Die neue Platte ist der royale Soundtrack zu einem Film, in dem Dury höchst unterschiedliche Charaktere einnimmt. Exemplarisch ist das zu hören in der ersten Single-Auskopplung „Miami“: Hier groovt zunächst ein pulsierender, melodischer Basslauf als Fundament, auf dem im Verlauf des Stück weiter aufgebaut wird. Eine verhallte Retro-Synth-Melodie mit funky Gitarrenausschmückung kommt hinzu und wird von den smoothen Backingvocals von Madelaine Hart aufgriffen und durch dramatische Streicher ergänzt. Dazu schnoddert Baxter Dury alias Mr. Maserati – ganz großartig ausgesprochen – einen angriffslustig-größenwahnsinnigen Monolog Richtung HörerInnenschaft.Die Cockney-Poetik kommt ganz nach seinem alten Herrn, mit seiner tendenziell relaxteren Griesgrämigkeit setzt sich Baxter Dury aber auch elegant vom übergroßen Vorbild ab. Auf „Porcelain“ wird nahtlos weiter gegroovt und der Fokus auf die neue Errungenschaft im Dury-Sound gelegt: dem Orchester. Zu anmutigen Geigen-Melodiebögen und Bläsern wirft die britische Sängerin Rose Elinor Dougall mit ihrer samtenen Stimme Durys Charakter Porcelain Boy stilvoll diverse Gemeinheiten an den Kopf.(byte.fm)

Um das auch musikalisch zu unterstreichen, fanden diesmal sowohl eine Band als auch ein Orchester Einzug in die lässig-entspannt wirkende Klangkulisse, die allerdings darüber hinwegtäuscht, dass Dury im Leben oft von Schatten begleitet wurde. Auf Albumlänge schaut der Prinz der Tränen wie durch einen Filter auf sich und die Welt. »Das ist massiv wahnhaft, aber auch genau deshalb ehrlich emotional«, sagt er selbst. 
Nach all den sanft ratternden Synthies, orchestralen Fragmenten, den eindringlichen Background-Vocals von Madeleine Hart und zu guter Letzt Durys hypnotischem Sprechgesang kann man ihm nur beipflichten: Gefühle wurden schon lange nicht mehr so stilvoll in Songs gegossen.(intro)

Of the 10 tracks here, only the breezy, love-struck "Weekend Woman" has a trace the power-pop magic Weezer are capable of. The lyrics add up to little more than cheeseball pickup lines — "You don't have to die to go to heaven" — but its sun-kissed chorus melody casts the rest of the songs in an unflattering light. Weezer have had their share of ups and downs over the years, but Pacific Daydream finds them at their most clunky yet.

At one moment I Can’t Believe I’m Dead is a howling banshee of a song wandering into Iggy Pop realms of intense, punked out insanity, Love Love Love plays to an 80’s post-punk gallery and Two Actors In a Cage is perfect for the modern underground pop set. And yet despite the fact that these songs seem custom built for a variety of audiences, they make perfect sonic bedfellows.The album is a wonderful tapestry of dream pop soundscaping, introverted shoegazing, the occasional grunge work out, darkly detached and emotive vocals, and razor wire riffs bound together by meshes of wild and warped guitar. The word here is texture, like an exotic hand made Persian rug, musical lines are warped and wefted to wonderful effect and despite the riot of colour, nothing is wasted, no one thread obscures another, the complex beauty is apparent for all to see.(Dancing About Architecture)

Their music is elastic with some pretty catchy riffs, multilayered in each track with some solid pop elements that, taken all together, develop their colorful and acute style. They’re young and make music to sing their hearts. That alone is quite attractive, and if you add their musical and sound engineering education then you have a rich and fresh, good alternative rock debut LP.These fuzzy guitars with the pop riffing along with their “naive” vocals may work as a passport to bigger stages, airplay, and a wider audience. The Dayoffs seem to gravitate toward Teenage Fanclub or Starsailor with that positive energy taking over the melodic jackets in their songs.(Noise Journal)

