Embrace füllen in Großbritannien die großen Hallen und Album um Album landet in den Top Ten. Dies gelang ihnen in den letzten 25 Jahren - bei drei Nummer Eins-Platten - bereits sieben Mal und es dürfte kein Zweifel daran bestehen,  dass „How To Be A Person Like Other People“ mit dieser Tradition brechen könnte - obwohl es über das eigene Label Mo’betta via Townsend Music veröffentlicht wird.

„How To Be A Person Like Other People“ bietet 10 Songs, die in den Magnetic North Studios in Halifax aufgenommen und von Gitarrist Richard McNamara produziert wurde. Sucht man das Ungewöhnliche auf diesem Album, dann wird man vor allem bei den Texten fündig. Denn Sänger Danny  McNamara gewährt eben so offene wie intime Einblicke, indem er seinen Weg zu emotionaler Reife beschreibt, nachdem er seine Frau kennengelernt und eine Familie gegründet hat.

Mit „Death Is Not The End“ und „We Are It“ startet das Album unerwartet rockig, „Run Away With Me“ wird im weiteren Verlauf noch eine Schippe drauf legen. Auch beim Bombast. Freunde der Embrace-Balladen werden bei „Remember Me“ und „I Miss You“ fündig, bei Konzerten darf beim Titelsongs endlos mitgelalalat werden. 

„How To Be A Person Like Other People“ ist als CD, Kassette und LP (black Vinyl oder splatter Vinyl) erhältlich.

 

The title of the opening track, Death Is Not The End, is both poignant and optimistic, a theme that runs throughout the album as a whole. With the lyrical content their most intimate to date, the group have somehow weaved this intimacy into Arena-filling anthems that are so joyous and uplifting. The phenomenal album highlight We Are It is destined to be their biggest radio hit in a very long time.

However, there is something to be said for how Embrace deliver a killer ballad. With a career that has seen them soar to the upper echelons of the charts with some of the most tender indie pop ballads ever, How To Be A Person Like Other People delivers their most glorious yet - the simply sensational Rubble. Of almost equal note is The Terms Of My Surrender.

How To Be A Person Like Other People is a bold, striking, compelling and emotional listen that showcases the best of the Bailiff Bridge band.

(Yorkshire Times)

Britpop England Indie Indierock PVG UK

August 31, 2022

Indierock Eupora würde doch eigentlich viel besser passen, oder? Denn im 2000-Seelen-Örtchen Eupora in Mississippi gibt es meines Wissens nach keinen Berg dieses Namens und Musikfans bekämen im Plattenladen eine etwas bessere Vorstellung von der Musik, wenn sie beim Durchblättern der Schallplatten auf „Pick At The Scab“ stoßen. Eingängiger Powerpop im Stile von Weezer trifft beatlesque Harmoniesucht Eupora wäre als Bandname auch etwas zu lang gewesen.

Der Produzent, Tontechniker, Singer/Songwriter und Multi-Instrumentalist Clayton Waller wurde nicht in Euproa geboren, sondern im rund 100 Meilen entfernten Jackson. Seit einigen Jahren lebt und arbeitet er in Nashville, so das sich Dank der Pedal Steel Guitar auf „Nothing Ever Happanes“ und „I Will Never Be Happy“ auch einige entspannte, zwischen Folk und Country angesiedelte Klänge, eingeschlichen haben. Zum Ausgleich wartet fast direkt dahinter das mit Cello und Geige verzierte Highlight „Can You Feel The Weight?“.

„Pick At The Scab“ entstand, wie die drei Vorgängeralben von Rock Eupora auch, größtenteils in Eigenregie von Clayton Waller und ist als CD und LP (red Vinyl) erhältlich.

"Always effervescent, superbly sour-sweet and whistle-worthy...Waller becomes his most authentic self....it’s a big achievement." 

(Nashville Scene)

"Emotive lyricism, lush arrangements, and soulful confessions...[Pick At The Scab] captures Waller’s trademark euphoric melodies and joyous energy. Yet, it also feels like an evolution of his sound." 

(Under The Radar)

"The Mississippi-raised, Nashville-based artist makes a unique blend of gritty, self-produced rock and shimmering pop." 

(The FADER)

Folkrock Indie Indierock Powerpop PVG Singer/Songwriter USA

August 30, 2022

Aus Sheffield stammt die Band Sheafs, die sich dem düster-monotonem Post-Punk verschrieben hat. Das Quintett besteht aus Lawrence Feenstra (Gesang), Chris Goodacre (Gitarre), Charles Mellor (Gitarre), Charlie Eastap (Schlagzeug) und Callum Wright (Bass), veröffentlichte seit 2016 in Eigenregie einige Songs und brachte dann 2020 eine auf 200 Exemplare limitierte EP namens „Vox Pop“ bei Blood Records heraus.

Nun ist es Zeit für das Debütalbum namens „A Happy Medium“, das mit dem Produzenten Adrian Bushby (Muse, Maximo Park, Foo Fighters) aufgenommen wurde, 10 Songs in knapp 41 Minuten offeriert und über das noch recht junge Modern Sky Label veröffentlicht wird.

„A Happy Medium“ ist als Milky Clear Vinyl und als Mustard Vinyl erschienen und so klingt / ist es:

 

En Route Distress recalls The Smiths, and the song’s jaunty melancholy is more than a little reminiscent of This Charming Man. Monotonal Living is just as addictive and smart, as it begins with spiky guitars and turns itself inside out with a synth-driven middle section. The boldly romantic Cycles is very nearly as good, while Vacancy is sweet and soaring. A big part of SHEAFS appeal is hearing them pack so many musical and lyrical ideas into songs that rarely pass the three-and-a-half-minute mark, like the wonderfully agile For Now, Concede and Millennial. On the other hand, Losing All Inhibitions, a bittersweet, largely spoken word ballad propelled by chilly drum machines and synths, is a standout because it’s so expansive. A Happy Medium is a remarkably fresh-sounding debut album, with more than enough personality to transcend its retro leanings.

(Click Roll Boom)

 

As well as proving they can nail an absolute explosion of a track, on “A Happy Medium” the SHEAFS prove they are able to create more relaxed and slow-paced tracks that still sound undeniably like them. On the track, “For Now” the laidback, echoing guitars and vocals almost evoke a dreampop and shoegaze influence, but still with the forceful energy and memorably unique guitar chord patterns of the SHEAFS shining through.

