Die Platte präsentiert sich dementsprechend mit einer Dramaturgie ausgestattet. Die A-Seite („The Beginning“) arbeitet mit kurzen Songfetzen. Oftmals sind diese Tracks nicht länger als eine Minute und präsentieren kurze Skizzen. „Land of Dead“ zeigt eine krasse Abkehr vom bisherigen Stil und bietet Prog-Psych-Metal im Stile von King Gizzard & The Lizard Wizard an.
Über weite Strecken haben wir aber den zugänglichen Psych mit Sitar-Einsatz, den wir gewöhnt sind und der auch wieder schön funktioniert. „Keep the Light Alive“ bindet zudem einen Kinderchor sehr annehmbar ein.
Elephant Stone reichen uns die Hand und trösten uns. Hinfort, Traurigkeit. Auch das Ende der Welt ist nicht das Ende der Welt.
Wir heben sanft mit „Harmonia“ ab. Das Sitarspiel von Rishi Dhir, das die Band so einzigartig macht, ist hier dominant.
Mit „I See You“ stehen wir dann mitten in einem gefälligen Indie Rock-Track, der leicht melancholisch angehaucht wird. Allgemein fällt die B-Seite („The Ending“) etwas nachdenklicher aus, serviert uns mit „Fox on the Run“ etwa einen zurückhaltenden Elektro-Track. „House on Fire“ darf dafür noch einmal losrocken.
(Reverb Is For Lovers)

Nun, ja – wo Grimes ist, ist Pop ganz vorne, mit der Kanadierin ist Musik ein Ereignis, bei dem Massenappeal und Avantgarde sich ganz selbstverständlich berühren. R’n’B und Psychedelia, vor allem aber das DC-Comic-Universum, Cyberpunk und elektronische Gothic prägen Sound und Habitus der zehn Tracks. Grimes-Nostalgiker*innen freuen sich auf „Idoru“, C-Pop-Fans auf „Darkseid“ mit Vocals der taiwanesischen Rapperin 潘PAN. Vieles bleibt aber ein wenig beliebig, ist nicht mehr aufreizend anders, sondern nur das von Grimes Erwartbare. Maximalistisch ist das immer, aber leider selten überwältigend. Ja, auch Miss Anthropocene ist ein richtig gutes Album. Den Sound der Dekade prägen wird Grimes damit nicht.
(musikexpress)

Natürlich bleiben die Songs von Lanterns On The Lake große, intime Dramen, aber sie klingen nun direkter, nicht mehr ganz so verhuscht. Das Fundament bleibt unangetastet.
Es gibt weiterhin flirrende Gitarren-Riffs, wie man sie von Shoegazing-Bands der 80er kennt, dazu orchestrale Arrangements, Post-Rock und Dream-Pop. Ein Riesensprung gelingt den Briten also nicht, aber sie haben sich geöffnet, sind raus aus ihrer Komfortzone und erstmals in ein fremdes Studio gegangen. Kein Lied dokumentiert dies besser als „This Is Not A Drill“, das so überraschend daherkommt, wie der erstmalige Auftritt von Sigur Rós mit einer Marching Band.
(musikexpress)

Agnes Obel ist zurzeit eine der spannendsten Meisterinnen des Unheimlichen, wie ihr auch kein Geringerer als Psycho-Horror-Regisseur David Lynch schon vor einer ganzen Weile attestiert hat und sich bei der Dänin mit einem nicht in Auftrag gegebenen Remix bedankt hat. (…)
In „Island Of Doom“ fühlt man sich so, als säße man in einer Gondel vor der Friedhofsinsel vor Venedig, im Seenebel – dummerweise sind da Leute mit Karnevalsmasken unterwegs in anderen Booten, und man ahnt, dass sie den Urnen entstiegen sind.
(Musikexpress)

Zusammengehalten von zerbrechlichen, („Roscian“) verstörenden („Drosera“) und atmosphärischen („Parliament Of Owls“) Instrumentalklängen, bahnen sich tiefgehende Trostdramen („Island Of Doom“), mitreißende Kreativität („Can’t Be“) und auf weichen Kissen gebettete Anti-Insomnia-Sounds („Broken Sleep“) ihren Weg in ein bezauberndes Klanguniversum, in dem stilistische Festgefahrenheit auf blütenweißen Engelsflügeln davongetragen wird. (…)
„Myopia“ ist Atmosphäre pur, so viel ist sicher. Wer hier mitreden und der dänischen Ausnahmekünstlerin in puncto Stimmung und Tiefe auf Augenhöhe begegnen will, der muss sich ordentlich ins Zeug legen.
Der Hörer ist froh, dass er sich dieser Herausforderung nicht zu stellen braucht, sondern einfach nur genießen kann. Und das in vollen Zügen.
(Musikblog)

