Walk The River opens with a song of the same name, a track which builds and builds, starting out with a sole drumbeat, soon followed by Dangerfield's soft vocal, before culminating into a really richly textured, melancholy melody. The lyric "Walk the river like a hunted animal" is striking and delivered with pinching emotion that invites listeners to stop, and to truly absorb the message of the song. It's a raw, honest opening tune, augmented by a beautiful harpsichord-esque sound and is a real taste of the sentiment to expect from the rest of the album. 'Walk The River' trickles into track two 'Vermillion' which retains the structural style of the first track, something which has been carefully considered on this record in ordder to make each song slide perfectly into the next. There's a bit of a Midlake feel to 'Vermillion' with lots of layered vocals and a very rhythmic acoustic guitar. This smooth soundtrack is presented alongside gently distorted vocals which add a real sense of depth and darkness. It's quite comforting to hear Dangerfield's voice again, for his is a truly honest talent - no pretention, nothing fake - every syllable that he utters is soaked in beliveable longing, love, heartache or whichever emotion the song requires.

Each track on Walk The River carries something sentimental. The lyrics are tinged with nostalgia, everything about the compositions feels very personal and there's a lasting sense of loss throughout the album. Musically, this album is gorgeous. It's atmospheric, full of reverb and clinging tones. Closing track 'Yesterday Is Dead' continues the sprawling, melancholic feel of the album in an eight and a half minute track which fades into ghostly children's vocals as the end of the song draws the album to silence. The overall tone of the album is more calculated than on previous releases. There's none of the frantic chanting found on 'Kriss Kross' or euphoric romanticism of 'Made Up Love Song #43_, it's slower paced and sadder. Walk The River is the most mature sounding Guillemots record to date, full of tender songwriting and stingingly poingnant lyrics. It's not what I was expecting, but it's completely beautiful.
(thelineofbestfit.com)

Don't believe the anti-hype: pop album of the year, by at least a dozen choruses.
(bbc.co.uk)

Album standout "Tokyo (Vampires and Wolves)" is the throwback jam dressed to the nines with plenty of dance floor hormones and bass; its message of celebrating the blissful ignorance of self-destruction adds a sheen of darkness and depth to a song referencing mythical monsters. "Jump Into The Fog" accomplishes the same feat, making the horrifying task of facing life's uncertainties feel as big and anthemic as it should without losing the intimacy of being scared shitless.

The rest of the LP is backed up by equally impacting selections. From cheesy wordplay in "Anti-D ("Please allow me to be your anti-depressant/I too am prescribed as freely as any decongestant") that amazingly works to accepting the wonders of maturing enough to like techno ("Techno Fan") and accepting your mortality without actually being less of a cock ("Last Night I Dreamt..."), and even reminiscing about 1996 (God, does that feel like forever ago..) in the eponymous song , the album so wonderfully sums up the existences of the 20-somethings of planet Earth. The effort's as sweet as any candy and just as jarring as inhaling 11 inches of the stuff in one sitting.
(consequenceofsound.net)

It seems The Pigeon Detectives are mired deep in their furrow, as from track two onwards Up, Guards and at ‘Em! retreads exactly the same ground as their previous two albums – chant-worthy, Kaiser Chiefs-y indie-pop of a laddish hue, heavy on catchy choruses, light on lyrical subtlety. Matt Bowman is never going to win any Nobel prizes for poetry: when melodic stand-out Through the Door manages to lift itself out of the general indie sludge that weighs down the rest of the record, Bowman’s lyrics, as clunky as a brick dropped off the Empire State, drag it off into the realms of comedy. One minute it sounds like he’s singing mid-burgling job ("We came in here through the window / But we’ll be leaving through the door"), the next he appears to end up at a firebombed nightclub ("I wanna dance with you but my hands are on fire!"). Ludicrous.