To be able to explore their music through different sonic lenses and still have their distinctive sound there at this level in the bands career is highly impressive and shows the SHEAFS should have no problems creating the diversity of sound needed to stay relevant over the years.  

“A Happy Medium” is an album that ticks all the boxes. It proves that as a band the SHEAFS have immense skill as well as their own remarkable style. It combines the raw and bold with the relatable and professional and is filled with charismatic dynamism that will ensure that if the SHEAFS keep up at this level their success as a band will soar.  

(RGM)

England Indie Indierock Post-Punk PVG UK

August 29, 2022

Außer Atem muss hier niemand geraten, denn Breathless bewegen sich recht behäbig zwischen ätherischem Dreampop, melancholischem Shoegaze und verträumtem Slowcore. Dass „See Those Colours Fly“ in Zusammenarbeit mit Kramer entstand, der auch schon Galaxie 500 und Low produzierte, ist äußerst stimmig.

Breathless bestehen aus Dominic Appleton (Gesang, Keyboards), Gary Mundy (Gitarre), Ari Neufeld (Bass) und Tristram Latimer Sayer (Schlagzeug) und haben seit Mitte der 80er Jahre insgesamt acht Alben über ihr eigens Label Tenor Vossa Records veröffentlicht. Die letzte Veröffentlichung („Green To Blue“) liegt bereits 10 Jahre zurück und auf dem aktuellen Album ist anstatt des Schlagzeugers ein Drum Computer zu hören, da Tristram Latimer Sayer drei Tage vor den Aufnahmen in einen schweren Autounfall verwickelt war und im Koma lag. Er ist aber wieder auf dem Weg der Besserung.

„See Those Colours Fly“ bietet nun 9 Songs in 45:32 Minuten und ist als CD und LP (red Vinyl in Gatefold Cover) erhältlich. 

Und wer sich fragt, woher ihm die Stimme von Dominic Appleton bekannt vorkommt, dem sei verraten, dass er an This Mortal Coil, dem Projekt des 4AD Gründers Ivo Watts-Russell, beteiligt und auf insgesamt vier Songs von „Filigree & Shadow“ (1986) und „Blood“ (1991) zu hören war.

But See Those Colours Fly is also an album of contrasts, an album of perfect tiny details stitched to create the bigger picture, its resounding, melancholic tapestry anchored by expert songcraft. It is, as Kramer says, excruciatingly beautiful. Let it massage your soul.

(The Big Takeover)

‘See Those Colours Fly’, then, is an exercise in both expanse and concision, the group experimenting with and jamming around song structures in rehearsal and then pairing the tracks back in recording and post-production. The result is perhaps the most perfectly distilled album of the group’s career.

(It’s Psychedelic Baby)

Dreampop England Indie Shoegaze Slowcore UK

August 26, 2022

 

10 Fakten zum neuen Album von Muse:

1. Knapp dreieinhalb Jahre. Länger mussten sich Fans von Muse bisher nie auf ein neues Album von Matt Bellamy & Co. gedulden. Zuletzt wurden sie zwischen „Drones“ (2015) und „Simulation Theory“ (2018) am längsten auf die Folter gespannt, aber jetzt dauerte das Warten noch ein weniger länger: „Will Of The People“ erscheint 3 Jahre 9 Monate und 17 Tage nach seinem Vorgänger. 

2. Und dann gibt es auch noch so wenig neue Musik zu hören: „Drones“ unterbot das Debütalbum (und negativen Spielzeit-Rekordhalter) „Showbiz“ um 7 Minuten und lief nur 42:12 Minuten. „Will Of The People“ kommt mit seinen 10 Songs sogar nur auf 37:40 Minuten. 

 

3. Ihre Plattenfirma hatte eigentlich ein erstes Best of-Album von Muse auf den Markt bringen wollen, aber das Trio entschied sich, ein Album aufzunehmen, das ihre früheren Klänge vereint und beschriebt das selbst produzierte „Will Of The People“ als „a greatest hits album – of new songs“.

4. An den Positionen in den UK Single Charts kann mann dieses „greatest Hits“ nicht ablesen, denn nur „Won’t Stand Down“, die erste Single aus dem Album, konnte im Januar 2022 in den Charts landen (#56). Mit 25 anderen Singles waren Muse zuvor höher in den Hitlisten vertreten gewesen. „Uprising“ war 2009 ihre letzte Top Ten Single (#9), „Supermassive Black Hole“ war drei Jahre zuvor die erfolgreichste (#4).

Aber das zwischen Heavy Metal, Hard Rock und Electronic Rock angesiedelte „Won’t Stand Down“ konnte im Vereinigten Königreich die Rock & Metal Charts anführen und erstmals die Spitzenposition in den USA die Billboard's Mainstream Rock Airplay Charts erreichen.

 

5. Mit „Compliance“, „Will Of The People“ und „Kill Or Be Killed“ folgten vor der Albumveröffentlichung am 24. August drei weitere Single-Auskopplungen. 

6. Der aus Lissabon stammende 3D-Künstler und Kreativdirektor Tiago Marinho war für das Cover von „Will Of The People“ verantwortlich. Da er seine Kunst auch als NFT (non-fungible token) veröffentlicht, gehen Muse auch diesen Weg mit: 

The Muse NFT album will retail for £20 and will be limited to 1,000 copies globally. As both an NFT and a limited-edition format, it is relatively sparse in its offering. Buyers will get a downloadable version of the album – complete with different sleeve – as high-res FLAC files; the members of Muse will digitally sign it[,] and each of the 1,000 buyers will have their names permanently listed on the linked roster of purchasers.“ (The Guardian)

 

7. „Will Of The People“ steht ab dem 26. August als CD (im Digisleeve) in den Plattenläden. Von der Kassette gibt es drei Versionen: auf dem Cover sind entweder Chris (blaue recycelte Kassette), Dominic (gelbe recycelte Kassette) oder Matt (rote recycelte Kassette) zu sehen.