Das Album beginnt mit einem dramatischen Ausbruchssong, der vom Himmel, der Freiheit und der Liebe handelt, ein Lied, das jedem zweiten Pop-Troubadour zur Kitschhymne geraten wäre, doch Dare zupft seine Zeilen zu einem Kunststrauß zusammen, der nur Piano und Stimme zum Blühen braucht („I Am Free“).
Mit der Beschränkung auf wenige Elemente, die sich seinem Gesang nur annähern, hat er eine sehr kluge Entscheidung getroffen. Die Trompete steht einsam im „Piano Room“, der Chor in „Heavenly Bodies“ könnte aus einem leeren Kirchenschiff stammen, der Sänger formuliert Fragen an die Eltern. Doch nie teilt er uns zu viel aus seinem Innenleben mit.
(musikexpress)

Selten wird klar, welchen Pfad sie gehen wollen: So klingt „What You Got“ nach einem krachig-sonnigen Indie-Popsong, während die Folk-Pop-Single „Forget Tomorrow“ blankpoliert mit Fingerschnipsen und austauschbaren Eskapismus-Lyrics daherkommt: „All you know I got to go away. Let’s forget tomorrow just for a day.“ ALL THINGS GO liefert einzelne Glanzmomente, lässt aber auf Albumlänge die interessanten Ansätze vermissen.
(musikexpress)

Tracks wie „New Congress, New Father“ beschreiben die Klangstof’schen, pardon, Klangwelten wohl am besten – poppig, elektronisch, durchaus tanzbar und doch mit der feinen Klinge vorgetragen. Drei verträumte und dabei stets eindringliche Minuten führen in Richtung Tanzfläche, wo „Attack Attack“ bereits wartet. So reduziert und zerfahren die Strophen auch wirken, so gewaltig hebt der Refrain ab. (…)
Klangstof zeigen sich also noch synthetischer und elektronischer als zuletzt, ohne auch nur einen Hauch ihres durchaus anspruchsvollen, kunstvollen Pop-Rückgrats aufzugeben. „The Noise You Make Is Silent“ ist clever und spontan zugleich, verbindet ausgetüfelte Klangdioramen mit lebhaften Perlen für Herz und Seele. Über allem thront eine fast schon unheimliche innere Ruhe, eine magische Stimme mit Soul, Gefühl und Weisheit.
(Beatblogger)

Frühstücken zu THE SLOW RUSH ist genauso möglich, wie eine Teezeremonie abzuhalten, man kann zu dieser Musik lesen und tindern, sich in den sozialen Netzwerken für das Gute in der Welt einsetzen oder joggen. Wenn die Sonne dann untergeht, ist diese Musik ein prima Begleiter, um sich auf die Nacht vorzubereiten, eine bessere Cocktail-Musik ist kaum vorstellbar.
Gut, die harte Partyzeit findet ohne Tame Impala statt, aber bei fast allem, was darauf folgen kann, ist THE SLOW RUSH wieder am Start. Man kann diese Multifunktionalität als Beliebigkeit kritisieren, andererseits ist es weiterhin eine große Freude, Kevin Parker dabei zuzuhören, wie er seine Musik mit großer Kennerschaft und Akribie so konstruiert, dass sie fließt und fließt, ohne erkennbare Höhepunkte, ohne Flachstellen, beinahe so elegant wie einige der besten Soulplatten aus den 70ern, als nicht mehr die Hitsingles im Vordergrund standen, sondern der endlose Flow der Musik.
(musikexpress)

After listening to Always Tomorrow, many followers of Best Coast, especially those who are quite familiar with its discography, will surely hail the duo’s new album as the best so far. And it is. Always Tomorrow is a blend of everything that Best Coast has come up with in the previous decade. Consentino was being candid, honest, and truthful when she said, “This album is about leaving the darkness for the light….” Because Always Tomorrow is full of heartrending yet reassuring sentiments glazed in sunny, shiny, and sugary musicality.
(Cryptic Rock)

As the world crumbles, Moore realizes all she has is the person standing next to her, and that that's enough. It abandons the romanticism of earlier albums in favor of a hardened, yet nonetheless affecting realism. And that alone might speak to the strength of Swimmer, an album that recognizes writing about love doesn't have to conform to a tidy narrative to be authentically moving.
(Pop Matters)