Otherwise the band struggles to dredge up any sort of sparkle, no matter how finely-forged the hook. Go at It Completely and What Can I Say? boast a little of their debut’s florid fire and there’s a scratchy charm to the moments where some fragility emerges (the Strokes-y Turn the Lights Out and the painfully warped I Don’t Know You). But a good third of the album – Done in Secret, What You Gonna Do?, Need to Know This – is a drag to plough through: phoned in, zoned out, treading water, joyless.

(bbc.co.uk)

Besondere Highlights sind Rivers And Roads und Honey Come Home. Rivers And Roads beginnt, einhergehend mit der besungenen Sehnsucht, schleppend und schwermütig. Der Song steigert sich jedoch immer weiter, was der authentischen Stimme von Violinistin Charity zu danken ist und endet in der mit allen Leibeskräften gesungenen Zeile: Rivers and Roads ’till I reach you. Honey Come Home ist ein Friedensangebot an die einstige Liebe, in der alles als selbstverständlich vorausgesetzt wurde. Der Protagonist hat sogar den Kühlschrank geputzt und seine Wäsche weggeräumt und bettelt nun: Honey, come home.

Musikalisch setzen The Head And The Heart auf klare Strukturen, alles sehr ehrlich, passend zu den offenherzigen Texten. Klavier, Gitarre, Violine, Bass und Drums, hier und da mal ein Glockenspiel, aber das wars dann schon an Schnickschnack. Die Stimmen der Bandmitglieder harmonieren perfekt miteinander, sodass ein sehr kraftvoller, klarer und unendlich weiter Sound entsteht. So etwa, als würde man im Umland von Seattle auf einem Berg stehen und an einem klaren Morgen den weiten, ungetrübten Blick über die Stadt genießen.
(detektor.fm)

Denn "Daydreams And Nightmares" macht das, was sich für ein gutes Album schickt: Es versucht nicht, schon wieder alles umzuschmeißen und sich seltsam eitel gegen die eigene Ursprungsidee zu verschwören, nein, es feuert einfach noch mal ab. Ein kleiner Hang zum Retro-Sixties-Pop steht so wieder im Raum, allerdings umzingelt von zeitgemäßem Electro-Klingklang. Und wieder türmen die Stücke auf, nur um sich ekstatisch im Refrain oder ähnlicher Klimax zu ergießen. Musik als permanente Auslösung. So hätte das Debütalbum von Phoenix klingen können, wenn die Franzosen schwedische Girls gewesen wären und ihre Melancholie noch mehr auf Halleluja getrimmt hätten. Versteht man das? Egal, der dringende Hinweis, mit dieser Band und Platte gefälligst glücklich zu werden, dürfte ja wohl angekommen sein.
(intro.de)

Nahezu jeder Song setzt auf Handclap-Rhythmen, einen mal mehr, mal weniger emphatischen choralen Background und Bläsern. Um es überspitzt zu sagen: Wo Bands wie Fanfarlo erst richtig anfangen, kratzen I'm From Barcelona lediglich an der Oberfläche des Machbaren.
Großer Hit? Fehlanzeige. "Always spring" schmiegt sich im Refrain an Alphabeats "Fascination" an, nur "Get in line" bleibt nach mehrmaligem Hören mit seiner einfachen Melodie als Ohrwurm im Gedächtnis. Die undefinierbare Mischung aus Kazoo und Keyboard bietet Nachschub für die Indie-Disco. "Skipping a beat", das sich ebenfalls vermehrt solcher Keyboard-Sequenzen bedient, wirkt dagegen wie der Versuch eines schüchternen Außenseiters, der unnahbaren Angebeteten seine Liebe zu gestehen. Süß gemeint und mit dem Herz an der richtigen Stelle, am Ende bleibt der Erfolg aber aus, und es schmeckt doch wie Zuckerwatte mit Glassplittern.

2007 gründete Simon Konrad Cargo City als Soloprojekt. Im Laufe der Jahre und Alben versammelte er feste Bandmitglieder um sich. Die ersten beiden Alben und die Soundtrack-Beiträge zum Film “Vincent will Meer” dürften schon den ein oder anderen Musikhörer auf die Band aufmerksam gemacht haben. Mit “Dance/Sleep” steht nun das dritte Album in den Regalen.

