstens die Illusion einer kurzen Pause. Und wer abbiegt, gerät auf
eine neue Straße, mit einem neuen Horizont vor der Brust und neuen Aussichten im Rücken. "So I'm just burning all around / All the miles on the road." Es bleibt nichts anderes. Halt Dich am Lenkrad fest! Drive yourself crazy! 9/10

Schon vor der Jahrtausendwende gegründet veröffentlichte 31 Knots seit 2002 jährlich Alben, die von mir mit Nichtachtung gestraft wurden. "Worried Well" hat durch positive Kritiken mein Interesse geweckt.

Recht vielseitig geraten, fällt es schwer, die Musik der Band einem Genre zuzuordnen. "Math-Rock" findet man in diesem Zusammenhang recht häufig, greifbarer hören sich solche Formulierungen an:

Dass in diesem Zeitraum auf einer Platte von 31Knots mehr passiert als in jeder aktuellen Indieclub-TopTen, ist Ehrensache. Also lassen Haege, Tieftöner Jay Winebrenner und Taktverbieger Jay Pellici auch im weiteren Verlauf von "Worried well" Piratengesänge, Techno-Fragmente, Pseudo-R'n'B , Postcore-Breaks, New-Wave-Gesten, No-Wave-Lärm und Popschmiere durcheinander purzeln. Denn passend zu seinem mit Hypochondrie-Bezug daherkommenden Titel diagnostiziert sich das Album seine Hyperaktivität selbst. Wenn das dramatische Geklimper in "Something up there this way comes" seinen Groove gefunden hat, wechselt es noch ein paar Mal die Haut. Das Beinahe-Titelstück "Worried but not well" schreddert alle verfügbaren Saiten mit hubschraubernder Unruhe und wechselt doch in sehnsüchtige Harmonie, die nicht mal ein wenig Bluesrock-Drama verabscheut.

www.plattentests.de

Together, the three of them sound like a fairly recognizable indie pop band one moment, before becoming speeding, screaming, feedback-driven noiseniks, lurching back to become the house band for a midnight cabaret show in Berlin, then metamorphosing again into some infernal, clanking machine of the gods (often all within the space of a single song).

www.kqed.org

Und da Dirk gerne die Ehre ehemals einflussreicher Britpop-Bands verteidigt, zitiere ich noch etwas aus der o. a. Quelle:

And near-title track "Worried but not Well" has moments of Beatlesque guitar, but in a chopped up way that is more closely related to the left field genius of Danger Mouse's Grey Album than any boring, Oasis-style homage.

Als kostenlosen Download gibt es die Songs "Compass commands", "The breaks" und "Man become me" des aktuellen Albums. Ferner finden sich auch ältere Titel wie "Endless daYS", "No sound" und WEITERE im Netz. Myspace hat einige Streams zu bieten.

In den nächsten Wochen ist die Band (z. T. mit Someone Still Loves You Boris Yeltsin) auf Bühnen im deutschsprachigen Raum unterwegs.

Sometimes love is like a bomb exploding: sudden and dramatic, it leaves you reeling. But sometimes it creeps up as stealthily as spring, slowly warming your bones. These are the loves that tend to last, and Me And Armini is one of them.
(bbc.co.uk)

Ultimately, however, Me and Armini is basically just an above-average batch of pop music that, while generally not on par with her last album, does occasionally match it’s high standards in warmth and candor. Still, while it’s true that the stylistic divergences on this record represent some of the more exciting material she’s recorded, it’s not quite enough to make this essential listening.
(popmatters.com)

Royal Treatment Plant's biggest strength is their biggest weakness. Their music is a perfect balm to those bored of the current crop of carbon-copy indie boys. Unfortunately, it is difficult to see much space in the charts for such chaotic and evocative madness.
(clickmusic.com)

"Wry, sincere hometown poetry" NME

"Music to soundtrack endless summer days, lazy and sweet, beaches and fields drenched in light" PLAN B



"God only knows why, but the Swedes are super proficient at doing pop music. Think The Concretes with strings and a folky/indie edge. Grand songs, delivered well. Belle and Sebastian and Neutral Milk Hotel in bed with Agnetha Fältskog?" STOOL PIGEON

Despite the evolution of their sound, Tilly and the Wall haven't forgotten about what made them appealing in the first place: bright co-ed harmonies, rousing choruses, and their overall open-hearted good nature.
(Pitchfork Media)

Tilly and the Wall stick with their signature combination of half-shouted words and harmony vocals. But the group also breaks new ground with punk rock riffs and percussion that well surpasses the standard of tambourines and Jamie Pressnall's tap dancing.
(Billboard)