They definitely aren't resting on their reputation, and along with making some of their poppiest ("Need Your Love"), darkly emotional ("I'll Haunt You"), and majestic ("Swimmer") music, it feels like they put more effort than usual into creating a diverse, well-rounded listening experience that's steeped in their traditional sound while being a bit of a step forward. And if not forward, at least sideways enough to make Swimmer a breath of fresh air. Not that Tennis were at all stale, seeing as how their previous record, Yours Conditionally, was their best yet. As a band enters their second decade, it's good to shake things up a little so people won't take them for granted. Thanks to the life the duo breathed into the album with their dedication and passion, Swimmer should keep fans on their toes for sure.
(All Music)

Frustratingly ‘Sorry for the Late Reply’ ends on a damp note: ‘Crying in Amsterdam (Reprise)’ is a weepy, piano led do-over of a galloping tune that appeared earlier on the record. When the entire record had been bolstered by raging guitars and bolting drums, it’s a peculiar gear change. Still, on their second album, Sløtface have crafted a collection of rambunctious, pit-opening, middle-finger-raising bangers.

Die neuen Songs haben etwas tröstliches, mitunter fühlt sich "Never not together" an, wie eine albumgewordene Umarmung, ohne ins Kitschige zu rutschen. (…)
Musikalisches Neuland wird hier nicht betreten, Nada Surf machen auf "Never not together" das, was sie am besten können: prägnante Uptempo-Songs und ruhigere atmosphärische Stücke auf verlässlich hohem Niveau. Und damit berühren sie immer noch direkt das Herz.
(MDR)

Die Jungs um Bandleader Matthew Caws sind einfach diese liebliche Indie-Band, die uns mit ihrer Musik umarmen, ob wir wollen oder nicht. “Empathy is good, lack of empathy is bad”, heißt es in “Something I Should Do” dann auch.
“Just Wait” behandelt die Angst des Jugendlichen vor dem Erwachsensein. Auch hier sind Nada Surf diejenigen, die tröstend den Kopf tätscheln – “It’s gonna be okay, just wait.”
Von den neun Songs auf “Never Not Together” sticht keiner hervor, es gibt aber auch keinen krassen Ausfall. Die Band ist einfach sie selbst geblieben. Das dürfte vor allem für langjährige Fans eine gute Nachricht sein.
(Bleistiftrocker)

Torres’ Art von abgeklärter Traurigkeit in ihren Texten wird emotional gestützt von einer Mischung aus heruntergepitchten Elektropop-Synthesizern, von Geisterhand gespielten Drums und Percussion sowie Gitarren, die mal einsam eine Folk-Weise spielen und mal die Wut des Grunge aufgreifen, ohne in dessen Schwanzhaftigkeit zu verfallen. Schwermut und kalter Zorn waren der Antrieb für „Silver Tongue“, das spürt man. Und auch für Künstler*innen ist Schmerz einfach nur Schmerz und keine Inspirationsquelle, rückt Torres ein gern bemühtes Klischee zurecht: „There’s no such thing as good grief.“
(Soundmag)

Nur „Good Grief“ wühlt so richtig im Matsch, die Atmosphäre in „Gracious Day“ hingegen erinnert an Aldous Hardings frühen Goth-Folk. Und in „Two Of Everything“ breiten sich die Synthesizersounds vor einem aus wie schwere Gedanken. Scott singt davon, für die Liebe Wagnisse einzugehen, und klingt dabei so tastend wie zupackend. Und noch immer schwer greifbar. Zum Glück.
(musikexpress)

Er katapultiert über Stile festgeschriebene Klang­elemente in Musik-Fantasien, die so nahbar wie irritierend sind. Diesmal zehrte Bejar u.a. von alten Skripten, die für Projekte „jenseits der Musik“ reserviert waren, er bastelte dann an Songs, die einerseits an ihre Entstehungszeit (z.B. das KAPUTT-Album von 2011) erinnerten, sich andererseits mit dem aktuellen Crooner Bejar „anfreunden“ durften. (…)
In diesem Dreieck entstand ein kreativer Crash, der sich in jedem Moment neu definiert: als Gothic-Chormusik mit Kratzgeräuschen, als Elektro-Pop mit E-Gitarre aus den goldenen Jahren des Rock, als Keyboardbombast mit irgendwie rückwärts laufenden Chören.
(musikexpress)