Mit der Zeit und den neuen Musikern wandelte sich der Singer/Songwriter zum Vortänzer einer Indiepoprock-Band, die mit ein paar elektronischen Elementen, Balladen und dem Radio liebäugelt. Entgegen dem Albumtitel reicht das nicht wirklich für die Tanzfläche aber in den Schlaf wird man durch die zehn Titel auch nicht geschickt. Doch zwischen anderen “Extremen” spielt sich das Geschehen auf “Dance/Sleep” ab. Wenn es flott ist, klingt es nach Placebo. Die ruhigeren Parts ließen mich an Embrace denken. Durch die große Spannbreite der Songs zwischen emotional-düster (z. B. “The choir”) und Indierock (z. B. “All that you need”) dürfte für fast jeden genreaffinen Hörer etwas dabei sein. In der Gesamtheit könnte man “Dance/Sleep” abwechslungsreich nennen. Mir fehlt allerdings der rote Faden für eine vollständige Begeisterung meinerseits.

Neben den bereits erwähnten Songs gefallen mir außerdem “The tale of the careless man” und “Life in reverse”. Uii, das sind ja mehrheitlich die ruhigen Songs des Albums. Vielleicht sollte ich mich mal mit den Vorgängerwerken der Band befassen.

Der Terrorverlag über das Album:

CARGO CITY bleiben auch mit der dritten Konserve abwechslungsreich, eingängig und hörenswert. Mehr noch, die Musik ist im Vergleich zum Vorgänger sogar gewachsen und offeriert „Dance/ Sleep“ nunmehr als durch und durch organischen Band-Sound, der mit analog-elektronischen Elementen perfekt kombiniert wurde.

Erwähnenswert finde ich auch diesen Absatz von Whiskey Soda:

'Dance/Sleep' ist beileibe nicht leicht zu komsumieren, da die Platte manisch-depressiv anmutet: Erst zu Tode betrübt, plötzlich ohne Grund völlig euphorisch. Die Klänge sind oft dermaßen vielschichtig, dass es beinahe anstrengend wird, einen roten Faden im Lied zu erkennen. Das verleidet einem ein wenig den Spaß an der Platte, da weniger manchmal mehr ist und trotzdem genug Emotionen vermitteln kann.

Dort gibt es den Titelsong des Albums als Stream und kostenlosen Download und da als Video.

Cargo City auf Tour:

• 26.04. Hannover – Cafe Glocksee
• 27.04. Braunschweig – Luke 6
• 28.04. Bremen – MS Treue
• 29.04. Düsseldorf – Pretty Vacant
• 30.04. Münster – Amp
• 01.05. Regensburg – Die Heimat
• 02.05. Innsbruck – Weekender
• 03.05. München – 59to1
• 05.05. Biberach – Abdera
• 06.05. Freiburg – KTS
• 07.05. Wiesbaden – Kreativfabrik
• 08.05. Bensheim – PiPaPo
• 10.05. Potsdam – Waschhaus
• 11.05.  Hamburg – Haus 73
• 12.05. Leipzig – Werk2
• 13.05. Berlin – NBI
• 14.05. Plauen – Club Zooma
• 17.05. Frankfurt – Sinkkasten

Opening track Black Death 1349 stays true to the title as a fairy sombre song with singer Jordan Ireland driving the song with his classic vocals; this carries on to My Grandma Was Pearl Hall, which resembles a depressed Empire Of The Sun.

Previous single Jesus Came To My Birthday Party breaks the sombre vibe that the album presents in the first three tracks with the welcome introduction of Bree Tranter's voice and an upbeat melody with light-hearted lyrics. This trend follows into track five Land Of The Bloody Unknown, which boasts a catchy melody along with a simple time structure. An obvious selection for a future single.

Deep Water is hauntingly beautiful with the collaboration of timely instruments which include an acoustic guitar, piano and slide guitar to create a ten minute long masterpiece. The clear standout on this album.