If you like your music punky and raw then you'll enjoy much of this debut from The Dayoffs. Their self-titled breakthrough boasts an opening four powerful punky numbers that screech along nicely, though they do have a habit of merging together. Thankfully the Oasis-like track five 'Nobody Knows Her' cuts back the punkiness to make for a far more listenable piece to me, and it feels like an entirely different band or album. 'Two Actors in A Cage' continues the more enjoyable stripped-back indie feel. Continuing in the vibe of Weezer through songs like 'A Million Days' and 'Next To Nothing' things start to get a little samey until the harmonica-introduced and perkier 'State of Madness' lifts things up much more with its quirky and poppier aesthetic and feels more like a single. (KPBS Magazine)

Schon der Opener fängt mit Klavier und Geige dramatischer an als „Sprained Ankle“ aufhört. In „Televangelist“ und „Everything That Helps You Sleep“ muss die Gitarre sogar ganz dem Klavier weichen.“Die neue Vielfalt steht Ms. Baker ebenfalls prima und findet im finalen „Claws In Your Back“ seinen Höhepunkt. Wie sich hier, abermals zu einem viereinhalb minütigen Crescendo, ihre Stimme über Klavier und Streicher in die Höhe schraubt, ist Gänsehautmoment pur – und nur einer von vielen auf „Turn Out The Lights“.Trotz der voluminöseren Produktion und einem größer gedachten Songwriting ist Julien Baker noch besser geworden als auf ihrem bereits hervorragenden Debüt „Sprained Ankle“. Ein dramatischeres, in seiner Schönheit theatralischeres Singer/Songwriter-Album als „Turn Out The Lights“ hat es und wird es in diesem Jahr nicht mehr geben.(musikblog)

Auch in musikalischer Hinsicht öffnet sich Baker für Piano, Holzbläser und Streicher, die ihre schüchtern gezupfte E-Gitarre unterstützen. Beide Wandlungsprozesse verdeutlicht »Hurt Less«. Hier drückt Julien Baker zu einer verspielten Klaviermelodie zumindest dadurch eine neu erlangte Wertschätzung ihres eigenen Lebens aus, dass sie mittlerweile simple Sicherheitsmaßnahmen wie den Anschnallgurt nutzt und Wege findet, den Daseinsschmerz durch das Zusammensein mit lieben Menschen geringer werden zu lassen. Die Betonung liegt natürlich auf »geringer«, denn auch »Turn Out The Lights« bleibt in jeder Sekunde fragil wie eine Seifenblase — und an seinen besten Stellen ebenso wunderschön schillernd.(intro)

• 26.10. Stuttgart
• 12.11. Köln
• 13.11. Frankfurt
• 26.11. Bremen
• 27.11. Hamburg
• 28.11. Erlangen
• 29.11. Leipzig
• 01.12. Berlin

„Resurgam“ ist ein Gegeneinander von Klängen, die sich am Ende eines Songs durch ihre Wiederauferstehung in ein Füreinander verwandeln. Jeder Ton schmeichelt dem anderen, auch wenn es zuerst nicht so klingen mag. Über alledem wacht Greenalls Stimme.

Düster ist die Grundstimmung des Longplayers, kein Wunder, denn zwischen den Wolken blitzt nur manchmal die Sonne durch. Lillys Stimme erinnert an Marina And The Diamonds, mal stark und vorwurfsvoll, mal leise und traurig, aber niemals gebrochen.„Listen To Your Mama“ sticht aus den 11 Songs besonders hervor. Die schnelle Nummer mit den munteren Streichern geht sofort ins Ohr, ich möchte mitsingen und dazu unter der Diskokugel tanzen. (…)„Aerial Perspective“ ist ein Album, das abwechslungsreich und perfekt produziert ist. Mit so einer Platte kann man richtig berühmt werden. Also Lilly auf, auf – von Würzburg in die weite Welt des Pop!(musikblog)

Auf Aerial Perspective finden sich schwere, melancholische Balladen wie Long Distance Relationship, Awake und Blood & History – lillys Markenzeichen. Doch wie die Sonne durch die Wolken, so brechen sich auch manche Songs des Album ihren Weg frei zum Licht. Remember Me und Listen To Your Mama klingen fast euphorisch.(funklust)

