The album begins with The Night which has vague reflections of 1985’s Dream Within A Dream as occupies the same tracklisting – maybe a conscience attempt to offer a slight replication to their debut album?  Perhaps, but it would be foolish of them not to try and appeal to fans of old who still hold A Secret Wish dear.  Lead single, the jagged Don’t (You Mess With Me) is a powerhouse of a single wrapped into 3 minutes, near shouty vocals and a throbbing bass and percussion thread.  It’s a grower if ever there was one.

There are potential singles in The Wolves Are Returning (a rocky pop affair with a thundering drive) and Only Human (a highly addictive electro anthem)  too and album closer, the near ten minute Ribbons of Steel, is a delicate, echoing journey into the sunset with a haunting spoken vocal that creates calm and transcendence.

xPropaganda have made an album that not only gets better with every listen but is a collection of “sonically thrilling, boundary-pushing pop music.”  A worthy addition to any fans of the band’s first incarnation and to anyone who hasn’t encountered them previously.  The Heart Is Strange, indeed it is.

(At The Barrier)

Kicking off with the epic opener The Night, the album builds with sweeping electronic soundscapes, underpinned by strident beats and laced with expressive, passionate vocals that remain as evocative decades on. 

Despite clocking in at eight tracks, ‘The Heart Is Strange’ packs a hefty punch, with more than half of the songs surpassing the five minute mark, making for a slow-burning collection that invites you to experience a world beyond the music. 

Pre-release tracks Don’t (You Mess with Me) and Beauty Is The Truth breathe new life in the context of the album, while the smouldering, slow burner Chasing Utopia and stomping The Wolves Are Returning – a damning commentary on the refugee crisis – stand out on first listen. 

The intense, obsessive No Ordinary Girl is as much a performance piece as it is a pop song and serves as a prime example of Brücken and Freytag’s impeccable storytelling through their music and vocals. 

(Retro Pop)

Aber in „More Power“, dem Eingangsstück seines dritten Solowerks, wird die Attitude schnell mithilfe des Kinderchors klar, der sich ins Thema singt: Hier spricht ein Erwachsener über Fehler, die er als junger Mann, als Sohn, vielleicht als Bruder gemacht hat.

Und die er jetzt, mutmaßlich therapiert, anders sieht: „Mother, I admit that I was angry for too long“, singt Gallagher und bezieht sogar den absenten Vater ein: „Father, I can see so many things now that you’re gone.“ Auf „C’mon You Know“ zeigt ein überaus konzilianter Ex-Rebell, was musikalisch von den wilden Zeiten übrig bleibt. Das ist nicht wenig: Wie üblich ruft aus stimmungsvollen Balladen die allgegenwärtige Suche nach „Wonderwall“ 3.0, „I’m Free“ kombiniert Dub-Ryhthmen mit dreckigen Gitarren. Und über allem schweben Lennon/McCartney, denn die haben Liam Gallaghers Handbuch geschrieben.

(Rolling Stone)

In den beiden Auftaktstücken "My own Satan" und "All these fears" regiert musikalisch jene Energie, die gerade die Live-Performances so unwiderstehlich macht. Keine Frage: Diese Nummern bereichern die Setlists zukünftiger Auftritte. Parts zum Mitpfeifen, Passagen zum Mitsingen, kleine Bläser-Einschübe – Friska Viljor schielen hier unmissverständlich auf das Konzertleben.

Indes: Auch auf "Don't save the last dance" lauert ein doppelter Boden, "Something is holding me down on the ground", heißt es zum Beispiel im nur scheinbar luftig-lockeren "My band". Und in der Folge tritt das Duo auch musikalisch mehr und mehr auf die Bremse, angefangen bei "Inbreeds", danach und vor allem im ganz reduzierten Stück "Rest". Ein Moment des Innehaltens, praktisch nur von einer dezent eingesetzten Akustikgitarre begleitet. "Turn the tide" zum Finale kommt fast als Gute-Nacht-Musik daher.

(Plattentests)

Dreh- und Angelpunkt des Albums stellt “Inbreeds” dar, das sich vorsichtig aufbaut und von hellen Kopfstimmen und gezupften Gitarren dominiert ist. Über sechs Minuten geben sich Friska Viljor immer bombastischer, schichten Instrumente übereinander und klagen damit auf eindrucksvolle Art jegliche Zwietracht an, die mit bösen Absichten in die Welt gesetzt werden.

Und auch wenn die Botschaft nicht die aufbauendste ist, so fühlt man sich am Ende von “Don’t Save The Last Dance” doch ein kleines bisschen besser. Nicht, weil die Band mit guter Stimmung ablenkt, sondern gerade, weil sie klarmacht, dass es trotz allem Schlechten auch genug Gutes gibt, für das man nicht einfach so aufgeben darf.