8. Die reguläre Version der LP (140 g) kommt auf black Vinyl daher. Die Limited Indie Exclusive Edition bietet clear Vinyl, amazon hat die Platte als red Vinyl. Zudem gibt es im Shop von Muse eine exklusive red and black marbled Vinyl. Auf 8000 Exemplare war die Zoetrope Edition bei Blood Records limitiert: 

9. Muse haben „Will Of The People“ in Los Angeles aufgenommen und selbst produziert. Das Mixing von acht Songs übernahm Serban Ghenea, für „Won’t Stand Down“ und „Kill Or Be Killed“ übernahmen Dan Lancaster bzw. Aleks von Korff diese Aufgabe.

 

10. Muse spielen im Oktober vier Konzerte in kleineren Locations. Neben Amsterdam, Paris, Mailand wird auch ein Halt in Berlin sein. Dort spielen sie am 28. Oktober 2022 im Admiralspalast. Alle vier Konzerte sind selbstverständlich bereits ausverkauft.

Alternative Rock England Glam Rock Indierock PVG Space Rock UK

August 24, 2022

10. Provinz - Zorn & Liebe (2 LPs, Limited Edition, Orange Transparent und Curacao Blue Vinyl) (16.9.2022)

9. Turin Brakes - Wide-Eyed Nowhere (Limited Edition, Pink Vinyl) (16.9.2022)

8. Tim Burgess - Typical Music (Col. 2 LPs) ( 23.9.2022)

7. Death Cab For Cutie - Asphalt Meadows (180g, Limited Indie Edition, Pink Vinyl) (16.9.2022)

6. Pink Floyd - Animals (LP, 2018 Remix, 180g) (16.9.2022)

5. Ash - Free All Angels (Splatter Vinyl) (16.9.2022)

4. Editors - EBM (2 LPs, Limited Edition, Orange Vinyl Etched D Side) (23.9.2022)

3. Pixies - Doggerel (Limited Indie Exclusive Edition, Yellow Vinyl) (30.9.2022)

2. The House Of Love - A State Of Grace (Black 10" 2 LPs) (16.9.2022)

1. Suede - Autofiction (Limited Indie Exclusive Edition) (16.9.2022)

PVG

August 23, 2022

Die erste Vorladung (IV)

Personalien:

Sarah Weiß ist eine 37-jährige Singer/Songwriterin aus Flensburg. 

Tathergang:

Als Ökotrophologin, Mutter von zwei Söhnen und Veranstaltungssängerin war Sarah Weiß wohl nicht ausgelastet genug und begann mitten in der Pandemie eigene Songs zu komponieren. Zumindest ein Lied wollte sie dann professionell aufnehmen und entschied sich für ihren dreizehnten selbst geschriebenen Song. „13“ wurde im April 2021 gemeinsam mit dem Produzenten Matthias Runge aufgenommen und veröffentlicht. Aufgrund der positiven Resonanz entschied sich Sarah Weiß, weitere Songs aufzunehmen und ein Album, auch in physischer Form, herauszubringen. Eine Crowdfunding Kampagne half dabei, einen Teil der Kosten abzudecken. Bis in den November 2021 hinein entstanden zwölf Songs, bei denen die Autodidaktin  sang, Klavier und Gitarre spielte. Drums, Synthesizer, Cello, Violine, Bass und und zusätzliche Gitarrenmelodien spielten Matthias Runge und weitere Gastmusiker ein.

„12 Months Of Flying“ ist seit Mitte Juni als CD und LP erhältlich.  

Plädoyer:

Und was habt ihr während der Pandemie so gemacht? Den Keller oder Speicher aufgeräumt, zu viele Serien geschaut und dabei etwas Gewicht zugelegt, das immer noch da ist? Kann ja nicht jeder Sarah Weiß sein und ein warmes, verträumtes Folkpop-Album komponieren, dieses einspielen und eine physische Veröffentlichung organisieren! 

Ach, so besonders ist das nicht? Ihr habt nämlich auch euren Garten auf Vordermann gebracht und mit dem Brotbacken begonnen? Tja, Sarah Weiß hat auch noch mit dem Aquarellmalen angefangen, zu jedem Song ihres Albums einen Vogel gestaltet, der diesen repräsentieren soll, und somit ein wunderschönes 32-seitiges Booklet und Cover für ihr Album entworfen. Und weil es thematisch so schön passt, hat sich Sarah bei der Schallplatte für die Splatter Vinyl Optik entschieden, da sie diese an Federn erinnerte.   

Zeugen:

Was mich sofort beeindruckt, ist einmal die volle, tief timbrierte und jederzeit ausdrucksstarke Stimme von Sarah Weiß. (…)

Die Songs sind emotional gehalten und im gehobenen Songwriter-Pop arrangiert. Sie wirken gefällig und eingängig, aber keineswegs beliebig. Man spürt in jedem Moment die Leidenschaft und das Engagement aller Beteiligten. Es sind fröhlich anmutende Lieder dabei, aber auch sentimentale, melancholische Nummern - so wie das Leben nun mal ein Auf und Ab bietet. Und auch aufnahmetechnisch gibt es etwas zu entdecken, so etwa den in einer Krankenhauskapelle eingespielten Flügel in „Dark Wood“ (das akustisch beste Stück der LP) oder der berührende Moment, als Sarah am Ende von „White Walls“ mit einem tiefen Schnaufen ein für sie trauriges Stück beendet.

(VinylFan)

Indizien und Beweismittel:

 

Ortstermine:

Aktuell keine geplant.

Urteile:

Nun sind die werten Richter gefragt…

Deutschland Folkpop Indie PVG Singer/Songwriter

August 22, 2022

Die erste Vorladung (III)

Personalien:

Minoa nennt die Sängerin, Musikerin und Komponistin Ina Klos ihr musikalisches Projekt.

Tathergang:

Ina Klos wurde in Houston, Texas geboren, wuchs in der Nähe von Hannover auf, nahm früh Klavier- und Gesangsunterricht, war in unterschiedlichen Bereichen musikalisch aktiv (Schulband, Jazz-Combo, Chor) und begann ein Studium im Bereich Popular Music. Jedoch fühlte sie sich dabei in ihrem kreativen Schaffen eingeengt und zog daher nach Berlin, um sich als Minoa zu entfalten. „Forward, Backward, Start Again“ lautet der Titel ihres Debütalbums, das via Listenrecords als CD und LP veröffentlicht wird.   