Der Gesamteindruck ist dennoch getragen und stimmungsgedämpft, kommt aber im direkten Vergleich mit „Cody“ deutlich reifer und durchdachter daher. „The Hawk Is Howling“ schafft es, eine überzeugende Homogenität wiederherzustellen, aber den Fehler der Eintönigkeit nicht zu wiederholen. Die wenigen wuchtigeren Stücke fügen sich nahtlos ins Gesamtbild ein, statt, wie gehabt, nur als immer gleich gesetzte Kontrastpunkte zu fungieren. (...) Das Album ist ein offensichtlicher Rückgriff auf die Vergangenheit der Band geworden, der sich aber nicht mit Wiederholung begnügt, sondern frische, unverbrauchte Stärken aus zuvor weitestgehend als gescheitert geltenden Ansätzen entwickelt.
(Spex)

Fasciinatiion clicks enough of the time to make it a step forward from "Wet From Birth," and despite its unevenness, at times it can be fasciinatiing.
(All Music Guide)

The latest from these Nebraska dance rockers doesn't instantly charm like the '80s flashbacks found on 2001's breakthrough, "Danse Macabre." But its fixation on the present pays off with repeated plays as clashing guitar and keyboard hooks hammer home the Faint's central theme--the chaos of a world in conflict.
(Spin)

Miezes Gesangsstil hat sich dabei über die Jahre mit diesem Cabaret-Timbre ein derartiges Alleinstellungsmerkmal herausgearbeitet, dass viele andere jung-weiblich-deutsch Stimmen in die Röhre singen, pardon, gucken. Das Niveau der Band war von Anfang an hoch, Stil und Variabilität konnten sie immer mehr ausbauen, richtig viele Hits fielen ab für die Time-Life-Sampler dieses Jahrzehnts - das nicht anzuerkennen grenzt an Irrsinn.

Pop-Pomp? Keine Spur. Gute Refrains? Vielleicht ein halber. Weder Beat noch Drive und auch kein Camp, nicht mal nach Rosenstolz-Maßstäben. Weder gibt es krude Thesen noch gute Songs zu bestaunen.

„Zu oft aber vergreift sich die Band diesmal im Arrangement. Mit Streichern und Elektronik aufgeblasene Songs wie Du und ich oder Weine nicht schielen zu deutlich auf jene Fans, die Juli oder Silbermond zu Erstligisten machten.“

Damit der September nicht so mau wird wie der August, greife ich auch gerne auf einen Import zurück, der kürzlich in den USA erschien und der auch bald uns Europäer beglücken wird.

Im Jahr 2006 im Staat New York gegründet, musste die Band Ra Ra Riot letztes Jahr den Verlust ihres Drummers verkraften. Laut Rolling Stone wirkte sich das auch auf die Stimmung des Albums "The Rhumb Line" aus:

Last summer, not long after Ra Ra Riot released a promising EP, their drummer, John Ryan Pike, drowned in the ocean after a show in Massachusetts. His death weighs heavily on their excellent full-length debut, much of which he co-wrote. Taking its name from a bar close to Pike's home in Gloucester, Massachusetts, The Rhumb Line abounds with death and water imagery, vividly evoking loss in a seaside town. But if the music is funereal, it's also triumphant: Ra Ra Riot combine Arcade Fire's orchestral reveries with Vampire Weekend's pop sensibility for an album that's both effervescent and heartbreaking.

Übermannen ließen sich die Bandmitglieder nicht von der Trauer, daher und wegen weiterer musikalischer Ähnlichkeiten empfinde ich diesen Morrissey-Vergleich aus dem PREFIXMAG als treffend:

But it’s death viewed from the Morrisey school -- as an affirmation of life (see “Cemetry Gates” from The Queen Is Dead).

Dezent aber trotzdem fast immer präsent erklingen Cello- und Violinenklänge in den Songs der Band. Vielleicht symbolisieren sie Trauer, traurig hört sich die Platte aber nicht an. Vielleicht machen sie die Sache aber auch einfach ein Stück interessanter. Gefällig klingt die Musik auf jeden Fall. Vergleiche zu Arcade Fire, Vampire Weekend und Morrissey wurden oben bereits zitiert.

Ra Ra Riot gilt als eine starke Live-Band. Ich konnte mich noch nicht persönlich davon überzeugen, aber Support-Slots für die Editors und Tokyo Police Club sind durchaus brauchbare Referenzen.

Die Songs "Dying is fine" und "Each year" gibt es jeweils als Downloads. Interessant ist auch die Coverversion des Kate Bush-Songs "Suspended in Gaffa".

Das sehenswerte Video zu "Dying is fine"

Und das Video zu "Ghost under rocks"