(musikblog)

These melodic songs, seeded from folk and country, are among the loveliest of his career (particularly Gladiator). But he can’t help but tinker: it’s easy to hear the earwormy Two Of Us as an EOTS song that’s been reined in; Get Out Now is a lighters-in-the-air synth-pop ballad par excellence. By the closing quarter, as on My Boy, he often resembles something close to Hot Chip covering a Radiohead ballad. A low-key triumph.

(Record Collector)

Porridge Radio wirken in überschwänglichen Momenten wie eine Selbsthilfegruppe von Suizidgefährdeten, die allen Frust herausschreien und danach ein Kinderlied anstimmen. Sie sind wie Apfelkuchen und Antidepressiva: Man weiß nie genau, was man bekommt und ob sich das eine mit dem anderen verträgt. „Trying“ und „Birthday Party“ lachen der Orientierungslosigkeit in die hässliche Fratze, stemmen sich mit hymnischen Harmonien und Jahrmarktsorgel gegen den freien Fall in die Paranoia.

Die Art, wie Margolin noch die trübsten Emotionen in melodieverliebte Songs ummünzt, erinnert an The Cure. „End Of Last Year“ beschwört die anmutige Zerrissenheit von Marianne Faithfull herauf. Überhaupt sind es die Balladen, die einem den Atem rauben, allen voran das todtraurige „Flowers“. Und trotzdem enthält diese Platte keinen Ton Selbstmitleid. Vielleicht weil Porridge Radio, egal durch welche Krise sie gerade schlingern, nie die Freude am Leben verlieren.

(Rolling Stone)

Gott sei Dank dreht Margolin nicht permanent voll auf. Und auch der Indie-Rock von Porridge Radio entwickelt mit jedem Album, jedem Produktions-Upgrade, neue Klangfarben. Die Lo-Fi-Tage, in denen die Band mit dem Laptop in einem Schuppen aufnahm – so geschehen anlässlich ihres 2016er-Debüts RICE, PASTA AND OTHER FILLERS –, sind Geschichte. Inzwischen türmen die Briten beachtliche Shoegaze-Wände auf und machen ausgiebig Gebrauch von den Wurlitzer- und Hammond-Orgeln des Mietstudios. Ergo: eine Prise 60s-Feeling und Vintage-Gruselfilm-Atmosphäre.

„Trying“ ist die bis dato wohl eingängigste und beschwingteste Nummer der Band, während die Piano-Ballade „Flowers“ ein orchestrales Crescendo andeutet. Das bereits erwähnte „The Rip“, auch ein Hit in spe, kombiniert spacige Retro-Synthies mit Grunge-Gitarren. Wenn Dana Margolin am Ende das emotionale Auf und Ab im Titelsong „Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky“ noch einmal zusammenfasst, tut sie das allerdings zurückgenommen, mit Akustikgitarre. Es ist wie ein langes Ausatmen nach einem Heulkrampf. Erschöpft und erleichtert zugleich.

(musikexpress)

Every song on IDKNWTHT is strong on its own merit, but when digested as a whole, the album is overwhelming in the best kind of way that stirs the soul. For an album with so many emotional peaks and valleys, things end with a sense of resolution on the comforting title track. (…) Even through its darkest moments, Tomberlin has an optimistic outlook. 

(Sputnik Music)

Tender, enduring melodies and earnest lyrics are central to the record. That’s not to say all Tomberlin’s feelings are soft ones – the slow-burning opener easy finds her quietly ferocious, imploring, ‘stop telling me I’m easy’, and on born again runner she continues to grapple with her religious upbringing. Elsewhere, tap ticks along merrily, at odds with its lyrics that broach social media, reality TV and questions of identity and worth. She’s as compelling at her softest (memory, unsaid) as she is on louder, crunchier moments like happy accident and stoned.

Tomberlin writes songs like they’re talk-therapy sessions, and in turn, her self-soothing becomes a tonic for the listener. The record closes with idkwntht; like a lullaby, cyclical and rocking, it conjures a dream state that positions her to convey her simple demand: she wants us to sing our feelings.

(The Skinny)

Listeners of Tomberlin’s music will be familiar with her unique song building style. “memory” and “collect caller” sound as if they’re being moulded in real time: the former’s breathtakingly simple arrangement highlights the skin tingling levity Tomberlin’s voice can possess; the latter’s tension filled repetition alludes to it’s organic conception. Though these songs may have the air of newness, they are clearly meticulously put together.

(The Line Of Best Fit)

Am besten kommt Knyphausen im Duett «Dasein» mit der Schweizer Singer-Songwriterin Sophie Hunger zur Geltung, seinem Label zufolge «die in szenischen Miniaturen geschilderte tragische Lebensliebesgeschichte eines anonymen Paares». Schon jetzt eines der berührendsten deutschen Lieder des Jahres - die Band erklärt es so: «Als sie am Tag der Aufnahme, einem hellen Wintervormittag, die Straße entlang gewippt kam, bester Laune, sang Sophie bereits die ersten Zeilen und grinste uns an: «Das wird künftig bestimmt viel auf Beerdigungen gespielt.» Kaum weniger melancholisch klingt der Husten-Sänger im prächtigen «Wind in den Antennen». (…)

«Aus allen Nähten» von Husten - diese Platte macht traurig und glücklich zugleich.

