Archive for Januar 2021

Ja, hier kann man wirklich große Augen machen. Die 33-jährige Berlinerin Albertine Sarges veröffentlicht über das britische Indielabel Moshi Moshi ihr Debütalbum, dem es irgendwie gelingt, eingängigen Indiepop, Funk & Groove, Spoken Word-artige Texte zu Themen wie feministische Theorie, Bisexualität, Gender-Stereotypen sowie mentale Gesundheit, Querflöten-Exkurse und Vokal-Akrobatik, ihre Begeisterung für den New Wave von The B-52’s bis Talking Heads und unvermittelt einen Song mit deutschem Text unter einen Hut zu bringen.

„The Sticky Fingers“ bietet insgesamt 8 Songs in 36 Minuten und bei dieser stilistischen Vielfalt und dem ständigen Auf und Ab und Richtungswechsel sind der erste („Free Today“) und letzte Song („Roller Coaster“) wahrlich gut gewählt.

Albertine Sarges war jahrelang als Session- und Livemusikerin (u.a. für Kat Frankie) aktiv und Teil des Synthie-Duos Itaca. Den ersten Lockdown nutzte sie (notgedrungen) kreativ, um mit ihrer Begleitband The Sticky Fingers (Bassistin Shanice Ruby Bennett, Schlagzeuger Robert Kretzschmar und Flötistin Lisa Baeyens) ihr erstes Soloalbum aufzunehmen, das ursprünglich im November letzten Jahres hätte erscheinen soll. Jetzt ist es mitten im nächsten Lockdown erschienen, kann aber auch ohne Plattenladenbesuch als Limited Edition Coloured Ultra Blue 12" Vinyl bestellt und nach Hause geliefert werden.

Da wäre der Opener "Free today", der mit pumpendem Beat und Spoken-Word-Intro beginnt, dabei dezent jazzige Züge trägt, sich aber im Laufe seiner fünfeinhalb Minuten mehrfach wandelt. Punk und Dance, Soul und Jazz werden hier munter verrührt, Sarges' Stimme steht gravitätisch im Zentrum. Dass es in diesem Track kein klassisches Strophe-Refrain-Schema gibt, muss man eigentlich nicht erwähnen. Sarges' Kompositionen wirken außerhalb der Norm, streifen den Erwartungshorizont in seltenen Momenten, wobei es aber auch gleich super eingängig sein darf. "Post office" klingt wie ein, kein Scheiß, 2020er-Jahre-Update von Alanis Morissette. Weiter entfernt könnten zwei Songs kaum sein. Dazwischen ist so ziemlich alles möglich, was die elaborierte Pop-Musik der letzten drei Dekaden so hergibt. Man denkt an The B-52's, an Peaches, an Parquet Courts, an Bambina. "Stille", der einzige deutschsprachige Song auf dem Album, erinnert ganz besonders an die Letztgenannte, in all seiner Theatralik und stimmlichen Akzentuierung. Und fällt damit irgendwie auch aus dem Rahmen.
(Plattentests)

Bereits 2019 erfreuten und überraschten Weezer ihre Fans mit gleich zwei Albumveröffentlichungen. Bei Platten vor Gericht kamen „Weezer (Teal Album)“ und „Weezer (Black Album)“ mit 5,000 bzw. 5,125 Punkten nicht ganz so gut weg und landeten nebeneinander ziemlich am Ende unserer jährlichen Rangliste auf den Plätzen 256 bzw. 255.

Auch dieses Jahr wird es zwei neue Alben von Weezer geben („Van Weezer“ ist für Mai angekündigt) und erneut kam die erste Plattenveröffentlichung ziemlich überraschend. Zwar ist „OK Human“, anders als „Weezer (Teal Album)“, keine Ansammlung von Coverversionen, sondern liefert in rund 30 Minuten 12 neue Songs von Rivers Cuomo & Kollegen - jedoch in ungewohnten Arrangements!