Die eingeschlagene Marschrichtung lautet durchweg: Intimität durch Bombast. Auch wenn man es Lilly Among Clouds zugute halten muss, dass sie dies gnadenlos durchzieht, scheitert dieses mutige Spiel mit dem Klangmonster an vereinzelten Stellen. "Listen to your mama" dringt zwar schnell ins Ohr, ist mit seinem quietschenden Geigen-Sample letztlich aber doch ein bisschen arg klebrig. Auch das etwas gitarrenlastigere "Keep" hat in der Plugin-Hölle zu kämpfen. Der röhrende Synthie und das kitschige Elektro-Drumpad wären auf der letzten Chvrches-Platte besser aufgehoben gewesen. Glücklicherweise zeigt die junge Solokünstlerin im bezaubernden "Like a bombshell", welches von einer triefenden Akustikgitarre getragen wird, direkt danach, dass sie es viel besser kann. Das ausgereifte Songwriting kommt in der anschließenden Single "Your hands are like home" gut zum Vorschein, welche überdies mit einem überzeugenden Handclap-Finale ausgestattet ist und Hit-Charakter besitzt. Hier lässt sich erkennen, dass hinter der dicken Soundmasche Charakter steckt. Und zwar der von einer Frau aus einem kleinen Dorf, die auf sich aufmerksam macht. Mit Musik.(Plattentests)

Opener ‘There’s Nothing More Beautiful Than A Well-Made Machine’ is a mouthful that is perfectly nestled into a stomping ‘80s dance vibe – think of Ultravox’s ‘All Stood Still’. ‘Antarctica’ glistens with guitars, piano, and rolling drum lines, Arzy and Moyer coming on like a 21st century Bananarama – not a bad thing at all.The title track is an absolute killer and rightly released as a single, combining a Lush-ious pop backbeat with an earworm melody that hooks you in from first note to last. The textbook definition of “dancefloor filler” – if the kids still go to clubs to dance anymore. Brilliant!Elsewhere, ‘Are You Numb?’ has an eerie Gothic vibe, ‘Fall Feeling’ is a romantic cuddle-up (with guest vocals from the good ol’ Trembling Blue Stars days courtesy pseudo-mentor Bobby Wratten), and the timely ‘Laura Palmer’ is here for everyone who missed out on the early single, particularly all you Twin Peaks fans. ‘What You’re Asking For’ ends on a dreamy note, like floating through meringue, accompanied by angels on synthy wings. No sophomore jinx, here, Blue Field is a winner from start to finish.(Soundblab)

The band responds by backing them with echoing guitars, cloudbursts of keyboard, and a thundering rhythm section. The approach works really well for them, and unlike a lot of bands that sound bloated when they pump up their sound, the Luxembourg Signal come off really well in the bargain. The bandmembers have a strong sense of when to bury the listener in fuzzy waves of sound and when to scale back; they are able to marshall their instruments into hypnotic walls of sound; and they never sacrifice melody for noise. Tracks like the loping "Are You Numb?" and the subdued "Antarctica" prove that the band has a mastery of this hybrid indie pop/dream pop approach, and the rest of the album creates a mood that switches between sweet melancholy and small-scale epicness in ways that most old shoegazers and dream poppers wish they could still manage.(All Music)

• 17.01. Marburg
• 18.01. Stuttgart
• 19.01. München
• 30.01. Münster
• 31.01. Hamburg
• 01.02. Hannover
• 02.02. Berlin
• 03.02. Köln
• 06.02. Erlangen
• 07.02. Heidelberg
• 09.02. Wiesbaden
• 10.02. Leipzig