(Zeit)

Doch obwohl „Goodbye“ überquillt von Liebeskummer und Herzschmerz, trägt Vance-Law seine Leidensstory so virtuos mit wehmütiger Grandezza, trotziger Lakonie, musikalischer Offenheit und sanfter Opulenz vor, dass dabei große Popkunst entsteht, auch dadurch, dass er etwa das „I know you’ll never love me again“-Lamento aus dem kurios zerrissenen „Kiss Me“ mehrmals wieder aufgreift – wie im polyrhythmischen Verwirrspiel „No Love“ oder in der Saxofonmelodie von „Too Soon“ – und es so zum Leitmotiv macht.

Im Walzer „Icarus“ nutzt er griechische Mythologie als Beziehungsmetapher, für „Get Out“ borgt er sich Eighties-Synthiepop, mit der Klavierballade „Blissful Times“ nähert er sich dem Great American Songbook an. Ständig wechselt er den Tonfall, durchläuft auf „Goodbye“ die fünf Phasen, die Elisabeth Kübler-Ross eigentlich der Verarbeitung von Sterben und Tod zugeordnet hat: In den Songs leugnet, wütet, verhandelt und trauert Sam Vance-Law, bis er schließlich im ergreifendnüchternen „Been Drinking“ das Aus akzeptiert und in berückender Zartheit seinen Frieden macht mit dem Ende dieser Liebe.

(Rolling Stone)

So traurig die Texte auch sind, "Been drinking" ist auch noch so ein ernüchternder Song, begleitet nur durch ein Klavier und spärlich eingesetzte Perkussions, schafft es der 35-Jährige doch immer wieder auch eine wohlig warme Stimmung mit seiner Musik zu erzeugen. Er spielt alles durch. Die Probleme in der Beziehung, die Trauer, das Vermissen, die Hoffnung und dann die Einsicht. Sam Vance-Law schafft etliche Facetten mit Streichern, Bläser und Piano, sowie Synthies und E-Gitarre und schafft so eine äußerst gelungene Vertonung seiner Emotionen. Kein Werk, dass vor Melancholie überquillt, sondern eins, dass den passenden Ton trifft, sodass auch er schlussendlich ein versöhnliches Ende, begleitet von einer gezupften Akustikgitarre, findet. "Here's I guess a last goodbye to you my friend / Lord knows this isn't easy / ... / Thanks again“.

(Plattentests)

Das vierte Moderat-Album ist der bislang klarste, entschlackteste Entwurf ihrer mit den Mitteln von Techno erarbeiteten, futuristischen Popmusik. Es ist das besondere Talent des Trios, verschachtelten Rhythmusgerüsten und atomisierten Soundscapes Radiotauglichkeit zu verleihen. Gebündelt wird der Strauß an experimentellen Klängen von Sascha Rings Stimme, hier einmal mehr mit Effekten gebläht und gedehnt, sodass er mal wie David Sylvian („Doom Hype“), mal wie Dave Gahan („Undo Redo“) und mal wie ein im Weltraum ausgesetzter Blauwal klingt („Drum Glow“).

Mit Ausnahme des treibenden „Neon Rats“ halten sich die Stücke mehr denn je vom Dancefloor fern. „Soft Edit“ glitcht sanft über Vocoderwellen wie ein endgültig zur Maschine mutierter Bon Iver. Das wie kalter Rauch ausfadende „Copy Copy“ sucht den erhabenen Minimalismus von Frank Ocean, während „Easy Prey“ den TripHop von Massive Attack aus den 90er-Jahren weiterdenkt. Es ist Musik für U‑Bahn-Schächte, nur starrt man dabei nicht mehr traumverloren auf vorbeiflackernde Waggons, sondern auf Smartphone- Apps, die ständig ihre Gestalt wechseln.

(Rolling Stone)

„King“ heißt die Single, die auf die Agenda setzt, was Welch beschäftigt hat: Familienplanung, tickende biologische Uhren, solche Sachen. Zum Kitchen-Sink-Realismus lässt sich die Königin des pompösen Wallekleid-Pop zwar auch weiterhin nicht herab. Trotzdem ist ihr fünftes Album für ihre Verhältnisse eine rohe, schroffe, ja intime Angelegenheit geworden. „Heaven Is Here“ rumpelt karg und intensiv; dem traumhaften Soul-Stück „Girls Against God“ sitzt eine dezente Noise-Gitarre im Nacken.

Manchmal singt Welch in Songs, die dicht produziert, aber nie zu vollgestellt klingen, im Duett mit sich selbst wie die frühe Lorde, oft singt sie ungekünstelt und frei von Primadonna-Ambitionen – und dabei so toll wie noch nie. „I am no mother, I am no bride, I am King“, heißt es in „King“. Keine schlechte Zwischenbilanz eines (Künstlerinnen-)Lebens.

(musikexpress)