Plädoyer:

Auf acht größtenteils getragen-melancholischen Gitarrenpop-Songs folgt Minoa ihren Vorbildern, die Julia Jacklin, Big Thief, Angel Olsen oder Snail Mail heißen, und nimmt Einflüsse aus Folk und Soul mit auf. Die als Sprecherin und Sängerin tätige Klos positioniert ihre wandelbare Stimme im Mittelpunkt der Arrangements, nur gelegentlich nehmen Tempo und Dynamik etwas zu, wie auf „Eye Of An Eagle“ oder „Strangers“, dem eingängigsten Song des Albums, und werden Gitarre, Bass und Schlagzeug durch weitere Instrumente ergänzt, beispielsweise durch Orgel- und Streicherklänge wie bei „Let's Get There Slowly“.

Zeugen:

„Das Spektrum, welches die hier gebündelten Lieder bieten, ist enorm: stimmlich, stilistisch, instrumental - und auch emotional. Auf "Forward, Backward, Start Again" kehrt Minoa ihr Innerstes nach außen - und gieß es in acht ergreifende Stücke Musik.“ (musikexpress) 

„Mir persönlich ist es ein absolutes Rätsel, warum diese Frau noch ein Geheimtipp ist und nicht schon längst weltweit gefeiert wird“ 
(Raffaela Jungbauer, radioeins) 

 

„Wir sind hier große Fans […] der Gitarrensound alleine hat mich fertig gemacht […] eines der bestklingenden Gitarrenstücke der letzten Monate“ (FluxFM Podcast Zuckerstückli )

 

„intensiver, dramaturgisch geschickt gemachter Gitarren-Pop“ (DLF Corso)

„Der mit verwunschener Indie-Pop-Magie beginnende Track weitet sich mit klirrenden Gitarrenakkorden sukzessive zu einem ausladenden Alternative-Rock-Monolithen. Eine vielversprechende Newcomerin“ (Sounds & Books)

  

Indizien und Beweismittel:

 

Ortstermine:


25.08.22 Berlin, Badehaus (10 Jahre Listenrecords)


13.11.22 Berlin, Badehaus (supp. Dives)

23.03.23 Köln, Wohngemeinschaft 

24.03.23 Frankfurt, Lotte Lindenberg 

30.03.23 Berlin, Marie Antoinette 

01.04.23 Magdeburg, Volksbad Buckau 

03.04.23 Münster, Pension Schmidt

Urteile:

Nun sind die werten Richter gefragt…

Deutschland Indie Indiepop PVG Singer/Songwriter

August 19, 2022

Die erste Vorladung (II)

Personalien:

Pirx sind Lina Seybold (Gesang, Bass), Moritz Gamperl (Gesang, Gitarre, Synthesizer) und Sascha Saygin (Schlagzeug).

Tathergang:

Die Münchener Band wurde 2018 von den beiden Geowissenschaftlern und Musikern Lina Seybold und Moritz Gamperl gegründet und im folgenden Jahr von Sascha Saygin zum Trio komplettiert. Bereits seit 2002 war Leybold in der Band Candelilla aktiv, die drei Alben („ReasonReasonReasonReason“ (2009), das von Steve Albini produzierte „Heart Mutter“ (2013) und „Camping“ (2017)) veröffentlicht haben. 

Unter dem Namen Pirx erschien vor zwei Jahren eine erste EP mit vier Songs auf Tape, nun folgt das erste Album „Lamina“, das über Kommando-84 auch als LP erscheinen wird.

 

Plädoyer:

Seybold und Gamperl lernten sich im Studium kennen und offensichtlich teilen die beiden Geologen ihre Begeisterung für Rock. Diese leben sie auf den 12 Songs aus, die sich Adjektive wie trocken, noisig, melodiös, vertrackt, rau und experimentierfreudig eben so redlich verdienen wie die Vergleiche mit Sonic Youth. Steve Albini wäre mit „Lamina“ sicherlich mehr als zufrieden. 

Zeugen:

Mit „Makeshift Heat“ präsentiert Pirx jetzt schon einen ersten Vorboten daraus. Nach einem Intro, welches auch von Martin Gore hätte sein könnte, verschmilzt Seybolds Gesang mit Avant und Post-Pop Klängen, die zum Ende hin vorsichtig ausbrechen. Gefällt!

Die Legende besagt: Für das Stück ging das Trio auf Zeitreisen, fand Inspiration in der Science-Fiction von Herbert W. Franke, von dem die Musiker vielleicht auch gelernt haben, sich in gewissen Momenten auf das Einfache zu verlassen. Gitarrenmusik gepaart mit der Intensität eines Gospels.

(NEØLYD)

Indizien und Beweismittel:

 

Ortstermine:

18.08.2022 Augsburg, Kulturbiergarten

02.09.2022 München, Feierwerk

19.11.2022 Karlsruhe, Kohi

25.11.2022 Regensburg, W1

26.11.2022 Berlin, Ausland

Urteile:

Nun sind die werten Richter gefragt…

Alternative Alternative Rock Deutschland Indie Indierock Noise PVG

August 18, 2022

Die erste Vorladung (I)

Personalien:

Das Kölner Trio Acua besteht aus Patrick Braun (Gesang, Gitarre), Caroline Prinz-Holtorf (Schlagzeug) und Igor Franjić (Bass, Synths). 

Tathergang:

Die 2018 gegründeten Acua veröffentlichten noch im gleichen Jahr die „AKWUAR“ EP, der zwei Jahre später das Debütalbum „Head Under Water“ folgen sollte. Trotz der Pandemie gelang es der Band, sich über die Landesgrenzen hinaus einen Namen zu machen und durch Kanada und Japan zu touren.

Plädoyer:

Für „Is There More Past Or More Future“ verlassen sie das Terrain der flüssigen Anspielungen im Albumtitel und werfen eine Frage auf, über die das hohe Gericht, das mittlerweile seit 20 Jahren tagt und zuvor bereits jahrelang Platten studierte, lieber nicht nachdenken möchte. Statt dessen sollte es darüber grübeln, wie der Kölsche Versuch, den Psychedelic Pop und Space Rock der 70er Jahre ins Jetzt zu transformieren, gelungen ist. 

In einer entsprechenden Playliste sollte sich irgendwo zwischen Tame Impala, Temples, Foxygen, Super Furry Animals und Pond auf jeden Fall ein gutes Plätzchen für Acua finden lassen.