I TELL A FLY ist eine radikale Weiterentwicklung des Debüts AT LEAST FOR NOW, auf dem der Londoner Brit-Chansons über sein Innenleben sang. Auf der neuen Platte spiegeln sich in den von Tieren bevölkerten Geschichten die Krisen unserer Zeit: Flüch­tende und Migranten, Syrien und der „Dschungel von Calais“, Paris, Amerika und die Boote im Mittelmeer. Das Songwriting ist fokussierter und von stärkerer literarischer Spannkraft, mit der Clementine seine jahrelange Lektüre der großen Meister kanalisiert: Hemingway, Blake, Wilde, Orwell. Jedes Wort ist zehnfach abgewogen und feingeschliffen. Zwischen den Zeilen tut sich eine surreale, finstere Welt auf. (…)
Clementines Stimme ist wieder eine Wucht: oszillierend zwischen fragilem Falsett und bebendem Tremolo, die Töne biegend, unverwechselbar in der Dynamik – bis auf eine ferne Verwandtschaft zur dunklen Thea­tralik von Nina Simone oder Antony Hegarty. Auf dem Debütalbum war diese Stimme – vielmehr noch als das Piano – sein wahres, großes Instrument. Auf I TELL A FLY ist die Musik mitgewachsen.(musikexpress)

Sein Album ist fordernd, expressiv und erzählt vom Scheitern am stinknormalen Leben, von stinknormalen Menschen mit stinknormalen Jobs.Das äußert sich vor allem in der Musik und den wechselnden Klangfarben der Stimme. "I Tell A Fly" ist kein Pop-Album, das auf Effekthascherei aus ist, schreit nicht nach Aufmerksamkeit, bekommt sie aber durch seine Komplexität trotzdem. Clementine spielt das Klavier, das oft einziges Element in den Songs bleibt, bevor seine Stimme einsetzt. Dann tauchen plötzlich weitere manipulierte Stimmen auf, die Unverständliches erzählen, dann an Opernaufführungen erinnernde Chöre, dann Elemente aus Jazz, dann ein Cembalo und immer wieder das Surren von Synth-Tönen, die den Kopf umkreisen wie Miniatur-UFOs kurz vor der Landung. (…)
Benjamin Clementine vertont das weltweite Wandern von Menschen, die sich an einem Ort nicht mehr wohlfühlen, weil sie alleingelassen wurden oder sich alleine fühlen; sein Album macht Flucht und Einsamkeit nachvollziehbar. Zumindest Clementine hat auf "I Tell A Fly" seinen Rückzugsort gefunden. Ob man selbst nun alleine ist oder nicht: In diesen Ort einzutauchen, lohnt sich in jedem Fall.(mittelbayerische)

Millan’s confident vocals on “Hope Avenue” make it sound like she could be a popstar in the vein of Robyn. Campbell gets a requisite U2-style burner on “Alone,” and it’s pretty glorious. The trim, popstep-inflected productions roll on through the piano-caressed “We Called It Love,” with big haymakers from Campbell (“The Maze”) and cosseting enchantments from Millan (“California, I Love that Name”) coming all the way through the end.It’s surely significant that, for the first time, Stars turned over some control to an outsider: producer Peter Katis, who has worked often with the National. For a band like Stars, whose lifeblood and liability has always been bombast, having someone around to arch an eyebrow at them now and then must go a long way. There Is No Love in Fluorescent Light sounds like a band who defied the notion of growing up by realizing that it did anyway, and that it’s strong enough to carry on.(Pitchfork)

The album's core shows the band refining their music, mixing their recent dance-oriented work with the orchestral pop of previous years. Millan shines on "Real Thing," her self-described "pop song pepper spray" that puts possessive men in their place. Campbell sings of isolation on the celebratory pop of "Alone," delivering one of the record's best lines: "I've got the keys and I've got the car, don't make me need you when I've come this far alone." "California, I Love That Name" is a moment of sheer beauty, while "The Maze" begins with sinister instrumentation before Campbell affirms, "I fell into a dream!" There's a sense of bombast to the album that jumps out amongst the gentle tracks, the band staying true to "[making] the small things big and the big things a chorus," as Campbell describes in the album's press release. There Is No Love in Fluorescent Light is the sound of a band that know themselves. Stars speak to the truths we grapple with, and the internal nature of our emotional experiences. It's a gift to hear this realized.(Exclaim)