Although there are seven members of The Middle East, the album does not suffer from an overload of sound. In songs like Mount Morgan and Dan’s Silverleaf each element works perfectly with Ireland to create a spacious sound.
Ireland’s vocals are undoubtedly a vital element. At times there's a clear resemblance to Jeff Buckley, this is especially present in Hunger Song, where Ireland’s clear and faultless vocals will make you instantly fall in love.

There is no way to easily lump this album into one genre; with the band serving up a mixed pot of folk, ambience, pop, country and alternative rock. The guys prove their mature musical abilities, as well as a wide appreciation for beautiful music; no matter what genre it may belong to. Each track brings a necessary element to the album, which upon removing would be similar to skipping a chapter in a book.

The band have managed to produce a classic sounding album, filled with tracks that are too good to simply be lost in the background.
(themusicnetwork.com)

Her music is entirely her- a warm youthfulness. Ethereal harmonies, and a certain kind of wonder in all of her songs. She’s got this ability to pull the beauty out from the world that she sees, and effortlessly packages it her own prose that sound like she’s retelling a dream she had last night.
(friendswithbotharms.com)

The previously mentioned opening track “Meet Me In Montauk” deliver a swayingly upbeat tunefulness that is hypnotizing. The song consists of little more than her lovely vocals, soft acoustic guitar and some finger claps, and yet if you let yourself fall into it – you’d swear there was so much more going on. That magic – making so much out of so little – is a trick that Steffaloo pulls off again and again on this record. “Oh My God” spins a delicate web of longing and love that calls to mind both Feist and Sufjan Stevens: “oh my god / you are so good / so good to me.” The warmly, enveloping track “When The Sun Goes Down” is another highlight, as is the delicate, intimate and beautiful cut “Fly Away.” And I honestly don’t think there is a weak spot in the collection. A truly solid first effort.
(turntablekitchen.com)

They do employ alt-rock touchstones. Over the course of 35 minutes, Cat's Eyes stir up the spirits of Cowboy Junkies, My Bloody Valentine (who had a big effect on the Horrors' last album), and, when Badwan and Zeffira combine voices, Nancy Sinatra and Lee Hazlewood. Backed by guitars and drums under a screen showing fragments of black-and-white films, they are not reinventing the wheel, but are inarguably striking.

The first few songs, which include a Pink Floyd cover, Lucifer Sam, do not have what you would call structure; instead, they derive their clout from the ethereal sighs of Zeffira and a backing vocalist. During The Best Person I Know, a shoegazing throwback of organ and vocal, the backing singer literally stares at her footwear. Are Badwan's eyes glazing over? No – he is readying himself for the distortion-pop assault of Face in the Crowd, which gives listeners a resounding thwack in the head. Then the delicate I'm Not Stupid delivers a lovely surprise: a female choir appear in the balcony to add feathery harmonies.

Despite the drifty troughs, there are enough peaks here to make Cat's Eyes a side project worth listening out for.
(guardian.co.uk)

Vielleicht sollte ich wirklich dazu übergehen hier nur noch die Kommentare zu lesen und einfach immer alles gegen die Kritik der Richter kaufen. Das funktioniert scheinbar sehr gut ;-)
(Volker)

Der Opener, „It’s So Easy“, lässt Schlimmes befürchten. Eine gesichtslose Elektro-Pop-Wave-Nummer, die man schon vergessen hat, bevor sie zu Ende ist. Ganz so schlimm geht es zwar nicht weiter, aber die Band um Sängerin Maja Ivarsson und Gitarrist Felix Rodriquez schielt in Richtung kommerzielle Verwertbarkeit. An und für sich ist das ja kein besonderer Makel, aber in diesem Fall geht das Ganze komplett nach hinten los.