Das Piano rückt mehrmals in den Vordergrund und alle Songs werden mit kitschigem Streicher-Schmalz übergossen, den ein 38-köpfiges Orchester einspielte. Analoger Baroque-Pop mit eingängigen Melodien statt des x-ten Indie-Rock-Aufgusses oder seltsamer Elektro-Pop-Experimente. Das können Weezer also auch und zwar besser als alles andere, was sie in den letzten Jahren ablieferten. Dass Weezer in begleitenden visuellen Medien im Stile der 60er und 70er zu sehen sind, gehört zum treffenden Konzept. Schade eigentlich, dass sie nicht mit Schlaghose, Oberlippenbart und langen Haaren zu viert auf einem Cover in Brauntönen zu sehen sind.

Niedlich und harmlos ist OK Human also, Nostalgiemusik, in der nicht nur frühere Themen und Typen aus Cuomos Schaffen auftauchen, sondern auch ein Talent anklingt, das dem Songwriter zwischenzeitlich abhandengekommen schien. Was er zu Beginn seiner Karriere mit verschwenderischem Händchen für Melodien und Refrains besorgt hatte, mussten Weezer zuletzt mit besonders dickem Pinsel in ihre Lieder hinein schmieren – wenn sie nicht gleich auf die Melodien und Refrains anderer Leute setzten. Auf OK Human kehrt Cuomo stattdessen noch einmal den Feingeist hervor. Allein die kurze Pause vor dem Pathosfinale des Songs Numbers ist lustiger und effektiver als jeder E-Gitarren-Stunt der jüngsten drei Weezer-Alben.
(Zeit)

10 Fakten zum neuen Album von The Notwist:

1. Sechs Jahre, elf Monate und vier Tage mussten Fans von The Notwist auf ein neues Studioalbum warten. Obwohl auch zwischen „Neon Golden“ (2002) und „The Devil, You + Me“ (2008) und „Close To The Glass“ (2014) jeweils mehr als sechs Jahre lagen, sind diese 2530 Tage Wartezeit neuer Rekord.

2. „Vertigo Days“ ist das insgesamt achte Album der Band. Seine 14 Titel laufen 49:28 Minuten. Mit „Al Norte“, „Ghost“ und „*stars*“ gibt es drei Tracks, die nur etwas mehr als eine Minute dauern.

3. Am 21. August war dem Album die „Ship“ EP voraus gegangen. Mit „Ship“ und „Loose Ends“ befinden sich zwei der Songs auch auf dem Album, das instrumentale „Avalanche“ ist nur auf der EP. Als digitale Singles folgten „Al Sur“ und „Oh Sweet Fire“.

4. „Ship“ und „Vertigo Days“ sind die ersten Veröffentlichungen von The Notwist auf dem Berliner Label Morr Music, welches auch schon die Alben zahlreicher Nebenprojekte der Acher-Brüder wie Lali Puna, Ms. John Soda, Rayon oder Tied & Tickled Trio heraus brachte.

5. „Vertigo Days“ ist als CD (Digisleeve) und Doppel-LP (Black 3-sided vinyl, heavy wide-spine outer sleeve, incl. printed inners) erhältlich. Wer schnell genug war, hat die Schallplatte als olive Vinyl, clear Vinyl oder pink transparent Vinyl vorbestellt.

6. Das Plattencover sowie alle weiteren Fotos stammen aus der „Canary“ Serie der japanischen Fotografin Lieko Shiga, die dafür 2009 mit dem „Infinity Award/ Young Photographer” vom International Center of Photography, New York ausgezeichnet wurde.

7. Mit „Shrink“ konnten sich The Notwist 1998 erstmals in den deutschen Charts platzieren (#49). Danach ging es stetig aufwärts: „Neon Golden“ (2002) und „The Devil, You + Me“ (2008) kamen jeweils auf Platz 10, „Close To The Glass“ (2014) erreichte zuletzt sogar Platz 6.

8. Unglaublich viele Gastmusiker tummeln sich auf „Vertigo Days“: Die Sängerin Saya Ueno vom japanischen Pop-Duo Tenniscoats ist auf drei Songs zu hören („Into Love / Stars“, „Ship“ und „Into Love Again“), der amerikanische Multi-Instrumentalist Ben LaMar Gay singt auf „Oh Sweet Fire“, der amerikanische Jazz Klarinettist Angel Bat Dawid ist auf „Into The Ice Age“, die argentinische Singer/Songwriterin Juana Molina auf „Al Sur“ zu hören und die japanische Brass Band Zayaendo beschließt mit das Album auf „Into Love Again“.