Zeugen:

Als erstes denkt man im hübsch vertrödelten Opener womöglich an Tame Impalas verhallte Workouts, bevor "Something less affected" als noch größerer Hit diese Assoziation bekräftigt. Besonders warm schmiegt sich der summende Synthesizer ins Ohr, aber auch der Hippiechor-Breakdown hat Charme. Überhaupt fährt die Platte bis zum verträumten "What will they think about you" (?) nur auf verpeilte Weise eingängige Volltreffer auf. "Is there more past or more future" gibt sich dennoch zerrissen, die sonnige Akustik sucht nicht nur musikalisch, sondern auch textlich die Wolken. "Ghost train" leitet die abstraktere Albummitte ein, Patrick Braun fühlt sich "too deaf to feel any pain". "Don't sleep, stay high", hält er sich später zu postpunkigem Beat über Wasser. Plötzlich ist die Chose doch nicht mehr so einfach wie gedacht.

Bevor alles plötzlich an den Ohren vorbeiwirbelt, überlässt "Let's be quiet" den Instrumenten ein letztes Mal die lange Leine und ebnet den Weg für "Coexist", in dem Acua wieder zu einer kleinen Hymne ansetzen, die den angedeuteten Spannungsbogen komplettiert. (…)

Am Ende fließt ohnehin Sonnenschein durch die Klänge herein – und man hat keinerlei Fragen mehr.

(Plattentests)

Indizien und Beweismittel:

 

Ortstermine:

Aktuell keine geplant.

Urteile:

Nun sind die werten Richter gefragt…

Alternative Deutschland Indie Psychedelic Pop PVG

August 17, 2022

Wie aus schlechten Lautsprechern, die keine Bässe preisgeben wollen, erklingt der Refrain von „More Than Enough“ der Universal Togetherness Band und während man noch rätselt, was dieses Intro soll, setzen die Bässe und die Stimme von Alexis Taylor ein und man ist mitten drin im Opener sowie der ersten Single aus „Freakout/Release“. Aber nach „Down“, einem funky Disco Song, dem ein Sample des oben genannten Soul & Funk-Klassikers zugrunde liegt, geht es bergauf: Zwar zieht es auch „Eleanor“ auf die Tanzfläche, aber mit einer umgemein einschmeichelnden Melodie. 

Das achte Studioalbum von Hot Chip fährt mit dem Titelsong fort, eine von mehreren Zusammenarbeiten. In diesem Fall sind die belgischen Soulwax mit an Bord und vielleicht rücken die beiden Dewaele Brüder „Freakout/Release“ mit Gitarren und verzerrten Roboterstimmen ein wenig in Richtung Daft Punk. Ausflippen dürfen Fans, die eher die melancholischen Elektropop-Songs von Hot Chip schätzen, beim folgenden „Broken“ und dem das Album abschließenden „Out Of My Depth“. 

Entspannten Elektro-Soul mit 70ies Touch bietet „Hard To Be Funky“, für das sich Hot Chip die britische Sängerin Lou Hayter in ihr neu gebautes Studio einluden. Auf der Haben-Seite darf man danach wieder „Time“ und „Miss The Bliss“ verbuchen, beides eher klassische Hot Chip-Songs, bei denen Joe Goddard erstmals neben Alexis Taylor ans Mikro treten darf. Auch der kanadische Rapper Cadence Weapon durfte seinen Beitrag leisten und zwar beim ungewöhnlichsten (und vielleicht besten) Song des Albums: „The Evil That Men Do“ mäandert auf über fünf Minuten zwischen Indietronic, Gospel, Hip Hop sowie Psychedelic-Pop und thematisiert Rassismus und männliche Aggression gegenüber Frauen. 

„Freakout/Release“ bietet 11 Songs in 47:23 Minuten, lässt dabei aber leider das im Oktober 2020 mit Jarvis Cocker veröffentlichte „Straight To The Morning“ außen vor und ist als CD und Doppel-LP ab dem 19. August erhältlich. Die Schallplatte gib es als black Vinyl, orange Vinyl und brown Vinyl.

Hot Chip werden zwei Konzerte in Deutschland spielen:

01.10.22 Berlin, Tempodrom

02.10.22 Köln, Live Music Hall

Disco Elektropop England Indie Indiepop Indietronic PVG UK

August 16, 2022

10 Fakten zum neunen Album von Pale Waves:

1. Auch bei den Pale Waves sorgte eine ausgefallene Tournee für mehr Zeit im Studio: Ihr drittes Album „Unwanted“ erscheint 18 Monate nach „Who Am I?“. 

2. Mit der Veröffentlichung des Albums am 12. August ging es für das Quartett auch wieder auf Tournee. 38 Konzerte sind im Vereinigten Königreich, in den USA und in Japan geplant, Termine auf dem europäischen Festland gibt es bis jetzt nicht. Für die Live-Auftritte wollten die Pale Waves mehr Gitarren, weniger Synthesizer und temporeichere Songs für „Unwanted“ und gingen mit dieser Prämisse ins Studio.

3. Dafür suchte man sich einen in Rock und Punk erfahrenen Produzenten und ging gemeinsam mit Zakk Cervini (Bring Me The Horizon, 5 Seconds Of Summer, Blink 182, Good Charlotte) in die MDDN Studios in Burbank, Kalifornien.

4. „Unwanted“ bietet in der regulären Version 13 Songs, die 39:05 Minuten laufen. Die „Antidote Edition“ liefert zusätzlich vier Songs aus der sogenannten „Antidote Live Session“. Da die Pale Waves auch gern einmal eine Coverversion veröffentlichen („22“ von Taylor Swift oder „Last Christmas“ und „Faith“ von Wham! bzw. George Michael) ist der vierte dieser Songs „Teenage Dirtbag“ von Wheatus. 

 

5. „Unwanted“ gibt es neben der regulären CD in vier weiteren Auflagen, die sich im Cover unterscheiden. Man hat nämlich die Auswahl, ob man dort (und auf einem beiliegenden Poster) Heather Baron-Gracie (Gesang, Gitarre), Ciara Doran (Schlagzeug), Hugo Silvani (Gitarre) oder Charlie Wood (Bass) sehen möchte.