Wohl auch, weil die Schweden diesmal auf einen Produzenten verzichtet und alles selbst in die Hand genommen haben. Das erklärt die klangliche Eindimensionalität des Albums. The Sounds haben sich mit Something To Die For nicht weiterentwickelt, sondern ihren Sound nur in die Breite ausgedehnt. Die Band wirft zwar in Songs wie „Won’t Let Them Tear Us Apart“ mit durchaus gut gemeinten Zitaten, vor allem aus den 80er-Jahren, nur so um sich, aber zu einer eigenen musikalischen Handschrift führt das nicht.
(musikexpress.de)

Das Album erstreckt sich über eine grandiose Vielfalt und bedient dabei fast jeden Geschmack. So bildet es beispielsweise auch den Ersatz für das typische Automixtape.

In der Mitte des Albums gelangt man zum Titelsong Something to die for. Dieser macht gleich am Anfang klar, warum er den Tonträger betitelt. Er repräsentiert das Album mit seiner Soundvielfalt, mit klugen Textpassagen und mit einer in sich geschlossenen Harmonie. Eine Harmonie, die das schwedische Fünferpack im Übrigen auch auf der Bühne repräsentieren kann. Geschlossen und vor allem echt tritt das Quintett vor das Publikum. Das Ganze wird unterstützt von einer gehörigen Portion Selbstvertrauen, aber genau diese sollte bei dieser Band selbstverständlich sein. Sie können es sich leisten.

Beachtlich am neuen Werk der The Sounds ist auch der Faktor, dass der Hörer ein bisschen an der Nase herumgeführt wird. Wie die Sounds das machen? Mit Sounds. So passiert es doch recht häufig, dass der Beginn eines Songs eine komplett andere Erwartung an den Rest des Liedes aufwirft, als es später zu vernehmen ist. Das Gute an der Sache ist, dass die Anfangserwartung stets übertroffen wird.

Am Ende des Albums stehen die Songs The Best Of Me und Wish You Were Here. Ersterer erscheint wie eine Art Resümee. »Wir haben es geschafft!« könnte die Aussage darüber sein, da er den großartigen Abschluss des Albums einleitet. Interessant wäre es zu wissen, ob der Song auch als einer der letzten produziert wurde. Wish You Were Here beginnt, wie ein letzter Song auf einer grandiosen Platte anfangen muss: Mit einer akustischen Gitarre. Es entwickelt sich eine Ballade, die den Hörer abschließend noch einmal an die Hand und mit auf eine kurze Reise nimmt. Am Ende lässt sie los und man steht alleine da. Im Idealfall ist genau hier der Zeitpunkt gekommen, um Something to die for noch mal zu hören.
(titel-magazin.de)

Die Band Malachai (ehemals Malakai) stammt aus Bristol und das Debütalbum “Ugly side of love” wurde von Portisheads Geoff Barrow produziert. Diese beiden Tatsachen sagen schon einiges über das zu erwartende Resultat aus.

Das zweite Album “Return to the ugly side” entstand ohne nennenswerte Beiträge des Portishead-Masterminds aber nach Bristol passt Malachai noch immer und Portishead-Sphären erreichen sie ab und zu auch ohne ihn. Das Duo (Gary Ealey und Scott Hendy) liefert eine wilde Soundcollage ab, die man in ähnlicher Form von Massive Attack oder Unkle erwarten könnte. Da werden auf eine Trip-Hop Plattform verschiedenste Elektro-Stile hemmungslos kombiniert. Das klingt mal nach einem James Bond-Soundtrack, zu erfreulich großen Teilen nach Unkle zu Psyence Fiction-Zeiten und wären die Männer von The Prodigy mit dem Alter “milde” geworden, könnte auch einige Songs von ihnen stammen.

CDStarts.de vergleicht “Return to the ugly side” mit dem Vorgängeralbum:

Worin sich „Return To The Ugly Side“ am meisten vom Debüt unterscheidet ist also seine dramaturgische Stringenz. Alpdruckartig wankt man beim hören gleich durch mehrere diffuse Träume, doch der Wolkenhimmel bleibt die ganze Zeit bedrohlich geladen und tiefdunkel. […] Die Drums- und Percussionsamples sind auch im Weiteren das, was „Return To The Ugly Side“ pointiert zu gefährlich guter Musik werden lässt.