Das hier versammelte Material ist derart feingliedrig arrangiert und durchdacht, dass man mehrere Durchgänge benötigt, um die ganzen Facetten zu durchdringen. „Exit Strategy To Myself“ zum Beispiel hat durch die ausgetüftelte Soundwahl der einzelnen Instrumente eine Raumtiefe, die beeindruckend ist. In Tracks wie „Ghost“ werden über eine sich immer wiederholende rhythmische Figur verschwenderisch Ideen aufgetürmt, dass es einen staunen lässt. „Into Love Again“ am Ende des Albums klingt wie der nostalgische Abspann zu einem Film, zu dessen Kinobesuch man sich noch Jahre später gratulieren wird. (…)
The Notwist verlassen sich nicht auf Altbewährtes. Und so ist „Vertigo Days“ ein suchendes Album geworden, eines, mit dem The Notwist nicht nur Zeit und Umwelt spiegeln, sondern auch Trost suchen im Zusammenschluss und in neuen Formen. Ein clevere, bewegendes und inspirierendes Werk.
(Sounds & Books)

9. Das Album wurde gemeinsam von The Notwist mit Olaf Opal (Abay, Woods Of Birnam, Drangsal, Die Sterne, Madsen, Kante Phillip Boa) in Weilheim und München aufgenommen und abgemischt. Seit „12“ (1995) arbeitete Olaf Opal an allen Alben von The Notwist mit.

10. Ob die insgesamt vier Corona-konformen Konzerte im E-Werk in Erlangen wirklich am 26. und 27.03.21 stattfinden können?

2013 hatte Passenger mit „Let Her Go“ eine Nummer 1-Single in Deutschland, in deren Folge auch das eigentlich im Vorjahr veröffentlichte Album „All The Little Lights“ bis auf rang 6 der Charts kam. Anschließend war Michael David Rosenberg äußerst produktiv und veröffentlichte jedes Jahr ein neues Album und das durchaus erfolgreich: „Young As The Morning Old As The Sea“ kam 2016 in seiner britischen Heimat auf Platz 1 und in Deutschland kletterten zwei weitere seine Platten bis auf Rang 6. Die Veröffentlichungen der letzten beiden Jahre waren eben so ungewöhnlich wie lobenswert, denn alle Einnahmen von „Sometimes It's Something, Sometimes It's Nothing at All“ und „Patchwork“ kamen wohltätigen Zwecken zu.

Auch „Songs For The Drunk And Broken Hearted“ will nicht nur eine Platte sein, sondern Gutes tun. Und so wird für jedes über die Homepage von Passenger verkauftes Exemplar, das zu 100% aus recyceltem Material besteht, ein Baum gepflanzt. Musikalisch sind die 10 Songs business as usual, also getragener, melancholischer Folkpop. Neben der regulären Version, die durch ein fröhlich klimperndes Piano („Tip Of My Tongue“), Streicher („The Way That I Love You“, „London In The Spring“), Bläser („Sandstorm“, „Songs For The Broken Hearted“) und/oder eine George Harrisson-Gedächtnis-Gitarre („Remember To Forget“) dezent aufgemotzt werden, gibt es erneut alle Lieder in der Deluxe Version in akustischen Fassungen. Ob Rosenberg bei den Aufnahmen von „Songs For The Drunk And Broken Hearted“ betrunken war, kann ich nicht sagen, aber ein gebrochenes Herz hatte der frisch Getrennte wohl: I think it’s a very strange world we live in, and everything I experienced usually percolates around the brain box for a little bit and then gets channeled into the songwriting, so a breakup is no different. It’s a very extreme version of that.