6. Auch Freunde der Kasette kommen auf ihre Kosten und haben die Wahl zwischen den Ausführungen Hot Pink, Silver Glitter und Red Transparent. 

7. Bei der Schallplatte darf man zwischen Black Ice Standard Vinyl, Purple Galaxy Vinyl und Neon Pink Vinyl entscheiden. 

8. Nur auf 1000 Exemplare war die Holographic Edition bei Blood Records limitiert: The A-side of each record has a second holographic groove cut into each LP that creates a spectacular pattern.

9. Seit Mai wurden vier Songs vorab als Singles veröffentlicht: „Lies“, „Reasons To Live“, „Jealousy“ und „The Hard Way“. Für „Lies“ und „Jealousy“ wurden Videos mit der Regisseurin Vasilisa Forbes gedreht, für „Reasons To Live“ zeichnete sich Kelsi Luck, die Partnerin von Heather Baron-Gracie, verantwortlich.

 

10. Bei Metacritic schneidet das neue Album der Pale Waves deutlich besser ab als seine beiden Vorgänger: „My Mind Makes Noise“ (2018; 61/100), „Who am I?“ (2021; 62/100) und „Unwanted“ (2022; 73/100).

It’s the pacier moments that make up the bulk of the highlights, but there are other areas of interest. Unwanted seems determined to be lots of different things to different people, ticking boxes left, right and centre in a way that seems ambitious rather than cynical, while mostly delivering on its multitude of promises. Soul-baring ballads The Hard Way and Without You reveal the breadth of their pop ambitions and the larger venues they’re eyeing for the future. Big spaces call for big songs, though, and big songs call for big sentiments, which Unwanted has plenty of, exploring notions of self-acceptance, loss, betrayal and much more. And while that lyricism may sometimes be a little too broad in its strokes to pierce more weathered hearts, it’s impossible not to be won over by singer Heather Baron-Gracie’s charisma and delivery.

There’s no doubt that Unwanted is an important record for Pale Waves, though in pivoting to a more alt-rock sound, the band may open themselves up to accusations of musical opportunism from a discerning audience who can smell fakery a mile off. Sampling the fruits of this new chapter, however, suggests Pale Waves are going to win people over. They’re doing what they love for the good of others and making hugely enjoyable music in the process. You don’t get more real than that.

(Kerrang)

Called ‘Unwanted’ as a rallying cry to marginalised groups, the album is a defiant expression of darker emotions, with heartbreak inspiring fiery opening track ‘Lies’ as well as the title track, while ‘You’re So Vain’ calls out a narcissistic partner, the poignant ‘Numb’ explores mental health struggles, and ‘Reasons To Live’ charts rising up from rock bottom. Leaning more into the pop-rock sound of their previous record, ‘Unwanted’ shines in its ability to produce a pop-punk anthem your ‘00s faves wish they could’ve written. Throughout, Heather holds nothing back, with the thrashing ‘Jealousy’ summing up the album’s ethos: “I won’t pretend / And I won’t apologise.”

(DIY Magazine)

England Indie Indierock Punk-Pop PVG UK

August 15, 2022

Mit den letzten beiden Alben von Erasure waren ihre Fans offensichtlich sehr zufrieden, schließlich kauften sie „World Be Gone“ (2017) und „The Neon“ (2020) bis auf Platz 6 bzw. 4 der UK Charts, also in Höhen, die sie seit Mitte der 90er Jahre nicht mehr erreicht hatten. Aber auch Vince Clarke und Andy Bell müssen beide Alben sehr schätzen, denn auf „World Be Gone“ schlossen sich im folgenden Jahr „World Beyond“, eine Neu-Interpretation in Streicher-Arrangements, und ein Live-Album („World Be Live“) an. Auch „The Neon“ erschien anschließend in einer überarbeiteten Form („The Neon Remixed“) und als Konzert-Dokumentation („The Neon Live“). 

Jedoch erhält „The Neon“ nun doch noch ein weiteres Kapitel, denn im Studio tüftelte Vince Clarke ziellos noch einmal an den Songs herum und erschloss sich auf diese Art und Weise Bereichen, die sich eher dem Vince Clarke der frühen 80er Jahre, dem VCMG-Projekt mit Martin Gore (Depeche Mode) oder sogar den Soundwelten von Brian Eno oder Vangelis zuordnen ließen als Erasure. Da Andy Bell gemeinsam im Studio mit dem Produzenten Gareth Jones häufig eben so experimentierfreudig mit seinen Gesangsparts umging, ist „Day-Glo (Based On A True Story)“ ein gewagtes und innovatives Album geworden, das irgendwo zwischen sanfter Electronica („The Conman“), düsteren Soundscapes („Based On A True Story“, „The Shape Of Things“) und tanzbarem Elektropop („Bop Beat“, „Inside Out“) changiert. Die Parallelen zu „The Neon“ sind nicht gerade offensichtlich und vermutlich würde man bei einem Großteil der 10 Songs im „Blind Date“ nicht auf Erasure kommen.         

„Day-Glo (Based On A True Story)“ ist als CD und LP (fluoreszierend grünes Vinyl) erschienen. 

 

The opening track "Based On A True Story" is a marvellous start to the album, an Erasure-like track that builds and builds, crammed with dark Vince synth sounds. Straightaway, you know that you are in for a different Erasure here. It's them, but there's something else going on. "Bop Beat" follows, reminiscent of The Neon, with Andy's voice sampled and manipulated. It's interesting hearing Andy in this new form, and it really works.

"Pin-Prick", one of a few songs on here with a title that brings Vince and Martin Gore's VCMG project to mind, is one of the album's highlights, with its early Vince Clarke era sounds and Andy's wordless singing melting together perfectly. "The Conman" recalls mid to late 80's era Erasure B-sides and is notable for being the first point in the album where we hear actual vocals from Andy. "Now" is another standout track that can be added to any list of great Erasure songs. Listening to it, I thought of Yazoo's "I Before E Except After C", albeit "Now" doesn't sound as ominous as that song. It's a lovely track and one that could easily be turned into a standard song, but why would anyone want to do that? "Inside Out" is next; with it, we return to the earlier, darker feel of the album.