Die Kürze der Songs (nur drei der 14 Tracks werden mehr als drei Minuten Dauer eingeräumt) macht “Return to the ugly side” zu einem sehr dichten und abwechslungsreichen Sounduniversum. Besonders wird dieser Schmelztiegel durch Ealeys markante Stimme, den Anklang britischen Pops der 60er Jahre und die recht harte Rock- und Hip-Hop Elemente. Letztere sind auch für die begrüßenswert düstere Grundstimmung verantwortlich.

Besonders gut kommen bei mir die Songs “Monsters”, “Mid antartica”, “The don’t just” und “Let ‘em fall” an. Portishead- und Unkle-Fans könnten an diesem Album Freude finden.

Das Video zu “Let ‘em fall”:

Dort gibt es einige abwechslungsreiche Malachai-Mixtapes im Stream.

Moment Bends ist glatt und euphorisch, ideenreich, aber subtil, damit der Einfallsreichtum nicht gleich so auffällt – ein PS-starkes Popalbum, das sich auf Dauer als Grower erweist. Die Songs, bei denen Bandchef Cameron Bird das Mikrofon an Kellie Sutherland abtritt, also die erste Single That Beep oder W.O.W., gehen ohne Anlauf in die Vollen: wie Saint Etienne im Autoscooter. Ein bisschen World Music hier, knackkalte Elektronik dort – Architecture In Helsinki machen Musik für moderne Menschen.
(intro.de)

Entspannte Stücke wechseln sich mit schwungvollen Liedern ab, immer unterlegt von einem markanten Beat, der mal locker-peitschend, mal getragen-entspannt daherkommt und von einem fröhlichen, oftmals hüpfenden Bass vervollständigt wird. Garniert wird dieses Gerüst mit stets erfrischend-spritzigen Synthesizer-Tönen, die das Hoch und Tief einer solchen Synthie-Klaviatur komplett abdecken. Ihre Instrumente spielt die Band jedenfalls sehr lebhaft und mit großem Spaß.

Warum nur bleibt kaum etwas von alledem im aufmerksam zuhörenden Ohr hängen? Die Rede ist nicht von klebrigen Ohrwürmern – die gibt es schließlich zuhauf. Vielmehr sind interessant und lohnenswert anzuhörende Stücke, die durch ihre Spannung glänzen, gemeint. Wahrscheinlich, weil “Moment Bends” ein glattes und geschmiertes, aber astreines Popalbum ohne Kanten ist, das einfach so durchläuft, auf die für Nachhaltigkeit nötigen Widerhaken jedoch verzichtet. Live ist das bestimmt ein großer Spaß, will man die Musik aber zu Hause hören, findet sich im Backkatalog von Architecture in Helsinki spannenderes und faszinierenderes wie das Vorgängeralbum “Places Like This”, das es sich eher zu Hören lohnt. Andererseits – so extrem kurzweilig wie auf “Moment Bends” gestalten sich die dreieinhalb Popminuten eines Liedes gar nicht so häufig.
(byte.fm)