Ob die Wertungen der Plattenrichter Rosenberg auch wieder wie zuletzt ein gebrochenes Herz bescheren werden? So sah es bei den letzten Alben von Passenger aus:

„All The Little Lights“ (2012) 6,833 Punkte

„Whispers“ (2014) 7,500 Punkte

„Young As The Morning Old As The Sea“ (2016) 6,000 Punkte

„Runaway“ (2018) 6,000 Punkte

The opening track, Sword From The Stone, hits instantly like a punch to the gut, being about the inability to move on from a recent relationship. He asks about his ex’s family, and says he can’t ‘pull the sword from the stone’. It’s beautiful and direct, perfectly capturing the feeling of someone being torn away from you like a limb, a vital part of your life.
The Way That I Love You is an intimate tune about wishing somebody could love themselves as much as they’re loved by others. At its core, there are resemblances to the likes of Crosby, Stills & Nash laced within its tender acoustic guitar riffs and lullaby-like vocal melodies, making this feel like a long-time classic.
The track Sandstorm is a quietly swelling epic at 5 minutes long, which sees Passenger waxing poetic on the idea of being the sandstorm and a lover being the sand, feeling as though you’re the chaos in someone’s life and being hard to understand. The drums, horns and strings weave their way into the mix seamlessly, creating a cinematic listening experience that makes you want to go back and play on repeat.
Songs like Remember To Forget and Nothing Aches Like a Broken Heart work so well in that they’d fit perfectly into a Nashville dive bar and just as equally a trendy South London pub, with sliding and shimmery guitars, and hearty Billy-Joel-like piano chords bouncing around the latter track.
(When The Horn Blows)

Nein, weder ein animierter Film-Geist noch ein neues Projekt eines deutsch-amerikanischen Rappers bieten eine Hilfe beim Entschlüsseln von Casper Clausen. Durch das dänische Wort für Nachhall kommen wir dem Künstler schon deutlich näher, denn dieser gründete vor rund zwei Jahrzehnten die Band Efterklang. Nach fünf Studioalben und zwei weiteren Platten mit dem Projekt Liima war es offensichtlich Zeit für ein erstes Soloalbum, welches er in seiner portugiesischen Wahlheimat aufnahm.

Und so wagt sich Casper Clausen solo auf krautige Elektropop-Wege, die auf sich wiederholende Muster setzen, das klassische Strophe-Refrain-Schema ignorieren und sich in keine zeitlichen Vorgaben pressen lassen wollen. Gleich der Opener „Used To Think“ läuft über 8 Minuten und zieht einen in seinen hypnotischen Bann wie Songs von Kraftwerk oder LCD Soundsystem. Der Hinweis auf den ein oder anderen mantraartigen, meditativen oder repetitiven Moment, lässt den aufmerksamen Richter sogleich an Sonic Boom denken, der Clausen bei der Produktion des Albums half. „Little Words“ könnte daher auch von Spaceman 3 oder Spiritualized stammen, die Super Furry Animals kommen mir auch mehrmals in den Sinn. Bei einer noch deutlicheren Betonung der Beats hätte „8 Bit Human“ auch als Song von Underworld oder The Chemical Brothers durch gehen können. Obwohl „Better Way“ nur acht Songs anbietet, enttäuscht auch die Laufzeit (knapp 44 Minuten) dieses Albums nicht.

Clausens Stimme kommt übrigens auch in den anderen Songs selten ohne elektronischen Filter aus, aber auch ohne diese Verfremdung klingt sie meist entrückt. Auf dieser Platte ist er mehr Soundarchitekt als Sänger.
„Better Way“ hört man an, dass das Album fast ausschließlich am Computer entstanden sein muss. Minimalistische, manchmal allzu repetitive Elektromotive begründen die Sphären, die von schwirrenden Laserklängen durchstrahlt werden. Nur selten geht das daneben, so wie beim Song „8 Bit Human“, der vor nervöser Überladenheit eher Kopfweh provoziert.
So, wie sich der Künstler einfach driften ließ, so verfällt man auch als Zuhörer*in im Laufe des Albums in eine eigenartige Schwebe zwischen Verträumtheit und Lummerland.
(musikblog)

Casper Clausen gibt sich auf Solopfaden einen deutlichen Tacken experimenteller und geht auf hochgradig sympathische Weise aus sich hinaus. Gefühlt stets an irgendwelchen Reglern drehend und schiebend, sucht der Däne nach seinem ureigenen Art-Kraut-Pop-Ansatz, der zwischen allen Schubladen und Stühlen angenehm kauzige Harmonien durch den Fleischwolf jagt. Nicht immer ganz einfach, aber stets spannend und unverschämt gut: Capser Clausen debütiert im Alleingang mit Stil und Mut zum harmonischen Wahnsinn.
(Beatblogger)

Wer sein Album am 1. Januar veröffentlicht, hat jedes Recht die erste Neuvorstellung bei Platten vor Gericht zu sein - selbst wenn es sich nicht um Rachel Platten handelt.