The following two songs are much more Erasure-like in that they feature full vocals from Andy. Both "Harbour Of My Heart" and "3 Strikes And You're Out" could easily have featured on The Neon, and they are the closest you get to that album on here, perhaps two songs reworked by Vince as opposed to being new experiments with elements from the album. The closing two tracks, "The Shape Of Things" and "The End", are wonderful, with "The End" a gorgeous end to what has been a bold, innovative and hugely enjoyable album.

Day-Glo (Based On A True Story) is a reminder that Erasure has always been much more than the titans of synthpop they are justifiably recognised as. Dig into their albums, and you will find many different versions of the band, each one a real treat. This album shows that even when they go off-road and experiment, they still produce music capable of surprising and delighting you. Long may this period of productivity carry on.

(XS NOIZE)

Electronica Elektropop England Indie PVG UK

August 12, 2022

Die Pandemie verhinderte, dass Ricky Ross wie geplant mit seiner Band Deacon Blue auf Tournee gehen konnte und bescherte uns statt dessen im letzten Jahr „Riding On The Tide Of Love“, das begleitende Mini-Album zu „City Of Love“ (2020), dem ersten Nummer Eins-Album in ihrer schottischen Heimat. 

Aber Ricky Ross fand auch noch Zeit, um eine Biographie zu schreiben („Walking Back Home“) und sein „Short Stories“-Projekt fortzuführen. Teil 1 liegt bereits fünf Jahre zurück, am Konzept wurde nichts verändert: Der 64-jährige Singer/Songwriter gibt uns den Piano Man (und darf daher gelegentlich an Billy Joel erinnern, aber auch an Rufus Wainwright oder einmal an Elton John), ergänzt die schlichten Arrangements häufiger durch Streicher („The New World“, „Still Walking“), gelegentlich mit Bläser („The Unpath“) und lässt auch Mitglieder von Deacon Blue punktuell mitsingen (Lorraine McIntosh auf „The Foundations“, „I Was The Beatles“, „Spanish Shoes“) oder Gitarre spielen (Gregor Philp auf „The Foundations“, „Spanish Shoes“). 

Bis auf wenige Ausnahmen (wie beispielsweise „I Was The Beatles“) sind die Songs auf „Short Stories Vol. 2“ weniger eingängig geraten als man es von Deacon Blue gewohnt ist, aber das Programm sieht es ja vor, dass auch ältere Lieder der Band im neuen, reduzierten Gewand präsentiert werden: hier sind es „Your Swaying Arms“ (aus „Fellow Hoodlums“; 1991), „Bethlehem’s Gate“ („Whatever You Say, Say Nothing“; 1993) und „I Am Born“ („Homesick“; 2001).

„Short Stories Vol. 2“ ist als CD am 5. August erschienen, einen Tag nach „Walking Back Home“, bei der Schallplatte (black Vinyl) wird man sich noch bis zum 4. November gedulden müssen.

Indie PVG Schottland Singer/Songwriter UK

August 11, 2022

Wenn ein Album hinsichtlich der Musik (Melancholie trifft Tanzfläche) mit den frühen Pet Shop Boys verglichen wird und für die Text (dystopisch, sozialkritisch, spitz, witzig) Jarvis Cocker und Stephin Merritt als Parallelen herangezogen werden, dann ist diese Songsammlung definitiv für Platten vor Gericht geeignet.

„All These Things“ ist dieses Album. Es ist das erste Solo-Werk von Dominic Gore nach der Auflösung seiner Band Little Club, bietet 9 Songs, denen jederzeit anzuhören ist, dass er in seiner Kindheit „Discography“ von Tennant und Lowe rauf und runter gehört hat, und ist über Domino Records als CD und LP (black Vinyl, curacao blue Viynl) erschienen.

 

This is a good album to drive to, the track listing feels well thought out and you don’t find yourself impulsively reaching for the skip button. The songs are on the lengthy side but they are structured in a way that doesn’t make them feel boring or overstretched. All These Things is one of those records where you’re fifteen minutes deep and unsure if it's the first song you’ve been listening to the entire time, it's a good thing. The album feels like its nine mini sonic journeys umbrella’d under an even bigger adventure. The juxtaposition of the crafty lyrics and the dancey beats surprisingly compliment each other. DC Gore’s lyrical storytelling is similar to that of Alex Cameron, it’s effortless but is clearly deliberate and well articulated. All These Things appeals to fans of Soft Hair, Pet Shop Boys, Kirin J Callinan and Eurovision. 

(Still Listening Magazine)

 

Gore’s blend of warm, at times euphoric synthpop and live instrumentation owes much to Pet Shop Boys (the melody of the title track on his debut album echoes that of Rent), a touchstone for him since he heard Discography as a child. His upbringing in an unspecified M25 dormitory town, meanwhile, has led to a fascination with suburbia (particularly “all the sort of weird shit that happens there with people just living to procreate”, he has said). This has informed his lyrics and earned Gore comparisons to Jarvis Cocker. Elsewhere, as on I Like You, he can be as archly funny as Stephin Merritt. He might have come late to songwriting, but he’s making up for that now.

(The Guardian)

 

Elektropop England Indie PVG Synth-Pop UK

August 10, 2022

Außen hui und innen…. auch! Nicht nur der Designer der Plattenhülle hat für „Reset“ großartige Arbeit geleistet, sondern auch die beiden Musiker Panda Bear und Sonic Boom. 

Noah Lennox und Peter Kember (so die bürgerlichen Namen des US-Amerikaners und des Engländers) kennen sich bereits seit Jahren, was sich an der Tatsache ablesen lässt, dass sie sich über MySpace kennen lernten. Sonic Boom war in die Produktion der beiden erfolgreichsten Panda Bear Alben, „Tomboy“ (2011) und „Panda Bear Meets The Grim Reaper“ (2015) involviert, aber „Reset“ stellt ein neues Level ihrer Zusammenarbeit dar. Die Grundlage für dieses bunt schillernde Psychedelic-Surf-Pop-Wunderwerk legte Sonic Boom, als er sich nach einem Umzug nach Portugal durch seine Schallplattensammlung ging und Lieblingsalben, die er seit Jahren nicht mehr gehört hatte, auflegte und sich davon inspirieren ließ. So finden sich Samples von The Troggs („Give It To Me“ auf „Go On“) und Randy & The Rainbows („Denise“ auf „Edge Of the Edge“) beispielsweise auf den ersten beiden Singles aus dem Album oder hat der Hamoniegesang von The Everly Brothers als Vorbild gedient für die Studiotüfteleien, an denen Panda Bear und Sonic Boom während der Pandemie in ihren jeweiligen Home Studios in Portugal herum werkelten. Die 9 Songs von „Reset“ klingen so, als hätten sich The Beta Band, Spacemen 3 und The Beach Boys gemeinsam auf einen Trip begeben.