Furztrockene Beats, funkige Sprenkler und feinausgeklügelte Eighties-Anleihen in Sachen Synthiepop sowie R&B, so dass in zwingenden wie entspannten Tracks wie "Do You Feel" eben Erinnerungen an frühe Janet-Jackson-Songs wach werden lassen oder aber auch Easy-Listening-Kombis wie Kool And The Gang oder gar Bee Gees als Gegengewicht evozieren.
Zudem bitten aber auch immer noch alte Weggefährten von La Roux wie The Human League, Yazoo und Eurythmics zum Tanz in die New-Romantic-Disco und zuweilen kapert sie mit weiblichem Gesang den George-Michael-Style oder ein Nile-Rodgers-Feeling, so dass "Supervision" ihr bisher schillerndstes opulentestes Album geworden ist.
(Tonspion)

Immer mit dabei ist ein Klangteppich, der süchtig macht („Die Zukunft“, „Séparée“), nach mehr verlangt („No Sleep“, „Poor Boy“) und dem neuesten Grönland-Rohdiamanten bereits jetzt ein Karat-Siegel verpasst, für das so manch etablierter Act Haus und Hof verkaufen würde.
Genauso soll es weitergehen. Gerne auch „Forever & Ewig“. Da hat der Freund atmosphärischer Elektro-Pop-Klänge überhaupt nichts gegen. Ganz im Gegenteil.
(Musikblog)

An einer guten Mischung an Vorabsingles lässt sich es sich bei „HYPE“ definitiv nicht klagen. Von „Hearts“, „Hype“, „Ewig & Forever“ bis zu „Dschungel“ gab es eine bunte Tüte von den Klangwelten der beiden Berlinerinnen zu hören und zu sehen, immer dabei das gewisse Gefühl von Freiheit, Leben, der Vergangenheit, der Gegenwart und der Zukunft.
Daneben geht man auch schon mal in das „Séparee“ und begutachtet das Flirtverhalten zu später Stunde oder reflektiert über das Leben und Sein („Mirror“).  Dann zieht man mit ihnen zusammen durch den Berliner Großstadtdschungel („Dschungel“), preist die Freiheit an und philosophiert über die Liebe und das Leben. Verpackt sind die 10 guten Stücke in einem poppigen Retro-Synthiesound, der einem das Gefühl der gewissen Leichtigkeit und alles ist nicht so schlimm Stimmung vermittelt.
(The Mellow Music)

"There is no other..." ist ein verträumtes, mit psychedelischen Verzierungen durchzogenes Werk, dessen Ecken und Kanten spürbar, aber nur unter dem Mikroskop sichtbar werden. Federnder Folk, der sich an den Sechzigern orientiert und Indiepop, gerne mit leicht frankophiler Anmutung vorgetragen, markieren die Bandbreite, in der sich die Musikerin bewegt. Alles scheint so ein wenig im Halbdunkel zu liegen, viele Melodien flirren wie Glühwürmchen durch den Abendhimmel, nur wenig Licht oszilliert am Himmel, schillert aber in den schönsten pastellenen Farben.
(Plattentests)

Die Beschäftigung mit den konstruktiven Aspekten des Daseins führte auf der musikalischen Seite keineswegs für eine entspannte Grundhaltung. Wie gewohnt lamentiert Channy eher als dass sie singt und die musikalischen Elemente kommen bestenfalls mit einer bedrohlichen Grundstimmung daher, die oft auch desolate Aspekte beinhaltet. So richtig glücklich können oder wollen Poliça also nicht sein - was vielleicht aber auch ganz gut so ist, denn so kam am Ende eine recht typische Poliça-Scheibe dabei heraus.
(Gästeliste)

Bei all dem Gebleepe, Geblitze, Getrommel und Gezappel, das die hyperaktiven Songs begleitet, denkt man an John Maus und fragt sich, ob das wohl so sein soll, mit der Geschwindigkeit der Songs. Es soll. Auch wenn manche so klingen, als wären sie für eine Spielhalle in Tokio komponiert, in der 14-Jährige an ihren Highscores schrauben.
(musikexpress)

Die Kunst und die Schönheit von Deacons Kompositionen liegt oftmals hinter den Soundgerüsten, die er im Mittelteil von „Mystic Familiar“ großzügig aufbauscht („Arp I: Wid Eyed“) oder scheinbar einer völlig wilden Eskalation aussetzt, wie im hektischen „Arp II: Float away“.
Doch hier lohnt es sich, genauer hinzuhören und sich nicht nur von den elektronischen Tönen, sondern auch von Deacons Gesang mitreißen zu lassen:
Der Elektro-Künstler setzt hier auf langgezogene, sentimentale Töne, dessen Lyrics wortwörtlich zum Dahintreiben einladen. Sich darauf einzulassen, könnte auch schon eine Kunst für sich sein.
(Musikblog)