2021 wird hart, The Dirty Nil sind härter. Und so paart das kanadische Trio harte Gitarrenrock-Riffs mit der Energie des Punk und der daraus entstandene Mischling trägt den Namen „Fuck Art“. Dieser passt auch ganz gut zum Titel der ersten Single („Fuckin' Up Young“), die Luke Bentham (Gesang, Gitarre), Ross Miller (Bass) und Kyle Fisher (Schlagzeug) 2011, fünf Jahre nach der Bandgründung zu High School Zeiten, veröffentlichten. Damals hörte das Trio vermutlich selbst Musik von The Stooges, Weezer, The Replacements, Nirvana, Dinosaur Jr., Led Zeppelin, The Who und Metallica.

Mittlerweile können sie selbst auf drei veröffentlichte Alben zurückblicken: „Higher Power“ (2016), „Master Volume“ (2018) und nun „Fuck Art“ (2021), das Schallplatten-Freunden auch in drei Variationen angeboten wird, denn neben black Vinyl sind auch gold Vinyl und pink white marble Vinyl erhältlich.

Auf Vorhersehbarkeit und Konventionen hat die Band so und so keinen Bock. Ein wütendes Thrash-Feuerwerk eröffnet „Doom Boy“ und schlägt sofort in eine mächtige, energische Power-Pop-Hymne um – gewisse Vergleiche mit Sum 41 drängen sich auf. „Elvis ’77“ verneigt sich ein klein wenig vor Cheap Trick und schraubt den Power-Faktor noch weiter in die Höhe, während das sarkastische, bitterböse „To The Guy Who Stole My Bike“ in aller Schwere durch zunehmend noisigen Alternative Rock marschiert. Luke Benthams gewiss total aufrichtige Hoffnung, die Bremsen mögen ja nicht versagen, hat Stil.
„Fuck Art“ ist pickepackevoll mit Überraschungen und bärenstarken Tracks. „Ride Or Die“ ist ein kantiges Liebeslied im Stil von Motörhead, und damit sollte bereits alles gesagt sein – frontal, schroff und doch irgendwie grundsympathisch, eingängig. Zu den verqueren Grunge-Gitarren von „One More And The Bill“ kann man herrlich mitgrölen, was gewissermaßen zur Saufstimmung passt. Im Gegensatz dazu wirkt das zurückgelehnte „Damage Control“ sonnig und vertraut, nur um nach knapp zwei Minuten eine weitere metallische Abzweigung zu nehmen und sich in eine Art Rausch zu brüllen.
(Beatblogger)

(…) aber gleichzeitig kommt "Fuck Art" so authentisch daher und jedes Riff ist so sehr vom Elan eines Musikschülers gesegnet, der sich das erste Mal abseits der vom Gitarrenlehrer aufgetragenen Lehrstücke ausprobiert, dass das Ergebnis am Ende doch zu gut gefällt. Immer wieder blitzen Akustik-Gitarren durch, die sehr saubere Produktion hält die verschiedenen Elemente aber wunderbar zusammen, selbst wenn das Pendel mal mehr in Richtung Punk- und Hardrock schlägt, wie in "Ride Or Die", das stellenweise an die Briten von The Subways erinnert. Ganz ähnlich ist es mit "Hang Yer Moon", das über einem grummelnden Basslauf immer wieder in dichte Riff-Feuerwerke kippt. Das gute Händchen für eingängige, wenn auch nie überraschende Hooks beweisen The Dirty Nil allenthalben, vor allem in "Blunt Force Concussion" oder "Damage Control". So bleibt schließlich der Eindruck eines spaßigen, leicht verdaulichen Teen-Nostalgia-Albums, das einen für kurze Zeit gut aus dem Pandemie-Trott entführen kann. Den Titel darf man dann wohl als Fingerzeig verstehen, dass hier auch niemand höhere Ambitionen hatte.
(laut)