Digital kann man diese nostalgische Reise ab dem 12. August nachvollziehen, auf die Schallplatte (yellow Vinyl in der limitierten Auflage) muss man sich noch bis zum 18. November gedulden.

 

Apparently influenced by listening to Sonic Boom’s collection of Fifties and Sixties American doo-wop and rock’n’roll albums for the first time in years, after he finally transported them to his new home. The two long-term friends and collaborators have recorded Reset together, an album which frequently seems to imagine a Joe Meek-produced Everly Brothers backed by the Beach Boys while under the influence of some particularly potent brain spanglers. Uplifting and hip-swinging summer vibes back vocal harmonies that often camouflage something considerably darker, with strange Sixties synthesizer sounds from “Getting’ to the Point”, with its riff lifted from Eddie Cochran’s “Three Steps to Heaven” through to the electronic weirdery of “Everything’s Been leading to This”.

Along the way, Panda Bear and Sonic Boom take on psychedelic surf pop in “Danger”, Lovin’ Spoonful-like sunny and bouncy vibes on “Edge of the Edge” and the wilful hypnotic experimentation of “In My Body” and “Whirlpool”. In fact, Reset is resolutely relaxed and gentle but steers well clear of the mainstream, exuding a distinctly narcotic wooziness, yet an upbeat one with a smile on its face. However, like the Beach Boys before them, Panda Bear and Sonic Boom use catchy melodies to communicate something not entirely wholesome but altogether more disorientating to those who are paying attention.

(The Arts Desk)

Electronica England Indie Psychedelic Pop UK USA

August 09, 2022

10 Fakten zum neuen Album von Kasabian:

1. Fangen wir - ganz ungewohnt - mit den limitierten Auflagen der Schallplatten an. Der Schauspieler, Comedian und Autor Noel Fielding ist auch Mitglied der Band Loose Tapestries, die er gemeinsam mit Sergio Pizzorno von Kasabian betreibt. Da das Multi-Talent auch als Maler aktiv ist, lag es nahe, dass er ein eigenes Artwork für das neue Album von Kasabian gestaltet. Diese Auflage (über die Höhe wird nichts verraten) bietet Transparent Vinyl und ist nur über die Homepage der Band zu beziehen, wenn man im Vereinigten Königreich oder Irland wohnt:

2. Über Blood Records gab es diese auf 2000 Exemplare limitierte X-Ray Picture Disc (Comes with die-cut sleeve with hand stamped logo, A5 pullout tracklist) vorzubestellen: „referencing the underground movement of Soviet-era bootleggers that defied propaganda laws by passing Western music etched onto x-ray sheets.“

3. In unabhängigen Plattenläden kann man „The Alchemist’s Euphoria“ in limitierter Auflage auf orange Vinyl finden. Zudem gibt es das Album als CD (auch hier existiert eine limitierte Auflage mit alternativem Artwork von Noel Fielding), Kassette und LP (black Vinyl, gatefold sleeve, printed inner sleeve with a fold out poster).

4. Am 6. Juli 2020 erfolgte der (einvernehmliche) Ausstieg von Frontmann Tom Meighan aus Kasabian, nachdem bekannt wurde, dass dieser im April seine Verlobte körperlich angegriffen hatte. Am folgenden Tag bekannte sich Meighan öffentlich schuldig, entschuldigte sich bei ihr, Freunden und Familien sowie der Band und wurde letztendlich zu 200 Stunden gemeinnütziger Arbeit verurteilt. Zum neuen Sänger von Kasabian wurde ihr Gitarrist und Songschreiber Sergio Pizzorno, der zuvor bei einigen Songs bereits die Lead Vocals übernommen hatte. 

5. Verbunden mit diesem Wechsel im Lineup wurde der bisherige Tour-Musiker Tim Carter (Gitarre, Gesang) - neben Sergio Pizzorno (Gesang, Gitarre), Chris Edwards (Bass) und Ian Matthews (Schlagzeug) - zum vollständigen Mitglied bei Kasabian. 

6. Zwischen „For Crying Out Loud“ (2017) und „The Alchemist’s Euphoria“ vergingen 5 Jahre, 3 Monate und 7 Tage. Bisher waren 2 Jahre, 9 Monate und 11 Tage (zwischen „Empire“ (2006) und „West Ryder Pauper Lunatic Asylum“ (2009) die längste Wartezeit für Fans von Kasabian zwischen zwei Alben.  

7. Das siebte Album von Kasabian steht ab dem 12. August 2022 in den Plattenladen, da es kurzfristig wegen Produktionsschwierigkeiten um eine Woche verschoben werden musste. „The Alchemist’s Euphoria“ wird 12 Songs (wenn man „Æ Space“ und „Æ Sea“, die weniger als 50 Sekunden dauern mitzählen möchte) beinhalten und läuft 38:05 Minuten. Somit wird „Empire“ (39:24 Minuten) als kürzestes Album von Kasabian abgelöst.

 

8. Mit „Alygatyr“ und „Scriptvre“ und erschienen vorab zwei Singles aus dem Album, die nicht die offiziellen UK Singles Charts erreichen konnten, sondern sich nur in den UK Singles Downloads Charts (#96 für „Alygatyr“) bzw. Official UK Singles Sales Charts (#91 für „Scriptvre“) platzierten. Somit bleibt „Fire“ (2009) der größte Hit der Band (#3) und „You’re In Love With A Psycho“ (2017) die letzte Single, welche die UK Singles Charts erreichen konnte (#62).

 

9. Nur „Chemicals“, als dritter Song aus „The Alchemist’s Euphoria“ ausgekoppelt, erhielt ein richtiges Video:

  

10. Kasabian stellen „The Alchemist’s Euphoria“ auch in Deutschland live vor. Das sind die drei Termine:

10.10.22 Köln, E-Werk

11.10.22 Berlin, Columbiahalle

17.10.22 München, Tonhalle

England Indierock PVG UK

August 08, 2022