Darf man eine Band, die noch vor nicht allzu langer Zeit als wichtigste und beste schottische Kapelle bezeichnet wurde, des Irrsinns bezichtigen? Irrsinn, weil keiner der Songs auf „Euphoric ///Heartbreak\\\“ ohne diese vollkommen übertriebene Dosis pompösen Glamours auskommt, ja nur schwerlich bestehen könnte? Eingerahmt vom sphärischen Intro „Pain Pain, Never Again”, bei dem eine Freundin des Frontmanns James Allan aus Montreal zu hören ist, und der ebenso tragenden Schlussnummer “Change” (hier Allans Mutter am Mikro) übergießen Titel wie „Euphoria, take my Hand“, „Lots sometimes“ oder “You” den Hörer mit einer nur schwer zu greifenden Mixtur aus markantem, aber auf Dauer an den Nerven zehrendem Gesang, meilenweiten Synthie-Flächen und Gitarreneffekten, bei denen selbst U2s The Edge noch die Kinnlade gen Süden streben würde.
Melodien haben die Songs allesamt im Überfluss, aber nur wenige davon tragen eine ausreichende Ladung Nachhaltigkeit in sich. Da wird höchst repetitiv ein und das selbe durchschnittlich ansprechende Motiv immer wieder strapaziert, während das Schlagzeug unter den Fittichen der neuen Drummerin munter das Bumm-Tschikk spielt und wenn da nicht die Songs wie „Shine like Stars“ oder „Whatever hurts you through the Night“ (erinnert ja doch sehr an T’Pau und Richard Marx) wären, die mehr Struktur und Einfallsreichtum beweisen, könnte man sich wirklich fragen, was Glasvegas da im Studio (oder in der Sonne Kalifornias – dort ist das Album zusammen mit Produzent Flood entstanden) getrieben haben. Man darf hier und da doch schon verwundert den Kopf schütteln - und doch ist da dieser leise Anflug von Reue, wenn „Shine like Stars“ oder „Whatever hurts you through the Night“, diese natürlich ebenfalls gnadenlos überbaute, aber doch sehr eindringliche Vertonung eines Road Movies ihren Weg in die Ohren findet.
(valve-magazin.de)

Auf “Euphoric /// Heartbreak \\\” ist alles groß: die Geste, der Weltschmerz, das Leiden, die Liebe, der Sound. Nur wirkt diese Größe hier ein wenig aufgeblasen. Wie ein Hefeteig, der bei der geringsten Berührung in sich zusammenfällt. Von den ersten Tönen des dramatischen Intros bis zu den letzten, gesprochenen Worten von “Change” ist das zweite Album der Schotten darauf aus, Eindruck zu schinden. Es drängt sich quasi auf die große Bühne. Trotzdem scheint noch immer das außerordentliche Talent der Band durch.
Am besten gefallen mir eigentlich die Songs, die ein wenig Luft zum Atmen haben und nicht duch Powerchords und Bombast-Refrains erdrückt werden. Das spannende “I Feel Wrong (Homosexuality Part I)” zum Beispiel oder auch “Lots Sometimes”, welches sich über sechs Minuten kontinuierlich aufbaut und in einem Drama endet. Auch das bereits erwähnte “The World Is Yours” ist ein großartiger Song, trotz des mächtigen Sounds. Oder “Euphoria, Take My Hand”, auch wenn es sich ein wenig im Dunstkreis von Coldplay (“Life In Technicolor”) bewegt.
Ein durchwachsenes zweites Album mit einer handvoll guter Songs, etwas zu bombastisch produziert.
(nicorola.de)

Blood Pressures klingt eckig und schmutzig, nach alten Gitarren und kaputten Drums, nach Schmerz, Sehnsucht und Selbstzerstörung. An jeder Ecke knattert, knistert, knirscht und zischt es. Man weiß nicht genau, aus welcher verstaubten Spielzeugkiste Jamie Hince das Optigan ausgegraben hat, ein Keyboard aus den frühen 70ern. Das verleiht der Platte den nötigen Vintage-Sound und auch Streicher werden durch das Optigan in die Songs integriert, wie in Last Goodbye, dem stillsten Song auf Blood Pressures – eine leise Ballade mit Klavierbegleitung.

Doch auch die Kills-typischen knarzigen Gitarren, die teilweise verstimmt klingen und dem englisch-amerikanischen Duo eine gewisse punkige Attitüde verleihen, fehlen auf Blood Pressures nicht. Im Opener Future Starts Slow klingen sie trotzig, in Nail In My Coffin röhren und quietschen sie und in DNA klingen sie einfach nur rotzfrech und extrem lässig. Alles auf's Wesentliche reduziert, nicht zu dick aufgetragen – Lo-Fi eben. Kombiniert mit dem zügellosen Gesang von Alison Mosshart, die faucht und zugleich schreit, ergibt sich so der düstere und eigenwillige Charme der Kills.
(detektor.fm)